L'Art Déco dans l'art. Art Déco, Art Nouveau, Art Nouveau - caractéristiques de style, exemples - peintures, vitraux, intérieurs Relations avec les styles et mouvements modernes

Le style Art Déco est extrêmement populaire à notre époque et s'adresse avant tout aux amateurs d'élitisme et de luxe, au goût raffiné et raffiné, à ceux qui aiment admirer et admirer des objets exclusifs. Le style est extrêmement populaire parmi monde créatif: acteurs, artistes et autres célébrités.

DESIGN DANS UN STYLE ART DÉCO

La principale différence entre ce style et les autres est la tendance vers le style Empire et le Cubisme. Il contient également des éléments d’art archaïque de cultures anciennes. L'Art Déco est une combinaison de plusieurs tendances : motifs égyptiens, archaïques grecs et art primitif Tribus africaines - tout se fond harmonieusement en un tout, formant une simplicité avant-gardiste et en même temps une originalité exotique. L'Art Déco est une continuation du style « Moderne » même à sa naissance, il portait le nom original de « Moderne épuré ». Il n'y a absolument aucun matériau artificiel ici, ni des motifs modernes. Pas de lignes douces ni de motifs floraux - seulement de la netteté, de l'angularité, de la géométrie ou de l'abstraction, c'est-à-dire Il y a aussi des éléments de « High-Tech ». Auparavant, des peintures, des sculptures, des meubles, ainsi que des bâtiments et des structures étaient créés dans le style Art déco. En plus de tout ce qui précède, le style n'est pas sans motifs ethniques, c'est-à-dire L'Art Déco est éclectique.

Les principales caractéristiques du style :

1. des formes en zigzag (il peut s'agir d'un ornement ou de la pose de carreaux en chevrons) ;
2. Sunburst, qui signifie rayons du soleil (peuvent être trouvés dans la décoration, la forme et le décor). À propos, les rayures inhérentes à de nombreux éléments de l'Art Déco sont associées aux rayons (un décor à rayures est utilisé, les murs sont garnis de rayures ou le dossier d'un canapé est divisé en rayures) ;
3. l'échelonnement (par exemple, la divergence des rayons du soleil par échelons, comme les structures à plusieurs étages typiques de l'architecture babylonienne, sumérienne et assyrienne) ;
4. trapézoïdal (présence de nombreux éléments d'intérieur de forme trapézoïdale, par exemple des meubles, des miroirs ou une décoration de porte);
5. lignes courbes (les courbures de forme géométrique sont plus courantes, mais il existe également une courbure arrondie prononcée);
6. touches de piano (en référence à l'alternance de rayures claires et sombres que l'on trouve partout)
7. contour ou cadre (par exemple, une surface décorée d'une ligne de couleur contrastée, en d'autres termes, un cadre, qui permet de souligner le plus clairement la géométrie formatrice de style)

Le style Art Déco implique l'utilisation de matériaux :

• bois (y compris bois marqueté);
• verre;
• cuir véritable (y compris peau de zèbre) ;
• acier inoxydable;
• aluminium;
• carreaux de céramique ou de pierre brillants;
• surfaces vernies.

Relativement gamme de couleurs on peut dire que l'Art Déco utilise majoritairement des tons neutres : noir, blanc, gris, argent, beige, marron, ainsi que des nuances de beige et de métal. L'introduction modérée et discrète d'autres couleurs est autorisée, principalement le vert, le bleu, l'or, le rouge ou le bordeaux.

CHAMBRE ART DÉCO

La grande majorité des personnes qui choisissent le style Art Déco pour leur chambre sont des créatifs et de véritables connaisseurs de la beauté. Art Déco, traduit du français en russe, signifie « art décoratif », et ici un mobilier standard est indispensable. Pour créer une chambre Art Déco, il faut investir son âme, ne pas avoir peur des expériences en matière de décoration, afin de trouver cette ligne invisible entre moderne et classique, entre élégance sophistiquée et luxe monumental.

Le classique et le moderne de l’Art Déco s’unissent avant tout par les matériaux naturels, les formes géométriques et la polyvalence. Une chambre Art déco se caractérise par la douceur des formes, qui sera facilitée par un lit avec une tête de lit moelleuse et ornée, qui peut avoir une forme rectangulaire classique ou une forme ovale moderne. Habituellement, la tête de lit est décorée de tissus d'ameublement coûteux ou de toute la zone de la tête de lit. est mis en valeur avec du papier peint gaufré et des draperies en tissu.

Les meubles doivent être en bois ou en métal et avoir des bords effilés

Les étagères, armoires, tables de chevet et autres meubles sont sélectionnés selon ce principe : si les murs sont sombres, alors les meubles doivent être clairs et vice versa. Avoir une coiffeuse et un pouf (ou un fauteuil) de forme inhabituelle dans ce style est indispensable. Les miroirs rendent la chambre spacieuse et lumineuse, et agrandissent également visuellement la pièce, car l'art déco implique beaucoup d'espace, de lumière et de propreté. À cet égard, il devrait y avoir un grand nombre de miroirs : des portes d'armoires, un miroir soleil situé dans la zone de chevet, ainsi qu'un grand miroir près de la coiffeuse.

Les murs de la chambre peuvent constituer une décoration intérieure à eux seuls. Les dessins et les ornements sont l'élément principal de la conception des murs de ce style, ainsi que toutes sortes de collages, autocollants d'intérieur ou peintures décoratives. Cependant, tout nécessite de la modération. Le motif peut être un cadre de fond pour un meuble ou un accent central de l'intérieur, mais il doit avoir des tons sourds et discrets. Le style permet également la présence de formes arrondies : ovales, vagues, cercles. S'il y a une niche dans le mur, en utilisant des cloisons sèches, vous pouvez lui donner la forme d'une ellipse et y placer, par exemple, une coiffeuse ou une télévision. Mais dans ce cas, une forme similaire doit être répétée lors de la finition des plafonds, des podiums au sol ou des portes. À propos, en ce qui concerne le plafond, ce ne serait pas une mauvaise idée d'y placer des moulures en stuc, par exemple sous la forme d'un cadre de lustre. Les peintures sont autorisées sur les murs, bien qu'en petites quantités, afin que l'intérieur ne soit pas sursaturé de divers petits objets.

Concernant la couleur, la chambre peut être réalisée dans des tons blanc, marron chaud, gris, rose et rouge. Il est recommandé d'appliquer du contraste. Les accessoires et les meubles ne doivent pas fusionner en un tout, ils doivent se démarquer. Les intérieurs sont plus impressionnants dans des combinaisons de tons noir et blanc, beige chocolat, gris et noir, gris et bleu et blanc et bordeaux. Généralement, trois nuances sont utilisées dans la décoration intérieure, dont deux représentent le fond (par exemple, le noir et le blanc) et une est utilisée comme élément de luxe (or, bronze ou argent). Ce serait formidable si la décoration, ainsi que le décor, contenaient des éléments de luxe, par exemple des tissus en soie, des dorures claires ou du parquet. En général, les tentures en tissu constituent la décoration principale de la chambre. Ils confèrent un romantisme et un confort particuliers. Les rideaux peuvent être en soie ou en satin, devant le lit il y a une peau naturelle unie blanc ou un tapis de chevet en fausse fourrure à poils longs et épais. Le lit est recouvert d'un couvre-lit luxueux avec des oreillers assortis au rembourrage moelleux du pouf ou des chaises.

