Tableaux de Gustave Moreau avec titres. Moreau Gustave (moreau, gustave), biographie, tableaux avec descriptions. Amour soudain et succès vertigineux

Pour le bien de l'art Gustave Moreau s'est volontairement isolé de la société. Le mystère dont il entourait sa vie s'est transformé en légende sur l'artiste lui-même.

Moreau est né le 6 avril 1826 à Paris. Son père, Louis Moreau, était un architecte dont les fonctions consistaient notamment à entretenir le patrimoine de la ville. bâtiments publiques et les monuments. La mort de la sœur unique de Moreau, Camille, rapproche la famille. La mère de l'artiste, Polina, était de tout cœur attachée à son fils et, devenue veuve, ne se sépara de lui qu'à sa mort en 1884.

AVEC petite enfance les parents ont encouragé l'intérêt de l'enfant pour le dessin et l'ont initié à l'art classique. Gustave lisait beaucoup, aimait regarder des albums avec des reproductions de chefs-d'œuvre de la collection du Louvre, et en 1844, après avoir terminé ses études, il obtint un baccalauréat - un exploit rare pour un jeune bourgeois. Satisfait de la réussite de son fils, Louis Moreau l'affecte à l'atelier de l'artiste néoclassique François-Edouard Picot (1786-1868), où le jeune Moreau reçoit la formation nécessaire pour entrer à l'École. beaux-Arts, où il réussit les examens en 1846.

Saint Georges et le dragon (1890)

Griffon (1865)

La formation ici était extrêmement conservatrice et se résumait principalement à copier des moulages en plâtre de statues anciennes, à dessiner des nus masculins, à étudier l'anatomie, la perspective et l'histoire de la peinture. Pendant ce temps, Moreau devient de plus en plus fasciné par les peintures colorées de Delacroix et surtout de son disciple Théodore Chasserio. N'ayant pas réussi à remporter le prestigieux Prix de Rome (l'École envoyait à ses frais les lauréats de ce concours étudier à Rome), Moro quitta l'école en 1849.

Le jeune artiste se tourne vers le Salon, une exposition officielle annuelle à laquelle tout débutant cherche à assister dans l'espoir d'être remarqué par la critique. Les tableaux présentés par Moreau au Salon dans les années 1850, par exemple "Le Cantique des Cantiques" (1853), révèlent une forte influence de Chasserio - exécutés de manière romantique, ils se distinguent par des couleurs perçantes et un érotisme frénétique.

Moreau n'a jamais nié devoir une grande partie de son œuvre à Chasserio, son ami décédé prématurément (à 37 ans). Choqué par sa mort, Moreau dédie le tableau « La jeunesse et la mort » à sa mémoire.

L'influence de Théodore Chasserio est également évidente dans les deux grandes toiles que Moreau commence à peindre dans les années 1850, Les Prétendants de Pénélope et Les Filles de Thésée. Alors qu’il travaillait sur ces immenses tableaux avec beaucoup de détails, il ne quittait presque jamais l’atelier. Cependant, cette forte exigence envers lui-même est souvent devenue par la suite la raison pour laquelle l'artiste a laissé son travail inachevé.

À l'automne 1857, essayant de combler le manque d'éducation, Moro entreprit un voyage de deux ans en Italie. L'artiste était fasciné par ce pays et réalisa des centaines de copies et de croquis des chefs-d'œuvre des maîtres de la Renaissance. A Rome, il tomba amoureux des œuvres de Michel-Ange, à Florence - des fresques d'Andrea del Sarto et Fra Angelico, à Venise il copira furieusement Carpaccio et à Naples il étudia fresques célèbres de Pompéi et d'Herculanum. A Rome, le jeune homme rencontre Edgar Degas et ensemble ils réalisent plus d'une fois des croquis. Inspiré par l'atmosphère créatrice, Moreau écrit à un ami parisien : « Désormais et pour toujours, je vais devenir un ermite... Je suis convaincu que rien ne me fera détourner de cette voie. »

Pari (éléphant sacré). 1881-82

De retour chez lui à l'automne 1859, Gustave Moreau se met à écrire avec zèle, mais des changements l'attendent. A cette époque, il rencontre une gouvernante qui travaille dans une maison non loin de son atelier. La jeune femme s'appelait Alexandrina Duret. Moreau tombe amoureux et, malgré son refus catégorique de se marier, lui reste fidèle pendant plus de 30 ans. Après la mort d'Alexandrina en 1890, l'artiste lui dédia l'un de ses meilleurs tableaux - "Orphée au tombeau d'Eurydice".

