دلیل رقص چی بود؟ تاریخچه رقص ها: جهان باستان، یونان، روم. توسعه رقص در فرهنگ های مختلف

تاریخچه رقص

رقص محلی

تاریخچه رقص به قرن ها قبل برمی گردد - منبع اصلی رقص محلی حرکات و حرکات مرتبط با برداشت های حسی از دنیای اطراف بود و اسرار آیینی با زبان رقص و بیان منحصر به فرد خود بخشی جدایی ناپذیر از زندگی معنوی انسان باستان بود.

هنر رقص قدیمی ترین تجلی خلاقیت مردم است که همزمان با ظهور انسان به عنوان یک نیاز فیزیولوژیکی طبیعی برای حرکت موزون متولد شده است.

رقص از انواع حرکات و ژست های مرتبط با فرآیندهای زایمان و برداشت های عاطفی فرد از دنیای اطرافش پدید می آید. در طول قرن ها، پس از تعمیم هنری، رقص معنای خاص خود را به دست آورد و هر ملت سنت های رقص خود را توسعه داد. شاید تاریخ رقص به قدمت تاریخ بشر باشد. ما فقط می توانیم حدس بزنیم که رقص ها در دوره های اولیه چگونه بوده اند. ناتیا شسترا یک نسخه خطی اولیه است که رقص را توصیف می کند. تفسیر مدرن رقص کلاسیک هندی Bharathanatyam بر اساس آن است. در فرهنگ اروپایی، یکی از اولین ذکرهای رقص متعلق به هومر در "ایلیاد" او است - chorea (رقص دور یونانی، رقص) را توصیف می کند. یونانیان اولیه هنر رقص را به سیستمی تبدیل کردند که احساسات مختلف را بیان می کرد. به عنوان مثال، رقص Furies همه کسانی را که شاهد آن بودند وحشت زده کرد. ارسطو، فیلسوف یونانی، رقص را با شعر یکی دانست و استدلال کرد که رقصندگان، از طریق حرکات بدن در یک ریتم خاص، می توانند آداب، احساسات و اعمال را منتقل کنند. مجسمه سازان برجسته یونانی ژست های رقصندگانی را که از حالات خاصی تقلید می کردند مطالعه کردند.

از لحاظ تاریخی، رقص به عنوان بخشی از مراسم مذهبی و جشن های عمومی خدمت می کرد. شواهد این امر در اسناد بسیاری از دوران پیش از تاریخ یافت می شود. رقص های دربار احتمالاً تا زمانی که دربارهای سلطنتی وجود داشته است. انواع رقص ها شامل رقص های عامیانه، اجتماعی، تالار، مذهبی و تجربی و غیره بود. شاخه اصلی این هنر رقص تئاتر بود که در دنیای غرب سرچشمه گرفت. خاستگاه باله مدرن، رقصی که همه ما می شناسیم، به فرانسه در قرن شانزدهم - رنسانس - برمی گردد.

باله.

پیش نیازهای ظهور باله، طرز تفکر جدید و فلسفه روشنگری بود: اکنون انسان مرکز جهان می شود و می تواند وجود خود را با کمک هنرها و علوم کنترل کند. نمونه‌ای از این گزیده‌ای است: «با استفاده از موسیقی که دقیقاً هماهنگی متناسب سیارات را تقلید می‌کند، انسان قرن شانزدهم معتقد بود که می‌تواند تأثیرات سیاره‌ای را به خود جذب کند. خود رقص تقلیدی از حرکت بهشت ​​بود."

در پایان قرن شانزدهم، باله دربار به اوج خود رسید: به طور کامل توسط سلطنت فرانسه تأمین مالی شد، که از آن برای تمجید از عظمت خود استفاده کرد. باله ها به بخشی از مجلل و مجلل تعطیلات بزرگ تبدیل شدند که چندین روز متوالی ادامه داشت و شامل انواع سرگرمی ها می شد. در واقع، تمام این تعطیلات راهی برای تمجید از خود دربار فرانسه بود.

قبلاً در آغاز قرن هجدهم، باله از دادگاه فرانسه به اپرای پاریس به چهره تئاتر همه کاره ژان باپتیست لولی مهاجرت کرد، که "مفهوم اساسی باله را حفظ کرد - پیچیدگی فرم، که در آن رقص یک جدایی ناپذیر است. و عنصر مهم." در طول این قرن، باله در سراسر اروپا گسترش یافت و از یک روش پیچیده برای متحرک کردن تصاویر در طول یک اجرای بزرگ به یک هنر پرفورمنس به خودی خود، به نام باله اکشن ("باله اکشن"، باله با طرح، تکامل یافت. این شکل جدید تقریباً به طور کامل مصنوعی بودن ذاتی در رقص دادگاه را حذف کرد و قانون جدیدی را ایجاد کرد: "هنر باید برای بیان طبیعت، طبیعت تلاش کند." در نتیجه، لباس‌ها و رقص‌ها آزادتر شدند و برای بیان بیشتر استعدادهای بیانی بدن مساعدتر شدند. در به دنیای لباس‌های طبیعت‌گرا و کفش‌های بدون پاشنه باز شد - کفش‌های نقطه‌ای که فرصت‌های بیشتری را برای رقصنده فراهم می‌کرد تا تا انگشتان پا بلند شود.

دوران رمانتیک در اوایل قرن 19، با باله هایی که توجه بیننده را به احساسات، فانتزی و جهان های معنوی غنی جلب می کرد، آغاز کار پوینت واقعی بود. و حالا بالرین ایده‌آل (که ویژگی‌هایش در آن زمان در ماری تاگلیونی افسانه‌ای بیان می‌شد) در کفش‌هایش به‌سختی سطح صحنه را لمس می‌کرد و به نظر می‌رسید روح بی‌جسم او نمی‌دانست زمین چیست. ستارگان در حال ظهور رقص زنان به طور کامل حضور رقصندگان مرد ضعیف را تحت الشعاع قرار داده اند، که در بسیاری از موارد به مجسمه های متحرک تغییر نام داده شده اند و فقط برای تکیه بالرین ها وجود دارند. این وضعیت در آغاز قرن بیستم با ظهور ستاره نیژینسکی از باله روسیه کمی تغییر کرد. در این زمان، لباس‌های آشنای باله، رقص، مناظر، لوازم جانبی از قبل توسعه یافته بودند، در یک کلام، همه چیز تقریباً همان چیزی شده بود که اکنون است.

رقص مدرن.

باله روسی که انقلابی در هنر باله به راه انداخته بود، سعی کرد اشکال منسوخ باله کلاسیک را بشکند. در حال حاضر، امکانات هنری تکنیک باله و همراهی موسیقی، مناظر و چند رسانه ای بیشتر از تمام دوره وجود آن است. مرزهای تعریف شده توسط باله کلاسیک به طور مداوم تحت فشار قرار می گیرند و محو می شوند و هر چیزی که اکنون در جای خود ظاهر می شود به سختی اصطلاحات باله سنتی مانند "اسپین" را به یاد می آورد.

طرز فکر جدیدی پدید آمده است. هنرمندان رقص در حال حاضر ویژگی های شخصیتی، جنبه های آیینی و مذهبی، بدوی بودن، بیان و احساسات را در نظر می گیرند. در این فضا دور دیگری از توسعه رقص مدرن اتفاق افتاد. ناگهان آزادی جدیدی در آنچه اکنون قابل قبول تلقی می شد به وجود آمد، به نام هنر پذیرفته شده، که اکنون بسیاری از مردم می خواستند در آن خلق کنند. تمام ویژگی‌های هنر جدید به اندازه لباس‌های باله مهم شد - یا حتی از آنها ارزشمندتر.

اکثر طراحان رقص و رقصندگان اوایل قرن بیستم نگرش بسیار منفی نسبت به باله داشتند. ایزیدورا دانکن او را ژیمناستیک زشت و بی معنی می دانست. مارتا گراهام (گراهام) در او اروپایی گرایی و امپریالیسم را که هیچ سنخیتی با آمریکایی ها ندارند، مشخص کرد. مرس کانینگهام، علی‌رغم استفاده از برخی تکنیک‌های پایه باله برای آموزش، به رقص و اجرا از موقعیتی که مستقیماً مخالف باله سنتی بود، نزدیک شد.

قرن بیستم بدون شک تبدیل به زمان جدایی از همه چیزهایی شد که باله بر آن تکیه داشت - زمان رشد خلاقانه بی سابقه رقصندگان و طراحان رقص، زمان شوک، شگفتی و تماشاگرانی که درک خود را از رقص تغییر دادند، زمان انقلاب.

دهه شصت توسعه پست مدرنیسم را به ارمغان آورد، که مسیر خود را به سمت سادگی، زیبایی چیزهای کوچک، بدن های آموزش ندیده و حرکات بی هنر و ساده تغییر داد. مانیفست معروف «نه» همه لباس‌ها، طرح‌ها و «نمایش» را به خاطر حرکت خام و پردازش‌نشده رد می‌کند - این شاید برجسته‌ترین افراط در این موج تفکر جدید باشد. متأسفانه فقدان لباس ها، طرح ها و وسایل به موفقیت نمایش رقص کمک نمی کند - و پس از مدت کوتاهی، "منظره"، "طراحی هنری" و "سطح شوک" دوباره در واژگان طراحان رقص مدرن ظاهر شد.

در دهه هشتاد، رقص کلاسیک به نقطه اصلی خود بازگشت و رقص مدرن (رقص معاصر) به سلاح بسیار فنی حرفه ای ها و نزدیک به سیاست تبدیل شد. دو شکل رقص، رقص معاصر و باله کلاسیک، به طور مسالمت آمیزی همزیستی دارند و تنها کمترین سهمی از خصومت سابق را نسبت به یکدیگر تجربه می کنند و تقریباً بدون وارد شدن به رقابت هستند. امروزه، هنر رقص با رقابت خلاقانه نفوذ کرده است و طراحان رقص اغلب تلاش می کنند تا اطمینان حاصل کنند که کار آنها تکان دهنده ترین نامیده می شود. با این حال، هنوز زیبایی در هنر وجود دارد، و رقص مدرن با چنین حرفه ای، قدرت و انعطاف پذیری شگفت زده می شود که قبلاً هرگز دیده نشده بود.

از نظر علمی رقص یک هنر است، بر اساس حرکات بیانی و شکل پذیری بدن انسان است. رقص در فضا و زمان در یک ترکیب واحد سازماندهی شده است. آموزش رقص ارتباط تنگاتنگی با موسیقی و لباس دارد که ماهیت حرکت و نحوه اجرا را تعیین می کند. رقص به عنوان یکی از قدیمی ترین مظاهر هنر عامیانه که در ابتدا با کلمات و آوازها همراه بود، به تدریج اهمیت یک هنر مستقل را پیدا کرد.

تاریخ رقص های مردمان بدوی

ظهور رقصقدمت آن به دوران باستان بازمی گردد، زمانی که حرکت بیان مستقیم احساسات قوی بود. در رقص، رقصندگان بدوی به وضوح ماهیت زمان و تمام فرآیندهای زندگی را بیان می کردند. از نظر عددی، اولین اشاره به رقص های ابتدایی، که وجود آنها را می توان از نقاشی های سنگی آموخت، به دوران پارینه سنگی (غارنشینان) 15 - 11 هزار قبل از میلاد برمی گردد.

برای انسان بدوی، رقص یک روش تفکر است. از طریق رقص، فردی از یک جامعه بدوی نه تنها احساساتی را که تجربه می کرد، بلکه زندگی روزمره خود را نیز بیان می کرد. این رقص با شکل خاصی از جادوگری قابل مقایسه بود که حس آزادی و اتحاد انسان بدوی با طبیعت را به وجود می آورد. رقصندگان بدوی که خود را در یگانگی با جریان انرژی کیهانی احساس می کردند، معتقد بودند که حرکات رقص، فیگورها و ژست ها به کنترل عناصر طبیعی، نیروهای نامرئی کیهان کمک می کند. این باور اساس نمادهای پیچیده رقص های باستانی را تشکیل می دهد که برای تداعی کننده باران و خورشید، باروری، موفقیت نظامی، باروری مردم، رهایی از بدبختی ها، فراخوانی ارواح مهربان و آرام کردن افراد شیطانی طراحی شده است. رقص های بدویمعمولا توسط گروه اجرا می شود. این گونه رقص های گروهی (رقص های گرد) هدف خاصی داشت که هدف آن بیرون راندن ارواح خبیثه، شفای بیماران و دفع مشکل از قبیله بود. شرکت تعداد زیادی از مردم در رقص با این اعتقاد همراه بود که این امر کمک خدایان را افزایش می دهد. رایج ترین حرکت در اینجا پا زدن است. شاید به این دلیل که زمین را می لرزاند و تسلیم انسان می شود.

همچنین در جوامع بدوی رایج بود رقص چمباتمه زدن. رقصنده ها می چرخند، تکان می خورند و می پرند. پریدن و چرخیدن رقصندگان را به حالت خلسه می رساند که گاهی اوقات به از دست دادن هوشیاری ختم می شود. همراهی با پا زدن، کف زدن، نواختن انواع طبل و لوله های ساخته شده از مواد طبیعی است. رقص‌های دایره‌ای و رقص‌های دور به‌طور نمادین حرکات چرخه‌ای خورشید و ماه یا تغییر فصل‌ها را به تصویر می‌کشند. رقص های گرد با درهم آمیختگی نماد حرکات صورت های فلکی بود. رقصیدن در اطراف یک جسم، انرژی آن جسم را متمرکز می کرد یا نماد محافظت از آن بود. شمن‌ها مانند سیاره‌ها حلقه می‌زدند، دست‌های خود را به سمت بالا دراز می‌کردند، انرژی کیهان را به سوی خود فرا می‌خواندند یا آنها را پایین می‌آوردند تا آن را به سمت زمین هدایت کنند. رقص با پوست یا لباس هایی که حیوانات را به تصویر می کشند، با ماسک پرندگان، تلاشی برای جذب پرندگان و حیوانات و تمرین تکنیک های شکار بود. رقص - مارنماد خرد و باروری بود، ویژگی هایی که به مار اعطا شده بود.

جفت گیری می رقصد، که در آن رقصندگان با طناب به هم بسته می شدند ، نماد اتحاد مردم بود. رقص تشییع جنازه بیانگر اندوه و اندوه بود. به عنوان مثال، در آفریقا، مانند برخی از جاهای دیگر، شمن ها و شفا دهندگان سعی کردند با کمک رقص تأثیر داروهای دارویی را تقویت کنند. رقص به عنوان رهایی از زندگی اجتماعی پرتنش و به ویژه در رقص خلسه، از فشار خودآگاهی فردی عمل کرد. تماس با انرژی کیهانی به طور فزاینده ای در تصاویر خدایان رقصنده منعکس شد. به عنوان مثال، شیوا، خدای رقص هندو، که در احاطه شعله های آتش به تصویر کشیده شده است، ویژگی های خلاقانه و مخرب ذاتی خود را بیان می کند.

