La importancia de A. Ostrovsky en la historia de la literatura rusa. Alexander Nikolaevich Ostrovsky en el espejo de la crítica rusa, la importancia de la creatividad de Ostrovsky Obras similares a - El papel de Ostrovsky en la creación del repertorio nacional

Ostrovsky escribió para el teatro. Ésta es la peculiaridad de su talento. Las imágenes y cuadros de la vida que creó están destinados al escenario. Por eso el discurso de los héroes de Ostrovsky es tan importante, por eso sus obras suenan tan vívidas. No en vano Innokenty Annensky lo llamó realista auditivo. Sin poner sus obras en escena, era como si sus obras no estuvieran terminadas, razón por la cual Ostrovsky se tomó con tanta dureza la prohibición de sus obras por parte de la censura teatral. A la comedia "Seremos contados entre nosotros" se le permitió representar en el teatro sólo diez años después de que Pogodin logró publicarla en la revista.

Con un sentimiento de manifiesta satisfacción, A. N. Ostrovsky escribió el 3 de noviembre de 1878 a su amigo, el artista del Teatro de Alejandría A. F. Burdin: “Ya leí mi obra en Moscú cinco veces, entre los oyentes había gente hostil hacia mí, y eso es todo.” reconoció por unanimidad “La Dote” como la mejor de todas mis obras”. Ostrovsky vivía con la "Dote", a veces sólo sobre ella, su cuadragésima cosa consecutiva, dirigía "su atención y sus fuerzas", queriendo "terminarla" de la manera más cuidadosa. En septiembre de 1878 escribió a uno de sus conocidos: “Estoy trabajando en mi obra con todas mis fuerzas; Parece que no saldrá mal”. Ya un día después del estreno, el 12 de noviembre, Ostrovsky pudo aprender, y sin duda lo hizo, de Russkiye Vedomosti cómo logró “cansar a todo el público, incluso a los espectadores más ingenuos”. Porque ella, el público, claramente ha “superado” los espectáculos que él le ofrece. En los años setenta, la relación de Ostrovsky con la crítica, los teatros y el público se volvió cada vez más compleja. El período en el que disfrutó del reconocimiento universal, que ganó a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, fue reemplazado por otro, cada vez más creciente en diferentes círculos de enfriamiento hacia el dramaturgo.

La censura teatral era más estricta que la censura literaria. Esto no es un accidente. En esencia, el arte teatral es democrático; se dirige al público en general más directamente que la literatura. Ostrovsky en su “Nota sobre la situación del arte dramático en Rusia en la actualidad” (1881) escribió que “la poesía dramática está más cerca del pueblo que otras ramas de la literatura. Todas las demás obras están escritas para personas educadas, pero los dramas y las comedias están escritos para todo el pueblo; Los escritores dramáticos siempre deben recordar esto, deben ser claros y contundentes. Esta cercanía al pueblo no degrada en lo más mínimo la poesía dramática, sino que, por el contrario, duplica su fuerza y ​​evita que se vuelva vulgar y aplastada”. Ostrovsky habla en su “Nota” sobre cómo se expandió el público teatral en Rusia después de 1861. A un espectador nuevo, sin experiencia en arte, Ostrovsky le escribe: “La buena literatura todavía le resulta aburrida e incomprensible, la música también, sólo el teatro le proporciona un placer total, allí experimenta como un niño todo lo que sucede en el escenario, simpatiza con el bien. y reconoce el mal, claramente presentado." Para un público "fresco", escribió Ostrovsky, "se requiere un drama fuerte, una comedia importante, una risa provocativa, franca y fuerte, sentimientos ardientes y sinceros".

Es el teatro, según Ostrovsky, que tiene sus raíces en la farsa popular, el que tiene la capacidad de influir directa y fuertemente en el alma de las personas. Dos décadas y media después, Alexander Blok, hablando de poesía, escribirá que su esencia está principalmente en verdades “andantes”, en la capacidad del teatro para transmitirlas al corazón del lector:

¡Caminad, quejosos de luto!
Actores, dominen su oficio,
Para que de la verdad andante
¡Todos sintieron dolor y luz!