Orphée au tombeau d'Eurydice (1890)

En 1862, le père de l’artiste décède, sans savoir quel succès attend son fils dans les décennies à venir. Tout au long des années 1860, Moreau peint une série de tableaux (curieusement tous de format vertical) qui sont très bien accueillis au Salon. Le plus grand nombre de lauriers revient au tableau « Œdipe et le Sphinx », exposé en 1864 (le tableau fut acheté aux enchères par le prince Napoléon pour 8 000 francs). C'est l'époque du triomphe de l'école réaliste dirigée par Courbet, et les critiques déclarent Moreau comme l'un des sauveurs du genre de la peinture historique.

La guerre franco-prussienne, qui a éclaté en 1870, et les événements ultérieurs associés à cette guerre Commune de Paris, a eu un profond impact sur Moreau. Pendant plusieurs années, jusqu'en 1876, il n'expose pas au Salon et refuse même de participer à la décoration du Panthéon. Lorsque l'artiste revient enfin au Salon, il présente deux tableaux réalisés sur le même sujet: une peinture à l'huile difficile à percevoir, "Salomé" et une grande aquarelle "Phénomène", qui a été désapprouvé par les critiques.

Ce tableau de Moreau - interprétation inhabituelle une scène biblique dans laquelle la belle Salomé danse devant le roi Hérode, qui a promis de réaliser tous ses souhaits pour cette danse. À l'instigation de Mère Hérodiade, Salomé demande au roi la tête de Jean-Baptiste. La reine voulut donc se venger de Jean-Baptiste, qui condamna son mariage avec Hérode. Dans le chef-d'œuvre de Moreau, la tête de Jean-Baptiste est présentée comme une vision, apparaissant à Salomé dans un halo de lumière céleste. Certains critiques pensent que le tableau représente le moment précédant la décapitation de Jean-Baptiste et que Salomé voit ainsi les conséquences de son acte. D'autres pensent que la scène représentée par l'artiste se déroule après l'exécution du saint. Quoi qu’il en soit, dans cette toile sombre et détaillée, nous voyons à quel point Salomé est choquée par l’étrange fantôme flottant dans les airs.
Les yeux de John regardent directement Salomé, et cheveux longs D'épais jets de sang coulent sur le sol depuis les Forerunners. Sa tête coupée flotte dans les airs, entourée d’une lueur vive. Ce halo est constitué de rayons radiaux - c'est ainsi que le rayonnement était peint au Moyen Âge et à la Renaissance - ce sont les rayons aigus qui soulignent encore l'atmosphère inquiétante du tableau.

Salomé dansant devant Hérode (1876)

Cependant, les admirateurs de l'œuvre de Moreau perçoivent ses nouvelles œuvres comme un appel à la libération de l'imagination. Il devient l'idole des écrivains symbolistes, dont Huysmans, Lorrain et Péladan. Cependant, Moreau n'était en aucun cas d'accord avec le fait qu'il soit classé comme symboliste ; lorsqu'en 1892 Péladan demanda à Moreau d'écrire une critique élogieuse du salon symboliste « Rose et Croix », l'artiste refusa résolument.

Saint Sébastien et l'Ange (1876)

Parallèlement, la renommée peu flatteuse de Moro ne le prive pas de clients privés, qui continuent d’acheter ses petites toiles, généralement peintes sur des sujets mythologiques et religieux. Entre 1879 et 1883, il crée quatre fois plus d'images que les 18 années précédentes (la plus rentable pour lui fut une série de 64 aquarelles créées d'après les fables de La Fontaine pour le riche marseillais Anthony Roy - pour chaque aquarelle Moreau recevait de 1000 à 1500 francs). Et la carrière de l’artiste décolle.

En 1888, il est élu membre de l'Académie des Beaux-Arts et en 1892, Moreau, 66 ans, devient chef de l'un des trois ateliers de l'École des Beaux-Arts. Ses élèves étaient de jeunes artistes devenus célèbres dès le XXe siècle - Georges Rouault, Henri Matisse, Albert Marquet.

Dans les années 1890, la santé de Moreau se détériore fortement et il commence à songer à mettre fin à sa carrière. L'artiste a décidé de revenir à travail inachevé et a invité certains de ses élèves à être ses assistants, dont son Ruo préféré. Parallèlement, Moreau commence son dernier chef-d'œuvre, Jupiter et Sémélé.