در جامعه بدوی هیچ هنرمندی وجود ندارد. با اينكه رقص انسان بدویقدیمی ترین شکل ابتدایی تئاتر شد. او هنجارهای دینی را به حرکات بیانی تبدیل کرد. اقدامات نظامی و پیروزی های آینده معمولاً ابتدا در یک رقص نبرد تمرین می شد. این نماد در رقص های قبیله پاتان افغان و در رقص های محلی اسکاتلندی وجود دارد.

قبایل بدوی تکنیک رقص منظمی ندارند، اما تمرینات بدنی عالی به رقصنده اجازه می دهد تا خود را کاملاً وقف رقص کند، حتی تا حد دیوانگی. رقص هایی از این دست هنوز در جزایر جنوبی اقیانوس آرام، آفریقا، آمریکای مرکزی و جنوبی دیده می شود.

وزارت فرهنگ فدراسیون روسیه

وزارت فرهنگ منطقه Sverdlovsk

موسسه آموزشی دولتی آموزش حرفه ای متوسطه منطقه Sverdlovsk

کالج هنر آزبستوف

اجرای رقص "Bound"

کار مقدماتی نهایی

مجری:

خزووا داریا آلکسیونا،

دانشجوی سال چهارم

بخش رقص

________ ____________

امضای تاریخ

صلاحیت کار سرپرست علمی:

لیاشچنکو N.A. ، معلم ، در دفاع پذیرفته شد

سر بخش رقص گروه رقص

خلاقیت خلاقیت

________ ________________ ______ ________________

تاریخ N.A. امضای تاریخ لیاشچنکو

آزبست 2015

فصل 1. توجیه انتخاب تولید رقص………..………….3

1.1. تاریخچه ایجاد رقص، سبک…………………………………...3

1.2. منابع و انگیزه انتخاب موضوع تولید…………….13

فصل 2. فیلمنامه موسیقی و رقص…………………………………..16

2.1. تحلیل ایدئولوژیک و موضوعی……………………………………..16

2.2. مفهوم خلاقانه تولید………………………………………………

فصل 3. اهمیت عملی……………………………………………………………………………….

منابع اطلاعاتی………………………………………………………………………………………………………………………

کاربردها……………………………………………………………………………………………………………………………………………………

فصل 1. توجیه انتخاب تولید رقص

"مربوط"

تاریخچه ایجاد رقص مدرن

رقص معاصر یک شکل هنری مستقل است که در آن حرکات، موسیقی، نور و رنگ‌ها به شیوه‌ای جدید ترکیب می‌شوند، جایی که بدن واقعاً زبان کامل خود را به دست آورده است. رقص معاصر مردم را متقاعد می کند که هنر ادامه زندگی و خودشناسی است.

رقص مدرن یک مفهوم نسبی و لحظه ای است. هر دوره زمانی فرهنگ موسیقی خاص خود را دارد که باعث پیدایش انواع جدیدی از رقص می شود. هر رقصی را می توان مدرن نامید، اما برای زمان خود. بنابراین، رقص مدرن، رقصی مدرن، مد روز و مربوط به زمان خود است. هدف از رقص مدرن بیان احساسات و حالات انسانی است. این یک سبک رقص نسبتا آزاد و جهانی است که استانداردهای روشنی ندارد. طراحان رقص، در تلاش برای انتقال افکار و احساسات مردم، در جستجوی مداوم هستند و حرکات جدیدی را ابداع می کنند و اغلب تکنیک ها، سبک ها و جهت های مختلف را با هم مخلوط می کنند.

رقص مدرن ریشه در باله کلاسیک دارد. از یک سو، رقص مدرن به عنوان واکنشی در برابر محدودیت های رسمی و سفت و سخت باله کلاسیک ایجاد شد (به عنوان مثال، تأکید در این سبک بر حرکات آزاد و رسا است، که در باله کلاسیک نیست که در آن همه چیز مشمول معین باشد. قوانین)، از سوی دیگر، رقص مدرن دارای حرکات و مراحل بسیاری از باله کلاسیک است که در رپرتوار رقص مدرن گنجانده شده است.

دلیل ظهور جهت مدرن رقص، بحران مدرسه باله کلاسیک در آغاز قرن بیستم بود. رقصندگان آن زمان به تکنیک های جدیدی نیاز داشتند که به آنها اجازه می داد ایده های جدیدی را در مورد آزادی انسان و به دور از سنت های رقص کلاسیک بیان کنند.

مفهوم رقص مدرن آزادی و بیان حرکات است که فرصتی شگفت انگیز برای بیان احساسات خود در زنده ترین رنگ ها فراهم می کند.

در طول قرن بیستم، جهات مختلفی ظاهر شد؛ رقص مدرن شامل جهاتی مانند: رقص مدرن، بداهه نوازی تماسی، جاز مدرن، رقص معاصر، پلاستیک رایگان، قفل، پاپ لاک، بریک دانس، هیپ هاپ، جاز، فانک است. و بسیاری دیگر

ایده های رقص مدرن در سال 1830 توسط معلم مشهور فرانسوی و نظریه پرداز جنبش صحنه، فرانسوا دلسارته، که ارتباط بین صدا، ژست و احساسات را مطالعه کرد، پیش بینی شد. او استدلال می‌کرد که تنها یک ژست، رها از قرارداد و سبک‌سازی، قادر است تمام ظرایف تجارب انسانی را به درستی منتقل کند.

پیشینه رقص مدرن از اوایل قرن بیستم شروع می شود، سه موزه رقص مدرن اولیه در آمریکا ایزدورا دانکن، روت سنت دنیس و لوی فولر بودند. آنها مدارس باله مدرن خود را ایجاد کردند - هنری فارغ از قراردادها. بداهه نوازی و رقص آزاد اصول اساسی هنر رقص مدرن است. آنها فلسفه، درام، وودویل و تاریخ باستان را به طور مختلف در رقص های خود ادغام کردند، که به عنوان نقطه شروعی برای ایجاد پایه های رقص مدرن عمل کرد. قرن بیستم انواع و سبک های جدید رقص را به ارمغان آورد که معروف ترین آنها عبارتند از بوگی ووگی، رقص جاز، بلوز، چارلستون، راک اند رول، ماکارنا، استپ، لامبادا و رقص های آمریکای لاتین. در پایان قرن بیستم، رقص ها به سبک دیسکو، هیپ هاپ، بریک دانسی، هاستل، کرامپ، تکتونیک، ریتم اند بلوز و غیره رواج یافت.

ایادورا دانکن و چندین نفر از همفکرانش تصمیم گرفتند رقص سنتی را به چالش بکشند. آنها مدارس خود را باز کردند که در آن اصول باله مدرن را آموزش می دادند. ایده اصلی این سبک رقص، رقص آزاد مبتنی بر بداهه نوازی و بیان احساسات خود بود. ایزدورا دانکن به عنوان بنیانگذار شناخته شده رقص مدرن شناخته می شود. فعالیت خود را از اواخر قرن نوزدهم آغاز کرد. ایزادورا دانکن یک مبتکر و اصلاح‌کننده رقص است که تجسمی پلاستیکی از محتوای موسیقی را در رقص‌های خود به ارمغان می‌آورد، فارغ از فرم‌های باله کلاسیک فرمالیستی. او مدرسه کلاسیک باله را با رقص پلاستیکی رایگان مقایسه کرد. او از پلاستیسیته یونان باستان استفاده کرد، در یک کیتون و بدون کفش رقصید. او یکی از اولین کسانی بود که از موسیقی سمفونیک برای رقص استفاده کرد، از جمله شوپن، گلوک، شوبرت، بتهوون و واگنر. ایادورا رویای خلق یک فرد جدید را داشت که رقصیدن برای او طبیعی تر از آن باشد. او با رقص خود هماهنگی روح و بدن را بازیابی کرد. او رقص را به شکل ناب آن به روی مردم باز کرد، "فقط به خودی خود ارزشمند"، که بر اساس قوانین هنر ناب ساخته شده بود. در هنر هارمونیک رقص ایادورا دانکن، میل به هارمونی و زیبایی به شکل ایده آل بیان می شود. او با شروع از موسیقی، به سمت کانن هارمونیک حرکت کرد و به همین دلیل است که او بنیانگذار اصلی و تنها رقص مدرن شد. دانکن به تطابق کامل با بیان احساسی تصاویر موزیکال و رقص دست یافت. این جنبش از موسیقی متولد شد، نه قبل از آن. زبان رقص دانکن زبان حرکات طبیعی، رسا و آزاد بود. ایزادورا که بسیار رسا و موزیکال بود، از حرکات بدن آزاد و آرام در رقص های بداهه خود استفاده می کرد. خدای اصلی دانکن طبیعت بود. به نام خود، او تکنیک، آموزش طاقت فرسا را ​​انکار کرد. تمرین هنری دانکن با آمیختگی شگفت انگیز دنیای تجربیات احساسی، هنرهای پلاستیکی و موسیقی، معاصرانش را شگفت زده کرد.

نسل دوم در زمینه رقص مدرن، طراحان رقصی مانند: مارتا گراهام، دوریس همفری، چارلز ویدمن، هلن تامیریس، هانیا هولم هستند. شایستگی آنها قبل از هر چیز در این واقعیت نهفته است که هر یک از آنها نه تنها یک طراح رقص و مجری درخشان بود، بلکه معلمی بود که سیستم خود را برای آموزش رقصندگان ایجاد کرد. اولین معلم، طراح رقص و مجری که به طور مداوم یک سیستم رقص ایجاد کرد M. Graham بود. اولین تولیدات در نیویورک در سال 1926، "بدعت گذار" و "رازهای بدوی" موفقیتی را برای گروه او به ارمغان آورد. گراهام اجراهایی را بر اساس مضامین و توطئه‌های حماسی افسانه‌ای از اساطیر باستانی و کتاب مقدس خلق کرد. اول از همه، او به دنبال ایجاد یک زبان رقص بسیار غنی بود که قادر به انتقال کل مجموعه تجربیات انسانی باشد. دومین طراح رقص و معلم مهم دوریس همفری بود. دوریس همفری با توجه به دقت پلاستیکی و فنی بودن رقص، در عین حال با زیبایی و رقص ظریف سنت دنیس مخالفت کرد. آثار او تحت تأثیر فولکلور سرخپوستان و سیاه پوستان آمریکا و همچنین هنر شرق بود. او اولین کسی بود که در ایالات متحده آهنگسازی رقص را آموزش داد و تجربیات خود را در کتاب "هنر رقص" خلاصه کرد.

در دهه 50، نسل سوم شروع به ایجاد کرد. پس از جنگ جهانی دوم، نوازندگان و طراحان رقص جوان با یک سوال مبرم روبرو شدند: سنت های نسل قدیمی را ادامه دهند یا به دنبال راه های خود برای توسعه هنر رقص باشند. برخی از طراحان رقص به طور کامل تجربه نسل های قبلی را کنار گذاشتند و با سر در این آزمایش فرو رفتند. بسیاری از آنها فضای معمول صحنه را رد کردند و اجراهای خود را به خیابان ها، پارک ها و غیره منتقل کردند، فرم اجرا را رد کردند و بیننده را درگیر اجرای تئاتر کردند. نگرش نسبت به لباس، موسیقی و سایر اجزای کنش نمایشی تغییر کرده است. بسیاری از طراحان رقص به طور کامل همراهی موسیقی را کنار گذاشتند و فقط از سازهای کوبه ای یا نویز استفاده کردند. آهنگسازان غالباً با خلق موسیقی همزمان با حرکت، همکار طراح رقص بودند. یکی از کسانی که سنت های نسل قبل را ادامه داد خوزه لیمون بود. رقص او ترکیبی پیچیده از رقص مدرن آمریکایی و سنت های اسپانیایی-مکزیکی با تضادهای شدید اصول غنایی و نمایشی است. قهرمانان در لحظات بالاترین تنش، شادی روحی شدید، زمانی که ناخودآگاه اعمال آنها را هدایت می کند، به تصویر کشیده می شوند. اجرای او "Pavane of the Moor"، "Dancing for Isadora"، "Mass of War Times" بیشترین محبوبیت را به دست آورد. "پدر" معنوی آوانگارد رقص بدون شک مرس کانینگهام بود. او یکی از کسانی بود که راه خود را رفت و مدرسه رقص خود را تأسیس کرد. اجراهای او با رویکرد غیرمنتظره خود به حرکت شگفت زده شد. کانینگهام اجرا را به عنوان اتحادی از عناصر مستقل و مستقل می‌نگریست. M.Canningham معتقد بود که هر حرکتی می تواند رقص باشد و ترکیب رقص بر اساس قوانین شانس ساخته شده است. وظیفه اصلی طراح رقص ایجاد رقص لحظه ای است که در آن هر اجراکننده ریتم و حرکت خاص خود را دارد. درست مانند ام. گراهام و دی. همفری، ام. کانینگهام تکنیک و مکتب رقص خود را ایجاد کرد. بنابراین، در آغاز دهه 70 قرن بیستم، چندین مکتب اصلی رقص پدید آمد - مدرن: تکنیک M. Graham، D. Humphrey و H. Limon، تکنیک M. Canningham. در همان زمان، سیستم رقص جاز توسعه و بهبود یافت.

رقص جاز از رقص‌های قبایل آفریقایی شکل گرفت. رقص جاز توسط بردگانی از آفریقا در قرن 17 و 18 به آمریکا آورده شد. هنگامی که در آمریکا بودند، آنها به سرعت تعطیلات و آداب و رسوم خود را بازسازی کردند و سازگار شدند: به جای طبل، از کف زدن و زدن ریتم با پاهای خود استفاده کردند. برای چندین قرن دو فرهنگ آفریقایی و آمریکایی با هم ادغام شدند و در نتیجه رقص آتشین بی نظیری پدید آمد. در دهه 20 در قرن بیستم، موسیقی جاز و رقص محبوبیت زیادی به دست آورد. رقصندگان حرفه ای شروع به اجرا روی صحنه کردند و تکنیک های جدیدی را به سبک جاز آوردند و شروع به آموزش جاز به دیگران کردند. در همان زمان، جاز با عناصر رقص اروپایی غنی شد.

