Peintures basées sur des œuvres d'art. La peinture : des chefs-d'œuvre de l'art, célèbres dans le monde entier

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Artistes européens commencé à utiliser peinture à l'huile au XVe siècle, et depuis lors, c'est avec son aide que les peintures les plus célèbres de tous les temps ont été créées. Mais à l’heure de la haute technologie, le pétrole conserve toujours son charme et son mystère, et les artistes continuent d’inventer de nouvelles techniques, déchirant le moule et repoussant les limites de l’art moderne.

site web a choisi des œuvres qui nous ont enchantés et nous ont rappelé que la beauté peut naître à n'importe quelle époque.

Propriétaire d'un talent incroyable, l'artiste polonaise Justyna Kopania, dans ses œuvres expressives et radicales, a su préserver la transparence du brouillard, la légèreté de la voile et le doux balancement du navire sur les vagues.
Ses tableaux étonnent par leur profondeur, leur volume, leur richesse, et la texture est telle qu'il est impossible de les quitter des yeux.

Artiste primitiviste de Minsk Valentin Goubarev ne recherche pas la gloire et fait juste ce qu'il aime. Son travail est incroyablement populaire à l’étranger, mais presque inconnu de ses compatriotes. Au milieu des années 90, les Français tombent amoureux de ses croquis quotidiens et signent un contrat de 16 ans avec l'artiste. Les peintures, qui, semble-t-il, ne devraient être compréhensibles que par nous, porteurs du « charme modeste du socialisme sous-développé », séduisirent le public européen et des expositions commencèrent en Suisse, en Allemagne, en Grande-Bretagne et dans d'autres pays.

Sergueï Marshennikov a 41 ans. Il vit à Saint-Pétersbourg et travaille à meilleures traditionsécole russe classique réaliste peinture de portrait. Les héroïnes de ses toiles sont des femmes tendres et sans défense dans leur demi-nudité. La plupart des peintures les plus célèbres représentent la muse et épouse de l'artiste, Natalya.

À l’ère moderne des images haute résolution et la montée de la créativité hyperréaliste Philippe Barlow(Philip Barlow) attire immédiatement l'attention. Cependant, un certain effort est demandé au spectateur pour s’obliger à regarder les silhouettes floues et les points lumineux des toiles de l’auteur. C’est probablement ainsi que les personnes souffrant de myopie voient le monde sans lunettes ni lentilles de contact.

La peinture de Laurent Parcelier est Monde incroyable, dans lequel il n'y a ni tristesse ni découragement. Vous ne trouverez pas de photos sombres et pluvieuses de sa part. Il y a beaucoup de lumière, d'air et couleurs vives, que l'artiste applique avec des traits caractéristiques et reconnaissables. Cela crée le sentiment que les peintures sont tissées à partir de mille rayons de soleil.

Huile sur panneaux de bois artiste américain Jeremy Mann peint des portraits dynamiques de la métropole moderne. "Les formes abstraites, les lignes, le contraste des points clairs et sombres - tout cela crée une image qui évoque le sentiment qu'une personne éprouve dans la foule et l'agitation de la ville, mais peut également exprimer le calme que l'on trouve en contemplant une beauté tranquille." dit l'artiste.

Dans les peintures de l’artiste britannique Neil Simone, rien n’est ce qu’il paraît à première vue. « Pour moi, le monde qui m'entoure est une série de formes, d'ombres et de limites fragiles et en constante évolution », explique Simon. Et dans ses peintures, tout est véritablement illusoire et interconnecté. Les frontières sont floues et les histoires s’enchaînent.

L'artiste américain contemporain d'origine italienne Joseph Lorasso (

Les peintures les plus célèbres et les plus significatives du monde pour l'histoire de l'art pour votre inspiration.

Les peintures immortelles de grands artistes sont admirées par des millions de personnes. L'art, classique et moderne, est l'une des sources d'inspiration, de goût et d'éducation culturelle les plus importantes de toute personne, et plus encore créative.

Il existe certainement plus de 33 tableaux de renommée mondiale, il y en a plusieurs centaines, et tous ne rentreraient pas dans une seule revue. Par conséquent, pour faciliter la visualisation, nous en avons sélectionné plusieurs qui sont les plus importants pour la culture mondiale et sont souvent copiés. Chaque œuvre est accompagnée fait intéressant, explication sens artistique ou l'histoire de sa création.

Raphaël "Madone Sixtine" 1512

Conservé à la Galerie des Maîtres Anciens de Dresde.

La peinture a petit secret: l'arrière-plan, qui de loin semblent être des nuages, en y regardant de plus près, ils se révèlent être des têtes d'anges. Et les deux anges représentés sur l’image ci-dessous sont devenus le motif de nombreuses cartes postales et affiches.

Rembrandt "La Ronde de nuit" 1642

Conservé au Rijksmuseum d'Amsterdam.

Le véritable titre du tableau de Rembrandt est « La représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenburg ». Les historiens de l’art qui ont découvert le tableau au XIXe siècle pensaient que les personnages se détachaient sur un fond sombre, et il s’appelait « La Ronde de nuit ». Plus tard, on a découvert que image sombre crée une couche de suie, mais l'action se déroule en réalité pendant la journée. Cependant, le tableau a déjà été inclus dans le trésor de l'art mondial sous le nom de « Night Watch ».

Léonard de Vinci "La Cène" 1495-1498

Situé dans le monastère de Santa Maria delle Grazie à Milan.

Au cours des plus de 500 ans d'histoire de l'œuvre, la fresque a été détruite à plusieurs reprises : une porte a été percée à travers le tableau puis bloquée, le réfectoire du monastère où se trouve l'image a été utilisé comme armurerie, prison , et a été bombardé. La célèbre fresque restauré au moins cinq fois, la dernière restauration ayant duré 21 ans. Aujourd'hui, pour voir l'art, les visiteurs doivent réserver leurs billets à l'avance et ne peuvent passer que 15 minutes au réfectoire.

Salvador Dali "La persistance de la mémoire" 1931

Selon l'auteur lui-même, le tableau a été peint à la suite des associations que Dalí avait avec la vue du fromage fondu. De retour du cinéma où elle s'est rendue ce soir-là, Gala a prédit à juste titre que personne, après avoir vu La Persistance de la mémoire, ne l'oublierait.

Pieter Bruegel l'Ancien "Tour de Babel" 1563

Conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Selon Bruegel, l'échec de la construction Tour de Babel, ne sont pas coupables d'une apparition soudaine selon histoire biblique Barrière de la langue, mais des erreurs commises lors du processus de construction. À première vue, l'immense structure semble assez solide, mais après un examen plus approfondi, il est clair que tous les niveaux sont inégalement disposés, que les étages inférieurs sont soit inachevés, soit déjà en train de s'effondrer, que le bâtiment lui-même penche vers la ville et que les perspectives de l'ensemble du projet est très triste.

Kazimir Malevitch « Carré Noir » 1915

Selon l'artiste, il a peint le tableau pendant plusieurs mois. Par la suite, Malevitch a réalisé plusieurs copies du « Carré Noir » (selon certaines sources, sept). Selon une version, l'artiste n'a pas pu terminer le travail sur le tableau en période requise, il a donc dû recouvrir l'œuvre de peinture noire. Par la suite, après la reconnaissance publique, Malevitch a peint de nouveaux « Carrés noirs » sur des toiles vierges. Malevitch a également peint la « Place Rouge » (en deux exemplaires) et une « Place Blanche ».