L'éclairage de la chambre doit être à plusieurs niveaux ; il doit y avoir au minimum : un lustre central en cristal ou en verre multicolore, des lampes sur la coiffeuse et des lampadaires. Pour éclairer les niches, vous pouvez également utiliser un éclairage LED.

SALON ART DÉCO

Les salons modernes de style Art Déco combinent harmonieusement des formes géométriques avec des façades arrondies, et les meubles, généralement en bois précieux, sont associés à des inserts en verre et des poignées en métal. Le style offre un vaste champ d'activité concernant la mise en œuvre de diverses idées. Tous les motifs peuvent être utilisés, qu'il s'agisse de motifs africains, de motifs cubistes, d'articles d'aviation ou de motifs sur le thème de l'automobile, car... les intérieurs de ce style sont constitués d’une mosaïque de styles et d’époques. Le bois précieux, le cuir (notamment le crocodile, le requin et la raie pastenague), les pierres semi-précieuses, l'ivoire, le bambou, etc. sont utilisés comme matériaux décoratifs. Ainsi, les matériaux extravagants contribuent grandement à exprimer toute la palette des sentiments, d'autant plus que le salon Art Déco est un véritable centre d'esthétique. La combinaison du verre et du métal a trouvé son utilisation assez largement, et les portes, cloisons intérieures, accessoires de cheminée et rampes d'escalier sont décorés de fer soudé.

Concernant la palette de couleurs, les nuances sombres prédominent ; cependant, une palette marron-beige est autorisée, créant une noblesse particulière de l'intérieur. Mais quant aux fleurs panachées, c'est inacceptable. L'effet le plus avantageux est obtenu en jouant avec une saturation monotone en combinaison avec un motif contrasté. L'utilisation de surfaces en verre incrusté, de métal poli et de bois poli dans le salon est particulièrement bienvenue, car... tous ces attributs renforcent l'impression de luxe et de noblesse.

Les meubles d'un salon Art Déco doivent également être luxueux ; il est préférable qu'ils soient fabriqués à la main à partir de bois exotiques. Mais dans tous les cas, tout objet est toujours décoré en plus. La forme du meuble est également inhabituelle, par exemple, l'assise de la chaise peut être trapézoïdale et le rembourrage peut être attribué à l'Égypte ou ornements orientaux, en un mot, une combinaison d’incongru. Il est particulièrement approprié d’utiliser des tables chics aux plateaux marquetés, ainsi que de grandes chaises et fauteuils comme un trône royal. Mais il ne faut pas oublier que le style lui-même est très élégant et léger, et que les formes de zigzags, de vagues ou de cols de cygne sont donc pertinentes. À propos, le style a un autre nom - « artistique ». La plupart combinaison gagnante pour les meubles, il faut utiliser du bois rouge foncé ou bordeaux en combinaison avec du cuir naturel blanc, du marbre ou du verre.

Les vitrines avec de belles choses de valeur s'intégreront parfaitement dans le design intérieur

Les murs du salon servent généralement de toile de fond agréable et discrète pour des meubles luxueux et élégants et d’autres objets d’intérieur. Très souvent, ils sont simplement peints d’une seule couleur. Cependant, de délicates inclusions sous forme d'ornements d'autres couleurs sont également possibles. La principale chose à retenir est que la palette de couleurs des murs et du sol doit être douce, mais que les meubles doivent être sombres et même presque noirs.

À l'intérieur également, il peut y avoir des sculptures de figures féminines placées partout, par exemple dans une pose de danse, symbole de pureté et de grâce. Cependant, la décoration principale de ce style reste le textile. Les rideaux utilisés sont en velours épais ou en satin. Coussins et les abat-jour des lampes doivent être assortis aux rideaux. Des écrans complexes ou d’autres objets en métal forgé constitueront également un excellent ajout à l’intérieur. Les accessoires anciens sont utilisés en grande quantité, comme des tableaux uniques dans l'esprit du Moyen Âge, ainsi que divers vases et Horloge murale et, bien sûr, des tapis luxueux. À propos, en ce qui concerne les peintures, les peintures de style Art déco seront excellentes, représentant un certain mélange d'expression moderne et d'élégance ancienne avec des images de silhouettes féminines, d'animaux de contes de fées fantaisistes ou de taches abstraites.

CUISINE ART DÉCO

Comme mentionné ci-dessus, le style Art Déco est une combinaison de néoclassicisme traditionnel et de modernisme innovant. Comment tout cela se manifeste-t-il à l’intérieur de la cuisine ? Tout d’abord son originalité. Comme ce style est cher et assez lumineux, le design de la cuisine ne fait pas exception, autrement dit, il ne passera pas inaperçu. Deuxièmement, l'exclusivité sous la forme d'antiquités insolites, par exemple des objets d'art. Concernant les matériaux utilisés, sont utilisés : le bois (c'est le principal) poli et marqueté ou verni, le métal (acier inoxydable et aluminium), le cuir véritable, le verre, ainsi que les carreaux brillants (céramique, artificiel ou Pierre naturelle) et bien sûr les textiles (satin ou soie uni, ainsi que tissu à rayures zébrées).

Concernant la palette de couleurs, la combinaison parfaite serait le noir et le blanc (c'est la caractéristique principale de l'Art Déco). Mais d'autres combinaisons de couleurs sont également possibles, par exemple le blanc avec du chocolat, l'argent avec du noir, etc. Mais il ne faut pas oublier que la gamme principale est constituée de couleurs de métal, de terre, de pierre ou de cuir véritable. Il est judicieux d’utiliser des rayures pour décorer la salle à manger, en utilisant du papier peint intissé ou textile de même texture. Et le tablier de travail peut être constitué de carreaux, par exemple géométriques sur le principe de la mosaïque noire et blanche. D'autres couleurs peuvent également être ajoutées, mais en petites quantités et dans des tons sourds (vert, bleu, or et rouge).

Une autre caractéristique traditionnelle du style est la forme en gradins, qui s'étend aussi bien à la décoration à motifs des murs qu'au mobilier avec des modules situés à différents niveaux, tant en hauteur qu'en profondeur. Si l'espace de la pièce le permet, il serait alors bon de réaliser un plafond tendu à plusieurs étages, s'il est recouvert d'un film noir ou blanc brillant et que beaucoup d'éclairage est placé. Le plus grand effet peut être obtenu si vous faites un « pas » en forme de bordure en stuc, soulignant ainsi la nature géométrique inhérente à ce style. En outre, l'une des options consiste à décorer la salle à manger avec du papier peint photo sous la forme d'images en plusieurs étapes de paysages, de maisons ou d'abstractions - à condition que les dessins contiennent des formes géométriques claires et régulières.