در دهه 40 و 50. موسیقی عامه پسند دستخوش تغییرات قابل توجهی شده و رقص نیز در کنار آن تغییر کرده است. سبک های جاز مدرن در این دوره ظهور کردند. امروزه سبک های زیادی از جاز وجود دارد که با انواع مختلف موسیقی رقصیده می شود. اما تمام این سبک ها با حرکات پرانرژی و ریتمیک متحد شده اند. ریتم و هماهنگی مهم ترین جنبه های رقص جاز است. یکی از ویژگی های جاز همخوانی است - نه تنها ضربات قوی نوار تأکید می شود، بلکه ضربان ضعیف نوار نیز تأکید می شود. در رقص جاز، اغلب از حرکات باسن و لگن استفاده می شود؛ آنها به رقص بیان خاصی می بخشند. حرکات منزوی ویژگی اصلی رقص جاز است. به طور طبیعی، معلمان و طراحان رقص به طور فزاینده ای تکنیک ها و سبک های مختلف رقص را در درس ها و اجراهای خود ترکیب کردند. اولین معلم و طراح رقصی که تکنیک های رقص مدرن و جاز را در آثار خود ترکیب کرد، لوئیجی (یوجین لوئیس) بود که تکنیک های رقص کلاسیک و جاز را ترکیب کرد. گاس جوردانو اولین کتاب درسی تکنیک های جاز مدرن را در سال 1966 منتشر کرد. علاقه به رقص جاز مدرن به تدریج در حال افزایش است و معلمان آمریکایی اولین سمینارها را برگزار می کنند. بنابراین ، با آغاز دهه 70 ، جهت جدیدی بوجود آمد - جاز مدرن. رقص جاز پس از گذشتن از رقص روزمره، رقص فولکلور از طریق صحنه، تئاتر، به تدریج به نوع خاصی از هنر رقص تبدیل می شود و کل اروپا را به تصرف خود در می آورد. بدن رقص جاز دائماً در حال تغییر است، تا حدی به این دلیل. این که رقصندگان می توانند حرکات خود را به رقص بیاورند، و همچنین به این دلیل که جاز با طیف گسترده ای از موسیقی رقصیده می شود. در حال حاضر، می توان انواع جاز را تشخیص داد: جاز کلاسیک یا سنتی. اینها اشکال اولیه رقص جاز هستند که توسط آفریقایی ها اجرا می شود.

افروجاز تلاشی برای پیوند جاز مدرن با جد آفریقایی خود است. نام خود را از خیابانی در نیویورک گرفته است که بسیاری از تئاترها در آن قرار دارند.

در پایان دهه 60 ، رقص جاز به طور محکم در تعدادی از زمینه های رقص مدرن جای خود را گرفت و در همان زمان روند ادغام مدارس اصلی رقص مدرن آغاز شد. اولین معلم و طراح رقصی که تکنیک های رقص مدرن و جاز را در کار خود ترکیب کرد، جک کول لوئیجی (یوجین لوئیس) بود که تکنیک های رقص کلاسیک و جاز را ترکیب کرد. گاس جوردانو اولین کتاب درسی تکنیک های رقص مدرن جاز را در سال 1966 منتشر کرد. علاقه به رقص مدرن جاز در اروپای غربی به تدریج در حال افزایش است و معلمان آمریکایی اولین سمینارها را برگزار می کنند.

در دهه 70 قرن نوزدهم، سبک های رقص خیابانی مانند قفل، بریک دانس، هیپ هاپ در آمریکا رایج شد؛ در دهه 90 سبک هایی مانند فانک، کرامپ. در همان ابتدا، این رقص ها یک شخصیت خودجوش داشتند: جوانان با گرد هم آمدن، مسابقات رقص خود را ترتیب دادند و آنها را نبرد نامیدند. سپس آنها با دعوت از تماشاگران و گروه های پشتیبانی شروع به آماده شدن برای نبردها کردند. امروزه چنین مسابقاتی در سطح بین المللی در نقاط مختلف سیاره ما برگزار می شود.

قفل کردن - از نظر فنی، قفل بسیار به هیپ هاپ جد خود نزدیک است، بنابراین عناصر زیادی از آنجا به عاریت گرفته شده است: حرکات تیز و شدید، پرتاب و چرخش بازوهای مختلف، پرش در انواع و سطوح مختلف. قفل کردن ترکیبی از حرکت و سکون است.

هیپ هاپ یک جنبش فرهنگی است که در اواخر دهه 1970 در میان طبقه کارگر نیویورک شکل گرفت. این یک سبک رقص است که بر اساس آن کل واژگان مدرن رقص های باشگاهی ساخته شده است. رقصی شاد و پرانرژی و غیر تهاجمی که تکنیک آن مبتنی بر "تاب" بدن، پریدن و ترکیبی از حرکات کوچک با دست ها و پاها است. موسیقی با ریتم شکسته و پویا با سرعت متوسط ​​با درج های کوتاه ساز متمایز می شود.

Breakdancing - قسمت اول به اصطلاح ارائه می شود شکستن بالا، که عملاً امکانات بی پایانی دارد که فقط با تخیل مجری یا تیم مجری محدود شده است. در آن شما می توانید به طور کامل و گسترده خود را آشکار کنید، هم در حال حرکت و هم قبل از اجرا بداهه بداهه کنید، عناصر و حرکات جدید را ایجاد و اختراع کنید. حرکات در این جهت مستلزم آموزش رقصنده است و با خاصیت اجرا متمایز می شود و انواع حرکات غیر معمول را برای انسان در زندگی روزمره تقلید می کند: مکانیکی با تثبیت در نقاط خاص، یا مفصل، شبیه به حرکات اسباب بازی های بادگیر، همچنین تقلید از حرکات رباتیک یا حرکات اندام لاستیکی. دومین قسمت بزرگ به نام شکستنبه نظر می رسد که گاه به آن بریک دانس کم می گویند، همانطور که در بالا اشاره شد، فعال، پرانرژی است و نیاز به آمادگی جسمانی مناسب از سوی اجراکننده دارد. قسمت پایینی بسیار چشمگیر به نظر می رسد و با عناصر آکروباتیک پر شده است.

کرامپ توسعه‌ای از "دلقک" یا سبک "رقص دلقک" است. ویژگی متمایز آن قدرت و قدرت اجرا کننده است که با هدف رهایی رقصنده از انرژی منفی با بیرون ریختن احساسات او از صحنه است. رقص دلقک در اوایل دهه 90 توسط توماس جانسون یا تامی دلقک ساخته شد. در سال 1992، جانسون شروع به ترکیب عناصر مختلف رقص محلی و ایجاد یک سبک منحصر به فرد و همه کاره کرد که همچنین به او کمک کرد تا حرفه خود را به عنوان یک دلقک کودکان دنبال کند. رقصندگان کرامپ بیشتر با یکدیگر تعامل دارند و با وزن شریک خود کار می کنند. نوازندگانی مانند میسی الیوت، برادران شیمیایی، بلک آید پیز، با استفاده از کرامپینگ در ویدیوهای خود، این رقص را در سراسر جهان معروف کردند.

در سال 1972، بداهه نوازی تماس ظاهر شد. بداهه نوازی تماسی رقصی است که در آن بداهه نوازی حول نقطه تماس با یک شریک ساخته می شود. بداهه نوازی تماس شکلی از رقص آزاد است. استیو پکستون آمریکایی را به حق خالق مکتب بداهه سازی تماس می دانند. او که یک طراح رقص و رقصنده بود، رقص مدرن و کلاسیک را مطالعه کرد، ژیمناستیک و آیکیدو مطالعه کرد و زمان زیادی را صرف تحقیق در مورد بداهه نوازی رقص کرد. در بداهه نوازی تماسی، حرکت به دنبال جابجایی نقطه تماس بین بدن شریک است. هنگامی که دو جسم با هم تماس پیدا می کنند، حرکت غالب می شود و در هنگام تعامل با وزن بدن، مسیرهای فضایی متقابل را جستجو می کنند. رقص توسط احساسات شرکا، قصد آنها برای حفظ یا عدم حفظ تماس فیزیکی و ادامه جستجو برای حمایت متقابل هدایت می شود.

Hustle یک رقص زوجی است که بر اساس بداهه و "رهبری" ساخته شده است.

ترجمه از انگلیسی hustle عبارت است از Hustle and Busle. این نام جمعی برای رقصیدن با موسیقی دیسکو محبوب در دهه 1980 است، مانند دیسکو-فاکس، دیسکو سوینگ و خود hustle.
این یک رقص "اجتماعی" است - یعنی در هسته آن بسیار ساده است ، تقریباً با هر موسیقی در چهار شماره (دیسکو روباه در سه) رقصیده می شود ، به آموزش طولانی نیاز ندارد و به هر کسی اجازه می دهد پس از کمی تمرین برقصد.

هرچه موسیقی غنی‌تر و متنوع‌تر با ظهور ابزارهای جدید الکتروموسیقی شد، گرایش‌های موسیقی متفاوت‌تر و سبک‌های رقص متفاوت‌تر به وجود آمد. در اواخر دهه 80 و اوایل دهه 90، با ظهور ویدیو، سبک های خاصی محبوبیت پیدا کردند. کار مایکل جکسون، که در آن زمان پادشاه پاپ و پادشاه رقص نامیده می شد، باعث ایجاد نوع جدیدی از اجرا شد - "a la Jackson". معروف ترین ویدیوهای او از آلبوم های "Thriller"، "Bad" از حرکات دیسکو، بریک، هیپ هاپ استفاده می کرد.

در قرن بیستم ، اصطلاح "رقص پاپ" ظاهر شد - این محصول تاریخ هنر سکولار است که منعکس کننده اول از همه مکانی است که اجرا کننده وارد آن می شود. یعنی نه صحنه تئاتر، بلکه صحنه واریته شو یا سالن کنسرت. مفهوم "رقص پاپ" همچنین شامل سبک‌سازی رقص‌های محلی، رقص‌های ورزشی، رقص‌های نیمه کلاسیک، رقص‌هایی به سبک‌های رقص روزمره، استپ است؛ در حال حاضر روی صحنه شاهد تولیدات بسیار زیادی هستیم که با استفاده از وسایل رقص جاز اجرا می‌شوند. یا رقص مدرن بنابراین، مفهوم "رقص پاپ" حوزه های زیادی از هنر رقص را متحد می کند. با این حال، در حال حاضر، بسیاری از دانشگاه ها و موسسات فرهنگ و هنر دارای بخش های رقص پاپ هستند. متأسفانه، هیچ کاری نمی توان در مورد این سردرگمی اصطلاحی انجام داد.

می توان با اطمینان کامل گفت که قرن بیستم یک پیشرفت خلاقانه واقعی برای رقص و نوعی انقلاب در فرهنگ رقص بود.

به طور خلاصه می توان گفت که رقص مدرن یک مفهوم نسبی و لحظه ای است و هر دوره زمانی فرهنگ موسیقی خاص خود را دارد که باعث پیدایش انواع جدیدی از رقص می شود. با این حال، سبک های رقص مدرن دارای عناصر کاملاً متنوعی هستند که آنها را دموکراتیک تر و در دسترس افراد با محدودیت های خاصی در انعطاف پذیری و انعطاف پذیری می کند.

تولید رقص "طناب" بر اساس جهت رقص مدرن - انعطاف پذیری آزاد است.

پلاستیک رایگان- جنبشی که در آغاز قرن بیستم برای رهایی از چارچوب رقص کلاسیک و ادغام رقص با زندگی پدید آمد. در این سبک اصولی تدوین شد که بر اساس آن رقص مدرن و جاز-مدرن، رقص معاصر و حتی بداهه نوازی تماسی شکل گرفت. بنیانگذار جراحی پلاستیک رایگان ایزیدورا دانکن بود.

یکی از منابع ایدئولوژیک رقص آزاد، حرکت برای بهبود جسمانی، رهایی بدن، انکار چارچوب ها و مرزها، اختلاط گرایش ها و سبک های رقص بود. بنیانگذاران رقص آزاد معتقد بودند که همه می توانند و باید برقصند و رقص به همه کمک می کند تا زندگی خود را توسعه دهند و تغییر دهند. جراحی پلاستیک رایگان همیشه رهایی، ابراز وجود، "پرواز" است، این یک نگرش خاص نسبت به خود، بدن شما، یک طرز فکر خاص است. انعطاف پذیری رایگان به شما امکان می دهد هم خودجوش و هم آگاه باشید. این به شما این فرصت را می دهد که خلاقانه خود را ابراز کنید، لذت حرکت، هماهنگی بدن با موسیقی و ریتم را احساس کنید. پلاستیسیته رایگان یک روند در رقص مدرن است. نوعی رقص صحنه که به طرز شگفت انگیزی عناصر رقص جاز، سبک مدرن و تکنیک های رقص کلاسیک را ترکیب می کند.

1.2. منابع و انگیزه انتخاب موضوع طراحی رقص "مقید"

موضوع طرح رقص تولید "محصول" بر اساس فیلم کوتاه "طناب" است. خلاصه داستان فیلم (یا بهتر است بگوییم حتی طرح ها) این است: یک مرد جوان و یک دختر در وسط خیابان "به خود می آیند"، آنها پشت به پشت با طناب بسته شده اند و نمی توانند خود را آزاد کنند. دختر مقاومت می کند و پسر به راه مورد نظر می رود. رهگذرانی که ملاقات می کنند واکنش های متفاوتی نسبت به وضعیت آنها نشان می دهند: برخی آنها را نادیده می گیرند، برخی دیگر آنها را مسخره می کنند. آخرین کسی که ملاقات می کند، گره آنها را باز می کند، صورت دختر را نوازش می کند و او را باز می کند. سپس دختر متوجه می شود که چه اتفاقی افتاده است و می فهمد که نمی تواند بدون مرد جوان باشد. مرد جوان وقتی گره‌اش را باز کردند می‌خواست به آزادی‌دهنده ضربه بزند، اما او را به سادگی دور کرد، به سمت دختر برگشت و با هم دوباره شروع کردند به طناب بستن.

در واقع این فیلم یک استعاره است. طناب، به عنوان نمادی از روابط، نوعی وابستگی ناخودآگاه یا آگاهانه در روابط با نیمه دیگر - دقیقاً موضوع اصلی این فیلم است.

نمادهای مشابهی اغلب در سینما و ادبیات، در ترانه سرایی نوازندگان مدرن یافت می شود؛ یکی از انواع طناب می تواند دستبند، زنجیر، غل و زنجیر باشد. داستان‌های مشابهی را می‌توان در اساطیر افلاطون یافت: موجوداتی ایده‌آل با چهار دست، چهار پا و دو سر که توسط خالق از هم جدا شده‌اند و تمام زندگی خود را روی زمین به دنبال جفت روح خود می‌گذرانند.

یکی دیگر از موضوعات فرعی فیلم، نگرش اطرافیان به موقعیتی است که مشاهده می کنند، واکنش آنها. اطرافیان از تماشای رنج دو نفر که به هم متصل هستند، رضایت می‌یابند. آنها دو رهگذر هستند که آنها را مسخره می کنند، سعی می کنند از آنها تقلید کنند، در حالی که عزت نفس آنها از آنچه می بینند بالا می رود. سپس در راه با دو هولیگان روبرو می شوند که سعی در تمسخر آنها و تحقیر آنها دارند. فقط یک نفر ابراز همدردی و کمک کرد.

در پایان فیلم که برای درک معنای مورد نظر نویسنده جالب‌تر است: شخصیت‌ها با هم راه می‌روند و دستان یکدیگر را می‌گیرند، او سرش را روی شانه‌های او می‌گذارد. هر بیننده ای که فیلم را تماشا می کند نتیجه گیری های خود را می گیرد: کسی می گوید که عشق در یک رابطه باید با آزادی هر دو طرف همراه باشد و کسی عشق را دیگر آزادی نیست، بلکه وابستگی می داند.