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Le bain du cheval rouge" 1912

Situé dans l'État Galerie Tretiakovà Moscou.

Peint en 1912, le tableau s’avère visionnaire. Le cheval rouge agit comme le destin de la Russie ou de la Russie elle-même, que le jeune et fragile cavalier est incapable de tenir. Ainsi, l'artiste a symboliquement prédit avec son tableau le sort « rouge » de la Russie au XXe siècle.

Peter Paul Rubens "Le viol des filles de Leucippe" 1617-1618

Conservé à l'Alte Pinakothek de Munich.

Le tableau « Le viol des filles de Leucippe » est considéré comme la personnification de la passion virile et de la beauté physique. Les bras forts et musclés des jeunes hommes ramassent les jeunes femmes nues pour les monter à cheval. Les fils de Zeus et Léda volent les épouses de leurs cousins.

Paul Gauguin "D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ?" 1898

Conservé au Musée beaux-Arts En Boston.

Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre. Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité; dans le groupe final, selon le plan de l'artiste, « la vieille femme, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc...représente la futilité des mots.

Eugène Delacroix "La Liberté guidant le peuple" 1830

Conservé au Louvre à Paris

Delacroix a créé un tableau basé sur la Révolution de Juillet de 1830 en France. Dans une lettre à son frère du 12 octobre 1830, Delacroix écrit : « Si je ne me suis pas battu pour ma Patrie, du moins j'écrirai pour elle. » Les seins nus d’une femme dirigeant le peuple symbolisent le dévouement des Français de cette époque qui, avec « torse nu"Nous allions vers l'ennemi.

Claude Monet "Impression. Soleil levant" 1872

Conservé au Musée Marmottan à Paris.

Le titre de l'œuvre est "Impression, soleil levant" avec main légère le journaliste L. Leroy est devenu le nom direction artistique"impressionnisme". Le tableau a été peint d'après nature dans le vieux port du Havre en France.

Jan Vermeer "La Jeune Fille à la Boucle d'Oreille" 1665

Conservé à la Galerie Mauritshuis à La Haye.

L'un des tableaux les plus célèbres artiste néerlandais Johannes Vermeer est souvent appelé la Joconde nordique ou hollandaise. On sait très peu de choses sur le tableau : il n’est pas daté et le nom de la jeune fille représentée est inconnu. En 2003 roman du même nom Tracy Chevalier a tourné le long métrage "La Fille à la perle", dans lequel l'histoire de la création du tableau est hypothétiquement restituée dans le contexte de la biographie et la vie de famille Vermeer.

Ivan Aivazovsky "La Neuvième Vague" 1850

Conservé à Saint-Pétersbourg au Musée d'État russe.

Ivan Aivazovsky est un peintre de marine russe de renommée mondiale qui a consacré sa vie à représenter la mer. Il a créé environ six mille œuvres, dont chacune a été reconnue de son vivant. Le tableau « La Neuvième Vague » est inclus dans le livre « 100 Great Paintings ».

Andreï Roublev "Trinité" 1425-1427

L'icône de la Sainte Trinité, peinte par Andrei Rublev au XVe siècle, est l'une des icônes russes les plus célèbres. L'icône est un tableau au format vertical. Les rois (Ivan le Terrible, Boris Godounov, Mikhaïl Fedorovitch) « recouvrirent » l'icône d'or, d'argent et pierres précieuses. Aujourd'hui, le salaire est conservé dans la réserve-musée d'État de Sergiev Posad.

Mikhaïl Vrubel "Démon assis" 1890

Conservé à la Galerie Tretiakov à Moscou.

L’intrigue du film est inspirée du poème de Lermontov « Le Démon ». Démon - image du pouvoir esprit humain, lutte interne, doutes. Joignant tragiquement ses mains, le Démon est assis avec de grands yeux tristes dirigés au loin, entouré de fleurs sans précédent.

William Blake "Le Grand Architecte" 1794

Stocké dans Musée anglaisà Londres.

Le titre du tableau « L’Ancien des jours » se traduit littéralement de l’anglais par « Ancien des jours ». Cette expression était utilisée comme nom de Dieu. Personnage principal Les peintures montrent Dieu au moment de la création, qui n'établit pas d'ordre, mais limite la liberté et dénote les limites de l'imagination.

Edouard Manet "Bar aux Folies Bergère" 1882

Conservé au Courtauld Institute of Art de Londres.

Les Folies Bergère sont un spectacle de variétés et cabaret à Paris. Manet visite souvent les Folies Bergère et finit par peindre ce tableau, son dernier avant sa mort en 1883. Derrière le bar, au milieu d'une foule de gens qui boivent, mangent, parlent et fument, une barman est absorbée dans ses pensées, regardant l'acrobate trapéziste que l'on aperçoit dans le coin supérieur gauche de l'image.

Titien "Amour terrestre et amour céleste" 1515-1516

Conservé à la Galerie Borghèse à Rome.

Il est à noter que le nom moderne du tableau n'a pas été donné par l'artiste lui-même, mais n'a commencé à être utilisé que deux siècles plus tard. Jusqu'à cette époque, le tableau avait divers noms: « La beauté embellie et sans fioritures » (1613), « Trois types d'amour » (1650), « Femmes divines et laïques » (1700) et enfin « Amour terrestre et amour céleste » (1792 et 1833).

Mikhaïl Nesterov "Vision du jeune Barthélemy" 1889-1890

Conservé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou.

Le premier et le plus travail important d'une série dédiée à Serge de Radonezh. Jusqu'à la fin de ses jours, l'artiste était convaincu que « La Vision du jeune Barthélemy » était sa meilleure œuvre. Dans sa vieillesse, l'artiste aimait répéter : « Ce n'est pas moi qui vivrai. « Le jeune Barthélemy » vivra. Maintenant, si trente, cinquante ans après ma mort, il dit encore quelque chose aux gens, ça veut dire qu'il est vivant, ça veut dire. Je suis vivant aussi "

Pieter Bruegel l'Ancien "Parabole des aveugles" 1568

Conservé au Musée Capodimonte de Naples.

Les autres titres du tableau sont « Les aveugles », « Parabole des aveugles », « Les aveugles guidant les aveugles ». On pense que l'intrigue du film est basée sur parabole bibliqueà propos des aveugles : « Si un aveugle conduit un aveugle, ils tomberont tous deux dans une fosse. »

Victor Vasnetsov "Alyonouchka" 1881

Conservé à la Galerie nationale Tretiakov.

Il est basé sur le conte de fées « À propos de sœur Alyonouchka et de frère Ivanouchka ». Initialement, le tableau de Vasnetsov s’appelait « Le fou Alyonushka ». À cette époque, les orphelins étaient traités de « fous ». « Alyonushka », a déclaré plus tard l'artiste lui-même, « semblait avoir vécu dans ma tête depuis longtemps, mais en réalité je l'ai vue à Akhtyrka, lorsque j'ai rencontré une fille aux cheveux simples qui a frappé mon imagination. Il y avait tellement de mélancolie. , la solitude et la tristesse purement russe dans ses yeux... Un esprit russe particulier émanait d'elle.

Vincent van Gogh "Nuit étoilée" 1889

Conservé au Musée art contemporainà New York.

Contrairement à la plupart des tableaux de l'artiste, " Nuit étoilée" a été écrit de mémoire. Van Gogh était à cette époque à l'hôpital de Saint-Rémy, tourmenté par des crises de folie.

Karl Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » 1830-1833

Conservé au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg.