La seule chose à laquelle l'artiste s'efforçait désormais était de se transformer en musée commémoratif ma maison. Il était pressé, marquant avec enthousiasme l'emplacement futur des tableaux, les disposant, les accrochant - mais, malheureusement, il n'a pas eu le temps. Moreau meurt d'un cancer le 18 avril 1898 et est inhumé au cimetière du Montparnasse dans la même tombe que ses parents. Il a légué à l'État son manoir ainsi que son atelier, où étaient conservés environ 1 200 peintures et aquarelles, ainsi que plus de 10 000 dessins.

Gustave Moreau écrivait toujours ce qu'il voulait. S'inspirant de photographies et de magazines, de tapisseries médiévales, de sculptures anciennes et d'art oriental, il a pu créer son propre monde fantastique qui existe en dehors du temps.

Les Muses quittant leur père Apollon (1868)

Considérée à travers le prisme de l'histoire de l'art, l'œuvre de Moreau peut paraître anachronique et étrange. La passion de l'artiste pour sujets mythologiques et son style de peinture bizarre ne cadrait pas bien avec l'époque de l'apogée du réalisme et de l'émergence de l'impressionnisme. Cependant, du vivant de Moreau, ses peintures étaient reconnues comme à la fois audacieuses et innovantes. Voir l'aquarelle de Moreau "Phaéton" Lors de l'Exposition universelle de 1878, l'artiste Odilon Redon, choqué par l'œuvre, écrivait : « Cette œuvre est capable de verser du vin nouveau dans les outres de l'art ancien. La vision de l'artiste se distingue par la fraîcheur et la nouveauté... En même temps. temps, il suit les inclinations de sa propre nature.

Redon, comme beaucoup de critiques de l’époque, voyait le principal mérite de Moreau dans le fait qu’il était capable de donner une nouvelle direction. peinture traditionnelle, pour construire un pont entre le passé et le futur. L'écrivain symboliste Huysmans, auteur du roman culte décadent « Au contraire » (1884), considérait Moreau comme un « artiste unique » qui n'avait « ni de véritables prédécesseurs ni de disciples possibles ».

Bien entendu, tout le monde ne pensait pas la même chose. Les critiques du Salon qualifiaient souvent le style de Moreau d'« excentrique ». En 1864, lorsque l'artiste présentait « Œdipe et le Sphinx » - le premier tableau qui attira vraiment l'attention des critiques - l'un d'eux nota que cette toile lui rappelait « un pot-pourri sur des thèmes de Mantegna, créé par un étudiant allemand qui se reposait en travaillant pour lire Schopenhauer.

Ulysse battant les prétendants (1852)

Ulysse bat les prétendants (détail)

Moreau lui-même ne voulait pas admettre qu'il était soit unique, soit déconnecté de son époque et, de surcroît, incompréhensible. Il se considérait comme un artiste-penseur, mais en même temps, ce qu'il soulignait particulièrement, il mettait en premier lieu la couleur, la ligne et la forme, et non les images verbales. Voulant se protéger des interprétations indésirables, il accompagne souvent ses tableaux commentaires détaillés et a sincèrement regretté que « jusqu’à présent, personne ne puisse parler sérieusement de ma peinture ».

Hercule et l'hydre de Lerne (1876)

Moreau a toujours porté une attention particulière aux œuvres des maîtres anciens, à ces mêmes « vieilles outres » dans lesquelles, selon la définition de Redon, il voulait verser son « vin nouveau ». De longues années Moreau a étudié les chefs-d'œuvre des artistes d'Europe occidentale, et principalement des représentants Renaissance italienne Cependant, les aspects héroïques et monumentaux l'intéressaient beaucoup moins que le côté spirituel et mystique de l'œuvre de ses grands prédécesseurs.

Moro avait le plus profond respect pour Léonard de Vinci, qui au 19ème siècle. considéré comme le précurseur du romantisme européen. La maison Moreau conservait des reproductions de tous les tableaux de Léonard présentés au Louvre, et l'artiste s'y tournait souvent, notamment lorsqu'il avait besoin de représenter un paysage rocheux (comme par exemple dans les tableaux « Orphée » et « Prométhée ») ou des hommes efféminés. qui ressemblaient à ceux créés par Léonard à l'image de Saint Jean. « Je n'aurais jamais appris à m'exprimer, dira Moreau, déjà artiste mûr, sans une méditation constante devant les œuvres des génies : » Madone Sixtine"et certaines des créations de Léonard."

Fille thrace avec la tête d'Orphée sur sa lyre (1864)

L'admiration de Moreau pour les maîtres de la Renaissance est caractéristique de nombreux artistes du XIXe siècle. À cette époque, même des artistes classiques comme Ingres recherchaient des œuvres nouvelles et non typiques. peinture classique les intrigues et la croissance rapide de l'empire colonial français ont suscité l'intérêt des téléspectateurs, en particulier des créateurs, pour tout ce qui est exotique.