وابستگی نه تنها در روابط مبتنی بر عشق، بلکه در روابط بین والدین و فرزندان، در دوستی بین دوستان، بین افرادی که به دلایلی مجبور به با هم بودن هستند نیز رخ می دهد. تولید من نشان دهنده وابستگی روانی بین دو دوست است. آگاهی از وابستگی به یکدیگر، زمانی که دوستان از مرز خاصی در روابط خود با یکدیگر عبور کردند و چنان درجاتی از صمیمیت روانی ایجاد کردند که در آن هر دو یا یکی از آن دو خود را گم کردند و این شرایط شروع به سنگین کردن هر یک از آنها کرد. به عنوان مثال، چنین احساسی ممکن است به دلیل همدلی با یکدیگر در برخی شرایط سخت ایجاد شود. فرض کنید شوهر یا نامزدش یکی از دوستانش را ترک می‌کند - سپس دوست دوم برای اولی «همه چیز» می‌شود - یک دلدار، یک مشاور و یک مادر. در عین حال، تسلی دهنده از نیاز و اهمیت خود لذت می برد، او احساس می کند قوی، بالغ و عاقل است - هر چه باشد، توصیه او برای دوستش بسیار مورد نیاز است، که به راحتی از آن استفاده می کند.

تسلی دهنده که خود و عزیزانش (شوهر، فرزندان) را فراموش می کند، روزهایش را با تجربه وقایعی از زندگی دوستش مانند زندگی خود می گذراند و دیگر زندگی خود را از زندگی دوستش متمایز نمی کند. اینگونه است که در روابط بین دوستان خود را گم می کنید و اعتیاد به وجود می آید. لحظه ای فرا می رسد که همه چیز در زندگی برای دوست "ناراضی" شروع به بهبود می کند (مثلاً مردی ظاهر می شود) ، او به تدریج از تسلی دهنده خود دور می شود - از این گذشته ، دیگر به او نیازی نیست.

و در اینجا آرامش دهنده عذاب واقعی را تجربه می کند - او احساس پوچی ، تنهایی (علی رغم حضور همسر و عزیزان) می کند و به دوست خود برای منتخب جدید خود حسادت می کند ، که باعث تحریک و بی میلی در دوستش برای برقراری ارتباط می شود. از بیرون ممکن است خنده دار به نظر برسد، اما در واقع این وضعیت بسیار دردناکی است که می تواند منجر به روان رنجوری، افسردگی و از دست دادن علاقه به زندگی برای آرامش دهنده رها شده شود. اغلب، علاوه بر این، دوست دختر سابق از هم جدا می شوند، و دیگر نمی بینند و ارتباط برقرار می کنند. و دوستی آنها که در آن خیر و صمیمیت فراوان بود به پایان می رسد.

رقص از آغاز تمدن بشری همواره در فرهنگ بشری به عنوان وسیله ای برای تعامل اجتماعی، ابراز وجود و ارتباط غیرکلامی حضور داشته و جزء لاینفک آئین های مختلف مذهبی و تشریفاتی بوده است. رقص‌ها از زمان اولین ظهور آن در اسناد تاریخی (حدود 9000 سال پیش) به طور قابل توجهی به سبک‌های بی‌شماری تبدیل شده‌اند که هنوز هم امروزه انجام می‌شوند.

مصریان باستان از رقص به عنوان وسیله ای برای جلب رضایت خدایان، سرگرمی طبقه بالای جامعه و جشن های دسته جمعی در طول جشن های برداشت محصول استفاده می کردند. یونانی ها و رومی ها این سنت را ادامه دادند، اما رقص را هدیه ای از جانب خدایان می دانستند. یونانیان همچنین جشن‌های سالانه‌ای را به افتخار خدایان برگزار می‌کردند که در طی آن مقدار زیادی الکل و رقص واجب بود.

پیوند مشابهی بین رقص و مذهب اصولاً در هر دین مدرنی یافت می شود، اما آن را به بهترین وجه در هندوئیسم مشاهده می کنیم، که مبتنی بر این اعتقاد است که کل جهان در رقص رقصنده عالی ناتاراجا ایجاد شده است. هر یک از 23 خدای بزرگ هندی سبک متمایز رقص خود را دارند و این عشق به رقص در تمام جنبه‌های زندگی در هند نیز دیده می‌شود (به وضوح در فیلم‌های هندی دیده می‌شود که همگی رقص و آواز هستند).

رقص اتاق رقص مدرن در قرن پانزدهم در ایتالیا شکل گرفت. توسعه سریع فناوری، تجارت و ثروت که در دوره رنسانس رخ داد به سرعت در سراسر اروپا گسترش یافت. بیشترین تعداد نوآوری ها در سبک های موسیقی و رقص در زمان سلطنت ملکه الیزابت انگلستان (1533 - 1603) رخ داد. در این زمان، بسیاری از استادان رقص اروپایی به انگلستان آمدند تا رقص های جدیدی را برای دربار سلطنتی و بقیه اشراف خلق کنند. در حالی که رقص و موسیقی در لندن رونق داشت، اولین مدارس رقص افتتاح شد و به همه آموزش داد که چگونه مراحل پیچیده ای را که در آن زمان محبوب بود اجرا کنند. برخی از محبوب‌ترین رقص‌های آن زمان عبارت بودند از: گالیارد، آلمانده، ولته، گاووت و باله.

با هر قرن، سبک های جدیدی از موسیقی و رقص ظاهر و ناپدید شد. یکی از معروف ترین رقص های مدرن، والس برای اولین بار در صحنه رقص اروپا در قرن هفدهم ظاهر شد و با خلق آثار باشکوه یوهان اشتراوس تا حد زیادی محبوبیت یافت. یکی دیگر از نمونه‌های اولیه رقصی که جهان را طوفان کرد، پولکا است که در سال 1850 مد شد و متعاقباً طیف گسترده‌ای از سبک‌های رقص پرانرژی و سریع را ایجاد کرد.

ارسال کار خوب خود در پایگاه دانش ساده است. از فرم زیر استفاده کنید

دانشجویان، دانشجویان تحصیلات تکمیلی، دانشمندان جوانی که از دانش پایه در تحصیل و کار خود استفاده می کنند از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.

نوشته شده در http://www.allbest.ru/

موسسه آموزشی بودجه ایالتی فدرال آموزش عالی حرفه ای

دانشگاه دولتی فرهنگ و هنر مسکو

دانشکده فعالیت های اجتماعی و فرهنگی

اداره فعالیت های فرهنگی و اوقات فراغت

کار دوره

با موضوع: تاریخچه رقص

در رشته دانشگاهی: «تاریخ و تئوری فعالیت اجتماعی-فرهنگی»

مسکو 2013

معرفی

بخش 1 ظهور رقص: از دوران باستان تا تولد باله

1.1 دلایل پیدایش رقص و ریشه های آن

1.2 مصر باستان، چین، هند، یونان، روم

1.3 رقص محلی در اروپا از قرون وسطی تا رنسانس

بخش 2 عصر باله در خارج از کشور و روسیه

2.1 باله در غرب

2.2 باله روسی

بخش 3 جهت رقص مدرن

3.1 رقص جاز

3.2 رقص مدرن و جاز مدرن

3.3 کلاسیک مدرن در خارج از کشور

3.4 رقص تالار

نتیجه

منابع و ادبیات

معرفی

بیایید در مورد رقص صحبت کنیم. در زمان ما، زمان الکترونیک، ریتم تند، اکثراً رقص را می‌نامند که در کلوپ‌های شبانه اتفاق می‌افتد، زمانی که حرکت به بدوی کاهش می‌یابد. با این حال، رقص نه تنها از "دو ضربه، سه ضربه زدن" تشکیل شده است. تاریخ خاص خود را دارد، یکی از قدیمی ترین هنرها در کنار موسیقی است، شاید قدیمی تر، این سوال جای بحث دارد. این رقص مسیر طولانی تغییر را طی کرده است و به چندین شاخه از سبک تقسیم شده است. بنابراین، این سوال در همان ابتدای سفر ما حتی بیشتر مرتبط است: رقص چیست؟

رقص- حرکات موزون و رسا بدن که معمولاً در یک ترکیب خاص تنظیم شده و با همراهی موسیقی اجرا می شود. رقص، همانطور که در بالا ذکر شد، شاید قدیمی ترین هنر باشد: این نیاز انسان را منعکس می کند، که قدمت آن به زمان های اولیه باز می گردد، تا شادی یا غم خود را از طریق بدن خود به دیگران منتقل کند. علاوه بر این، رقص دموکراتیک است. او بدن را به صحبت دعوت می کند، به او فرصت صحبت می دهد. رقص به گسترش پتانسیل خلاق و شخصی کمک می کند، از شر عقده های مختلف خلاص می شود، ترس از سخنرانی در جمع را از بین می برد و به شما یاد می دهد که آرام باشید.

رقص از انواع حرکات و ژست های مرتبط با فرآیندهای زایمان و برداشت های عاطفی شخص از دنیای اطرافش ناشی می شود. حرکات به تدریج در معرض تعمیم هنری قرار گرفتند که در نتیجه رقص یکی از قدیمی ترین جلوه های هنر عامیانه شکل گرفت. این رقص که در ابتدا با کلمه و آهنگ همراه بود، به تدریج معنای مستقلی پیدا کرد. تقریباً تمام رویدادهای مهم در زندگی انسان بدوی با رقص جشن گرفته می شد: تولد، مرگ، جنگ، انتخاب رهبر جدید، شفای بیماران. این رقص دعاهایی را برای باران، برای نور خورشید، برای باروری، برای محافظت و بخشش بیان می کرد؛ این رقص بخشی جدایی ناپذیر از آیین ها و اسرار مختلف بود، از جوامع ابتدایی گرفته تا مصر، چین، یونان. رقص چه نتیجه ای داشت؟ چگونه آن را نظام مند کردید؟ "پا" شکل گرفت.

مراحل رقص (به فرانسوی پاس - "گام") از اشکال اساسی حرکات انسان - راه رفتن، دویدن، پریدن، پرش، پرش، سر خوردن، چرخش و تاب خوردن سرچشمه می گیرد. ترکیبی از حرکات مشابه به تدریج به مراحل رقص سنتی تبدیل شد.

ویژگی های اصلی رقص عبارتند از:

ریتم - تکرار نسبتاً سریع یا نسبتاً آهسته و تنوع حرکات اصلی.

طراحی ترکیبی از حرکات در یک ترکیب است. دینامیک - تغییر دامنه و شدت حرکات؛

تکنیک درجه کنترل بدن و مهارت در انجام مراحل و موقعیت های اساسی است. در بسیاری از رقص ها، حرکات مخصوصاً حرکات دست نیز از اهمیت بالایی برخوردار است.

در حال حاضر، هنر رقص هنر صحنه سنتی سنتی و حرفه ای را پوشش می دهد. هنر رقص تا حدی در فرهنگ هر قومی وجود دارد. و این پدیده نمی تواند تصادفی باشد، ماهیت آن عینی است، زیرا طراحی رقص عامیانه سنتی، هم در مراحل اولیه رشد انسان و هم اکنون که یکی از کارکردهای فرهنگ را انجام می دهد، جایگاه اصلی را در زندگی اجتماعی جامعه دارد. یکی از مؤسسات منحصر به فرد جامعه پذیری مردم و اول از همه کودکان، نوجوانان و جوانان است و همچنین تعدادی کارکرد ذاتی در فرهنگ را به طور کلی انجام می دهد.

تاریخ رقص باله مردمی

1. ظهور رقص: از دوران باستان تا تولد باله

1.1 دلایل پیدایش رقص و ریشه های آن

بنابراین، رقص از کجا آمده است، چگونه یک فرد میل به حرکت با یک ریتم خاص پیدا می کند؟ مقاله بسیار جالب کنستانتین پتروویچ چرنیکوف در مورد وجود رقص و در واقع پیدایش آن، داستان بسیار خوبی در این باره برای شما بازگو خواهد کرد.

در واقع رقص به عنوان یک پدیده صرفاً اجتماعی، نمایانگر لایه ای کامل است که با روش ها و فنون خود منعکس کننده رشد تاریخی، اجتماعی و فرهنگی جامعه بشری است. این لایه بسیار جالب است و به نظر من به اندازه کافی توسط علم مدرن "شخم زده" نشده است. مورخان بیشتر بر جنبه‌های توسعه اقتصادی و اجتماعی-سیاسی جامعه تمرکز کرده‌اند، مورخان هنر به معماری یا نقاشی توجه بیشتری دارند و در صحنه‌های مدرن تئاتر و به‌ویژه پاپ، رقص در مقایسه با آواز یا آواز، نقش اول را ندارد. همان ژانر مکالمه چرا چنین بی مهری؟ به هر حال، هنر رقص شاید قدیمی ترین هنر در جهان باشد؛ این هنر هزاران سال زنده مانده است، در زمانی که یک جامعه متمدن با اقتصاد و سیاست آن اساساً هنوز وجود نداشت، در محیط انسانی سرچشمه گرفته است. چرا رقص که در سپیده دم تاریخ بشر، همراه با فرقه و سحر و جادو، مهمترین فعالیت ذهنی و فرهنگی اجتماعی مردم بود، اکنون در پس زمینه محو شد؟ چه زمانی و چرا این اتفاق افتاد؟ ما سعی خواهیم کرد که همه این موضوعات مختلف را درک کنیم.

واضح است که رقص چیزی نیست که انسان نتواند بدون آن زندگی کند، مثلاً بدون آب یا غذا. انسان به عنوان یک گونه، مسیر تکاملی طولانی و بسیار دشواری را طی کرده است که وظیفه اصلی او بقا بوده است.

این بدان معنی است که اگر یک مرد باستانی بخشی از وقت گرانبهای خود را نه برای تهیه غذا یا تنظیم زندگی خود، بلکه برای تمرین همین حرکات موزون بدن صرف می کرد، پس این واقعا برای او بسیار مهم بود. چه چیزی می توانست برای اجداد دور ما اینقدر مهم باشد؟ بسیاری تمایل دارند بر این باورند که این مراسم آیینی است. بله، این منطقی است. خدایان و شیاطین را نباید دست کم گرفت. باید مدام از آنها تجلیل کرد، دلجویی کرد و فداکاری کرد، اما، می بینید، برای تکریم و قربانی کردن اصلاً لازم نیست با سرعت و ریتم خاصی تاخت، بپرید، بچرخید و بچرخید. شما می توانید همه چیز را بسیار منطقی تر و با تلاش کمتر انجام دهید، که همچنان در شکار یا در جنگ با همسایگان مورد نیاز است. به احتمال زیاد، دلیل ظهور رقص تا حدودی عمیق تر از آن چیزی است که معمولاً تصور می شود.