Un élément très significatif et une touche importante de l'Art Déco sont les rayons du soleil (Sunburst). Les rayures rayées doivent être présentes partout : dans le revêtement des meubles, la décoration, les textiles. Des rideaux à rayures au sol, un lustre en forme d'éventail ou une imitation peau de zèbre dans un coin moelleux - un ou deux éléments de « rayons de soleil » suffiront. Concernant le mobilier, il convient de noter que prérequis est d'éviter d'encombrer l'espace, c'est-à-dire les meubles doivent être fonctionnels. Le revêtement doit être en velours, satin, cuir et velours. Idéalement, la salle à manger devrait être transformée en une table exquise, suivant les traditions des meilleurs restaurants d'élite. En général, si nous parlons d'une cuisine idéale de style Art déco, elle doit alors contenir des meubles en bois précieux, fabriqués sur commande ou, en option, des antiquités restaurées. Si cela n'est pas possible, il existe une autre alternative au bois coûteux - un ensemble laqué bicolore, qui peut être noir et blanc, bleu-gris, rouge-gris, etc.), c'est-à-dire jouer sur le contraste des couleurs et des vernis, ce qui est aussi ce qu'affectionne l'Art Déco. De plus, vous pouvez utiliser des meubles garnis d'acier inoxydable.

Augmente visuellement l'espace de la pièce. De plus, un miroir ordinaire en forme de trapèze aurait fière allure, voire mieux, en forme de soleil, surtout si vous placez des spots pour l'effet d'un jeu de lumière.

Il est conseillé de réaliser les sols avec du parquet vernis, même si, bien entendu, une telle surface n'est pas tout à fait pratique pour la cuisine. À cet égard, la meilleure alternative est le carrelage (marbre ou imitation de toute autre pierre naturelle). Vous pouvez également utiliser du linoléum, qui a motif géométrique. Il ne faut pas oublier les notes ethniques, qui doivent également être présentes, par exemple sous la forme de peintures de paysages ou de photographies en noir et blanc placées dans de fins cadres en bois ou en métal. Ou décorez l’intérieur avec des palmiers ou des fleurs exotiques. Et encore une nuance : il devrait y avoir suffisamment de lampes pour assurer un bon éclairage de la pièce.

Et maintenant, la chose la plus importante, pour ainsi dire, le point culminant d'une cuisine Art Déco - il doit certainement y avoir quelque chose qui attirerait immédiatement l'attention (un vase exclusif, une figurine en bronze, des bougeoirs en argent ou, par exemple, un tableau) . Il faut bien réfléchir et choisir l'un des éléments qui peuvent surprendre et ravir, qu'il s'agisse d'un miroir ou d'un lustre.

L'Art Déco n'a pas échappé à l'influence d'un autre phénomène important dans l'art du XXe siècle - l'abstractionnisme. Les innovations de l'art abstrait sont principalement associées aux mérites de Vassily Kandinsky, qui a vécu et travaillé à Munich de 1896 à 1914. En supprimant progressivement le sujet de ses peintures, l'artiste a veillé à ce qu'elles acquièrent l'apparence d'une abstraction complète.

C'est aussi l'œuvre de Kazimir Malevitch, fondateur du suprématisme, qui a simplifié l'image en la superposant à une image. carré blanc un autre. Le constructivisme en tant que style a eu une influence significative sur l’art occidental. Le constructivisme reposait sur la conviction que l'art était censé servir objectifs sociaux et que c'était le reflet d'une expérience personnelle plutôt que sociale. Les artistes constructivistes ont créé des œuvres qui ressemblaient à des pièces de machines composées de formes géométriques et influencé les graphismes Art Déco.

Les innovations qui se développaient à cette époque ne pouvaient qu'influencer le style Art Déco lui-même, résultat de leur mélange. Au sens artistique aussi influence notable L'Art Déco a été influencé par le cubisme, notamment sa manière de démembrer les objets et d'analyser leurs composants géométriques. La vision cubiste des objets apparaît dans les œuvres de Pablo Picasso et de Georges Braque vers 1908-1909. L'Art Déco a été profondément influencé par la manipulation des avions par les Cubistes et leur technique d'utilisation de la couleur.

Peintre et sculpteur de talent, artiste italien Amadeo Modeliani a influencé le développement de l'Art Déco. Il représente des formes vives, à prédominance féminine, étirant délibérément les proportions du corps et des traits du visage, prototype de la stylisation élégante caractéristique de l'Art déco.

Le célèbre couturier parisien Paul Poiret, devenu pendant de nombreuses années un pionnier de la mode, a beaucoup fait pour promouvoir le style Art déco exotique et coloré, qui a débuté avec les Saisons russes. Les modèles de Paul Poiret revendiqués image parfaite femme moderne riche et habillée à la mode. P. Poiret change la mode de manière « révolutionnaire » : il détruit le corset, et ainsi la silhouette de ses modèles devient droite et plus naturelle. Ce fut la première, encore timide par rapport à ce qui allait se passer après la Première Guerre mondiale, mais déjà sa libération évidente. Porter des robes tuniques droites et amples, avec des couleurs vives motif décoratif, le comportement de la femme est devenu plus direct et naturel, moins affecté et prétentieux. Dans le célèbre hôtel Martin, ouvert en 1911, où travaillaient des jeunes filles totalement inexpérimentées, créant des dessins pour des tissus, des meubles et des papiers peints. Cette méthode inhabituelle a donné naissance à des œuvres pleines de fraîcheur et de vivacité de perception, et le manque de connaissances techniques a été compensé par des artisans bien formés qui ont traduit sur tissu les dessins réalisés par les filles, en les corrigeant seulement légèrement. Le studio Martin a produit du papier peint, des panneaux muraux et des tissus entièrement recouverts d'immenses fleurs aux couleurs vives. Ainsi, les fleurs (surtout les roses, les dahlias, les marguerites, les zinnias), très décoratives et infiniment loin d'être naturelles (réelles), deviennent un thème favori de l'Art Déco naissant.

En peinture, parmi les tableaux de l’entre-deux-guerres, il est très difficile de distinguer le pur style Art Déco. La plupart des artistes utilisaient des techniques empruntées aux cubistes. La peinture Art Déco ne faisait pas partie des mouvements artistiques d’avant-garde et n’était pas non plus de nature appliquée, conçue pour respecter les principes fondamentaux de la décoration.

Les peintures de Tamara de Lempicka, d'origine polonaise, dont l'œuvre est dominée par des portraits à la mode et des nus féminins érotiques, sont considérées comme une représentante typique de la peinture Art déco. La technique d'écriture de De Lempicka peut être définie en appliquant sa propre déclaration à l'ère de la machine selon laquelle l'artiste « ne doit pas oublier la précision. La peinture doit être propre et soignée. (S. Sternow. Art Déco. Envolées de fantaisie artistique. Belfax, 1997).

Dans l'ensemble, la sculpture Art Déco peut être divisée en deux grands groupes : les œuvres de production de masse pour le marché intérieur et les œuvres de « beaux-arts" Créées par des artistes et sculpteurs d'avant-garde de l'époque, la sculpture de qualité et les produits de masse bon marché allaient de pair : le marbre et le bronze coexistaient aux côtés des souvenirs en plastique et en céramique. Dans le domaine de la sculpture, le style Art Déco s'est manifesté partout, de art de haute qualité au kitsch.

Art Déco, Art Nouveau, Art Nouveau - caractéristiques de style, exemples - peintures, vitraux, intérieurs

Dans cet article, nous examinerons le style d'intérieur art Déco, Art Nouveau, moderne. Éléments de style - peinture, architecture, éléments espace interne- meubles, rideaux, lustres, tableaux, etc.