(“Balagán”, 1906)

La enorme importancia que Ostrovsky concedía al teatro, sus pensamientos sobre el arte teatral, sobre la posición del teatro en Rusia, sobre el destino de los actores, todo esto se reflejó en sus obras. Los contemporáneos percibieron a Ostrovsky como un sucesor del arte dramático de Gogol. Pero inmediatamente se notó la novedad de sus obras. Ya en 1851, en el artículo "Un sueño con motivo de una comedia", el joven crítico Boris Almazov señaló las diferencias entre Ostrovsky y Gogol. La originalidad de Ostrovsky radica no sólo en el hecho de que retrató no sólo a los opresores, sino también a sus víctimas, no sólo en el hecho de que, como escribió I. Annensky, Gogol fue principalmente un poeta de lo "visual" y Ostrovsky de lo "auditivo". impresiones.

La originalidad y la novedad de Ostrovsky se manifestaron en la elección del material de la vida, en el tema de la imagen: dominó nuevas capas de la realidad. Fue un pionero, un Colón no sólo de Zamoskvorechye, ¡a quien no vemos, cuyas voces no escuchamos en las obras de Ostrovsky! Innokenty Annensky escribió: “...Este es un virtuoso de las imágenes sonoras: comerciantes, vagabundos, trabajadores de fábricas y profesores de latín, tártaros, gitanos, actores y trabajadoras sexuales, bares, oficinistas y pequeños burócratas. Ostrovsky ofreció una enorme galería de discursos típicos. ...” Los actores, el entorno teatral, material vital demasiado nuevo que Ostrovsky dominaba, todo lo relacionado con el teatro le parecía muy importante.

En la vida del propio Ostrovsky, el teatro jugó un papel muy importante. Participó en la producción de sus obras, trabajó con los actores, fue amigo de muchos de ellos y mantuvo correspondencia con ellos. Puso mucho esfuerzo en defender los derechos de los actores, buscando la creación de una escuela de teatro y su propio repertorio en Rusia. Artista del Teatro Maly N.V. Rykalova recordó: Ostrovsky, “habiendo conocido mejor a la compañía, se convirtió en nuestro hombre. La compañía lo amaba mucho. Alexander Nikolaevich fue inusualmente cariñoso y cortés con todos. Bajo el régimen de servidumbre que reinaba en ese momento, cuando los superiores del artista decían "tú", cuando la mayoría de la compañía eran siervos, el comportamiento de Ostrovsky parecía a todos como una especie de revelación. Por lo general, el propio Alexander Nikolaevich puso en escena sus obras... Ostrovsky reunió una compañía y les leyó la obra. Podía leer con una habilidad asombrosa. Todos sus personajes parecían estar vivos... Ostrovsky conocía bien la vida interior, detrás de escena del teatro, oculta a los ojos del público. A partir de "El bosque" (1871), Ostrovsky desarrolla el tema del teatro, crea imágenes de actores, describe sus destinos; a esta obra le siguen "El comediante del siglo XVII" (1873), "Talentos y admiradores" (1881). , "Culpable sin culpa" (1883).

La posición de los actores en el teatro y su éxito dependían de si agradaban o no al rico público que marcaba el tono de la ciudad. Al fin y al cabo, las compañías provinciales vivían principalmente de las donaciones de los mecenas locales, que se sentían maestros del teatro y podían dictar sus condiciones. Muchas actrices vivían de los costosos obsequios de sus fans adinerados. La actriz, que cuidó su honor, pasó momentos difíciles. En "Talentos y admiradores", Ostrovsky describe esa situación de la vida. Domna Panteleevna, la madre de Sasha Negina, se lamenta: “¡Mi Sasha no tiene felicidad! Se mantiene con mucho cuidado, y no hay buena voluntad entre el público: ni regalos especiales, nada como los demás, que... si...".

Nina Smelskaya, que acepta de buena gana el patrocinio de fanáticos adinerados, convirtiéndose esencialmente en una mujer mantenida, vive mucho mejor y se siente mucho más segura en el teatro que la talentosa Negina. Pero a pesar de la vida difícil, la adversidad y los agravios, como los describe Ostrovsky, muchas personas que dedicaron su vida al escenario y al teatro conservan la bondad y la nobleza en el alma. En primer lugar, se trata de trágicos que en el escenario tienen que vivir en un mundo de grandes pasiones. Por supuesto, la nobleza y la generosidad de espíritu no se limitan a los trágicos. Ostrovsky demuestra que el talento genuino, el amor desinteresado por el arte y el teatro elevan y elevan a las personas. Estos son Narokov, Negina, Kruchinina.