Paon se plaignant à Junon (1881)

Les archives du musée Gustave Moreau révèlent l'incroyable étendue des intérêts de l'artiste - des tapisseries médiévales aux vases antiques, des gravures sur bois japonaises à la sculpture érotique indienne. Contrairement à Ingres qui se limitait exclusivement sources historiques, Moreau associe avec audace sur toile des images tirées de différentes cultures et les époques. Son "Licornes", par exemple, semblent avoir été empruntés à une galerie de peintures médiévales, et le tableau « Apparition » est un véritable recueil d'exotisme oriental.

Licornes (1887-88)

Moreau cherchait délibérément à saturer ses tableaux autant que possible de détails étonnants, telle était sa stratégie, qu'il appelait « la nécessité du luxe ». Moreau a travaillé longtemps sur ses tableaux, parfois pendant plusieurs années, ajoutant sans cesse de nouveaux détails qui se multipliaient sur la toile, comme des reflets dans des miroirs. Lorsque l’artiste n’avait plus assez de place sur la toile, il ourlait des bandes supplémentaires. Cela s'est produit, par exemple, avec le tableau « Jupiter et Sémélé » et avec le tableau inachevé « Jason et les Argonautes ».

L'attitude de Moreau envers les peintures n'est pas sans rappeler son attitude envers ses poèmes symphoniques son grand contemporain Wagner - il était très difficile pour les deux créateurs d'amener leurs œuvres à l'accord final. L'idole de Moro, Léonard de Vinci, a également laissé de nombreuses œuvres inachevées. Les tableaux présentés dans l'exposition du Musée Gustave Moreau montrent clairement que l'artiste n'a pas pu incarner pleinement les images qu'il souhaitait sur toile.

Au fil des années, Moreau croyait de plus en plus qu'il restait le dernier gardien de la tradition et parlait rarement favorablement de la tradition. artistes contemporains, même de ceux avec qui il était ami. Moreau croyait que la peinture des impressionnistes était superficielle, dénuée de moralité et ne pouvait s'empêcher de conduire ces artistes à la mort spirituelle.

Diomède dévoré par ses chevaux (1865)

Cependant, les liens de Moreau avec le modernisme sont beaucoup plus complexes et subtils qu’il ne le paraissait aux décadents qui adoraient son œuvre. Les élèves de Moreau à l'École des Beaux-Arts, Matisse et Rouault, parlaient toujours de leur professeur avec beaucoup de chaleur et de gratitude, et son atelier était souvent qualifié de « berceau du modernisme ». Pour Redon, le modernisme de Moreau résidait dans le fait qu'il « suivait sa propre nature ». C'est cette qualité, combinée à la capacité d'expression de soi, que Moreau a essayé par tous les moyens de développer chez ses élèves. Il leur a enseigné non seulement les bases traditionnelles de l'artisanat et de la copie des chefs-d'œuvre du Louvre, mais aussi l'indépendance créative - et les leçons du maître n'ont pas été vaines. Matisse et Rouault comptent parmi les fondateurs du fauvisme, le premier mouvement artistique influent du XXe siècle basé sur des idées classiques sur la couleur et la forme. Moreau, qui semble être un conservateur invétéré, devient ainsi le parrain d'un mouvement qui ouvre de nouveaux horizons à la peinture du XXe siècle.

Le dernier romantique du XIXe siècle, Gustave Moreau, appelait son art « le silence passionné ». Dans ses œuvres, une palette de couleurs vives se combine harmonieusement avec l'expression de la mythologie et images bibliques. «Je n'ai jamais cherché le rêve dans la réalité ni la réalité dans les rêves, j'ai laissé la liberté à l'imagination», aimait à répéter Moreau, considérant la fantaisie comme l'une des forces les plus importantes de l'âme. Les critiques le considéraient comme un représentant du symbolisme, bien que l'artiste lui-même ait rejeté cette étiquette à plusieurs reprises et de manière décisive. Et peu importe à quel point Moreau s'appuyait sur le jeu de son imagination, il réfléchissait toujours soigneusement et profondément à la couleur et à la composition des toiles, à toutes les caractéristiques des lignes et des formes et n'avait jamais peur des expériences les plus audacieuses.

Autoportrait (1850)

Gustave Moreau 1826-1898- Artiste symboliste français, dont le travail a été qualifié d'étranges à maintes reprises. Mais cette «étrangeté» doit être considérée exclusivement sous un jour positif : ses toiles sont remplies d'un sens sophistiqué et d'un sous-texte nouveau et inconnu pour le spectateur, qui n'est pas si facile à comprendre.