Bâtiment de la Sécession viennoise

Style Art Nouveau [Art Nouveau, " tiffany" (d'après Louis Comfort Tiffany) aux USA, " Art Nouveau" Et " fin de siècle" en France, " Art Nouveau" en Allemagne, " Style sécession" en Autriche, " style moderne" En Angleterre, " style liberté"en Italie, " modernisme" en Espagne, " Nouveaux Arts" en Hollande, " style épicéa" (Style sapin) en Suisse.) s'est répandu en 1918-1939 en France, en partie dans d'autres pays européens et aux Etats-Unis. Les formes architecturales et les peintures sont dominées par des lignes sinueuses, une combinaison inhabituelle de matériaux coûteux et exotiques, des images de créatures fantastiques, des formes de vagues, des coquillages, des dragons et des paons, des cols de cygne et des femmes alanguies. L'asymétrie des formes est soulignée. Les feuilles, les fleurs, les troncs et les tiges, ainsi que les contours du corps humain ou animal avec leur asymétrie inhérente, sont un guide d'action et une source d'inspiration. Le style est basé sur la thèse selon laquelle la forme en art est plus importante que le contenu. Tout contenu très prosaïque peut être présenté sous une forme hautement artistique. La source de cette « nouvelle forme » était la nature et la femme. Ce style se caractérise par la sophistication, la sophistication, la spiritualité et la variabilité. De là découlait un certain ensemble de couleurs - fanées, atténuées ; prédominance de lignes douces et complexes. Un ensemble de symboles - fleurs fantaisie, raretés marines, vagues. Les propriétés stylistiques de l'Art nouveau sont parfois comparées au système plastique du baroque, voyant à juste titre une certaine similitude entre elles dans le désir des artistes d'utiliser des formes de nature organique comme moyen d'expression. L’Art nouveau a également beaucoup emprunté à l’art asiatique.

Les copies de Michael Parkes, Gustav Klimt, Tamara Lempicka, Alphonse Mucha, Vrubel, Bilibin ou Vasnetsov, ainsi que les œuvres d'artistes contemporains écrivant dans ce style, ainsi que les graphismes américains, ont toujours fière allure dans de tels intérieurs, ainsi que dans l'art. Intérieurs déco. un certain sujet. De nombreux artistes de ce style (ou période) étaient fascinés par la peinture orientale - dans les peintures du même Gustav Klimt, nous voyons souvent des personnages vêtus de vêtements chinois ou japonais. Par conséquent, dans de tels intérieurs, la peinture chinoise ou japonaise ne serait pas déplacée. Voici quelques œuvres qui, à notre avis, conviennent aux intérieurs de tels styles.

Art Déco (art déco)- un mouvement populaire de l'art décoratif international de 1925-1939. Ce style suit historiquement immédiatement l’Art Nouveau. Il a abordé des domaines de l'art tels que l'architecture, le design d'intérieur, Design industriel, industrie de la mode, peinture, graphisme, cinéma. Ce mouvement, dans une certaine mesure, combinait de nombreux styles et mouvements différents du début du XXe siècle, notamment le néoclassicisme, le constructivisme, le cubisme, le modernisme, le Bauhaus, l'art nouveau et le futurisme. Mais dans une plus large mesure, il est moderne avec un mélange de néoclassicisme. Caractéristiques distinctives- une stricte régularité, des motifs géométriques ethniques, des matériaux luxueux, chics, chers, modernes (ivoire, peau de crocodile ou peau de requin ou de zèbre, bois rares, argent). En Allemagne et en URSS, l’Art Déco passe de l’Art Nouveau au « nouvel Empire ».

Le pic de popularité du mouvement est tombé dans les « années folles », mais même dans les années 1930, il était assez fort aux États-Unis. Contrairement à d’autres mouvements dont l’origine est politique ou philosophique, l’art déco avait une signification exclusivement décorative. À une époque, ce style était perçu comme une réaction à l’Exposition universelle de 1900. Après célèbre exposition quelques Artistes français crée l'organisme officiellement enregistré La Société des artistes décorateurs. Parmi ses fondateurs se trouvait Hector Guimard.

Paris dans les années 30 du XIXe siècle reste le centre du style Art Déco. Il l'a incarné dans des meubles Jacques-Émile Ruhlmann- le plus célèbre des créateurs de meubles de l'époque et peut-être le dernier des classiques parisiens ébéniste(Ébénistes). A cela s'ajoutent des œuvres typiques de Jean-Jacques Rateau, des produits de la société « Süe et Mare », des paravents d'Eileen Gray, des produits en métal forgé d'Edgar Brandt, du métal et de l'émail du Suisse d'origine juive Jean Dunant, du verre du grand René. Lalique et Maurice Marino, ainsi que les montres et bijoux Cartier.

Symbole Art Déco la sculpture en bronze et en ivoire fait désormais partie des arts décoratifs et appliqués. Inspirés en partie par les Saisons russes de Diaghilev, l'art égyptien et oriental, ainsi que les réalisations technologiques de « l'ère de la machine », les maîtres français et allemands ont créé dans les années 1920 et 1930 un style unique de petite sculpture, qui a élevé le statut de la sculpture. de la sculpture décorative au niveau du « grand art ». Les représentants classiques de l'Art Déco en sculpture sont considérés comme Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (France), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Allemagne), Bruno Zack, J. Lorenzl (Autriche).

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Art Nouveau (Prononciation française: ​, anglicisé en /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) est un style international d'art, d'architecture et d'arts décoratifs, en particulier. art décoratif, qui était le plus populaire entre 1890 et 1910. Un style qui est une réaction à art académique Le XIXe siècle s'inspire des formes et des structures naturelles, en particulier des lignes courbes des plantes et des fleurs.

En anglais, il est utilisé nom français"Art Nouveau" (art nouveau). Ce style est lié, mais non identique, aux styles qui ont émergé dans de nombreux pays européens à la même époque : en Autriche, il est connu sous le nom de « style sécession » après la « Sécession viennoise » ; en Espagne comme "modernisme"; en Catalogne comme "modernisme"; en République tchèque comme "secese"; au Danemark comme "skönvirke" ou "Art Nouveau"; en Allemagne comme "Art Nouveau", "Art Nouveau" ou "style de réforme"; en Hongrie comme "sécession"; en Italie comme "Art Nouveau", "Style Liberté" ou "style floral"; en Norvège comme "Art Nouveau"; en Pologne comme "sexy"; en Slovaquie comme "sécesa"; en Russie comme "moderne"; et en Suède comment "jugend".

Art Nouveau est un style artistique général. Il couvre un large éventail d'arts fins et décoratifs, notamment l'architecture, la peinture, le dessin, la décoration d'intérieur, la bijouterie, le mobilier, le textile, la céramique, le verre et la ferronnerie.

En 1910, l’Art nouveau était déjà passé de mode. Il a d’abord été remplacé par l’Art Déco puis par le Modernisme comme style architectural et décoratif dominant en Europe.