اگر به فرهنگ لغت ها و دایره المعارف های توضیحی متعدد این روزها اعتقاد دارید، می توانید به طور کلی رقص را به عنوان یک شکل هنری تعریف کنید که جلوه های بیرونی زندگی را به شکل فیگوراتیو و هنری، از طریق حرکات بدن انسان، حالات چهره و پانتومیم منعکس می کند. رقصید. آیا او همان چیزی نیست که ما می بینیم؟ بله، این درست است، اما نه واقعا. همه چیز را نمی توان به سادگی با واکنش یک فرد به دنیای اطرافش توضیح داد. ظاهر طبیعت زنده، اگر تجلی دائمی در حال تغییر درون نیست، چیست؟ رقص بر اساس عمل است. اما کنش بیرونی بدون کنش درونی ممکن نیست. تمام اعمال بیرونی، که در حرکات، حرکات، وضعیت ها، مراحل رقص بیان می شوند، از درون ایجاد می شوند و شکل می گیرند - در افکار، احساسات، احساسات، تجربیات. بنابراین به نظر من به منبع رسیده ایم. علت اصلی پیدایش رقص و همچنین یک فرقه مذهبی، روان، دنیای درونی و معنوی انسان بود.

روان آغازگر ظهور رقص به عنوان یک پدیده اجتماعی شد. البته در ابتدا با فرقه و جادو گره خورده بود و نمی شد آنها را از یکدیگر جدا کرد. تقسیم بندی و تخصصی شدن محدودتر این پدیده ها خیلی دیرتر اتفاق افتاد. و فرقه کم کم زمام امور را گرفت.

تقدم فرقه با این واقعیت توضیح داده می شود که جادوگران و کشیشان افراد باهوش و به شیوه خود خلاق بودند، بنابراین تلاش زیادی برای آنها لازم نیست تا بفهمند چگونه "احمق" کنند و بر بستگان خود فشار بیاورند و محرک اصلی در این موضوع ترس از یک نیروی ناشناس بود.

در این شرایط، رقص در پس‌زمینه محو شد و تنها به «خدمت» آیین‌ها، تزیین آن‌ها و تقویت عامل تأثیر روانی و انرژی-عاطفی بر شرکت‌کنندگان در مناسک و مراسم مذهبی پرداخت. ما در مورد تأثیر رقص بر بدن انسان صحبت خواهیم کرد، اما اکنون اجازه دهید به سؤال دلایل منشأ آن برگردیم.

رقص از چه زمانی شکل گرفت؟ منطقاً به نظر می رسد که به نظر زمانی محتمل ترین زمان ظهور سنت های رقص دوره مادلین (15 تا 10 هزار سال پیش) باشد.

در این دوره بود که هنر بدوی و بالاتر از همه غار نگاری به بالاترین سطح پیشرفت خود رسید. منطقی است که فرض کنیم در این دوره بود، زمانی که پیچیدگی فزاینده روان و ارتباطات انسان آغازگر ظهور نیاز به هنرهای زیبا بود، که نیاز به اشکال دیگر هنر ممکن است پدید آید - از جمله رقص، تأیید این امر توسط نقاشی های غار در غارهای فرانسه و اسپانیا ارائه شده است، جایی که از 1794 نقاشی - 512 نقاشی افراد را در حالت ها و لحظات مختلف حرکت نشان می دهد که به طور دوره ای تکرار می شود، علاوه بر این، حدود 100 نقاشی به نوعی از موجودات انسان نما اختصاص داده شده است. اگر در نظر بگیریم که نقاشی غار بسیار واقع گرایانه است، حتی عکاسی، هنرمند هنوز نمی توانست به طور انتزاعی فکر کند، او چیزی اختراع نکرد و آنچه را که با چشمان خود دید نقاشی کرد، می توان پرسید - او چه دید؟ اگر نسخه بیگانگان یا جهش یافته ها را کنار بگذاریم، به احتمال زیاد اینها افرادی هستند که لباس حیوانات یا نوعی ارواح را تقلید می کنند.

انسان باستانی به تقلید از حیوانات و ارواح نقاشی می کرد. اما اگر مردم آن موقع این کار را انجام می دادند، اگر رقص نیست، آن چیست؟ در همان زمان تولد موسیقی و آلات موسیقی اتفاق افتاد. همه انواع هنر بسیار نزدیک بود، بنابراین، موسیقی نیز با رقص مرتبط بود. پاسخ سوال اول داده شده است. رقص "یادبود" دقیقی مانند نقاشی یا معماری بر جای نمی گذارد، اما تولد رقص به سختی می توانست زودتر اتفاق بیفتد. جامعه آماده نبود. سوال بعدی این است: فرهنگ رقص چگونه پدید آمد؟

قبلاً گفتیم که هنر رقص از اعماق روان پیچیده انسان سرچشمه گرفت و به تجلی بیرونی نیاز شخص به نوع خاصی از حرکات بدن تبدیل شد. ما همیشه با چنین نیازهایی پاسخگوی شما هستیم. علاوه بر غریزه و رفلکس های طبیعی، فرد دارای حافظه بیومکانیکی است. انسان نمی تواند بدون حرکت عضلات زندگی کند! اگر برخی از اندام ها، به دلایلی، برای مدت معینی غیرفعال باشند، به ناچار آتروفی می شوند. ما برای زندگی نیاز به حرکت داریم! همه چیز در این دنیا در حرکت است، همه چیز می لرزد و تغییر می کند. انسان فرزند این جهان است و نمی تواند جدا از قوانین عینی آن وجود داشته باشد. حکمت عامیانه می گوید: «هیچ چیز برای همیشه دوام نمی آورد»، «همه چیز جریان دارد، همه چیز تغییر می کند». بنابراین، انسان مجبور شد علاوه بر حرکات تولیدی لازم، با گوش دادن به صدای طبیعت، برای حفظ نشاط خود، حرکات اضافی انجام دهد. به نظر می رسد، چرا او به این نیاز دارد، زیرا زندگی بدوی از نظر جسمی دشوار و پر از خطر بود، انسان قبلاً فعالیت بدنی زیادی داشت و به وضوح از عدم فعالیت بدنی رنج نمی برد. اما نه!

ما موجوداتی با روان پیچیده و بسیار سازمان یافته هستیم، احساسات و افکار ما بر میدان های انرژی ما تأثیر می گذارد و بنابراین بار ذهنی و روحی برای ما حتی مهم تر از جسمی است، زیرا این روان ماست که از طریق تکانه های بیوالکتریک، تمام فرآیندهای فیزیکی بدن ما را کنترل می کند. من متقاعد شده‌ام که دقیقاً همین نیاز به شارژ ذهنی دوره‌ای بود که آغازگر اولین نیازهای انسان به حرکات موزون بدن بود. لطفا توجه داشته باشید - نه در حرکات ساده، بلکه در حرکات موزون بدن. چرا اینطور است؟ بله، زیرا تمام اندام های داخلی ما، کل بدن و سیستم عصبی در ارتعاش و نبض دائمی هستند، که ریتم خاص خود را دارند: ضربان قلب با یک ریتم خاص، چرخه تنفسی نیز به شدت ریتمیک انجام می شود و غیره. بنابراین، شارژ روانی-انرژی نیز باید به صورت ریتمیک انجام شود تا با ریتم های طبیعی بیولوژیکی بدن دچار ناهماهنگی نشود. در این مورد، ما در مورد رقص هایی صحبت نمی کنیم که برای ما آشنا هستند، بلکه در مورد فرهنگ اولیه حرکات موزون بدن همراه با همراهی بدوی، به احتمال زیاد صدا و صدا صحبت می کنیم، که می توان آن را در همان ابتدای رقص طبقه بندی کرد. فرهنگ.

از جمله اینکه گوش دادن به موسیقی دلنشین و حرکت برای لذت، هورمون شادی تولید می کند که یکی از دلایل غیرمستقیم پیدایش رقص است.

آغازگر هنر رقص، روان انسان باستان بود. نیاز به شناخت خود، جهان، ابراز وجود و لذت. و نمایندگان فرقه با استفاده از رقص در مراسم، فرصت را از دست ندادند. به احتمال زیاد آنها عظیم بودند، که این اثر را از طریق "اثر گله" افزایش داد. در جامعه بدوی، اطاعت نکردن از این تأثیر تقریباً غیرممکن بود، بنابراین قوانین توسط کشیشان و رهبران دیکته می شد.

اولین رقص های دوران باستان با آنچه امروز با این کلمه خوانده می شود بسیار فاصله داشت. آنها معنای کاملاً متفاوتی داشتند. با انواع حرکات و ژست ها، شخص برداشت های خود را از دنیای اطراف خود منتقل می کرد و حال و هوای خود را در آنها قرار می داد. فریاد، آواز، بازی پانتومیم با رقص در ارتباط بود. خود رقص همیشه و در همه زمان ها ارتباط تنگاتنگی با زندگی و شیوه زندگی مردم داشته است. بنابراین، هر رقص با شخصیت و روحیه مردمی که از آن سرچشمه گرفته است، مطابقت دارد. با تغییر نظام اجتماعی و شرایط زندگی، ماهیت و درون مایه هنر تغییر کرد و رقص نیز تغییر کرد. ریشه های آن عمیقاً در هنر عامیانه ریشه داشت.

رقص در میان مردمان جهان باستان بسیار رایج بود. رقصندگان تلاش کردند تا اطمینان حاصل کنند که هر حرکت، ژست و حالت چهره بیانگر برخی از فکر، عمل یا عمل باشد. رقص های بیانی هم در زندگی روزمره و هم در زندگی عمومی اهمیت زیادی داشتند.

برای یک فرد در یک جامعه بدوی، رقص یک روش تفکر و زندگی است. تکنیک های شکار در رقص هایی که حیوانات را به تصویر می کشند، انجام می شود. این رقص برای باروری، باران و دیگر نیازهای فوری قبیله دعا می کند. عشق، کار و آیین در حرکات رقص تجسم یافته است. رقص در این مورد چنان با زندگی مرتبط است که در زبان سرخپوستان تاراهومارای مکزیکی مفاهیم "کار" و "رقص" با یک کلمه بیان می شود. مردم جامعه بدوی با درک عمیق ریتم های طبیعت، نمی توانستند از آنها در رقص های خود تقلید کنند.

رقص های ابتدایی معمولاً به صورت گروهی اجرا می شوند. رقص های گرد معنای خاص و اهداف خاصی دارند: اخراج ارواح شیطانی، شفای بیماران، دور کردن مشکلات از قبیله. رایج ترین حرکت در اینجا، پا زدن است، شاید به این دلیل که زمین را می لرزاند و تسلیم انسان می شود. رقص چمباتمه زدن در جوامع بدوی رایج است. رقصندگان عاشق چرخیدن، تکان خوردن و پریدن هستند. پریدن و چرخیدن رقصنده ها را به حالت خلسه می رساند که گاهی اوقات به از دست دادن هوشیاری ختم می شود. رقصنده ها معمولاً لباس نمی پوشند، اما ماسک می پوشند، روسری های مفصل می پوشند و اغلب بدن خود را رنگ می کنند. همراهی با پا زدن، کف زدن و نواختن انواع طبل ها و لوله های ساخته شده از مواد طبیعی است.

قبایل بدوی تکنیک رقص منظمی ندارند، اما آمادگی بدنی عالی به رقصندگان این امکان را می دهد که کاملاً خود را وقف رقص کنند و با فداکاری مطلق حتی تا حد دیوانگی برقصند. رقص هایی از این دست هنوز در جزایر جنوبی اقیانوس آرام، آفریقا و آمریکای مرکزی و جنوبی دیده می شود.

1.2 مصر باستان، چین، هند، یونان، روم

بنابراین، رقص شروع به توسعه کرد. در کشورهای مختلف، فرهنگ ها، اما در همه جا اتفاق افتاد و نقش مهمی به آن اختصاص یافت.

فرهنگ مصر باستان، که در آن سطح جامعه بسیار بالا بود، غنی از موسیقی و رقص بود. مصری ها به تفریح ​​علاقه زیادی داشتند و هیچ تعطیلی یا رویدادی بدون رقص با همراهی موسیقی برگزار نمی شد. در مصر باستان، هنر رقص ارزش زیادی داشت. و بر اساس این واقعیت که این ایالت به دلیل موقعیت جغرافیایی خاص برای مدت طولانی منزوی بود، فرهنگ رقص آنها به طور مستقل و بدون دخالت اقوام و فرهنگ های دیگر توسعه یافت. بنابراین، رقص ها در مصر باستان خاص و متفاوت بودند. در طول سالهای طولانی توسعه فرهنگی در زمان فراعنه، تعداد زیادی از انواع رقص رقص پدید آمد: رقص برای سرگرمی، حرمسرا، رقص های آیینی، مذهبی و حتی نظامی.

اطلاعات بصری مهم در مورد توسعه رقص در مصر باستان را می توان از سوابق هیروگلیف، نقش برجسته های چوبی، تصاویر حک شده بر روی سنگ، مجسمه ها و اشیاء مختلف از مقبره های باستانی به دست آورد. در ابیدوس - جایی که به گفته مصری ها، خدای مردگان اوزیریس در آنجا دفن شده بود - در انقلاب تابستانی مراسمی همراه با رقص و موسیقی برگزار می شد. گروه هایی از خوانندگان و رقصندگان در معابد زندگی می کردند و در پرستش خدایان شرکت می کردند. یکی از تعطیلات اصلی، مراسمی بود که به گاو آپیس اختصاص داشت، با رقص های مخفیانه توسط "خادمان" گاو نر انجام می شد.

حس تئاتری بودن در میان مردم مصر باستان بسیار قوی بود. حتی رقصندگان معبد آنها شاهکارهای آکروباتیک انجام می دادند و در نقش برجسته ها می توانید زنی را در حال انجام شکاف ها ببینید یا زنی را ببینید که به هوا پرتاب می شود و سپس توسط دو شریک بلند می شود و مردی که روی یک پا ایستاده است و می خواهد پیروت را انجام دهد.

رقص های تشریفاتی و تشییع جنازه از نظر شدت و سادگی متمایز بودند، اما با گذشت زمان، انواع دیگر تزئینی رقص شروع به ظهور کردند. به مردان و زنان برده رقص برای سرگرمی های خانگی آموزش داده می شد. رقصندگانی از کشورهای دیگر به مصر آورده شدند. گروه‌های سیار از بازیگران حرفه‌ای بودند که پانتومیم اجرا می‌کردند و با هم‌نشینی تنبور و کاستن به اجرای نمایش‌های آکروباتیک می‌پرداختند. برای مدتی رقص پیگمی های سیاه محبوب بود.

در آثار شاعران، نویسندگان و هنرمندان کهن، نام رقص ها و شرکت کنندگان در آنها یافت می شود و قوانین اجرا شرح داده شده است.

هنگامی که مردم در مورد رقص های محلی در فرهنگ چین صحبت می کنند، اکثر مردم بلافاصله اجرای رقص رنگارنگ توسط نمایندگان اقوام مختلف غیر از چینی هان را تصور می کنند. در همین حال، از دوران باستان، آن قبایل که بعداً با یک نام مشترک - ملیت هان - متحد شدند، اشکال مختلفی از رقص های آیینی داشتند. رقص‌های عامیانه اولیه در چین، مانند سایر اشکال هنر بدوی، عمدتاً شکلی آیینی از خرافات و باورهای مختلف بود. این رقص ها برای درخواست از خدایان برای برداشت محصول خوب یا شکار خوب انجام می شد.