Le tableau représente la célèbre éruption du Vésuve en 79 après JC. e. et la destruction de la ville de Pompéi près de Naples. L'image de l'artiste dans le coin gauche du tableau est un autoportrait de l'auteur.

Pablo Picasso « Fille au bal » 1905

Stocké dans Musée Pouchkine, Moscou

Le tableau est arrivé en Russie grâce à l'industriel Ivan Abramovitch Morozov, qui l'a acheté en 1913 pour 16 000 francs. En 1918, la collection personnelle de I. A. Morozov est nationalisée. Le tableau est actuellement dans la collection Musée d'État beaux-Arts nommé d'après A.S. Pouchkine.

Léonard de Vinci "Madonna Litta" 1491

Conservé à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Le titre original du tableau était « Madonna and Child ». Le nom moderne du tableau vient du nom de son propriétaire - le comte Litt, propriétaire de la famille galerie d'artà Milan. On suppose que la figure du bébé n'a pas été peinte par Léonard de Vinci, mais appartient au pinceau de l'un de ses élèves. En témoigne la pose du bébé, inhabituelle pour le style de l'auteur.

Jean Ingres « Bains turcs » 1862

Conservé au Louvre à Paris.

Ingres a fini de peindre ce tableau alors qu'il avait déjà plus de 80 ans. Avec ce tableau, l'artiste résume l'image des baigneurs, dont le thème est présent depuis longtemps dans son œuvre. Initialement, la toile avait la forme d'un carré, mais un an après son achèvement, l'artiste l'a transformée en une peinture ronde - un tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Matin dans une forêt de pins" 1889

Conservé à la Galerie Tretiakov à Moscou

"Matin à forêt de pins"- peinture des artistes russes Ivan Shishkin et Konstantin Savitsky. Savitsky a peint les ours, mais le collectionneur Pavel Tretiakov, lorsqu'il a acquis le tableau, a effacé sa signature, de sorte que seul Shishkin est indiqué comme l'auteur du tableau.

Mikhaïl Vrubel "La Princesse Cygne" 1900

Conservé à la Galerie nationale Tretiakov

Le tableau est basé sur l'image scénique de l'héroïne de l'opéra de N. A. Rimsky-Korsakov « Le Conte du tsar Saltan » basé sur l'intrigue conte de fées du même nom A. S. Pouchkine. Vroubel a créé des croquis pour les décors et les costumes de la première de l'opéra en 1900, et sa femme a chanté le rôle de la princesse cygne.

Giuseppe Arcimboldo "Portrait de l'empereur Rodolphe II en Vertumne" 1590

Situé dans le château de Skokloster à Stockholm.

L'une des rares œuvres survivantes de l'artiste, qui a composé des portraits à partir de fruits, légumes, fleurs, crustacés, poissons, perles, instruments de musique et autres, livres, etc. "Vertumnus" est un portrait de l'empereur, représenté comme l'ancien dieu romain des saisons, de la végétation et de la transformation. Sur la photo, Rudolph est entièrement composé de fruits, de fleurs et de légumes.

Edgar Degas "Danseuses bleues" 1897

Situé au Musée d'Art. A. S. Pouchkine à Moscou.

Degas était un grand fan de ballet. On l'appelle l'artiste des ballerines. L'œuvre "Danseuses bleues" remonte à la dernière période de l'œuvre de Degas, lorsque sa vue s'est affaiblie et qu'il a commencé à travailler par grandes taches de couleur, accordant une importance primordiale à l'organisation décorative de la surface du tableau.

Léonard de Vinci "Mona Lisa" 1503-1505

Conservé au Louvre, Paris.

La Joconde n'aurait peut-être pas acquis une renommée mondiale si elle n'avait pas été volée en 1911 par un employé du Louvre. Le tableau a été retrouvé deux ans plus tard en Italie : le voleur a répondu à une annonce dans le journal et a proposé de vendre « Gioconda » au directeur de la Galerie des Offices. Pendant tout ce temps, alors que l'enquête était en cours, la « Joconde » n'a pas quitté les couvertures des journaux et magazines du monde entier, devenant un objet de copie et de culte.

Sandro Botticelli "Naissance de Vénus" 1486

Conservé à Florence dans la Galerie des Offices

Le tableau illustre le mythe de la naissance d'Aphrodite. Une déesse nue nage jusqu'au rivage dans une coquille ouverte, poussée par le vent. Sur le côté gauche du tableau, Zéphyr (le vent d'ouest), dans les bras de son épouse Chloris, souffle sur un coquillage, créant un vent rempli de fleurs. Sur le rivage, la déesse rencontre l'une des grâces. La Naissance de Vénus est bien conservée grâce au fait que Botticelli l'a appliquée au tableau couche protectrice du jaune d'oeuf.

Michel-Ange "Création d'Adam" 1511

Situé dans la chapelle Sixtine au Vatican.

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Les peintures immortelles de grands artistes sont admirées par des millions de personnes. L'art, classique et moderne, est l'une des sources d'inspiration, de goût et d'éducation culturelle les plus importantes de toute personne, et plus encore créative.
Il existe certainement plus de 33 tableaux de renommée mondiale, il y en a plusieurs centaines, et tous ne rentreraient pas dans une seule revue. Par conséquent, pour faciliter la visualisation, nous avons sélectionné plusieurs peintures les plus importantes pour la culture mondiale et qui sont souvent copiées dans la publicité. Chaque œuvre est accompagnée d'un fait intéressant, d'une explication du sens artistique ou de l'histoire de sa création.

Conservé à la Galerie des Maîtres Anciens de Dresde.

Le tableau a un petit secret : le fond, qui de loin ressemble à des nuages, se révèle être des têtes d'anges en y regardant de plus près. Et les deux anges représentés sur l’image ci-dessous sont devenus le motif de nombreuses cartes postales et affiches.

Rembrandt "La Ronde de nuit" 1642
Conservé au Rijksmuseum d'Amsterdam.

Le véritable titre du tableau de Rembrandt est « La représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenburg ». Les historiens de l’art qui ont découvert le tableau au XIXe siècle pensaient que les personnages se détachaient sur un fond sombre, et il s’appelait « La Ronde de nuit ». Plus tard, on a découvert qu'une couche de suie assombrit l'image, mais l'action se déroule en réalité pendant la journée. Cependant, le tableau a déjà été inclus dans le trésor de l'art mondial sous le nom de « Night Watch ».

Léonard de Vinci "La Cène" 1495-1498
Situé dans le monastère de Santa Maria delle Grazie à Milan.

Au cours des plus de 500 ans d'histoire de l'œuvre, la fresque a été détruite à plusieurs reprises : une porte a été percée à travers le tableau puis bloquée, le réfectoire du monastère où se trouve l'image a été utilisé comme armurerie, prison , et a été bombardé. La célèbre fresque a été restaurée au moins cinq fois, la dernière restauration ayant duré 21 ans. Aujourd'hui, pour voir l'art, les visiteurs doivent réserver leurs billets à l'avance et ne peuvent passer que 15 minutes au réfectoire.

Salvador Dali "La persistance de la mémoire" 1931

Selon l'auteur lui-même, le tableau a été peint à la suite des associations que Dalí avait avec la vue du fromage fondu. De retour du cinéma où elle s'est rendue ce soir-là, Gala a prédit à juste titre que personne, après avoir vu La Persistance de la mémoire, ne l'oublierait.