En sus primeras historias románticas, Maxim Gorky expresó su actitud hacia la vida y las personas, su visión de la época. Los héroes de muchas de estas historias son los llamados vagabundos. El escritor los retrata como personas valientes y de corazón fuerte. Lo principal para ellos es la libertad, que los vagabundos, como todos nosotros, comprenden a su manera. Sueñan apasionadamente con una vida especial, lejos de la vida cotidiana. Pero no pueden encontrarla, así que deambulan, beben hasta morir y se suicidan. Una de estas personas aparece representada en el cuento "Chelkash". Chelkash - “un viejo lobo envenenado, muy conocido por los habaneros, un ávido borracho y yo

En la poesía de Fet, el sentimiento de amor está tejido a partir de contradicciones: no es sólo alegría, sino también tormento y sufrimiento. En las "Canciones de amor" de Fetov, el poeta se entrega por completo al sentimiento de amor, a la embriaguez de la belleza de la mujer que ama, que en sí misma trae felicidad, en la que incluso las experiencias tristes constituyen una gran dicha. Desde las profundidades de la existencia mundial, crece el amor, que se convirtió en el tema de inspiración de Fet. La esfera más íntima del alma del poeta es el amor. En sus poemas puso varios matices de sentimientos amorosos: no solo amor brillante, admiración por la belleza, admiración, deleite, felicidad de la reciprocidad, sino también

A finales de los años 90 del siglo XIX, el lector quedó asombrado por la aparición de tres volúmenes de "Ensayos e historias" de un nuevo escritor: M. Gorky. “Gran y original talento”, fue el juicio general sobre el nuevo escritor y sus libros. El creciente descontento en la sociedad y la expectativa de cambios decisivos provocaron un aumento de las tendencias románticas en la literatura. Estas tendencias se reflejaron con especial claridad en la obra del joven Gorki, en historias como "Chelkash", "La anciana Izergil", "Makar Chudra" y en canciones revolucionarias. Los héroes de estas historias son personas “con el sol en la sangre”, fuertes, orgullosas, hermosas. Estos héroes son el sueño de Gorkog.

Hace más de cien años, en una pequeña ciudad de provincias de Dinamarca, Odense, en la isla de Fionia, tuvieron lugar acontecimientos extraordinarios. Las tranquilas y ligeramente somnolientas calles de Odense se llenaron de repente con los sonidos de la música. Una procesión de artesanos con antorchas y pancartas desfiló frente al antiguo ayuntamiento brillantemente iluminado, saludando al hombre alto de ojos azules que estaba parado junto a la ventana. ¿En honor de quién encendieron sus hogueras los habitantes de Odense en septiembre de 1869? Se trataba de Hans Christian Andersen, que recientemente había sido elegido ciudadano honorario de su ciudad natal. En honor a Andersen, sus compatriotas cantaron la hazaña heroica de un hombre y escritor,

¿Cuál es el mérito de A.N. ¿Ostrovsky? ¿Por qué, según I.A. Goncharov, sólo después de Ostrovsky pudimos decir que tenemos nuestro propio teatro nacional ruso? (Consulte el epígrafe de la lección)

Sí, hubo "El menor", "Ay de Wit", "El inspector general", hubo obras de Turgenev, A.K. Tolstoi, Sukhovo-Kobylin, ¡pero no fueron suficientes! La mayor parte del repertorio de los teatros consistía en vodeviles vacíos y melodramas traducidos. Con la llegada de Alexander Nikolaevich Ostrovsky, que dedicó todo su talento exclusivamente al teatro, el repertorio de los teatros cambió cualitativamente. Sólo él escribió tantas obras como todos los clásicos rusos juntos: ¡unas cincuenta! Cada temporada, durante más de treinta años, los teatros presentaban una nueva obra, ¡o incluso dos! ¡Ahora había algo que jugar!

Surgió una nueva escuela de actuación, apareció una nueva estética teatral, apareció el Teatro Ostrovsky, que pasó a ser propiedad de toda la cultura rusa.

¿Qué determinó la atención de Ostrovsky hacia el teatro? El propio dramaturgo respondió así a esta pregunta: “La poesía dramática está más cerca del pueblo que todas las demás ramas de la literatura. Todas las demás obras están escritas para gente educada, pero los dramas y las comedias están escritos para todo el pueblo...” Escribir para el pueblo, despertar su conciencia, moldear su gusto es una tarea responsable. Y Ostrovsky la tomó en serio. Si no hay un teatro ejemplar, el público común puede confundir las operetas y los melodramas, que irritan la curiosidad y la sensibilidad, con el verdadero arte”.

Entonces, observemos los principales servicios de A.N Ostrovsky al teatro ruso.