خیلی بعد، در طول سلسله هان (206 قبل از میلاد - 220)، رقص های محلی اکثر گروه های قومی ساکن چین توسعه یافت. رقص های عامیانه ای که در این زمان پدیدار شد نیز نشان دهنده خرافات و باورهای مردم بود. آنها معتقد بودند که با تقدیم هدایای آیینی به خدایان، می توانند آنها را متقاعد کنند که در آینده مزایای بیشتری برای آنها فراهم کنند.

اصلی ترین رقص های محلی چینی تصویرسازی و رقص شیر است. در ابتدا، آنها بخشی از میراث فرهنگی فقط چینی هان بودند، اما با گذشت زمان، این رقص ها توسط نمایندگان سایر اقوام ساکن در چین شروع شد. علاوه بر این، یکی از اشکال ظریف‌تر رقص محلی چینی، رقص دادگاه است که گاهی به آن رقص قصر نیز می‌گویند. در اصل در دربار امپراتوران هان در زمان سلسله کین (221 قبل از میلاد - 206 قبل از میلاد) بوجود آمد. دیگر امپراتوران چینی، از جمله امپراتوران مغول و منچو، به توسعه این شکل از هنر رقص ادامه دادند. رقص اژدها و رقص شیر معمولاً در جشن های سال نو قمری اجرا می شود.

بر اساس تفاسیر اساطیر هندو، منشأ رقص در هند اتفاق افتاد و خالق آن خدای شیوا بود که با رقصیدن، هرج و مرج جهانی را به کائنات تبدیل کرد. اعتقاد بر این بود که فقط آسمانیان و در هیچ موردی فانیان صرف حق رقصیدن را ندارند. در جشن های کاخ بهشتی، رقصندگان زیبای نیمه الهی در رقص می چرخیدند و همه اطرافیان را به وجد می آوردند و به وجد می آوردند. خود خدای شیوا بهترین رقصنده به حساب می آمد؛ همه خدایان دیگر افتخار همراهی با او را داشتند. رقص برای مردم عادی روی زمین تنها پس از آن قابل دسترس شد که حکیم بزرگ بهاراتا، که با اعمال نیک خود حق بازدید از قصر الهی و لذت بردن از منظره رقص را به دست آورده بود، با درخواست آموزش به مردم عادی به خدایان برهما و شیوا روی آورد. این هنر

در هند باستان، رقص بیان روح، حالت درونی فرد در عالی ترین شکل در نظر گرفته می شد. به لطف نگرش خاص هندوئیسم نسبت به تمام هنرها به عنوان تجسم زیبایی درونی الهی در انسان، هنر به همان اندازه با دین یکی شد. بنابراین، جای تعجب نیست که مردم هندوستان باستان، مدتها قبل از اینکه نوشتن، خواندن و ساختن مجسمه از سنگ را بیاموزند، ایمان خود را به خدایان و اطاعت خود از آنها را از طریق حرکات بدن ابراز می کردند. رقص برای هندوها در دنیای باستان بخشی جدایی ناپذیر از مناسک و مناسک مذهبی بود. در ابتدا، این ترکیبات رقص کاملاً ابتدایی بودند، اما به زودی تقریباً به کمال رسیدند. به طور کلی، اعتقاد بر این است که رقص کلاسیک هندی یک شکل منحصر به فرد از یوگا است که به طور هماهنگ انرژی معنوی و استقامت فیزیکی را با هم ترکیب می کند. این واقعیت که رقص در هند باستان بخشی جدایی ناپذیر از زندگی مردم بود، در متون مقدس متعدد، داستان های حکیمان و در مجسمه های مختلف که رقصندگان را در حالت های پیچیده یخ زده نشان می دهد تأیید شده است.

شایان ذکر است که رقص‌های هندی فقط مجموعه‌ای زیبا از حرکات مختلف نیستند، بلکه روایتی کامل از یک داستان خاص هستند. این ویژگی تا به امروز باقی مانده است. رقصندگان مدرن از گام‌ها، ضربات، حرکات بازو، برس‌ها و حتی نگاه‌هایی استفاده می‌کنند که احساسات، اعمال یا حتی کل رویدادها را منعکس می‌کند. حتی در هند باستان، دختران جوان و زیبا که مخصوصاً انتخاب شده بودند، که هنوز به سن بلوغ نرسیده بودند، همسر خدایانی شدند که معبد به آنها وقف شده بود. آنها رقص هایی را برهنه اجرا کردند که نشان دهنده احساسات آنها نسبت به خدا بود.

یکی دیگر از ویژگی های بارز فرهنگ رقص هندوهای باستان، تفسیر متون به همراه مراحل رقص است. هر رقصنده به دلیل مهارت و جهان بینی خاص خود به اجرای داستان و رقص پرداخت. این عمل کاملاً با بار معنایی و روشنگری دیگران آغشته بود.

پس از مدتی، رقص ها در هند جوهر مذهبی خود را از دست دادند و در قرون وسطی، رقص ها عمدتاً به عنوان سرگرمی دربار و اقدام رنگارنگ انجام می شد. شرکت کنندگان در رقص نه برای خدایان، بلکه برای حامیان خود آواز خواندند. رقص مدرن هندو دارای ظرافت، ظرافت و غنای احساسات باورنکردنی است. رقص هندی خاص است و در تمام دنیا مشابه ندارد.

طبق افسانه ها، رقص های مقدس توسط اورفئوس از مصر به یونان منتقل شد. او آنها را در اعیاد معبد مصریان دید. اما او حرکات و حرکات خود را تابع ریتم خود کرد و با شخصیت و روحیه یونانیان سازگارتر شد. این رقص ها با نوای غنن اجرا می شد و با زیبایی سخت خود متمایز می شد. تعطیلات، و در نتیجه رقص ها، اغلب به خدایان مختلف اختصاص داده می شد: دیونیسوس، الهه آفرودیت، آتنا. آنها روزهای خاصی از سال تقویم کاری را منعکس می کردند.

رقص های نظامی در یونان باستان نقش زیادی در القای شجاعت، میهن پرستی و احساس وظیفه در بین جوانان ایفا می کرد. معمولاً رقص های نظامی و پیریک توسط دو نفر اجرا می شد. چنین پیره های دسته جمعی وجود داشت که در آنها فقط مردان جوان می رقصیدند و گاهی دختران نیز همراه با مردان جوان می رقصیدند. رقص های نظامی نبرد، تشکل های مختلف رزمی را بازتولید می کردند، اینها ترکیبات رقص پیچیده بودند. در دستان رقصندگان کمان، تیر، سپر، مشعل روشن، شمشیر، نیزه و دارت بود. توطئه های رقص های قهرمانانه، به عنوان یک قاعده، منعکس کننده اسطوره ها و افسانه های قهرمانان بود.

رقص هایی که به افتخار خدای باروری و شراب سازی یونانی، دیونیزوس، با تفریح ​​غیرقابل کنترل و آشوبگرانه مشخص می شد. جشن Dionysia در بهار برگزار می شد، زمانی که تاکستان ها شروع به سبز شدن کردند و طبیعت زنده شد. در ردای ارغوانی و طلایی، مجسمه دیونیزوس در جلو و به دنبال آن مومرها حمل می‌شدند: پوره‌ها و نایادهای نیمه برهنه با گل‌ها و برگ‌های انگور در موهای گشاد و ساتیری‌ها با شاخ بز در پوست حیوانات. احتمالا Dionysia اولین بالماسکه بود.

رقص‌های یونان باستان بخشی از نمایش‌های تئاتری بود که در آن هر ژانر رقص‌های خاص خود را داشت. در طول رقص، نوازندگان زمان را با پاهای خود نگه می داشتند و برای آن صندل های آهنی یا چوبی مخصوص می پوشیدند و با دستان خود با استفاده از نوارهایی - صدف - که روی انگشتان میانی خود قرار می دادند، زمان می زدند.

در دوران افول امپراتوری روم، رقص و پانتومیم به نمایش‌های غیراخلاقی تبدیل شد و شهروندان محترم روم با تحقیر برخورد کردند. سیسرو و هوراس در رساله های خود درباره رقص های رومی ها نوشتند.

1.3 رقص های محلی در اروپا از قرون وسطی تا رنسانس

قرون وسطی. این دوره با احساس شدید ترس از مرگ مشخص می شد. تصویر مرگ، مانند شیطان، پیوسته در نمادگرایی قرون وسطایی یافت می شود. تصویر رقص مرگ در زمان های قدیم بوجود آمد. شکل مرگ نیز در رقص های بسیاری از جوامع بدوی ظاهر می شود. اما در قرون وسطی بود که تصویر مرگ به نمادی از قدرت فوق العاده تبدیل شد. "رقص مرگ" (danse macabre) به ویژه در قرن چهاردهم، در طول دوره های همه گیر طاعون، در اروپا رایج شد. از نظر اجتماعی، این رقص، مانند خود مرگ، نمایندگان طبقات مختلف را برابر کرد. در طول سال های طاعون، "رقص مرگ" اغلب به سرگرمی هیستریک تبدیل می شد. معمولاً با یک رقص سریع شروع می شد. سپس یکی از رقصنده ها ناگهان به زمین افتاد و تظاهر به مرده کرد و بقیه به رقصیدن در اطراف او ادامه دادند و در یک پارودی عزاداری مردگان را نشان دادند. اگر مرده توسط مردی به تصویر کشیده می شد، با بوسه های دختران او را زنده می کرد. اگر دختر بود، مردها او را می بوسیدند. پس از "رستاخیز" یک رقص گرد عمومی دنبال شد.

داستان های زیادی از قرون وسطی در مورد وسواس جنون آمیز با رقص آمده است. در طول تعطیلات مسیحی، مردم ناگهان شروع به آواز خواندن و رقصیدن در نزدیکی کلیساها کردند و در مراسم کلیسا که در آنجا برگزار می شد تداخل داشتند. این رقص های دیوانه وار در همه کشورها مشاهده می شد. در آلمان آنها نام "St. Vitta، و در ایتالیا - "tarantella".

رقص نه تنها وسیله ای ضروری برای آرامش، بلکه سرگرمی اصلی نیز بود. رقص قرون وسطایی هنوز تا حد زیادی یک اجرای بداهه بود. مردم رقص های گرد را دوست داشتند، اما قوانین رقص ثابتی وجود نداشت. رقص یک شکل پذیرفته شده از خواستگاری بود. نوازندگان آنها رقص را با آواز همراهی کردند. حرکات ساده ترین بودند. در قرن دوازدهم فرقه عشق رمانتیک و جوانمردی به طور قابل توجهی این رقص را متحول کرد و ویژگی های شهوانی آشکار آن را خاموش کرد. رقصیدن یکی از فعالیت های معمول یک شوالیه بود و به عنوان نوعی خانه موازی با مسابقات در فضای باز عمل می کرد. معمولاً یک زوج رقص را رهبری می‌کردند و دیگران به آهستگی در یک دایره حرکت می‌کردند. نوع این رقص از بسیاری جهات یادآور پولونز بود.

در اواخر قرون وسطی، تفاوت بین رقص زوج دربار و رقص گروهی روستایی پدیدار شد. از نظر اجتماعی، هنوز شکاف سختی وجود نداشت. روستاییان می توانستند رقص دربار را تقلید کنند و شوالیه ها گاهی دوست داشتند به رقص گرد دهکده بپیوندند. دهقانان با خودانگیختگی بی حد و حصر خود را به رقص می سپارند، شوالیه ها با رعایت آداب دربار، سخت گیرانه تری می رقصیدند. رقص محلی هنوز بداهه بود، در حالی که رقص درباری به طور فزاینده ای رفتار می کرد. شکل اصلی هنر قصر رقص فیگور بود، جایی که گروهی از رقصندگان به طور متوالی تشکیلات رقص را تشکیل دادند.

اهمیت زیادی در توسعه رقص درباری، ظهور معلمان حرفه ای رقص بود که نه تنها به اعیان آموزش می دادند، بلکه در زمینه آداب و آداب نیز نقش داوری را ایفا می کردند و معمولاً تأثیر زیادی بر فضای دادگاه داشتند.

رقص بخشی منظم از اعمال مذهبی در اکثر ادیان اصلی بود و تا قرن سیزدهم در مسیحیت رایج بود. آن را مکمل پرستش موسیقی، آوازی یا ساز در نظر می گرفتند. رویدادهای اجتماعی و جشن‌های سکولار که اغلب با جشن‌های مذهبی مرتبط بودند، مانند مراسم رسمی مانند دیدارهای سلطنتی و تاج‌گذاری، دارای رقص بودند. اما این تجلی جسمانی شادی و ستایش منحصر به مناسبت های خاص نبود. رقص نیز بخشی از زندگی روزمره بود. گزارش های زیادی از رقص بعد از ظهر و استفاده از رقص برای ایجاد بدنی سالم وجود دارد. این امر رقص را با تمرینات نظامی مرتبط می کند، که بیشتر آنها روی پا انجام می شد و نه تنها به استقامت بدنی نیاز داشت، بلکه به چابکی و حرکت سریع پا نیز نیاز داشت.

در دوران رنسانس، رقص روزمره اهمیت زیادی پیدا کرد. نه تنها توپ ها و شب ها، بلکه جشن های سرسبز خیابانی که گاه به درخشندگی و شکوه خارق العاده ای می رسید، بدون آن کامل نمی شود. میان‌آهنگ‌های تئاتری با آهنگ و رقص در سالن‌های کاخ اشراف ایتالیایی برگزار می‌شود. رقص اساس این عینک های مجلل را تشکیل می دهد.

توسعه رقص تئاتر در دوران رنسانس عمدتاً با شمال ایتالیا مرتبط است، اگرچه کمی بعد، زمانی که این رقص در سراسر اروپا گسترش یافت، دادگاه های فرانسوی منبع سبک سازی و زیبایی باروک بدیع آن شدند. حاکمان دولت شهرهای ایتالیا بیش از پیش به مناظر باشکوه توجه می کردند. به تدریج، مجموعه ای از تکنیک های رقص با تعدادی از قوانین اجباری پدیدار شد. رقص پر جنب و جوش روستایی برای خانم ها و آقایان دربار مناسب نبود. لباس‌هایشان، مانند تالارها یا باغ‌هایی که در آن می‌رقصیدند، ساختار افکارشان مطلقاً اجازه حرکت غیر سازمان‌یافته را نمی‌داد. برای بازگرداندن نظم و تقویت نظم و انضباط، استادان رقص خاصی وجود داشتند که رقص برای آنها تجسم خویشتن داری و پیچیدگی بود. اکنون هیچ چیز "مردمی" در او باقی نمانده بود. رقص بیشتر و بیشتر جنبه نمایشی پیدا کرد. استادان حرفه‌ای رقص قدم‌ها و چهره‌های فردی را از قبل با بزرگان تمرین می‌کردند و حرکات گروه‌های رقصنده را هدایت می‌کردند، در حالی که تماشاگران دیگر درباریان بودند.