Pieter Bruegel l'Ancien "Tour de Babel" 1563
Conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Selon Bruegel, l'échec de la construction de la Tour de Babel n'était pas dû à des barrières linguistiques apparues soudainement selon le récit biblique, mais à des erreurs commises lors du processus de construction. À première vue, l'immense structure semble assez solide, mais après un examen plus approfondi, il est clair que tous les niveaux sont posés de manière inégale, que les étages inférieurs sont soit inachevés, soit déjà en train de s'effondrer, que le bâtiment lui-même penche vers la ville et que les perspectives de l'ensemble du projet est très triste.

Kazimir Malevitch « Carré Noir » 1915

Selon l'artiste, il a peint le tableau pendant plusieurs mois. Par la suite, Malevitch a réalisé plusieurs copies du « Carré Noir » (selon certaines sources, sept). Selon une version, l'artiste n'a pas pu terminer le tableau à temps et a donc dû recouvrir l'œuvre de peinture noire. Par la suite, après la reconnaissance publique, Malevitch a peint de nouveaux « Carrés noirs » sur des toiles vierges. Malevitch a également peint la « Place Rouge » (en deux exemplaires) et une « Place Blanche ».

Kuzma Sergueïevitch Petrov-Vodkine « Le bain du cheval rouge », 1912
Situé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou.

Peint en 1912, le tableau s’avère visionnaire. Le cheval rouge agit comme le destin de la Russie ou de la Russie elle-même, que le jeune et fragile cavalier est incapable de tenir. Ainsi, l'artiste a symboliquement prédit avec son tableau le sort « rouge » de la Russie au XXe siècle.

Peter Paul Rubens "Le viol des filles de Leucippe" 1617-1618
Conservé à l'Alte Pinakothek de Munich.

Le tableau « Le viol des filles de Leucippe » est considéré comme la personnification de la passion virile et de la beauté physique. Les bras forts et musclés des jeunes hommes ramassent les jeunes femmes nues pour les monter à cheval. Les fils de Zeus et Léda volent les épouses de leurs cousins.

Paul Gauguin « D'où venons-nous ? Qui sommes nous? Où allons-nous?" 1898
Conservé au Musée des Beaux-Arts de Boston.

Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre. Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; le groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité ; dans le dernier groupe, selon le plan de l'artiste, « la vieille femme, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc... représente l'inutilité des mots ».

Eugène Delacroix "La Liberté guidant le peuple" 1830
Conservé au Louvre à Paris

Delacroix a créé un tableau basé sur la Révolution de Juillet de 1830 en France. Dans une lettre à son frère du 12 octobre 1830, Delacroix écrit : « Si je ne me suis pas battu pour ma Patrie, du moins j'écrirai pour elle. » Le torse nu d'une femme dirigeant le peuple symbolise le dévouement du peuple français de l'époque, torse nu contre l'ennemi.

Claude Monet "Impression. Soleil Levant" 1872
Conservé au Musée Marmottan à Paris.

Le titre de l'ouvrage « Impression, soleil levant », grâce à la main légère du journaliste L. Leroy, est devenu le nom du mouvement artistique « impressionnisme ». Le tableau a été peint d'après nature dans le vieux port du Havre en France.

Jan Vermeer "La Jeune Fille à la Boucle d'Oreille" 1665
Conservé à la Galerie Mauritshuis à La Haye.

L'une des peintures les plus célèbres de l'artiste néerlandais Jan Vermeer est souvent appelée la Joconde nordique ou hollandaise. On sait très peu de choses sur le tableau : il n’est pas daté et le nom de la jeune fille représentée est inconnu. En 2003, basé sur le roman du même nom de Tracy Chevalier, le long métrage «La Fille à la perle» a été tourné, dans lequel l'histoire de la création du tableau a été hypothétiquement restituée dans le contexte de la biographie et de la vie de famille de Vermeer. .

Ivan Aivazovsky "La Neuvième Vague" 1850
Conservé à Saint-Pétersbourg au Musée d'État russe.

Ivan Aivazovsky est un peintre de marine russe de renommée mondiale qui a consacré sa vie à représenter la mer. Il a créé environ six mille œuvres, dont chacune a été reconnue de son vivant. Le tableau « La Neuvième Vague » est inclus dans le livre « 100 Great Paintings ».

Andreï Roublev « La Trinité » 1425-1427

L'icône de la Sainte Trinité, peinte par Andrei Rublev au XVe siècle, est l'une des icônes russes les plus célèbres. L'icône est un tableau au format vertical. Les rois (Ivan le Terrible, Boris Godounov, Mikhaïl Fedorovitch) « ont recouvert » l'icône d'or, d'argent et de pierres précieuses. Aujourd'hui, le salaire est conservé dans la réserve-musée d'État de Sergiev Posad.

Mikhaïl Vroubel « Démon assis » 1890
Conservé à la Galerie Tretiakov à Moscou.

L’intrigue du film est inspirée du poème de Lermontov « Le Démon ». Le démon est une image de la force de l'esprit humain, de la lutte interne, du doute. Joignant tragiquement ses mains, le Démon est assis avec de grands yeux tristes dirigés au loin, entouré de fleurs sans précédent.

William Blake "Le Grand Architecte" 1794
Conservé au British Museum de Londres.

Le titre du tableau « L’Ancien des jours » se traduit littéralement de l’anglais par « Ancien des jours ». Cette expression était utilisée comme nom de Dieu. Le personnage principal du tableau est Dieu au moment de la création, qui n'établit pas l'ordre, mais limite la liberté et marque les limites de l'imagination.

Edouard Manet "Bar aux Folies Bergère" 1882
Conservé au Courtauld Institute of Art de Londres.

Les Folies Bergère sont un spectacle de variétés et cabaret à Paris. Manet visite souvent les Folies Bergère et finit par peindre ce tableau, son dernier avant sa mort en 1883. Derrière le bar, au milieu d'une foule de gens qui boivent, mangent, parlent et fument, une barman est absorbée dans ses pensées, regardant l'acrobate trapéziste que l'on aperçoit dans le coin supérieur gauche de l'image.

Titien « Amour terrestre et amour céleste » 1515-1516
Conservé à la Galerie Borghèse à Rome.

Il est à noter que le nom moderne du tableau n'a pas été donné par l'artiste lui-même, mais n'a commencé à être utilisé que deux siècles plus tard. Jusqu'à cette époque, le tableau portait différents titres : « La beauté embellie et sans fioritures » (1613), « Trois types d'amour » (1650), « Femmes divines et laïques » (1700) et, finalement, « Amour terrestre et céleste ». Amour" "(1792 et 1833).

Mikhaïl Nesterov « Vision du jeune Barthélemy » 1889-1890
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou.

La première et la plus importante œuvre du cycle dédié à Serge de Radonezh. Jusqu'à la fin de ses jours, l'artiste était convaincu que « La Vision du jeune Barthélemy » était sa meilleure œuvre. Dans ses vieux jours, l’artiste aimait répéter : « Ce n’est pas moi qui vivrai. « Le Jeune Barthélemy » vivra. Maintenant, si trente ou cinquante ans après ma mort, il dit encore quelque chose aux gens, cela signifie qu’il est vivant, et cela signifie que je suis vivant.

Pieter Bruegel l'Ancien "Parabole des aveugles" 1568
Conservé au Musée Capodimonte de Naples.

Les autres titres du tableau sont « Les aveugles », « Parabole des aveugles », « Les aveugles guidant les aveugles ». On pense que l’intrigue du film est basée sur la parabole biblique des aveugles : « Si un aveugle conduit un aveugle, ils tomberont tous les deux dans une fosse. »

Victor Vasnetsov "Alyonouchka" 1881
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov.