1) Ostrovsky creó el repertorio teatral. Escribió 47 obras originales y 7 obras en colaboración con autores jóvenes. Ostrovsky tradujo veinte obras del italiano, inglés y francés.

2) No menos importante es la diversidad de géneros de su dramaturgia: se trata de "escenas e imágenes" de la vida en Moscú, crónicas dramáticas, dramas, comedias, el cuento de hadas de primavera "La doncella de las nieves".

3) En sus obras, el dramaturgo representó diversas clases, personajes, profesiones, creó 547 personajes, desde el rey hasta el camarero de la taberna, con sus personajes, hábitos y discurso únicos inherentes.

4) Las obras de Ostrovsky cubren un enorme período histórico: del siglo XVII al XIX.

5) La acción de las obras se desarrolla en las fincas de los terratenientes, en las posadas y en las orillas del Volga. En los bulevares y en las calles de las ciudades del condado.

6) Los héroes de Ostrovsky, y esto es lo principal, son personajes vivos con sus propias características, modales, con su propio destino, con un lenguaje vivo exclusivo de este héroe.

Ha pasado un siglo y medio desde que se representó la primera representación (enero de 1853; "No te subas a tu propio trineo"), y el nombre del dramaturgo permanece en los carteles de las representaciones teatrales que se representan en muchos escenarios de todo el mundo;

El interés por Ostrovsky es especialmente agudo en tiempos difíciles, cuando una persona busca respuestas a las preguntas más importantes de la vida: ¿qué nos está pasando? ¿Por qué? ¿Cómo somos? Quizás sea precisamente en esos momentos cuando una persona carece de emociones, pasiones y una sensación de plenitud de vida. Y todavía necesitamos lo que escribió Ostrovsky: "Y un profundo suspiro para todo el teatro, y lágrimas cálidas no fingidas, discursos apasionados que se derramarían directamente en el alma".

La vida literaria de Rusia se conmovió cuando aparecieron las primeras obras de Ostrovsky: primero en la lectura, luego en las publicaciones de revistas y, finalmente, en el escenario. Quizás el mayor y más profundo legado crítico dedicado a su dramaturgia lo dejó Ap.A. Grigoriev, amigo y admirador de la obra del escritor, y N.A. Dobrolyubov. El artículo de Dobrolyubov "Un rayo de luz en un reino oscuro" sobre el drama "La tormenta" se ha vuelto muy conocido y un libro de texto.

Pasemos a las estimaciones de Ap.A. Grigorieva. Un artículo ampliado titulado “Después de “La tormenta” de Ostrovsky”. Cartas a Ivan Sergeevich Turgenev” (1860), contradice en gran medida la opinión de Dobrolyubov y polemiza con él. El desacuerdo era fundamental: los dos críticos tenían diferentes interpretaciones de la nacionalidad en la literatura. Grigoriev consideraba que la nacionalidad no era tanto un reflejo de la creatividad artística de la vida de las masas trabajadoras, como Dobrolyubov, sino una expresión del espíritu general del pueblo, independientemente de su posición y clase. Desde el punto de vista de Grigoriev, Dobrolyubov reduce los complejos temas de las obras de Ostrovsky a denunciar la tiranía y el "reino oscuro" en general, y asigna al dramaturgo sólo el papel de un satírico-acusador. Pero no el "humor maligno de un satírico", sino la "verdad ingenua de un poeta popular": esta es la fuerza del talento de Ostrovsky, como lo ve Grigoriev. Grigoriev llama a Ostrovsky "un poeta que juega en todos los modos de la vida popular". “El nombre de este escritor, de un escritor tan grande, a pesar de sus defectos, no es el de un satírico, sino el de un poeta popular”, esta es la tesis principal de Ap.A. Grigoriev en polémica con N.A. Dobrolyubov.

El tercer cargo, que no coincide con los dos mencionados, lo ocupó D.I. Písarev. En el artículo "Los motivos del drama ruso" (1864), niega por completo todo lo positivo y brillante que A.A. Grigoriev y N.A. Dobrolyubov fue visto en la imagen de Katerina en "The Thunderstorm". El "realista" Pisarev tiene una opinión diferente: la vida rusa "no contiene ninguna tendencia a una renovación independiente", y sólo personas como V.G. Belinsky, el tipo que apareció en la imagen de Bazarov en "Padres e hijos" de I.S. Turguénev. La oscuridad del mundo artístico de Ostrovsky es desesperada.