Un trait caractéristique de Moreau était un amour sincère et inébranlable pour son art, une foi en sa justesse et sa beauté. Il n’a jamais écrit pour les masses et ne s’est pas efforcé d’être compris par la foule. L'artiste s'est concentré sur une petite partie du public, l'élite de la société, et n'a délibérément pas simplifié ses peintures et leurs sujets. Même si peu de gens le comprenaient, il était lui-même satisfait de ce qu'il représentait sur toile, était fidèle à ses pensées et adhérait à son style.

L'un des premiers tableaux de Moreau à devenir célèbre est Œdipe et le Sphinx (1864). Presque tout chez elle semble spécial : le principal personnages agissant, et un paysage acéré et rude, et un ciel gris sombre couvert de nuages. Ils semblent aussi lourds et tangibles que les montagnes, les rochers et les pierres représentés sur la toile. Le spectateur semble se retrouver dans un espace clos avec une quantité d'air limitée : il est entouré de tous côtés par des nuages ​​et des masses rocheuses.

La tension de l'atmosphère est également soulignée par les personnages principaux. Le Sphinx, créature aux ailes d'oiseau, au corps de lion et à la tête de jeune fille, s'agrippait à Œdipe avec ses griffes et son regard apparemment hypnotisant. Mais le visage d’Œdipe n’exprime aucune émotion ; il semble à moitié endormi, figé entre les mondes.

Moreau a écrit sur des sujets bibliques et mythiques. Les femmes dans ses peintures ressemblent le plus souvent à des déesses : il est peu probable qu'une telle perfection et une telle beauté soient trouvées dans la réalité. Les héroïnes du maître sont toujours féminines, belles, majestueuses... et irréelles. Mais le symbolisme n’avait pas besoin d’objectivité et les artistes symbolistes laissaient la possibilité de représenter fidèlement le monde aux représentants d’autres mouvements.

Très souvent, Moreau a représenté des muses merveilleuses et insaisissables. Dans Hésiode et la Muse (1891), la créature fragile et déracinée semble tissée de minuscules bijoux. Elle est légère et étonnante, sa présence rendra tout créateur heureux, et sans sa créativité semble s'estomper. Mais la muse ne peut pas être attrapée et mise en chaîne - elle est capricieuse et apparaît quand elle veut.

Gustave Moreau est un artiste dont le travail n'est « pas lié » au temps réel. Pour les intrigues, il est allé il y a des centaines d'années, où il a fait un « changement » et est allé au « final » - vers l'autre monde sublime et subtil, étonnant et immense. Ses personnages sont mystérieux, ses tableaux font réfléchir et regarder dans les moindres détails. Il a vécu et travaillé selon ses convictions, sans se soucier des goûts et des préférences du grand public.

On peut l'appeler Homme heureux- après tout, il a été reconnu pour ce qu'il a essentiellement fait pour lui-même.

Homme avec classique éducation artistique et d'énormes connaissances dans le domaine de l'art, Gustave Moreau devient l'un des dirigeants des symbolistes, un mouvement qui se renforce dans la seconde moitié du XIXe siècle. Les symbolistes sont souvent associés aux décadents, mais l'œuvre de Moreau est difficile à attribuer à une branche spécifique. Ses peintures utilisent des motifs historiques, classiques combinaisons de couleurs et des techniques d'imagerie d'avant-garde.

De naissance, Gustave Moreau était parisien, où il naquit en 1826 dans une famille assez proche de l'art - son père était architecte. Futur artisteétudie à l'École des Beaux-Arts de Paris et déjà en 1849 il commence à exposer au Salon. Il s'intéressait aux exemples de peinture historique et aux œuvres de maîtres anciens, c'est pourquoi il fit plusieurs voyages où il étudia les créations survivantes. les meilleurs maîtres Renaissance.

Son travail a été sérieusement influencé par les motifs souvent utilisés dans ses peintures. artistes célèbres passé - historique, biblique, légendaire, fabuleux, épique. De là, le maître a tiré des idées pour ses futures peintures avec un début mystique prononcé, caractéristique du symbolisme. Cependant, contrairement aux motifs classiques des peintures, son style de représentation était complètement avancé, dans l'air du temps, avec une recherche d'effets spéciaux et du style de l'auteur.

L'œuvre de Moreau était reconnue et appréciée par ses contemporains. En 1868, il devint président d'un concours d'art et, en 1875, ses réalisations artistiques reçurent la Légion d'honneur - la plus haute récompense, décerné pour services rendus à la République française.