توسعه هنر موسیقی در دوران رنسانس ارتباط نزدیکی با توسعه رقص داشت، زیرا تقریباً تمام آهنگسازان اصلی در آثار خود بر رقص تمرکز داشتند.

بالماسکه ها، مومریاها و راهپیمایی های کارناوال، سرگرمی های مورد علاقه در قرون وسطی، به ویژه در دوران رنسانس گسترش یافت. بیشتر از همه، در دوره رنسانس، مردم به بالماسکه علاقه داشتند، یعنی رقص با نقاب، و ماسک در این دوره معنای خاصی داشت. افرادی که می خواستند حالت ناشناس خود را حفظ کنند با ماسک سفر می کردند. نمایندگان خانواده های اصیل متخاصم صورت خود را زیر نقاب پنهان کردند. بارزترین نمونه رومئو است که به توپ کاپولت ها نفوذ کرد (تراژدی شکسپیر رومئو و ژولیت).

کارناوال ها همچنین کمک زیادی به رقص به عنوان سرگرمی عمومی کردند. باشکوه ترین آنها به اصطلاح پیروزی ها بود - نمایش هایی در مورد موضوعات اساطیری با تزئینات ماهرانه اجرا شده. تا حدودی متواضع‌تر بود - بالماسکه‌های صنعتگران و بازرگانان در شهرهای ایتالیا: در اینجا انبوهی از افراد نقابدار پشت نمادهای تزئینی حرفه خود رژه می‌رفتند.

انواع رقص قرون وسطایی.

رقص باس - از فرانسوی. Basse danse - "رقص کم" - یک نام کلی برای "رقصهای بدون پرش" قرن شانزدهم. آنها ابتدا در دربار بورگوندی ظاهر شدند. "رقص کم" در تضاد با "رقص بلند" (danse haute) بود که برای آن پرش های بلند و جهش معمول است. رقص باس یک رقص تشریفاتی شبیه پولونیز بود. بیشتر با پیاده روی مرتبط است تا با رقصیدن. رقص باس پیشین چاپگری در نظر گرفته می شود. رقص را می توان به دو صورت دو جانبه (معمولا) یا سه جانبه اجرا کرد. رقص باس از سه بخش تشکیل شده است: خود رقص باس، تکرار آن و توردیون - رقص پرش. رقص باس در قرن شانزدهم ناپدید شد و پاوان جایگزین آن شد.

استامپی یا استامپیدا یک فرم ساز و رقص قرون وسطایی از پروونس است. نویسندگان قرون وسطی از stantip نام می برند که شاید نامی لاتین شده برای استامپیدا باشد. هر نقطه شامل تعدادی «نقطه» (puncti) بود: هر نقطه (نقطه) از دو بخش با آغازهای یکسان (apertum) و پایان‌های متفاوت (clausum) تشکیل شده بود. یکی دیگر از استانتیپ داکتیا بود که از "نقطه" نیز تشکیل شده بود که روی آن می رقصیدند. استامپی را می توان یکی از اصلی ترین رقص های قرون وسطی دانست.

سالتارلو یک رقص پرانرژی ایتالیایی با تمپوی تند، تری ضرب و گاهی بی بیت است. نام از saltare گرفته شده است - "پریدن". سالتارلو به ویژه در قرن های 16-17 رایج بود، اما در نسخه های خطی انگلیسی و ایتالیایی در قرن 14 یافت می شود. در قرن شانزدهم saltarello به صورت جفت با رقص باس و پاسامزو (بعد از آنها) اجرا شد. امروزه سالتارلو در ایتالیا و اسپانیا به همان شیوه تارانتلا رقصیده می شود.

مورسکا (Morisco) یک رقص پانتومیک است که از اوایل قرون وسطی شناخته شده است. رقصندگان، مطابق با ایده های بسیار رمانتیک در مورد مورها، لباس های عجیب و غریب با زنگ ها در مچ پا می پوشیدند. موسیقی تحت تسلط ریتم های نقطه چین و تن صدای عجیب و غریب بود. اغلب صورت یک یا چند رقصنده سیاه رنگ می شد. در اروپا، این رقص به مناطقی که بین مسلمانان و مسیحیان تماس وجود داشت، گسترش یافت. جلبک دریایی اروپایی در اسپانیا منشا می گیرد، جایی که قبلاً در قرن 15 ذکر شده است.

کورانت یک رقص دو قسمتی، در اصل پانتومیمیک است که از قرن شانزدهم شناخته شده است. به تدریج، سنجاق در قرن هفدهم متر سه قسمتی را به دست آورد. اجرا به صورت جفت با المانده (بعد از آن) شروع شد. ویژگی بارز زنگ های قرن هفدهم. تغییرات مکرر در متر از 3/2 به 6/4 و برگشت وجود دارد که با تناوب دو چهره اصلی رقص - پاس دکورانته و پاس د کوپه مطابقت دارد.

گیگ یک رقص انگلیسی است که در قرن شانزدهم رایج بود. این نام از کلمه فرانسوی قدیم giguer ("رقصیدن") یا کلمه انگلیسی قدیمی giga (کمانچه عامیانه) گرفته شده است. در ابتدا جیگ در زمان 4/4 بود؛ بعداً جیگ ها در زمان 6/8 با نت های هشتم نقطه گذاری شروع به آهنگسازی کردند.

Pavane رقصی است که توپ های قرن 16-17 را در اندازه دو جانبه (گاهی اوقات به صورت سه جانبه) باز می کند که نشان دهنده یک راهپیمایی آرام و باشکوه است. پاوانا از اسپانیا می آید، نام آن با کلمه pavo ("طاووس") مرتبط است. شاید پاوان شکل بعدی رقص باس باشد. در قرن هفدهم پاوان معمولاً توسط یک گالیارد سریع و پرش دنبال می شد. در ایتالیا و آلمان، پادووانا (برگرفته از نام شهر ایتالیایی پادوآ) اغلب مترادف با پاوانا بود. آهنگسازان آلمانی در دوره پس از 1600 آهنگ های باشکوه و باشکوهی نوشتند که به آنها "پاوان" می گفتند. پاوان ها نیز توسط مادریگالیست های انگلیسی W. Bird، J. Bull، O. Gibbons و J. Dowland ساخته شدند.

گالیارد یک رقص شاد و پر جنب و جوش قرن 16-17 است، در ابتدا بسیار سریع، بعداً با سرعتی محدودتر و در زمان سه بیت اجرا شد. گالیارد در ابتدا دو قسمتی بود، سپس متر خود را تغییر داد و به یک "جفت" به پاوان یا پاسامزو (که بعد از آنها اجرا می شد) تبدیل شد. گالیارد یکی از محبوب ترین رقص های اروپایی قرن هفدهم بود.

برانله یک نام عمومی برای رقص های قرن 16-17 است. استان های مختلف فرانسه نسخه های مخصوص به خود را از برانله داشتند - بورگوندی، پواتو، شامپاین، پیکاردی، لورن، اوبروا، بریتانی. در قرن 15 برانله رقص باس را در قرن 16-17 تکمیل کرد. تبدیل به یک رقص مستقل شد که انواع آن در سوئیت ها ترکیب شد. ترتیب قطعات در سوئیت برانله به شرح زیر است: برانله دوبل، برانله ساده، برانله شاد، مونتیرانده و گاووت. ترتیب ممکن است متفاوت باشد، اما گاووت همیشه در پایان می آید. برانله اغلب در باله های دوران باروک گنجانده می شد، حتی زمانی که خود رقص قبلاً از کار افتاده بود.

Bergamasca - رقص قرن 16-17. در زمان 2/4 یا 4/4 از شهر برگامو ایتالیا آمده است. شکسپیر از برگاماسکا در کمدی رویای شب نیمه تابستان یاد می کند، بنابراین این رقص در قرن شانزدهم در انگلستان شناخته شده بود. در نسخه‌های خطی آن زمان، ترنج دارای ملودی خاصی است که اغلب یک باسو اوستیناتو (یعنی یک باس دائماً تکرار شده) با تغییرات است.

Chaconne یک رقص اسپانیایی قرن 16-18، نزدیک به پاساکالیا است. طبق توصیفات نویسندگان قرن 16 و 17، این رقص از هند غربی به اسپانیا آمده است. در شکل اصلی خود، حسی و خلق و خوی، chaconne در قرن 17th. تبدیل به یک رقص آهسته و باشکوه از نظر موسیقی - با توسعه متنوع بر اساس basso ostinato.

آلمانده - از فرانسوی. allemand - "آلمانی" - رقص قرن 16-18، همانطور که از نامش پیداست، منشاء آلمانی دارد. المانده مانند پاوانه رقصی با سرعت متوسط ​​و دوبخشی است. این رقص آرام معمولاً با صدای سه ضربی سرزنده دنبال می شد.

در دوران رنسانس، سرگرمی های سکولار، قطره قطره، به طور فزاینده ای اصلاح و پیچیده شد. عناصر تئاتر و رقص در هر دو حوزه قدیمی و جوان زندگی اربابان فئودال نفوذ کرد - گاهی اوقات ضیافت در قلعه ها شبیه یک نمایش تئاتر بود: در زمان استراحت بین سرو غذاهای فردی برای مهمانان، هنرمندان و نوازندگان دعوت شده صحنه های کوچک رقص و پانتومیم را اجرا می کردند. آریا می خواند و آلات موسیقی می نواخت. در قرن پانزدهم ، رقص ها کمی تغییر کرده بودند - پیچیده تر شدند ، سریع تر و چابک تر شدند ، امروزه پرش ها و حتی بلند کردن سبک انجام می شود - دیر یا زود آن خانم با کمک آقا به هوا برخاست. بسیاری از رقص های جدید ظاهر شد که هر کدام با حرکات (مراحل) خاصی بودند. علاوه بر این، واقعاً لازم بود که آنها را - هم رقص ها و هم حرکات - به همان ترتیبی که قوانین آداب معاشرت می دانستند.

بنابراین رقص به چیزی تبدیل شد که ما آن را باله یا رقص کلاسیک می نامیم. اجازه دهید تاریخچه آن را جداگانه و با جزئیات بیشتر بررسی کنیم.

2. عصر باله در خارج از کشور و روسیه

2.1 باله در غرب

در قرن پانزدهم، در پایان قرون وسطی، علاقه به یونان باستان در فرهنگ بوجود آمد که منجر به مفهومی مانند رنسانس شد. در دوران رنسانس، اولویت ها در زندگی فرهنگی تغییر کرد و رقصندگان با افراد ایده آل همراه شدند. باله، مانند خود رنسانس در ایتالیا متولد شد. نام باله نیز با ایتالیا ارتباط نزدیکی دارد، زیرا بالو به معنای رقص است. نمایش‌هایی در کاخ‌ها برای اشراف محلی به صحنه می‌رفت و رقصندگان به اجرای تئاتر زیبایی می‌دادند. در مراحل اولیه باله، تماشاگران در پایان اجرا شرکت می کردند. البته، در مقایسه با باله مدرن، در قرون وسطی رقص بسیار ضعیف تر بود. حرکات اولیه شامل مراحلی بود که بر اساس رقص های دربار بود. این نیز با این واقعیت توضیح داده می شود که افراد بسیار کمی وجود داشتند که بتوان آنها را طراح رقص در نظر گرفت.

به لطف کاترین دو مدیچی، ایتالیایی که با پادشاه فرانسه هنری دوم ازدواج کرد، هنر باله شروع به گسترش فراتر از ایتالیا کرد. او به طور کامل از تولید اجراهای رقص حمایت و تأمین مالی کرد. این اجراها عمدتاً برای رویدادهای معروف دولتی مانند ورود سفرای لهستان به صحنه می رفتند. بعدها، باله به طور کامل مورد حمایت پادشاهان فرانسه و ایتالیا قرار گرفت و تئاترهای ویژه ای برای اجرای پول در مقابل تماشاگران عادی شروع به ایجاد کردند.

در ابتدا مانند یک صحنه رقص بود که با یک کنش یا حالت واحد، یک قسمت در یک اجرای موسیقی یا اپرا متحد شده بود. باله دادگاه که از ایتالیا وام گرفته شده است در فرانسه به عنوان یک نمایش تشریفاتی باشکوه شکوفا می شود. آغاز دوران باله در فرانسه و در سراسر جهان را باید 15 اکتبر 1581 در نظر گرفت، زمانی که در دربار فرانسه نمایشی برگزار شد که به عنوان اولین باله - "باله کمدی ملکه" (یا "سرس") در نظر گرفته می شود. ) توسط ویولونیست ایتالیایی، "موسیقی اصلی" توسط بالتازارینی د بلژیوسو به صحنه رفت. اساس موسیقی اولین باله ها رقص های دادگاهی بود که بخشی از مجموعه باستانی بود. در نیمه دوم قرن هفدهم، ژانرهای تئاتری جدیدی مانند کمدی-باله، اپرا-باله ظاهر شد که در آنها جایگاه قابل توجهی به موسیقی باله داده شد و تلاش هایی برای نمایش آن صورت گرفت. اما باله فقط در نیمه دوم قرن هجدهم به لطف اصلاحات انجام شده توسط طراح رقص فرانسوی ژان ژرژ نوور (کار او "نامه هایی در مورد رقص" اهمیت ویژه ای داشت) به شکل مستقلی از هنر صحنه تبدیل شد. بر اساس زیبایی شناسی روشنگری فرانسوی، او اجراهایی را خلق کرد که در آنها محتوا در تصاویری به طرز چشمگیری آشکار می شود و نقش فعال موسیقی را به عنوان "برنامه ای که حرکات و اعمال رقصنده را تعیین می کند" تثبیت کرد.

بنیانگذار و مولد باله نیز لویی چهاردهم، پادشاه خورشید بود که عاشق رقص بود. در سن دوازده سالگی (1651) او اولین بازی خود را در به اصطلاح "ballets de cour" - باله های دادگاهی انجام داد که هر ساله در طول کارناوال به صحنه می رفت.

کارناوال باروک فقط یک تعطیلات و سرگرمی نیست، بلکه فرصتی برای بازی در "دنیای وارونه" است. به عنوان مثال، پادشاه برای چند ساعت به یک شوخی، یک هنرمند یا یک بوفون تبدیل می‌شد، در حالی که در همان زمان، مضحک می‌توانست در کسوت یک پادشاه ظاهر شود. در یکی از تولیدات باله که "باله شب" نام داشت، لوئیس جوان این فرصت را داشت که برای اولین بار در قالب خورشید طلوع (1653) و سپس آپولو، خدای خورشید، در برابر سوژه های خود ظاهر شود. 1654).

هنگامی که لوئی چهاردهم به طور مستقل شروع به حکومت کرد (1661)، ژانر باله دربار در خدمت منافع دولتی قرار گرفت و به پادشاه کمک کرد نه تنها تصویر نماینده خود را ایجاد کند، بلکه جامعه درباری (و همچنین سایر هنرها) را مدیریت کند. نقش‌ها در این تولیدات فقط توسط پادشاه و دوستش کنت دو سن‌آگنان مشترک بود.