Il est basé sur le conte de fées « À propos de sœur Alyonouchka et de frère Ivanouchka ». Initialement, le tableau de Vasnetsov s’appelait « Le fou Alyonushka ». À cette époque, les orphelins étaient traités de « fous ». « Alyonushka », a déclaré plus tard l'artiste lui-même, « semblait avoir vécu dans ma tête depuis longtemps, mais en réalité, je l'ai vue à Akhtyrka, lorsque j'ai rencontré une fille aux cheveux simples qui a captivé mon imagination. Il y avait tant de mélancolie, de solitude et de tristesse purement russe dans ses yeux... Un esprit russe particulier émanait d'elle.

Vincent van Gogh "Nuit étoilée" 1889
Conservé au Museum of Modern Art de New York.

Contrairement à la plupart des peintures de l’artiste, « La Nuit étoilée » a été peinte de mémoire. Van Gogh était alors à l'hôpital de Saint-Rémy, tourmenté par des crises de folie.

Karl Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » 1830-1833
Conservé au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg.

Le tableau représente la célèbre éruption du Vésuve en 79 après JC. e. et la destruction de la ville de Pompéi près de Naples. L'image de l'artiste dans le coin gauche du tableau est un autoportrait de l'auteur.

Pablo Picasso « Fille au bal » 1905
Conservé au Musée Pouchkine, Moscou

Le tableau est arrivé en Russie grâce à l'industriel Ivan Abramovitch Morozov, qui l'a acheté en 1913 pour 16 000 francs. En 1918, la collection personnelle de I. A. Morozov est nationalisée. Actuellement, le tableau fait partie de la collection du Musée national des beaux-arts du nom d'A.S. Pouchkine.

Léonard de Vinci "Madonna Litta" 1491

Conservé à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Le titre original du tableau était « Madonna and Child ». Le nom moderne du tableau vient du nom de son propriétaire, le comte Litta, propriétaire de la galerie d'art familiale à Milan. On suppose que la figure du bébé n'a pas été peinte par Léonard de Vinci, mais appartient au pinceau de l'un de ses élèves. En témoigne la pose du bébé, inhabituelle pour le style de l'auteur.

Jean Ingres « Bains turcs » 1862
Conservé au Louvre à Paris.

Ingres a fini de peindre ce tableau alors qu'il avait déjà plus de 80 ans. Avec ce tableau, l'artiste résume l'image des baigneurs, dont le thème est présent depuis longtemps dans son œuvre. Initialement, la toile avait la forme d'un carré, mais un an après son achèvement, l'artiste l'a transformée en une peinture ronde - un tondo.

Ivan Chichkine, Konstantin Savitsky « Matin dans une forêt de pins » 1889
Conservé à la Galerie Tretiakov à Moscou

« Matin dans une forêt de pins » est un tableau des artistes russes Ivan Shishkin et Konstantin Savitsky. Savitsky a peint les ours, mais le collectionneur Pavel Tretiakov, lorsqu'il a acquis le tableau, a effacé sa signature, de sorte que seul Shishkin est indiqué comme l'auteur du tableau.

Mikhaïl Vroubel « La princesse cygne », 1900
Conservé à la Galerie nationale Tretiakov

Le tableau est basé sur l’image scénique de l’héroïne de l’opéra « Le Conte du tsar Saltan » de N. A. Rimsky-Korsakov, basé sur l’intrigue du conte de fées du même nom de A. S. Pouchkine. Vroubel a créé des croquis pour les décors et les costumes de la première de l'opéra en 1900, et sa femme a chanté le rôle de la princesse cygne.

Giuseppe Arcimboldo "Portrait de l'empereur Rodolphe II en Vertumne" 1590
Situé dans le château de Skokloster à Stockholm.

L'une des rares œuvres survivantes de l'artiste, qui a composé des portraits à partir de fruits, légumes, fleurs, crustacés, poissons, perles, instruments de musique et autres, livres, etc. "Vertumnus" est un portrait de l'empereur, représenté comme l'ancien dieu romain des saisons, de la végétation et de la transformation. Sur la photo, Rudolph est entièrement composé de fruits, de fleurs et de légumes.

Edgar Degas "Danseuses bleues" 1897
Situé au Musée d'Art. A. S. Pouchkine à Moscou.

La Joconde n'aurait peut-être pas acquis une renommée mondiale si elle n'avait pas été volée en 1911 par un employé du Louvre. Le tableau a été retrouvé deux ans plus tard en Italie : le voleur a répondu à une annonce dans le journal et a proposé de vendre « Gioconda » au directeur de la Galerie des Offices. Pendant tout ce temps, alors que l'enquête était en cours, la « Joconde » n'a pas quitté les couvertures des journaux et magazines du monde entier, devenant un objet de copie et de culte.

Sandro Botticelli "Naissance de Vénus" 1486
Conservé à Florence dans la Galerie des Offices

Le tableau illustre le mythe de la naissance d'Aphrodite. Une déesse nue nage jusqu'au rivage dans une coquille ouverte, poussée par le vent. Sur le côté gauche du tableau, Zéphyr (le vent d'ouest), dans les bras de son épouse Chloris, souffle sur un coquillage, créant un vent rempli de fleurs. Sur le rivage, la déesse rencontre l'une des grâces. La Naissance de Vénus est bien conservée grâce au fait que Botticelli a appliqué une couche protectrice de jaune d'œuf sur le tableau.

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Partie 22 -
Partie 23 -

). Cependant, pour les besoins de cet article, nous ne considérerons que l’art objet.

Historiquement, tous les genres étaient divisés en haut et en bas. À genre élevé ou la peinture historique comprenait des œuvres de nature monumentale, porteuses d'une certaine sorte de moralité, idée significative, démontrant des événements historiques et militaires associés à la religion, à la mythologie ou à la fiction.

À genre faible comprenait tout ce qui concernait la vie quotidienne. Ce sont des natures mortes, des portraits, peinture domestique, paysages, animalité, images de personnes nues, etc.

Animalisme (lat. animal - animal)

Le genre animalier est apparu dans l'Antiquité, lorsque les premiers peuples peignaient des animaux prédateurs sur les rochers. Peu à peu, cette direction est devenue un genre indépendant, impliquant une représentation expressive de tous les animaux. Les animaliers ont généralement un grand intérêt pour le monde animal, par exemple, ils peuvent être d'excellents cavaliers, élever des animaux de compagnie ou simplement étudier leurs habitudes pendant longtemps. Grâce aux intentions de l'artiste, les animaux peuvent apparaître de manière réaliste ou sous forme d'images artistiques.

Parmi les artistes russes, beaucoup connaissaient bien les chevaux, par exemple, et. Ainsi, dans le célèbre tableau « Bogatyrs » de Vasnetsov, les chevaux héroïques sont représentés avec la plus grande habileté : les couleurs, le comportement des animaux, les brides et leur lien avec les cavaliers sont soigneusement pensés. Serov n'aimait pas les gens et considérait les chevaux de plusieurs manières mieux que l'homme, c'est pourquoi il la représentait souvent dans diverses scènes. même s'il peignait des animaux, il ne se considérait pas comme un animaliste, c'est pourquoi les ours étaient ses peinture célèbre« Matin dans une forêt de pins » a été créé par l'artiste animalier K. Savitsky.

DANS époque tsariste Les portraits avec des animaux de compagnie, chers aux gens, sont devenus particulièrement populaires. Par exemple, dans le tableau, l'impératrice Catherine II apparaît avec son chien bien-aimé. Les animaux étaient également présents dans les portraits d'autres artistes russes.