Origine

Le nouveau mouvement artistique trouve ses racines en Grande-Bretagne, dans les créations florales de William Morris et dans le mouvement Arts and Crafts fondé par les étudiants de Morris. Les premiers exemples de ce style incluent la Maison Rouge de Morris (1859) et la Chambre Paon de James Abbott McNeil Whistler. Le nouveau mouvement a également été fortement influencé par Artistes préraphaélites, y compris, Dante Gabriel Rossetti Et Edward Burne Jones, et cela est particulièrement vrai des graphistes britanniques des années 1880, notamment Selwyn Images, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert et plus particulièrement Aubrey Beardsley.

En France, le style combinait plusieurs tendances différentes. En architecture, il a été influencé par le théoricien de l'architecture et historien Eugène Violette-le-Duc, ennemi juré du style architectural historique des Beaux-Arts. Dans son livre "Entretiens sur l'architecture" En 1872, il écrit : « Utilisez les moyens et les connaissances que nous donne notre époque, sans traditions intermédiaires qui ne sont pas viables aujourd'hui, et nous pourrons ainsi découvrir une nouvelle architecture. Chaque fonction a son propre matériel ; Chaque matériau a sa propre forme et son propre ornement. Ce livre a influencé une génération d'architectes, dont Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard et Antoni Gaudí.

peintres français Maurice-Denis , Pierre Bonnard Et Édouard Vuillard joué rôle important en combinant les beaux-arts de la peinture avec le décoratif. « Je crois que la peinture doit avant tout décorer », écrivait Denis en 1891. « Le choix des intrigues ou des scènes n’est rien. C’est par le rapport des tons, les surfaces peintes et l’harmonie des lignes que je peux toucher l’âme et éveiller les émotions. Tous ces artistes ont créé à la fois des œuvres traditionnelles et peinture décorative sur les écrans, le verre et d'autres matériaux.

Une autre influence importante sur un nouveau style est devenu le japonisme : une vague d'intérêt pour les gravures sur bois japonaises, notamment les œuvres de Hiroshige, Hokusai et Utagawa Kunisada, importées en Europe à partir des années 1870. L'entrepreneur Siegfried Bing fonde le mensuel Le Japon artistique en 1888 et publie trente-six numéros avant de le fermer en 1891. Il a influencé à la fois les collectionneurs et les artistes, dont Gustav Klimt. Des éléments stylisés des estampes japonaises sont apparus dans les graphismes, la porcelaine, les bijoux et les meubles de l'Art nouveau.

Les nouvelles technologies d’impression et d’édition ont permis à l’Art nouveau d’atteindre rapidement un public mondial. Les revues d'art, illustrées de photographies et de lithographies en couleurs, jouent un rôle important dans la vulgarisation du nouveau style. Le Studio en Angleterre, Arts et idées et Art et décoration en France, Jugend en Allemagne permettent au style de se diffuser rapidement aux quatre coins de l'Europe. Aubrey Beardsley en Angleterre et Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec Et Félix Vallotton ont reçu une reconnaissance internationale en tant qu'illustrateurs.

Merci aux affiches Jules Chéret pour la danseuse Loie Fuller en 1893 et Alphonse Mucha pour l'actrice Sarah Bernhardt en 1895, l'affiche est devenue non seulement une publicité, mais une forme d'art. Toulouse-Lautrec et d'autres artistes ont atteint le statut de célébrité internationale.

Forme et caractère

Bien que l'Art nouveau ait acquis des tendances clairement localisées au fur et à mesure de son expansion géographique, certains Caractéristiques générales indiquer sa forme. Description publiée dans la revue Pan de la tapisserie murale "Cyclamen" (1894) d'Hermann Obrist, la décrivant comme "des courbes fortes inattendues formées par le coup de fouet", devenue célèbre au début de la diffusion de l'Art nouveau. Par la suite, non seulement l’œuvre elle-même est devenue plus connue sous le nom de « Fouet », mais le terme « fouet » lui-même est souvent appliqué aux courbes caractéristiques utilisées par les artistes de l’Art nouveau. De tels motifs décoratifs en forme de coup de lapin, formés de lignes dynamiques, ondulantes et fluides au rythme syncopé et de forme asymétrique, se retrouvent dans l'architecture, la peinture, la sculpture et d'autres formes de design Art nouveau.

Les origines de l'Art Nouveau sont dans la lutte de l'artiste William Morris avec des compositions volumineuses et les tendances revivalistes du XIXe siècle et ses théories qui ont contribué à créer le mouvement Arts and Crafts. Cependant, la couverture d'Arthur MacCurdo pour The City Churches of Wren (1883), avec ses motifs floraux rythmés, est souvent considérée comme la première mise en œuvre de l'Art nouveau. À peu près à la même époque, la perspective plate et les couleurs vives des gravures sur bois japonaises, notamment Katsushiki Hokusai, a eu une forte influence sur la formule du style Art Nouveau. Le japonisme, populaire en Europe dans les années 1880 et 1890, a eu une influence significative sur de nombreux artistes grâce à ses formes organiques et son attrait pour le monde naturel. En plus d'avoir été adoptés par des artistes tels qu'Emile Galle et James Abbott McNeil Whistler, l'art et le design d'inspiration japonaise ont également été défendus par les hommes d'affaires Siegfried Bean et Arthur Lasenby Liberty dans leurs magasins respectivement à Paris et Londres.

En architecture, les hyperboles et les paraboles sont répandues dans les fenêtres, les arcs et les portes, et les fragments décoratifs se transforment en formes végétales. Comme la plupart des styles de design, l’Art Nouveau cherchait à harmoniser ses formes. Le texte au-dessus de l'entrée du métro parisien profite des caractéristiques du reste de la structure métallique.

L'architecture et le design d'intérieur Art Nouveau évitent les styles néo-éclectiques du XIXe siècle. Bien que les designers de l'Art nouveau aient sélectionné et « modernisé » certains des éléments les plus abstraits du style rococo, tels que les textures de flammes et de coquillages, ils ont également préconisé l'utilisation de formes organiques hautement stylisées comme source d'inspiration, élargissant la variété « naturelle » à l'utilisation d'algues, d'herbes et d'insectes Une autre influence était les formes doucement mélangées du knorpelwerk du XVIIe siècle, mieux représentées dans l'argenterie hollandaise.

Relation avec les styles et mouvements modernes

En tant que style artistique, l'Art Nouveau présente des similitudes avec les Préraphaélites et le Symbolisme, ainsi qu'avec des artistes tels que Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt et Jan Toorop, peuvent être attribués à plusieurs de ces styles. Cependant, contrairement à la peinture symbolique, le style Art Nouveau a une particularité apparence; et, contrairement au mouvement Arts and Crafts axé sur l'artisanat, les artistes de l'Art nouveau ont facilement adopté de nouveaux matériaux, des surfaces traitées et l'abstraction au nom d'un design pur.

Art Nouveau n’a pas abandonné l’utilisation des machines, comme l’a fait le mouvement Arts and Crafts. Pour la sculpture, les principaux matériaux utilisés étaient le verre et le fer forgé, ce qui donne des caractéristiques sculpturales même en architecture. La céramique participe également à la création de séries de sculptures d'artistes comme Auguste Rodin.

L'architecture Art Nouveau a utilisé de nombreuses innovations technologiques de la fin du XIXe siècle, en particulier le fer apparent et les grands éléments en verre personnalisés. Cependant, au début de la Première Guerre mondiale, la nature stylisée du design Art Nouveau, dont la production était coûteuse, tomba en désuétude au profit d'un modernisme plus épuré et plus simple, moins cher et plus adapté à l'esthétique industrielle simple que l'Art Déco est devenu.