L'artiste était enthousiaste art classique La Grèce ancienne, aimait beaucoup le luxe oriental, les ustensiles et la vaisselle richement décorés, les armes rares et coûteuses, les tissus et les tapis. Dans ses peintures aux motifs mystiques, bibliques et historiques, il utilisait souvent ces objets d'une rare beauté, admirant leur perfection et leur beauté. Schéma de couleur. La peinture du maître est reconnaissable et assez spécifique, elle utilise une variété de couleurs vives, mais par miracle, ils parviennent à ne pas devenir une collection hétéroclite de couleurs, mais à donner l'impression d'intégrité et d'unité de l'image et de son incarnation. Les peintures sont très expressives et étonnent par leur utilisation magistrale de la couleur. Même des motifs bien connus de la Bible sont interprétés par lui à sa manière, de manière très individuelle et non triviale.

En 1888, Gustave Moreau devient membre de l'Académie française des Arts et en 1891, il commence à enseigner comme professeur à l'École des Beaux-Arts. Parmi ceux qu'il a enseignés figurent : maîtres célèbres comme Odilon Redon, Georges Rouault et Gustave Pierre. On pense que les peintures de Moreau ont eu une très forte influence sur la formation du fauvisme et du surréalisme.

Cinq ans après la mort de Gustave Moreau en 1898, un musée est organisé dans son atelier parisien. Ses œuvres se trouvent dans de nombreux endroits à travers le monde, notamment au Royaume-Uni.

L'œuvre paradoxale de Moreau est à la croisée des courants art du 19ème siècle siècle. Peter Cook à la fin de son ouvrage monographique sur Gustave Moreau (1826-1898) le qualifie de proto-symboliste, moins souvent artiste historique, mais en général, il est difficile de le catégoriser. Les meilleures de ses peintures bibliques et mythologiques complexes sont mémorables mais difficiles à déchiffrer. Gustave Moreau : Peinture d'histoire, spiritualité et symbolisme (Gustave Moreau : peinture d'histoire, spiritualité et symbolisme) tente de faire la lumière sur cette figure très singulière de la périphérie de l'art français.

sur son compositions classiques l'huile représente des personnages dans des zones claires isolées, entourées de grandes zones sombres, colorées de taches multicolores, qui donnent à ces grottes et salles du trône l'apparence d'être décorées. pierres précieuses. Les expressions faciales de ses personnages sont sobres et leurs gestes ne sont pas naturels et solennels. Les vêtements et l'architecture sont recouverts de décorations complexes, donnant aux peintures un aspect pseudo-organique. Vers la fin du Second Empire, la peinture d'histoire de salon devient un exercice de sensationnalisme et titille les nerfs. Il est difficile de ne pas voir Moreau se tourmenter volontairement avec fidélité à une tradition de peinture d’histoire dont il soupçonnait les jours d’être comptés. Son travail se situe entre l'approche néoclassique de la peinture d'histoire et le mouvement symboliste émergent, que Moreau jugeait sous-estimé. Dans la vision du monde extrêmement complexe et éclectique de l'artiste, la dévotion à l'art se combine avec la mythologie panthéiste et le mysticisme catholique. La position antiréaliste de Moreau était une conséquence de son attachement à l'idéalisme. Son Opinions politiquesétaient extrêmement monarchistes et nationalistes.

Cook suggère que la réponse négative aux œuvres de salon de Moreau après le succès de son Œdipe et le Sphinx (1864) était due à la confusion des styles et à la difficulté d'interpréter les récits picturaux. Il a utilisé le néoclassicisme comme base de son approche, mais a inclus à la fois la saveur émotionnelle du romantisme et l'ornementalisme de l'art extrême-oriental et islamique. Cook compare les tableaux de Moreau à d'autres exposés au Salon cette année-là. Ceci est instructif, puisque beaucoup de ces peintures ont été écrites artistes peu connus et ont été perdus ou ont fini dans les réserves des musées provinciaux.

L'accueil mitigé de ses œuvres de salon a contribué au fait que Moreau a commencé à se considérer comme un prophète méconnu. Soucieux d'assurer sa place auprès des générations futures, il transmet ses propres principes à de nombreux étudiants. Et il a travaillé sur des peintures qui, selon le projet de l’artiste, devaient se trouver dans un musée posthume dédié à son œuvre. Et si aucun de ses élèves n'est devenu ses disciples, alors la maison-musée parisienne de Moreau s'est avérée être un héritage plus durable. Moreau a créé des copies de ses toiles à succès afin de pouvoir les conserver ici.