Exemples de peintures d'artistes russes célèbres du genre quotidien

Peinture d'histoire

Ce genre implique des peintures monumentales conçues pour transmettre à la société un projet grandiose, une certaine vérité, une certaine moralité ou pour démontrer événements importants. Il comprend des œuvres sur des thèmes historiques, mythologiques, religieux, folkloriques ainsi que des scènes militaires.

Dans les états anciens, mythes et légendes pendant longtempsétaient considérés comme des événements du passé, c'est pourquoi ils étaient souvent représentés sur des fresques ou des vases. Artistes ultérieurs a commencé à séparer les événements qui ont eu lieu de la fiction, qui s'exprimait principalement dans la représentation de scènes de bataille. DANS Rome antique, en Égypte et en Grèce, des scènes de batailles héroïques étaient souvent représentées sur les boucliers des guerriers victorieux afin de démontrer leur triomphe sur l'ennemi.

Au Moyen Âge, en raison de la domination des dogmes de l'Église, les thèmes religieux prédominaient ; à la Renaissance, la société se tournait vers le passé principalement dans le but de glorifier ses États et ses dirigeants, et depuis le XVIIIe siècle, ce genre s'est souvent tourné vers dans le but d'éduquer la jeunesse. En Russie, le genre s'est répandu au XIXe siècle, lorsque les artistes tentaient souvent d'analyser la vie de la société russe.

Dans les œuvres d'artistes russes peinture de bataille a été présenté, par exemple, et. Il aborde des sujets mythologiques et religieux dans ses peintures. Peinture d'histoire dominé par , folklore - par .

Exemples de peintures d'artistes russes célèbres dans le genre de la peinture historique

Nature morte (nature française - nature et morte - morte)

Ce genre de peinture est associé à la représentation d'objets inanimés. Il peut s'agir de fleurs, de fruits, de plats, de gibier, d'ustensiles de cuisine et d'autres objets, à partir desquels l'artiste crée souvent une composition selon son plan.

Les premières natures mortes sont apparues dans les pays anciens. DANS L'Egypte ancienne Il était d'usage de représenter les offrandes aux dieux sous forme de plats divers. Dans le même temps, la reconnaissance de l'objet passait en premier, de sorte que les artistes anciens ne se souciaient pas particulièrement du clair-obscur ou de la texture des objets de nature morte. DANS La Grèce ancienne et à Rome, les fleurs et les fruits étaient trouvés dans les peintures et dans les maisons pour la décoration intérieure, de sorte qu'ils étaient représentés de manière plus authentique et pittoresque. La formation et l'épanouissement de ce genre ont eu lieu aux XVIe et XVIIe siècles, lorsque les natures mortes ont commencé à contenir des significations religieuses et autres cachées. Parallèlement, de nombreuses variétés apparaissent selon le sujet de l'image (floral, fruitier, scientifique, etc.).

En Russie, la peinture de natures mortes n'a prospéré qu'au XXe siècle, car auparavant elle était principalement utilisée à des fins éducatives. Mais cette évolution a été rapide et captivante, y compris l'art abstrait dans toutes ses directions. Par exemple, il crée de belles compositions de fleurs, préfère, travaille et souvent « revitalise » ses natures mortes, donnant au spectateur l'impression que les plats étaient sur le point de tomber de la table ou que tous les objets étaient sur le point de commencer à tourner. .

Les objets représentés par les artistes étaient bien entendu influencés par leurs points de vue théoriques, leur vision du monde et leur état d’esprit. Il s'agissait donc d'objets représentés selon le principe de perspective sphérique découvert par lui, et de natures mortes expressionnistes émerveillées par leur drame.

De nombreux artistes russes utilisaient la nature morte principalement à des fins pédagogiques. Ainsi, il a non seulement perfectionné ses compétences artistiques, mais a également mené de nombreuses expériences, disposant les objets de différentes manières, travaillant avec la lumière et la couleur. expérimente la forme et la couleur de la ligne, s'éloignant tantôt du réalisme pour se tourner vers le pur primitivisme, tantôt mélangeant les deux styles.

D'autres artistes ont combiné dans des natures mortes ce qu'ils avaient représenté auparavant avec leurs objets préférés. Par exemple, dans les peintures, vous pouvez trouver son vase préféré, des partitions de musique et un portrait de sa femme qu'il avait créé auparavant, et il a représenté ses fleurs préférées de son enfance.

De nombreux autres artistes russes ont travaillé dans le même genre, par exemple, et d'autres encore.

Exemples de peintures d'artistes russes célèbres dans le genre des natures mortes

Nu (français nudite - nudité, abrégé en nu)

Ce genre est destiné à dépeindre la beauté du corps nu et est apparu avant notre ère. DANS ancien monde grande attention payé Développement physique, puisque la survie de toute la race humaine en dépendait. Ainsi, dans la Grèce antique, les athlètes concouraient traditionnellement nus afin que les garçons et les jeunes hommes puissent voir leur corps bien développé et lutter pour la même perfection physique. Vers les VIIe-VIe siècles. avant JC e. Des statues d'hommes nus sont également apparues, personnifiant la puissance physique d'un homme. Les figures féminines, au contraire, apparaissaient toujours devant le public en robe, car pour exposer corps féminin n'a pas été accepté.

Au cours des époques suivantes, les attitudes envers la nudité ont changé. Ainsi, durant l’hellénisme (à partir de la fin du VIe siècle avant JC), l’endurance passe au second plan, laissant la place à l’admiration de la figure masculine. Dans le même temps, les premières figures féminines nues commencent à apparaître. À l'époque baroque, les femmes avec tout en courbes, à l'époque rococo, la sensualité devenait primordiale, et à l'époque XIX-XX siècles les peintures ou sculptures de corps nus (surtout masculins) étaient souvent interdites.

Les artistes russes se sont tournés à plusieurs reprises vers le genre nu dans leurs œuvres. Ce sont donc des danseurs aux attributs théâtraux, ce sont des filles ou des femmes qui posent au centre de scènes monumentales. Il y a beaucoup de femmes sensuelles, y compris en couple, il y a toute une série de tableaux représentant des femmes nues dans diverses activités, et il y a des filles pleines d'innocence. Certains, par exemple, représentaient des hommes complètement nus, même si de telles peintures n'étaient pas bien accueillies par la société de leur époque.

Exemples de peintures d'artistes russes célèbres dans le genre nu

Paysage (Paysage français, de pays - terrain)

Dans ce genre, la priorité est la représentation d'objets naturels ou artificiels. environnement: espaces naturels, vues de villes, villages, monuments, etc. Selon l'objet choisi, on distingue des paysages naturels, industriels, marins, ruraux, lyriques et autres.

Les premiers paysages d'artistes anciens ont été découverts en art rupestreÈre néolithique et étaient des images d'arbres, de rivières ou de lacs. Plus tard, le motif naturel fut utilisé pour décorer la maison. Au Moyen Âge, le paysage est presque entièrement remplacé par des thèmes religieux, et à la Renaissance, au contraire, la relation harmonieuse entre l'homme et la nature prend le dessus.

En Russie peinture de paysage développé à partir du XVIIIe siècle et était initialement limité (des paysages, par exemple, ont été créés dans ce style), mais plus tard, toute une galaxie d'artistes russes talentueux ont enrichi ce genre avec des techniques de différents styles et les directions. a créé ce qu'on appelle le paysage discret, c'est-à-dire qu'au lieu de rechercher des vues spectaculaires, il a dépeint les moments les plus intimes de la nature russe. et est arrivé à un paysage lyrique qui a émerveillé le public par son ambiance subtilement transmise.