Tendances stylistiques Art Nouveau a également infiltré les styles locaux. Par exemple, au Danemark, la tendance était un aspect du skönvirke (« travail esthétique »), lui-même plus étroitement lié au style Arts and Crafts. De plus, les artistes ont adopté de nombreux motifs floraux et organiques de l'Art nouveau dans le style Młoda Polska (« Jeune Pologne ») en Pologne. Cependant, Młoda Polska a également inclus d'autres styles artistiques et a embrassé un mouvement plus large dans les domaines de l'art, de la littérature et du style de vie.

il y a 10 mois Enottt commentaires à l'entrée art Art Déco. Caractéristiques régionales (France, USA) désactivé

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L'Art Déco (arts décoratifs) est un mouvement influent dans les beaux-arts et les arts décoratifs de la première moitié du XXe siècle, apparu pour la première fois en France dans les années 1920 puis devenu populaire à l'international dans les années 1930 et 1940, se manifestant principalement dans l'architecture, la mode et la peinture. C'est un style éclectique, une synthèse du modernisme et du néoclassicisme. Le style Art Déco a également été fortement influencé par des mouvements artistiques tels que le cubisme, le constructivisme et le futurisme.

Caractéristiques distinctives - régularité stricte, formes géométriques audacieuses, motifs géométriques ethniques, dessin en demi-teintes, absence couleurs vives en design, avec des ornements colorés, du luxe, du chic, des matériaux chers et modernes (ivoire, peau de crocodile, aluminium, bois rares, argent).

• Formes : épurées, mais claires et graphiques. Les silhouettes ont des formes plus étagées, l'essentiel reste la grâce et un peu d'espièglerie.
• Lignes : énergiques, claires, géométriques.
• Éléments : nombreux ornements en forme de boucles, spirales, vagues, zigzags.
• Couleurs : contrastées. Entrelacement de doux et de pastel avec du flashy et du juteux.
• Matériaux : chers, exotiques, riches. Bois, cuir, bronze, marbre, céramique, verre.
• Fenêtres : rectangulaires, utilisant une grande surface vitrée. Plus rarement, cintrées ou avec des vitraux.
• Portes : entourées de pilastres, frontons.

Aux États-Unis, aux Pays-Bas, en France et dans certains autres pays, l'Art Déco évolue progressivement vers le fonctionnalisme.

Histoire

L'exposition internationale organisée à Paris en 1925 et officiellement intitulée « Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes » a donné naissance au terme « Art Déco ». Cette exposition présentait les produits de luxe mondiaux fabriqués en France, prouvant que Paris restait un centre international du style après la Première Guerre mondiale.

Salon International des Arts Décoratifs et Industriels Contemporains

L'événement qui marque l'apogée du style et lui donne son nom est l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, qui se tient à Paris d'avril à octobre 1925. Elle a été officiellement organisée par le gouvernement français et s'étendait sur une superficie de 25 hectares à Paris, s'étendant du Grand Palais sur la rive droite jusqu'aux Invalides sur la rive gauche et le long des quais de Seine. Grand Palais, le plus Grande entrée dans la ville, était remplie d'expositions d'arts décoratifs des pays participants. Il y avait 15 000 exposants venus de vingt pays différents, dont l'Angleterre, l'Italie, l'Espagne, la Pologne, la Tchécoslovaquie, la Belgique, le Japon et la nouvelle Union soviétique ; L'Allemagne n'a pas été invitée en raison des tensions d'après-guerre et les États-Unis, ne comprenant pas le but de l'exposition, ont refusé d'y participer. Seize millions de personnes ont visité l'exposition en sept mois. Le règlement de l'exposition exigeait que toutes les œuvres soient contemporaines ; les styles historiques n'étaient pas autorisés. L'objectif principal de l'exposition était de promouvoir les fabricants français de meubles de luxe, de porcelaine, de verre, de produits métalliques, de textiles et autres produits de décoration. Pour mieux promouvoir les produits, tous les grands magasins parisiens et les grands créateurs disposent de leur propre pavillon. L'exposition avait pour objectif secondaire de promouvoir les produits des colonies françaises d'Afrique et d'Asie, notamment l'ivoire et les bois exotiques.

L'Hôtel du Riche Collectionneur était une attraction populaire de l'exposition ; il présentait de nouveaux projets de design d'Emile-Jacques Ruhlmann, ainsi que des tissus Art Déco, des tapis et des peintures de Jean Dupas. Le design d'intérieur était basé sur les mêmes principes de symétrie et de formes géométriques qui le distinguaient du style Art nouveau et sur les couleurs vives, le savoir-faire exquis de matériaux rares et coûteux qui le distinguaient de la stricte fonctionnalité du style moderniste. Alors que la plupart des pavillons étaient richement décorés et remplis de meubles luxueux fait soi-même, les deux pavillons - l'Union Soviétique et le Pavillon du Nouvel Esprit, construits par une revue du même nom sous la direction de Le Corbusier, ont été construits dans un style simple, avec des murs blancs simples et sans décoration ; ils étaient parmi les premiers exemples d'architecture moderniste

L'Exposition des Arts Décoratifs, démontrant la victoire du Constructivisme, donne simultanément naissance au mouvement Art Déco, qui devient un mélange exotique de Cubisme et d'Art Nouveau, autrement dit une stylisation linéaire et une ornementation exquise. La mode des turbans et des actes stylisés comme « Égypte » et « Chine » était intimement mêlée aux rythmes de la planimétrie géométrique.

Le mouvement Art Déco lui-même existait avant l'ouverture de l'exposition en 1925 - c'était un mouvement notable dans l'art européen des années 1920. Il n’a atteint les côtes américaines qu’en 1928, où, dans les années 1930, il s’est transformé en Streamline Moderne, une émanation américanisée de l’Art déco qui est devenue la marque de cette décennie.

Le symbole de l’Art Déco dans les arts décoratifs et appliqués était la sculpture en bronze et en ivoire. Inspirés par les « Saisons russes » de Diaghilev, l'art de l'Égypte et de l'Orient, ainsi que les réalisations technologiques de « l'âge de la machine », les maîtres français et allemands ont créé un style unique dans la petite sculpture des années 1920-1930, qui a élevé le statut de la sculpture décorative au niveau du « grand art ». Les représentants classiques de l'Art Déco en sculpture sont considérés comme Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (France), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Allemagne), Bruno Zack, J. Lorenzl (Autriche).

L'émergence de l'Art Déco est étroitement liée au statut croissant des artistes décorateurs, qui auparavant fin XIX des siècles étaient considérés comme de simples artisans. Le terme « décoration décorative » a été inventé en 1875, pour les créateurs de meubles, textiles et autres décorations. En 1901, la Communauté des Artistes Décorateurs (Société des Artistes Décorateurs) ou SAD est créée, et les artistes décorateurs bénéficient des mêmes droits d'auteur que les peintres et les sculpteurs. Un mouvement similaire s'est développé en Italie. En 1902, le premier exposition internationale, dédié exclusivement aux arts décoratifs d’Esposizione international d’Arte.