در سال 1661، لویی چهاردهم بنیانگذار اولین مدرسه باله در جهان - آکادمی سلطنتی رقص شد. رئیس مدرسه لولی بود که توسعه باله را برای قرن آینده تعیین کرد. از آنجایی که لولی آهنگساز بود، وابستگی حرکات رقص را به ساخت عبارات موسیقی و ماهیت حرکات رقص را به ماهیت موسیقی تعیین کرد. با همکاری مولیر و پیر بوشام، معلم رقص لویی چهاردهم، مبانی نظری و عملی هنر باله ایجاد شد. Pierre Beauchamp شروع به ایجاد اصطلاحات رقص کلاسیک کرد. تا به امروز، اصطلاحاتی برای تعیین و توصیف موقعیت‌ها و ترکیب‌های اصلی باله در زبان فرانسوی استفاده می‌شود.

توسعه و شکوفایی بیشتر باله در عصر رمانتیسم رخ داد. در دهه 30 قرن هجدهم. بالرین فرانسوی کامارگو دامن خود را کوتاه کرد و کفش های پاشنه بلند خود را رها کرد که به او اجازه داد اسکیت ها را وارد رقص خود کند. تا پایان قرن 18. لباس باله بسیار سبک تر و آزادتر می شود، که تا حد زیادی به توسعه سریع تکنیک رقص کمک می کند. نمایش باله مستلزم توسعه موسیقی باله بود. بتهوون در باله خود "آثار پرومتئوس" (1801) اولین تلاش را برای سمفونی کردن یک باله انجام داد. کارگردانی رمانتیک در باله های آدان "Giselle" (1841) و "Corsair" (1856) ایجاد شد. باله های دلیبس کوپلیا (1870) و سیلویا (1876) اولین باله های سمفونی شده در نظر گرفته می شوند. در همان زمان، یک رویکرد ساده به موسیقی باله پدیدار شد (در باله های سی. پوگنا، ال. مینکوس، آر. دریگو و غیره)، به عنوان موسیقی ملودیک، شفاف در ریتم، که تنها به عنوان همراهی برای رقص عمل می کرد.

در پایان قرن 18، جهت جدیدی در هنر متولد شد - رمانتیسم، که تأثیر زیادی بر باله داشت. در تلاش برای هوادارتر کردن رقص خود، نوازندگان سعی کردند روی نوک انگشتان خود بایستند، که منجر به اختراع کفش های پوینت شد. در آینده، تکنیک انگشتان رقص زن به طور فعال در حال توسعه است. اولین کسی که از رقص پوینت به عنوان وسیله ای برای بیان استفاده کرد ماریا تاگلیونی بود. رقصنده لباس های سنگین، کلاه گیس و آرایش ذاتی باله را رها کرد و فقط با یک لباس سبک متوسط ​​رقصید. باله La Sylphide در مارس 1832 در اپرای بزرگ پاریس به نمایش درآمد و آغاز دوران رمانتیسم باله بود. پس از آن بود که تاگلیونی کفش های توتو و پوینت باله را معرفی کرد. قبل از ماریا، بالرین های زیبا با تکنیک رقص و جذابیت زنانه خود تماشاگران را مجذوب خود می کردند. Taglioni، به هیچ وجه یک زیبایی، نوع جدیدی از بالرین را ایجاد کرد - روحانی و مرموز. در La Sylphide او تصویر یک موجود غیرزمینی را مجسم کرد که یک ایده آل، یک رویای دست نیافتنی زیبایی را نشان می دهد. تاگلیونی با یک لباس سفید روان، با جهش های سبک و یخ زدن روی نوک انگشتانش، اولین بالرینی شد که از کفش های پوینت استفاده کرد و آنها را به بخشی جدایی ناپذیر از باله کلاسیک تبدیل کرد. در این زمان، بسیاری از باله های شگفت انگیز ظاهر شدند، اما، متأسفانه، باله رمانتیک آخرین دوره شکوفایی هنر رقص در غرب شد. از نیمه دوم قرن نوزدهم، باله که اهمیت سابق خود را از دست داد، به ضمیمه ای برای اپرا تبدیل شد. تنها در دهه 30 قرن بیستم، تحت تأثیر باله روسی، احیای این هنر در اروپا آغاز شد.

2.2 باله روسی

بدون شک باله روسی برای قرن ها در تاریخ باقی خواهد ماند. مملو از نوابغ رقص، کلاسیک‌های باله، طراحان رقص و نئوکلاسیک‌ها، مدرن است، اما این موضوع کار ما نیست، بنابراین مهم‌ترین رویدادهایی را که «کلاسیک‌های» روسی را توسعه داده و آن را در جهان معرفی کرده‌اند، برجسته می‌کنیم.

اولین اجرای باله در روسیه، به گفته I. E. Zabelin، در ماسلنیتسا در 17 فوریه 1672 در دادگاه تزار الکسی میخایلوویچ در پرئوبراژنسکویه برگزار شد. رایتنفلز تاریخ این اجرا را به 8 فوریه 1675 می رساند. ساخت باله درباره اورفئوس توسط آهنگساز G. Schutz توسط نیکولای لیما کارگردانی شد. قبل از شروع اجرا، بازیگر نقش اورفئوس روی صحنه آمد و دوبیتی های آلمانی را خواند که توسط مترجم به تزار ترجمه شده بود و در آنها از خواص شگفت انگیز روح الکسی میخایلوویچ تجلیل شد. در این زمان، در دو طرف اورفئوس دو هرم با بنرهای تزئین شده و با نورهای چند رنگ روشن شده بود که پس از آواز اورفئوس شروع به رقصیدن کردند.

بعداً با فرمان خاص امپراتور پیتر کبیر، رقص جزء لاینفک آداب دربار شد. در دهه 1730. در سن پترزبورگ، در دربار آنا ایوانوونا، اجرای منظم نمایش های اپرا و باله برگزار می شد. صحنه های رقص در اپراها توسط طراحان رقص J. B. Lande و A. Rinaldi (ملقب به Fossano) طراحی شده است. جوانان نجیب مجبور به یادگیری رقص بودند، بنابراین در سن پترزبورگ رقص سالن رقص به یک رشته اجباری در سپاه کادت جنتری تبدیل شد. با افتتاح تئاتر تابستانی در باغ تابستانی و تئاتر زمستانی در بال کاخ زمستانی، کادت ها شروع به شرکت در رقص های باله می کنند. معلم رقص در سپاه ژان باپتیست لنده بود. او به خوبی درک می کرد که نجیب زادگان در آینده خود را وقف هنر باله نخواهند کرد، اگرچه آنها همراه با حرفه ای ها در باله می رقصیدند. لنده، مانند هیچ کس دیگری، نیاز به تئاتر باله روسی را نمی دید. در سپتامبر 1737، او دادخواستی را ارائه کرد که در آن توانست نیاز به ایجاد یک مدرسه ویژه جدید را توجیه کند که در آن دختران و پسران با منشأ ساده هنرهای رقص را یاد بگیرند. به زودی چنین اجازه ای داده شد. بنابراین در سال 1738، اولین مدرسه رقص باله در روسیه افتتاح شد (اکنون آکادمی باله روسی A. Ya. Vaganova). دوازده دختر و دوازده پسر لاغر اندام از میان خادمان کاخ انتخاب شدند که لنده شروع به آموزش آنها کرد. از سال 1743، دستمزد شاگردان سابق لنده به عنوان رقصنده باله شروع شد. مدرسه خیلی سریع توانست صحنه روسی را با رقصندگان عالی باله و تک نوازان باشکوه فراهم کند. اسامی بهترین دانش آموزان گروه اول در تاریخ باقی مانده است: آکسینیا سرگیوا، آودوتیا تیموفیوا، الیزاوتا زورینا، آفاناسی توپورکوف، آندری نستروف.

در آغاز قرن نوزدهم، هنر باله روسی به بلوغ خلاقانه رسید. رقصندگان روسی بیان و معنویت را به رقص آوردند.

باله در این زمان جایگاه ممتازی در میان سایر اشکال هنر نمایشی داشت. در تاریخ تئاتر باله ما، نام استادان خارجی که نقش مهمی در توسعه باله روسی داشتند، اغلب یافت می شود. اول از همه، اینها چارلز دیدلو، آرتور سن لئون و ماریوس پتیپا هستند. آنها به ایجاد مدرسه باله روسی کمک کردند. اما هنرمندان با استعداد روسی نیز این فرصت را دادند تا استعدادهای معلمان خود را آشکار کنند. این همواره بزرگترین طراحان رقص اروپا را به مسکو و سنت پترزبورگ جذب کرد. آنها در هیچ کجای جهان نتوانستند مانند روسیه با یک گروه بزرگ، با استعداد و آموزش دیده روبرو شوند. در اواسط قرن نوزدهم، رئالیسم وارد ادبیات و هنر روسیه شد. طراحان رقص با تب و تاب، اما بی فایده، تلاش کردند تا اجراهای واقع گرایانه خلق کنند. آنها در نظر نگرفتند که باله یک هنر متعارف است و رئالیسم در باله تفاوت قابل توجهی با رئالیسم در نقاشی و ادبیات دارد. بحران هنر باله آغاز شد. محتوای اجراها ابتدایی بود، توطئه های ساده فقط بهانه ای برای رقص های دیدنی بود که در آن هنرمندان مهارت های خود را نشان می دادند. برای رقصندگان، نکته اصلی اصلاح فرم و تکنیک رقص کلاسیک بود و در این امر به فضیلت دست یافتند. مرحله جدیدی در تاریخ باله روسیه زمانی آغاز شد که آهنگساز بزرگ روسی P. Tchaikovsky برای اولین بار موسیقی برای باله ساخت. دریاچه سوان بود. پیش از این موسیقی باله جدی گرفته نمی شد. این نوع خلاقیت موسیقایی پایین تری در نظر گرفته می شد، فقط همراهی با رقص. به لطف چایکوفسکی، موسیقی باله در کنار موسیقی اپرا و سمفونیک به یک هنر جدی تبدیل شد. قبلاً موسیقی کاملاً به رقص وابسته بود ، اکنون رقص باید تسلیم موسیقی می شد. ابزارهای جدید بیان و رویکرد جدیدی برای خلق یک اجرا مورد نیاز بود. توسعه بیشتر باله روسی با نام طراح رقص مسکو A. Gorsky همراه است که با کنار گذاشتن تکنیک های منسوخ پانتومیم ، از تکنیک های کارگردانی مدرن در اجرای باله استفاده کرد. او با اهمیت زیادی به طراحی زیبای اجرا، بهترین هنرمندان را به کار جذب کرد. اما اصلاح‌کننده واقعی هنر باله، میخائیل فوکین است که علیه ساخت سنتی اجرای باله شورش کرد. او استدلال می‌کرد که موضوع نمایش، موسیقی آن، و دوره‌ای که در آن اکشن اتفاق می‌افتد، نیاز به حرکات رقص متفاوت و الگوی رقص متفاوتی دارد. هنگام اجرای باله "شب های مصر"، فوکین از شعر V. Bryusov و نقاشی های مصر باستان الهام گرفت و تصاویر باله "Petrushka" از شعر A. بلوک. در باله Daphnis and Chloe، او رقص روی کفش های پوینت را کنار گذاشت و نقاشی های دیواری باستانی را با حرکات آزاد و انعطاف پذیر احیا کرد. شوپینیانای او فضای باله رمانتیک را زنده کرد.

...

اسناد مشابه

تاریخچه پیدایش و تکامل رقص سالن رقص دادگاه: پولونیز، کوادریل، گالوپ، پاس دو پاتینر ("پولکای مدرن")، پاس دو گریس، چاکون، کوتیلیون. مطالعه تاریخچه رقص سالن ورزشی در قرن بیستم: رقص های سالن رقص اروپایی و آمریکای لاتین.

کار دوره، اضافه شده در 10/27/2010


تاریخچه توسعه رقص به عنوان یک هنر کاملاً خاص. رقص یکی از مؤثرترین اشکال مراسم جادویی (مقدس) است. رقص جادویی دیروز و امروز، ژست ها و پوزیشن ها. نماد رقص. مفاد و مفاهیم اساسی. تاریخچه رقص شکم.

چکیده، اضافه شده در 2011/04/28


تاریخچه ایجاد گروه رقص محلی گرجستان. تکامل و اصلاح رقص گرجی، شخصیت ملی باله. گروه رقص محلی گرجستان در مرحله کنونی. گروه آهنگ و رقص محلی "Erissini" ملودی های چند صدایی گرجی.

چکیده، اضافه شده در 07/12/2010


تعریف رقص، جهت ها و انواع آن. شرح مختصری از مسیر خلاقانه رقصنده باله ایگور مویزف. رقص های محلی صحنه. ویژگی های نمایش رقص واقعیت. نقش رقص جادویی در رشد آکادمیک گرایی در کودکان

چکیده، اضافه شده در 04/08/2009


منشأ رقص شرقی به عنوان آمیختگی بدن انسان با موسیقی است. ارزیابی مقایسه ای سبک های مختلف رقص شکم: مصری، لبنانی، ترکی، فارسی، عربی، یونانی، آمریکایی. اجرای رقص با روسری و سنج و سابر.

تست، اضافه شده در 2012/04/28


پیش نیازها و دلایل ظهور رقص سالن رقص در روسیه، توسعه آن در خاک روسیه. رقص اتاق رقص مدرن به عنوان ترکیبی از ورزش و هنر. ویژگی های کار معلم با دسته های مختلف دانش آموزان. تاثیر رقص بر رشد شخصیت

کار دوره، اضافه شده در 2011/06/25


جاز به عنوان یک پدیده هنری توسعه رقص های جاز در دهه 30-50. قرن XX. انواع اصلی رقص جاز. توسعه جاز در دهه 60. ظهور رقص جاز-مدرن. معنی بداهه نوازی در رقص جاز. ماهیت و ویژگی های تکنیک رقص جاز.

چکیده، اضافه شده در 1391/05/16


رقص های کلاسیک، فولکلور، مشخصه، تاریخی، روزمره، سالن رقص و پاپ. ریشه های باله مدرن روسیه. حرفه ای کردن رقص محلی روسیه. ظهور رقص تئاتر در روسیه. آغاز آموزش رقص در روسیه.

چکیده، اضافه شده در 2015/04/20


باله و انواع رقص صحنه. ایجاد یک تصویر رقص روی صحنه. تکنیک ها و سبک های رقص قرن بیستم و اوایل قرن بیست و یکم، بر اساس رقص مدرن و پست مدرن آمریکایی و اروپایی شکل گرفت. رقص پلاستیکی رایگان.

ارائه، اضافه شده در 10/16/2014


رقص شمن به عنوان پیش نیاز برای ظهور رقص آلتای، تاریخچه توسعه آن. نقش گروه های فولکلور در انتقال سنت های ملی. تئاتر رقص "آلتام" به عنوان اولین گروه حرفه ای هنر رقص جمهوری آلتای.