Et c'est un paysage épique, où le spectateur voit toute la grandeur du monde environnant. sans cesse tourné vers l'Antiquité, E. Volkov a su transformer n'importe quel paysage discret en image poétique, émerveillait le spectateur par sa merveilleuse lumière dans les paysages, et pouvait admirer sans fin les coins de forêt, les parcs, les couchers de soleil et transmettre cet amour au spectateur.

Chacun des peintres paysagistes a concentré son attention sur le paysage qui le fascinait particulièrement. De nombreux artistes ne pouvaient ignorer les projets de construction à grande échelle et peignaient de nombreux paysages industriels et urbains. Parmi eux se trouvent des œuvres,

"Tout portrait peint avec émotion est, par essence, un portrait de l'artiste et non de la personne qui a posé pour lui." Oscar Wilde

Que faut-il pour être artiste ? Une simple imitation d’une œuvre ne peut être considérée comme de l’art. L'art est quelque chose qui vient de l'intérieur. L'idée, la passion, la recherche, les désirs et les chagrins de l'auteur, qui s'incarnent sur la toile de l'artiste. Tout au long de l’histoire de l’humanité, des centaines de milliers, voire des millions de tableaux ont été peints. Certains d'entre eux sont de véritables chefs-d'œuvre, connus dans le monde entier, même ceux qui n'ont rien à voir avec l'art les connaissent. Est-il possible d’identifier les 25 tableaux les plus marquants parmi ces tableaux ? La tâche est très difficile, mais nous avons essayé...

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"La persistance de la mémoire", Salvador Dali

Grâce à ce tableau, Dali est devenu assez célèbre à un jeune âge, il avait 28 ans. Le tableau a plusieurs autres noms - " Montre souple", "Dureté de la mémoire". Ce chef-d'œuvre a attiré l'attention de nombreux critiques d'art. Fondamentalement, ils s’intéressaient à l’interprétation du tableau. On dit que l’idée derrière la peinture de Dali est liée à la théorie de la relativité d’Einstein.

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"Danse", Henri Matisse

Henri Matisse n'a pas toujours été un artiste. Il découvre son amour pour la peinture après avoir obtenu une licence en droit à Paris. Il étudia l'art avec tant d'zèle qu'il devint l'un des les plus grands artistes dans le monde. Ce tableau suscite très peu de critiques négatives de la part des critiques d’art. Il reflète une combinaison de rituels païens, de danse et de musique. Les gens dansent en transe. Trois couleurs – vert, bleu et rouge, symbolisent la Terre, le Ciel et l'Humanité.

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"Le Baiser", Gustav Klimt

Gustav Klimt a souvent été critiqué pour la nudité de ses peintures. "Le Baiser" a été remarqué par la critique car il fusionnait toutes les formes d'art. Le tableau pourrait être une représentation de l’artiste lui-même et de son amante, Emilia. Klimt a écrit ce tableau sous l'influence Mosaïque byzantine. Les Byzantins utilisaient l’or dans leurs peintures. De même, Gustav Klimt a mélangé de l’or dans ses peintures pour créer son propre style de peinture.

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"Gitane endormie", Henri Rousseau

Personne, sauf Rousseau lui-même, ne pourrait mieux décrire ce tableau. Voici sa description - « une gitane nomade qui chante ses chansons accompagnée d'une mandoline, dort par terre de fatigue, à côté d'elle se trouve une cruche de boire de l'eau. Un lion qui passait par là s'approcha pour la renifler, mais ne la toucha pas. Tout est inondé clair de lune, ambiance très poétique." Il est à noter qu'Henri Rousseau est autodidacte.

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"Le Jugement dernier", Jérôme Bosch

Sans plus attendre, la photo est tout simplement magnifique. Ce triptyque est le plus grand tableau survivant de Bosch. L'aile gauche montre l'histoire d'Adam et Ève. La partie centrale est " jour du Jugement dernier"du côté de Jésus - qui devrait aller au ciel et qui devrait aller en enfer. La terre que nous voyons ici brûle. L’aile droite représente une image dégoûtante de l’enfer.

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Tout le monde connaît Narcisse de la mythologie grecque, un homme obsédé par son apparence. Dali a écrit sa propre interprétation de Narcisse.

L'histoire est comme ça. Le beau jeune homme Narcisse a facilement brisé le cœur de nombreuses filles. Les dieux intervinrent et, pour le punir, lui montrèrent son reflet dans l'eau. Le narcissique est tombé amoureux de lui-même et est finalement mort parce qu’il n’a jamais pu s’embrasser. Alors les Dieux regrettèrent de lui avoir fait cela et décidèrent de l'immortaliser sous la forme d'une fleur de narcisse.

Sur le côté gauche de l'image, Narcisse regarde son reflet. Après quoi il est tombé amoureux de lui-même. Le panneau de droite montre les événements qui se sont déroulés après, y compris la fleur qui en a résulté, la jonquille.

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L'intrigue du film est basée sur le massacre biblique des enfants à Bethléem. Après que les sages eurent appris la naissance du Christ, le roi Hérode ordonna de tuer tous les petits enfants mâles et nourrissons de Bethléem. Sur la photo, le massacre est à son paroxysme, les derniers enfants, arrachés à leurs mères, attendent leur mort impitoyable. Sont également visibles les cadavres d’enfants, pour qui tout est déjà derrière eux.

Grâce à l'utilisation de riches gamme de couleurs, la peinture de Rubens est devenue un chef-d'œuvre de renommée mondiale.

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Le travail de Pollock est très différent de celui des autres artistes. Il a posé sa toile sur le sol et s'est déplacé autour de la toile, faisant couler de la peinture par le haut sur la toile à l'aide de bâtons, de pinceaux et de seringues. Grâce à cette technique unique, il est surnommé « Sprinkler Jack » dans les milieux artistiques. Pendant quelque temps, ce tableau a détenu le titre de tableau le plus cher du monde.

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Aussi connu sous le nom de « Danse au Moulin de la Galette ». Ce tableau est considéré comme l'un des tableaux les plus joyeux de Renoir. L'idée du film est de montrer aux spectateurs le côté ludique de la vie parisienne. En examinant le tableau de plus près, on constate que Renoir a placé plusieurs de ses amis sur la toile. Parce que le tableau apparaît légèrement flou, il a d'abord été critiqué par les contemporains de Renoir.

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L'intrigue est tirée de la Bible. Sur la photo " Dernière Cène» représenté Dernière Cène Christ avant son arrestation. Il venait de parler à ses apôtres et de leur dire que l'un d'eux le trahirait. Tous les apôtres sont attristés et lui disent que ce n’est bien sûr pas eux. C’est ce moment que Léonard de Vinci a magnifiquement représenté à travers sa représentation vivante. Le grand Léonard a mis quatre ans pour achever ce tableau.

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Les « Nymphéas » de Monet se retrouvent partout. Vous les avez probablement vus sur des papiers peints, des affiches et des couvertures de magazines d'art. Le fait est que Monet était obsédé par les lys. Avant de commencer à les peindre, il a fait pousser un nombre incalculable de ces fleurs. Monet a construit un pont en Style japonais dans son jardin au-dessus d'un étang de nénuphars. Il était si satisfait de ce qu'il avait accompli qu'il dessina cette intrigue dix-sept fois en un an.