Plusieurs nouveaux magazines consacrés aux arts décoratifs voient le jour à Paris, dont Art et Décoration et L'Art décoratif moderne. Des sections d'arts décoratifs ont été présentées aux salons annuels de la Société des artistes français puis au Salon d'automne. Le nationalisme français a également joué un rôle dans la renaissance des arts décoratifs : les designers français se sont sentis désavantagés par l'exportation croissante de meubles allemands bon marché. En 1911, le Jardin propose une nouvelle grande exposition internationale des arts décoratifs et appliqués en 1912. Aucune copie de styles plus anciens n'était autorisée ; seulement des œuvres modernes. L'exposition fut retardée jusqu'en 1914 puis, en raison de la guerre, jusqu'en 1925, date à laquelle elle donna son nom à toute la famille des styles connus sous le nom de Déco.

Bien que le terme Art déco soit apparu en 1925, il n’était pas couramment utilisé jusqu’à ce que les attitudes à l’égard de cette époque changent dans les années 1960. Les maîtres du style Art Déco ne faisaient pas partie d’une seule communauté. Le mouvement était considéré comme éclectique, influencé par plusieurs sources :

• "Sécession viennoise" période au début(Ateliers de Vienne) ; design industriel fonctionnel.
• Art primitif d'Afrique, d'Egypte et des Indiens d'Amérique centrale.
• L’art grec antique (période archaïque) est le moins naturaliste de tous.
• « Saisons russes » de Sergueï Diaghilev à Paris - croquis de costumes et décors de Léon Bakst.
• Formes à facettes, cristallines, facettées du cubisme et du futurisme.
• Palette de couleurs du fauvisme.
• Formes strictes du néoclassicisme : Boulet et Karl Schinkel.
• L'ère du jazz.
• Motifs et formes végétaux et animaux ; végétation tropicale; ziggourats; cristaux; Échelle coloristique noir et blanc des touches du piano, motif Soleil.
• Formes flexibles et athlétiques d'athlètes féminines, qui sont nombreuses ; coins pointus coupes de cheveux courtes parmi les représentants de la vie du club - les clapets.
• Les avancées technologiques de « l’ère des machines » telles que les radios et les gratte-ciel.

Les maîtres de l'Art Déco aimaient utiliser des matériaux tels que l'aluminium, l'acier inoxydable, l'émail, les incrustations de bois, la peau de requin et de zèbre. Des formes en zigzag et en gradins, des lignes courbes larges et énergiques (par opposition aux courbes douces et fluides de l'Art nouveau), des motifs en chevrons et des touches de piano ont été activement utilisés. Certains de ces motifs décoratifs sont devenus omniprésents, comme le motif clé que l'on retrouve dans les modèles de chaussures pour femmes, les radiateurs, les amphithéâtres de Radio City et la flèche du Chrysler Building. Les intérieurs des cinémas et des paquebots comme l'Ile de France et le Normandie étaient volontiers décorés dans ce style. L'Art Déco était luxueux, et on pense que ce luxe était une réaction psychologique à l'ascèse et aux restrictions de la Première Guerre mondiale.

France

Les grands magasins parisiens et les créateurs de mode ont joué un rôle important dans l'essor de l'Art Déco. Des entreprises ont été créées, notamment le fabricant de sacs à main Louis Vuitton, la société d'argenterie Christofle, le créateur de verre René Lalique et les joailliers Louis Cartier et Boucheron, qui ont commencé à développer des produits dans des styles plus contemporains. Depuis 1900, les grands magasins engagent des décorateurs pour travailler dans leurs studios de design. La décoration du Salon d'Automne de 1912 a été commandée par le grand magasin Printemps. Cette même année, le Printemps crée son propre atelier baptisé « Primavera ». En 1920, Primavera employait plus de trois cents artistes. Les styles allaient des versions mises à jour des meubles Louis XIV, Louis XVI et surtout Louis Philippe fabriqués par Louis Süe et l'atelier Primavera aux formes plus modernes de l'atelier du grand magasin Au Louvre. D'autres designers, dont Émile Jacques Ruhlmann et Paul Foliot, ont refusé de recourir à la production de masse et ont insisté pour que chaque pièce soit fabriquée individuellement à la main. Le premier style Art Déco présentait des matériaux luxueux et exotiques comme l'ébène, l'ivoire et la soie, des couleurs très vives et des motifs stylisés, notamment des paniers et des bouquets de fleurs de toutes les couleurs, donnant un aspect moderniste.

Les couleurs vibrantes de l'Art Déco proviennent de nombreuses sources, notamment des productions exotiques de Léon Bakst pour les Ballets Russes, qui firent sensation à Paris juste avant la Première Guerre mondiale. Certaines couleurs ont été inspirées par le mouvement antérieur du fauvisme dirigé par Henri Matisse ; d'autres par des orphistes comme Sonia Delaunay ; d'autres par le mouvement dit des Nabis, et par l'œuvre de l'artiste symboliste Odilon Redon, qui a conçu des écrans de cheminée et d'autres objets décoratifs. Les couleurs vibrantes étaient une caractéristique du travail du créateur de mode Paul Poiret, dont le travail a influencé à la fois le design et le design d'intérieur Art Déco.

Paris reste le centre du style Art Déco. Dans le mobilier, il a été incarné par Jacques-Émile Ruhlmann, le designer de meubles le plus célèbre de l'époque et peut-être le dernier des ébénistes parisiens classiques. A cela s'ajoutent des œuvres typiques de Jean-Jacques Rateau, des produits de la société « Süe et Mare », des paravents d'Eileen Gray, des produits en métal forgé d'Edgar Brandt, du métal et de l'émail du Suisse d'origine juive Jean Dunant, du verre du grand René. Lalique et Maurice Marino, mais aussi des montres et des bijoux Cartier.

En 1925, deux écoles concurrentes cohabitent dans l'Art Déco : les traditionalistes, qui fondent la Société des Artistes Décorateurs ; dont le designer de meubles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, le sculpteur Antoine Bourdelle et le designer Paul Poiret ; ils combinaient des formes modernes avec un savoir-faire traditionnel et des matériaux coûteux. De l’autre côté se trouvaient les modernistes, qui rejetaient de plus en plus le passé et souhaitaient un style basé sur les progrès des nouvelles technologies, la simplicité, l’absence de décoration, les matériaux bon marché et la production de masse.

En 1929, les modernistes fondent leur propre organisation, l'Union française des artistes modernes. Ses membres comprenaient les architectes Pierre Charaud, Francis Jourdain, Robert Mallett-Stevens, Corbusier et, en Union soviétique, Konstantin Melnikov ; La créatrice irlandaise Eileen Gray et la créatrice française Sonia Delaunay, les joailliers Jean Fouquet et Jean Puyforcat. Ils ont attaqué avec véhémence le style Art Déco traditionnel, qui, selon eux, avait été créé uniquement pour personnes riches, et insistait sur le fait que les bâtiments bien construits devaient être accessibles à tous et que la forme devait fonctionner. La beauté d’un objet ou d’un bâtiment était de savoir s’il était parfait pour sa fonction. Les méthodes industrielles modernes signifiaient que les meubles et les bâtiments pouvaient être produits en série plutôt qu'à la main.