Être enseignant Lycée Beaux-Arts, Moreau entre en contact avec la génération d'artistes qui créera plus tard le modernisme. Les étudiants Henri Matisse, Albert Marquet et Charles Camoin formaient l'épine dorsale du mouvement fauviste, opposé aux idéaux de l'enseignant. Cook montre que Moreau était un mentor bienveillant qui recommandait de copier grand cercle fonctionne et a fait une impression positive sur les étudiants. Mais parmi tous les principaux élèves de Moreau, seul Georges Rouault est devenu un artiste d'allégories et un opposant constant au réalisme. Moreau fut le dernier champion d'une tradition finalement abandonnée par davantage de artistes tardifs. Son travail est suffisamment attrayant et sophistiqué pour mériter l’attention tardive que Cook lui a accordée.

Texte : Alexandre Adams

« Le plus important pour moi, c'est une impulsion passagère et un incroyable désir d'abstraction. Expression sentiments humains, désirs - c'est ce qui me préoccupe vraiment, même si je suis moins enclin à exprimer ces élans de l'âme qu'à écrire ce qui est visible. En d’autres termes, je représente des éclairs d’imagination que personne ne sait interpréter, mais j’y remarque quelque chose de divin, transmis par une plasticité étonnante. Je vois des horizons magiques ouverts, et toute cette vision j'appellerais Exaltation et Purification.»

—Gustave Moreau (1826-1898)

Gustave Moreau se démarque de tous les peintres du XIXe siècle. Il a vécu à Paris à l'apogée des expositions du Salon, à l'apogée des réalistes et orientalistes français, pendant la révolution impressionniste, mais a réussi à conserver sa singularité et à devenir une véritable source d'inspiration pour tout le mouvement du XXe siècle - le surréalisme. Et certains le considèrent comme le fondateur du fauvisme.

Le maître visita l'Italie pour la première fois en 1841, c'est-à-dire à l'âge de 15 ans. Il a été tellement inspiré par les peintures des artistes de la Renaissance que ce voyage l'a défini chemin créatif. Il a rappelé les œuvres de Léonard de Vinci et de Michel-Ange : « Les personnages de leurs peintures semblent endormis en réalité, comme s'ils avaient été emmenés vivants au paradis. Leur rêverie absorbée est dirigée vers d’autres mondes, pas vers le nôtre… » En général, c’était comme si un sorcier parlait. Oui, j'ai écrit aussi. L'influence de la peinture médiévale et de la Renaissance est visible dans son travail de couleur, de composition et de perspective.

Qu’arrive-t-il aux artistes un peu seuls et qui n’acceptent pas les nouvelles tendances de la mode ? C’est vrai : « Ils n’aiment pas les gens comme ça ici. » Sous le Second Empire, le public appréciait le rococo, le faste et le glamour, mais cet excentrique voit d'autres dimensions dans la peinture médiévale. C’est par exemple ce qu’Auguste Renoir disait de lui : « Gustave Moreau est un mauvais artiste ! Il ne sait même pas comment dessiner correctement une jambe. Mais qu’est-ce qu’il prend à tout le monde, et en particulier aux prêteurs juifs : de l’or. Oui, oui, il met tellement d’or dans ses tableaux que personne ne peut résister ! Le critique et publiciste Castagnari, voyant son travail, a déclaré : « Eh bien, c’est une sorte de rétrograde ». Et il avait un mot important à ce moment-là. Mais apparemment Gustave a vu un peu plus que Castagnari et est resté fidèle à sa méthode.

Et la méthode de Moreau se résumait à ceci : il essayait d’enregistrer un rêve. Cela ne vous rappelle rien ? Oui, les surréalistes ont fait presque cela plus tard. Et le plus célèbre d'entre eux, Salvador Dali, s'endormait avec une pièce de monnaie à la main, sous laquelle il plaçait une bassine en cuivre, de sorte qu'au moment où le corps s'endort et que les muscles se détendent, la pièce tombe et le bruit de son impact sur le bassin le réveillerait, pour enregistrer ce qu'il avait réussi à voir en rêve. Gustave n'a probablement pas été aussi direct lorsqu'il a parlé de son « le rêve fixé ». Il voulait consciemment « provoquer un réveil du somnambulisme routinier de la vie afin de contempler des réalités spirituelles supérieures qui sont plus motivantes que descriptives et imprégnées de propriétés mystiques éphémères ». Il est difficile de comprendre immédiatement les paroles du maître sorcier, mais apparemment la vie quotidienne il le comprend comme un rêve dont on peut se réveiller dans le sommeil physique, lorsque le subconscient est libéré des chaînes de l'esprit. Et il présente ses toiles comme la clé de cet éveil au réel. C'est « le rêve fixé ».