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Il y a quelque chose de sinistre et de mystérieux dans cette image ; il y a une aura de peur autour d’elle. Seul un maître comme Munch était capable de représenter la peur sur papier. Munch a réalisé quatre versions de The Scream à l'huile et au pastel. D'après les notes du journal de Munch, il est clair qu'il croyait lui-même à la mort et aux esprits. Dans le tableau «Le Cri», il se représente au moment où un jour, alors qu'il se promenait avec des amis, il ressentait la peur et l'excitation qu'il voulait peindre.

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Le tableau, habituellement cité comme symbole de la maternité, n’était pas censé le devenir. On raconte que le modèle de Whistler, qui était censé s'asseoir pour le tableau, ne s'est pas présenté et qu'il a décidé de peindre sa mère à la place. On peut dire que ceci est représenté triste vie la mère de l'artiste. Cette ambiance est due aux couleurs sombres utilisées dans cette peinture.

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Picasso rencontre Dora Maar à Paris. On dit qu'elle était intellectuellement plus proche de Picasso que toutes ses précédentes maîtresses. Grâce au cubisme, Picasso a pu transmettre le mouvement dans son œuvre. Il semble que le visage de Maar se tourne vers la droite, vers le visage de Picasso. L'artiste a rendu la présence de la femme presque réelle. Peut-être qu'il voulait avoir l'impression qu'elle était toujours là.

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Van Gogh a écrit Nuit étoilée alors qu'il suivait un traitement, où il n'était autorisé à peindre que jusqu'à ce que son état s'améliore. Plus tôt la même année, il s'est coupé le lobe de l'oreille gauche. Beaucoup considéraient l’artiste comme fou. De toute la collection d'œuvres de Van Gogh, La Nuit étoilée est la plus célèbre, peut-être en raison de la lumière sphérique inhabituelle autour des étoiles.

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Dans ce tableau, Manet a recréé la Vénus d'Urbino du Titien. L'artiste avait mauvaise réputation en représentant des prostituées. Bien que les messieurs de cette époque rendaient assez souvent visite aux courtisanes, ils ne pensaient pas que quiconque se mettrait en tête de les peindre. À l’époque, il était préférable pour les artistes de peindre des tableaux sur des thèmes historiques, mythiques ou bibliques. Cependant, Manet, à contre-courant des critiques, montre au public son contemporain.

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Ce tableau est une toile historique qui représente la conquête de l'Espagne par Napoléon.

Ayant reçu une commande de tableaux illustrant la lutte du peuple espagnol contre Napoléon, l'artiste n'a pas peint de toiles héroïques et pathétiques. Il choisit le moment où les rebelles espagnols furent abattus par les soldats français. Chacun des Espagnols vit ce moment à sa manière, certains se sont déjà résignés, mais pour d'autres, la bataille principale vient d'arriver. La guerre, le sang et la mort, voilà ce que Goya a réellement représenté.

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On pense que la jeune fille représentée est fille aînée Vermeer, Marie. Ses caractéristiques sont présentes dans nombre de ses œuvres, mais elles sont difficiles à comparer. Un livre du même titre a été écrit par Tracy Chevalier. Mais Tracy a une version complètement différente de qui est représentée sur cette image. Elle affirme avoir choisi ce sujet parce qu'il y a très peu d'informations sur Vermeer et ses peintures, et que cette peinture particulière dégage une atmosphère mystérieuse. Plus tard, un film a été réalisé sur la base de son roman.

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Le titre exact du tableau est « Représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenburg ». La Rifle Society était une milice civile appelée à défendre la ville. En plus des milices, Rembrandt a ajouté plusieurs personnes supplémentaires. Considérant qu'il a acheté une maison chère en peignant ce tableau, il se pourrait bien qu'il ait reçu une somme énorme pour La Garde de Nuit.

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Bien que le tableau contienne une image de Velázquez lui-même, il ne s’agit pas d’un autoportrait. personnage principal toile - Infante Marguerite, fille du roi Philippe IV. Il s'agit du moment où Velazquez, travaillant sur un portrait du roi et de la reine, est obligé de s'arrêter et de regarder l'infante Marguerite, qui vient d'entrer dans la pièce avec sa suite. Le tableau semble presque vivant, suscitant la curiosité du public.

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C'est le seul tableau de Bruegel qui a été peint à l'huile plutôt qu'à la détrempe. Des doutes subsistent quant à l’authenticité du tableau, principalement pour deux raisons. Premièrement, il n'a pas peint à l'huile, et deuxièmement, des études récentes ont montré que sous la couche de peinture se trouve un dessin schématique. Mauvaise qualité, qui n'appartient pas à Bruegel.

Le tableau représente l'histoire d'Icare et le moment de sa chute. Selon le mythe, les plumes d'Icare étaient fixées avec de la cire et, comme Icare se levait très près du soleil, la cire fondait et il tombait dans l'eau. Ce paysage a inspiré W. H. Auden à écrire son poème le plus célèbre sur le même sujet.

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L'École d'Athènes est peut-être la fresque la plus célèbre artiste italien Renaissance, Raphaël.

Dans cette fresque de l’École d’Athènes, tous les grands mathématiciens, philosophes et scientifiques se sont réunis sous un même toit, partageant leurs théories et apprenant les uns des autres. Tous les héros vivaient temps différent, mais Raphaël les a tous placés dans une seule pièce. Certains des personnages sont Aristote, Platon, Pythagore et Ptolémée. En y regardant de plus près, on découvre que ce tableau contient également un autoportrait de Raphaël lui-même. Chaque artiste aimerait laisser sa marque, la seule différence est la forme. Mais peut-être se considérait-il comme l’une de ces grandes figures ?

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3

Michel-Ange ne s'est jamais considéré comme un artiste, il s'est toujours considéré plutôt comme un sculpteur. Mais il a réussi à créer une fresque étonnante et exquise qui fascine le monde entier. Ce chef-d'œuvre est au plafond Chapelle Sixtine au Vatican. Michel-Ange a été chargé de peindre plusieurs histoires bibliques, dont l'un est la création d'Adam. Sur cette photo, le sculpteur de Michel-Ange est clairement visible. Corps humain Adam est transmis avec une précision incroyable en utilisant couleurs vives et une forme musculaire précise. On peut donc être d’accord avec l’auteur, après tout, il est plutôt sculpteur.

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"Mona Lisa", Léonard de Vinci

Bien qu’elle soit le tableau le plus étudié, la Joconde reste néanmoins la plus mystérieuse. Leonardo a déclaré qu'il n'avait jamais cessé de travailler dessus. Seule sa mort, comme on dit, acheva le travail sur la toile. "Mona Lisa" est le premier portrait italien dans lequel le modèle est représenté jusqu'à la taille. La peau de Mona Lisa semble éclatante grâce à l'utilisation de plusieurs couches d'huiles transparentes. Être les scientifiques Léonard De Vinci a utilisé toutes ses connaissances pour rendre réaliste l'image de Mona Lisa. Quant à savoir qui est exactement représenté dans le tableau, cela reste encore un mystère.

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Le tableau montre Vénus, la déesse de l'amour, flottant sur une coquille au vent soufflé par Zéphyr, le dieu du vent d'ouest. Elle est accueillie sur le rivage par Ora, la déesse des saisons, prête à habiller la divinité nouveau-née. Le modèle de Vénus est considéré comme étant Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo est décédée à 22 ans et Botticelli a souhaité être enterré à ses côtés. Un amour non partagé le liait à elle. Ce tableau est l’œuvre d’art la plus exquise jamais créée.

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Conclusion

C'était un article TOP 25 des tableaux les plus célèbres au monde. Merci pour votre attention!