Peinture

L'exposition de 1925 ne comportait pas une seule section. La peinture Art Déco était par définition décorative, destinée à décorer une pièce ou une pièce d'architecture, donc peu d'artistes travaillaient exclusivement dans ce style, mais deux artistes sont étroitement associés à l'Art Déco. Jean Dupas a peint les fresques Art Déco du Pavillon de Bordeaux lors de l'Exposition des Arts Décoratifs de 1925 à Paris, et a également peint le tableau au-dessus de la cheminée de la Maison de la Collectioneur lors de l'exposition de 1925 qui présentait Ruhlmann et d'autres designers Art Déco de premier plan. Ses peintures figuraient également dans le décor du paquebot français Normandie. Son travail était purement décoratif, conçu comme arrière-plan ou accompagnement d'autres éléments décoratifs. Une autre artiste étroitement associée à ce style est Tamara de Lempicka. Née en Pologne dans une famille aristocratique, elle émigre à Paris après la Révolution russe. Là, elle devient l'élève de l'artiste Maurice Denis du mouvement dit "Nabi" et du cubiste André Lhote et emprunte à leurs styles de nombreux styles. Elle peint presque exclusivement des portraits dans le style Art Déco réaliste, dynamique et coloré.

Arts graphiques

Le style Art Déco est apparu dès les débuts de l’art graphique, juste avant la Première Guerre mondiale.

guerre. Il apparaît à Paris dans des affiches et des costumes de Léon Bakst pour les Ballets Russes et dans les catalogues des créateurs de mode Paul Poiret. Les illustrations de Georges Barbier et Georges Lepepe et les images du magazine de mode La Gazette du bon ton capturent parfaitement l'élégance et la sensualité du style. L'apparence a changé dans les années 1920 ; les modes mises en avant étaient plus décontractées, sportives et audacieuses, et les mannequins féminins fumaient généralement des cigarettes. En Allemagne, l'affichiste le plus célèbre de cette période était Ludwig Hohlwein, qui créait des affiches colorées et dramatiques pour festivals de musique, de la bière et, à la fin de sa carrière, pour le parti nazi.

Durant l'Art nouveau, les affiches annonçaient généralement des marchandises de théâtre ou des cabarets. Dans les années 1920, les affiches de voyage réalisées pour les compagnies maritimes et aériennes sont devenues extrêmement populaires. Le style changea sensiblement dans les années 1920, se concentrant sur la publicité sur les produits. Les images sont devenues plus simples, plus précises, plus linéaires, plus dynamiques et souvent placées sur un fond monochrome. En France, il y avait les designers Art Déco Charles Lupo et Paul Colin, devenus célèbres pour leurs affiches. chanteuse américaine et la danseuse Joséphine Baker, Jean Carloup a conçu des affiches pour les films, feuilletons et théâtres de Charlie Chaplin ; à la fin des années 1930, il émigre aux États-Unis où, pendant la guerre mondiale, il conçoit des affiches pour encourager la production de guerre. Le designer Charles Gesmar est devenu auteur célèbre des affiches pour le chanteur Mistinguett et pour Air France. Parmi les créateurs français les plus connus

Amérique. Rationaliser Moderne

La direction stylistique qui s'est développée parallèlement à l'Art Déco et qui en était proche était « Streamline Moderne » (le nom vient de l'anglais streamline - « streamline » - un terme issu du domaine de l'aérodynamique). La modernité rationalisée est influencée par l’estampage industriel et les technologies aérodynamiques. En conséquence, les contours d’avions ou de balles de revolver sont apparus dans des œuvres de ce style. Lorsque le design de la première voiture produite en série par Chrysler, la Chrysler Airflow, s'est révélé populaire, ses formes profilées ont même été utilisées pour les taille-crayons, les bâtiments et les réfrigérateurs.

Ce style architectural recherche des formes douces, conserve de longues lignes horizontales qui contrastent souvent avec les surfaces courbes verticales et introduit volontiers des éléments empruntés à l'industrie maritime (rampes et hublots). Son apogée fut atteinte vers 1937.

Ce style fut le premier à intégrer la lumière électrique dans la structure architecturale.

art mural

Il n’existait pas de style Art déco particulier aux États-Unis, même si les peintures étaient souvent utilisées comme décoration, notamment dans les bâtiments gouvernementaux et les immeubles de bureaux. En 1932, le projet « Travaux publics en art », qui permettait aux artistes de travailler sans travail parce que le pays était en proie à la Grande Dépression. En un an, le projet a commandé plus de quinze mille œuvres d'art. Des artistes américains célèbres ont été recrutés par le Federal Art Project pour peindre et décorer les murs des bâtiments gouvernementaux, des hôpitaux, des aéroports, des écoles et des universités. Certains des artistes américains les plus célèbres, dont Grant Wood, Reginald Marsh, Georgia O'Keeffe et Maxine Albro, ont participé au programme. Le célèbre artiste mexicain Diego Rivera a également participé au programme en décorant les murs. Les peintures étaient en différents styles, dont le régionalisme, le réalisme social et la peinture américaine.

Plusieurs images ont également été créées pour des gratte-ciel Art Déco, notamment le Rockefeller Center à

New York. Deux images ont été commandées pour le foyer, par John Stewart Curry et Diego Rivera. Les propriétaires du bâtiment, la famille Rockefeller, ont découvert que Rivera, un communiste, avait placé une image de Lénine dans une peinture de foule et l'avait détruite. Le tableau a été remplacé par l'œuvre d'un autre artiste espagnol, José María Sert.

Arts graphiques

Le style Art Déco est apparu dès les débuts de l’art graphique, juste avant la Première Guerre mondiale. Il apparaît à Paris dans des affiches et des costumes de Léon Bakst pour les Ballets Russes et dans les catalogues des créateurs de mode Paul Poiret. Les illustrations de Georges Barbier et Georges Lepepe et les images du magazine de mode La Gazette du bon ton reflètent parfaitement l'élégance et la sensualité du style. L'apparence a changé dans les années 1920 ; les modes mises en avant étaient plus décontractées, sportives et audacieuses, et les mannequins féminins fumaient généralement des cigarettes. Les magazines de mode américains tels que Vogue, Vanity Fair et Harper's Bazaar ont rapidement adopté le nouveau style et l'ont popularisé aux États-Unis. Cela a également affecté le travail des Américains illustrateurs de livres, comme Rockwell Kent.

Dans les années 1930, un nouveau genre d’affiches apparaît aux États-Unis pendant la Grande Dépression. L'Art Project de l'Agence fédérale a embauché des artistes américains pour créer des affiches destinées à promouvoir le tourisme et les événements culturels.

Style de fondu

L’Art Déco a progressivement disparu avec l’essor de la production de masse, alors qu’il était considéré comme criard, ringard et faux-luxueux. Les privations de la Seconde Guerre mondiale mirent définitivement fin à ce style. Dans les pays coloniaux comme l’Inde, l’Art Déco est devenu une porte d’entrée vers le modernisme et n’a disparu que dans les années 1960. Un regain d'intérêt pour l'Art Déco dans les années 1980 était lié au design graphique, et l'association de l'Art Déco avec le film noir et le glamour des années 1930 a conduit à sa réémergence dans les bijoux et la mode.

Pevue : Une partie de "California", Maxine Albro, intérieur de la Coit Tower à San Francisco (1934)

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