En général, l'idée d'une telle collision de deux mondes a ensuite été adoptée par Odilon Redon - représentant éminent symbolisme. Il a déclaré : « Les efforts de Moro visaient à créer un nouveau dictionnaire visuel, qui décrirait comment problèmes modernes, et les tendances générales. Arrêtons-nous un peu ici. Gustave Moreau est considéré comme un symboliste. Mais la symbolique est très instable, je dirai même que sans le contexte temporel c'est impossible. Par exemple, une femme dans la peinture du XIXe siècle devient un être fragile et sensuel, souvent associé à la mère, aux soins, à la tendresse et à l'amour. Néanmoins, le symbolisme médiéval, largement basé sur des interprétations bibliques, l'interprète de manière inverse : émotions débridées, chaos, désir irrésistible, peur, mort. (à ne pas confondre avec vierge, vierge). Et Gustave se tourne précisément vers de telles interprétations dans ses œuvres « Salomé avec la tête de Jonas le Baptiste » et « Œdipe et le Sphinx ». À propos, Redon susmentionné a déclaré que c'était l'œuvre « Œdipe et le Sphinx » qui l'avait inspiré à choisir sa voie isolée dans l'art.

Et ci-dessous se trouve son tableau « Hercule et les oiseaux de Stymphale ». C'est l'histoire du troisième travail d'Hercule, lorsqu'il vainquit, à l'aide d'un tambour donné par Pallas, les terribles oiseaux qui furent tués par des plumes mortelles tombant du ciel. Hercule a frappé le tambour, les oiseaux ont volé dans les airs et à ce moment-là, il leur a tiré dessus avec un arc. Vous remarquerez que les rochers sur les toiles sont peints comme sur les toiles des maîtres de la Renaissance. Ou encore remarquer une certaine similitude avec les œuvres d’artistes chinois.

Et l'envie d'abstraction et de tons sombres est clairement visible dans son travail en retard"Tomyris et Cyrus." En combattant les Massagetae, le roi perse Cyrus leur tend un piège : il laisse de grandes réserves de vin et il se retire. Les Massagetae, ayant découvert les provisions, se saoulèrent immédiatement et furent attaqués par les Perses, capturant le fils de Tomyris. Elle, ayant rassemblé toute son armée, vainquit Cyrus et lui mit la tête dans une outre remplie de sang. Bien sûr, personne n’avait entendu parler des droits de l’homme à l’époque, mais tout le monde était conceptualiste. Et c’est l’expression « perdre la tête » qui a le plus eu sens direct. C’est de cela dont parle cette histoire.

Il y a eu aussi un incident intéressant qui souligne l'isolement de Gustave Moreau par rapport aux autres peintres de l'époque. Dans la salle d'Apollon du Louvre, Delacroix a présenté son tableau « Apollon bat Python ». Le tableau a été commandé pour la Seconde République, comme symbole des victoires sur l'obscurantisme du passé. Et Moreau expose en même temps son Phaéton, qui ressemble beaucoup à Python. Mais le Phaéton de Gustave n'a pas encore été frappé par la foudre de Zeus. Audacieusement!

Je n’ai pas non plus mentionné l’envie de Gustav pour l’ornementalisme, qui deviendra plus tard l’une des composantes du modernisme ou de l’art nouveau. Moreau tisse parfois habilement des arabesques et autres ornements dans ses œuvres, créant l'illusion de certains runes magiques qui semblent briller sur la toile et tentent de dire quelque chose. Mais il vaut mieux voir par vous-même :

Gustave Moreau n'était pas particulièrement populaire à son époque. La renommée lui est venue plus tard, après sa mort. La dernière fois que j'en ai parlé, qui sentait habilement l'air du temps, Gustave, au contraire, est resté fidèle à sa ligne, malgré toutes les pressions de ses collègues et de ses critiques, donnant ainsi matière à réflexion aux générations futures et posant de fait les bases du surréalisme. . Il n’y a pas de prophète dans son propre pays, ou plutôt à son époque. Je pense qu'il est très un lien important entre l'art du Moyen Âge, de la Renaissance et l'art du XXe siècle. Un lien perdu qui a été retrouvé bien plus tard que prévu. Et dans une certaine mesure, bien plus tôt. Ici! Appelons-le un sorcier hors du temps et de l'espace. Et c’est pourquoi il est toujours d’actualité aujourd’hui.