Finalmente, detengámonos en la posición del dramaturgo y figura pública A.N. Ostrovsky en el contexto de la lucha en la literatura rusa entre las corrientes ideológicas del pensamiento social ruso: el eslavofilismo y el occidentalismo. La época de la colaboración de Ostrovsky con la revista "Moskvityanin" de M.P. Pogodin se asocia a menudo con sus opiniones eslavófilas. Pero el escritor fue mucho más amplio que estas posiciones. Alguien escuchó una declaración de este período, cuando desde su Zamoskvorechye miró al Kremlin en la orilla opuesta y dijo: "¿Por qué se construyeron estas pagodas aquí?" (parecería claramente “occidental”) tampoco reflejaba de ninguna manera sus verdaderas aspiraciones. Ostrovsky no era ni occidental ni eslavófilo. El poderoso y original talento popular del dramaturgo floreció durante el período de formación y ascenso del arte realista ruso. El genio de P.I. Chaikovski; surgió a finales de los años 1850-1860 XIX comunidad creativa del siglo XIX de compositores rusos “The Mighty Handful”; La pintura realista rusa floreció: crearon I.E. Repin, V.G. Perov, I. N. Kramskoy y otros artistas importantes: así de intensa fue la vida en el arte visual y musical de la segunda mitad, rica en talentos. XIX siglos. El retrato de A. N. Ostrovsky pertenece al pincel de V. G. Perov, N. A. Rimsky-Korsakov crea una ópera basada en el cuento de hadas "La doncella de las nieves". UN. Ostrovsky entró de forma natural y plena en el mundo del arte ruso.

En cuanto al teatro en sí, el propio dramaturgo, valorando la vida artística de la década de 1840, la época de sus primeras búsquedas literarias, habla de una gran variedad de tendencias ideológicas e intereses artísticos, una variedad de círculos, pero señala que todos estaban unidos por una locura común por el teatro. Los escritores de la década de 1840 que pertenecían a la escuela natural, escritores de la vida cotidiana y ensayistas (la primera colección de la escuela natural se llamó "Fisiología de San Petersburgo", 1844-1845) incluyeron un artículo de V.G. Belinsky "Teatro Alexandrinsky". El teatro era percibido como un lugar donde las clases de la sociedad chocaban “para verse bien unos a otros”. Y este teatro esperaba un dramaturgo de tal calibre, que se manifestó en A.N. Ostrovsky. La importancia de la obra de Ostrovsky para la literatura rusa es extremadamente grande: fue verdaderamente el sucesor de la tradición de Gogol y el fundador de un nuevo teatro nacional ruso, sin el cual el surgimiento de la dramaturgia de A.P. habría sido imposible. Chéjov. La segunda mitad del siglo XIX en la literatura europea no produjo un solo dramaturgo comparable en escala a A. N. Ostrovsky. El desarrollo de la literatura europea se desarrolló de manera diferente. El romanticismo francés de W. Hugo, George Sand, el realismo crítico de Stendhal, P. Mérimée, O. de Balzac, luego la obra de G. Flaubert, el realismo crítico inglés de C. Dickens, W. Thackeray, C. Brontë allanó el camino no para el drama, sino para la épica, en primer lugar: la novela y (no tan notablemente) la letra. Los temas, personajes, tramas, descripción del carácter ruso y la vida rusa en las obras de Ostrovsky son tan únicos a nivel nacional, tan comprensibles y en sintonía con el lector y espectador ruso que el dramaturgo no tuvo tanta influencia en el proceso literario mundial como Chéjov más tarde. hizo. Y en muchos sentidos la razón de esto fue el lenguaje de las obras de Ostrovsky: resultó imposible traducirlas, preservando la esencia del original, para transmitir eso especial y especial que fascina al espectador.

Fuente (abreviada): Michalskaya, A.K. Literatura: Nivel básico: 10º grado. A las 14 h. Parte 1: estudio. subsidio / A.K. Mikhalskaya, O.N. Zaitseva. - M.: Avutarda, 2018

Composición

El dramaturgo casi no planteó problemas políticos y filosóficos en su obra, expresiones faciales y gestos, al reproducir los detalles de sus trajes y muebles cotidianos. Para realzar los efectos cómicos, el dramaturgo solía introducir en la trama a personajes menores (parientes, sirvientes, parásitos, transeúntes al azar) y circunstancias incidentales de la vida cotidiana. Tales son, por ejemplo, el séquito de Khlynov y el caballero del bigote en "Corazón cálido", o Apolo Murzavetsky con su Tamerlán en la comedia "Lobos y ovejas", o el actor Schastlivtsev con Neschastlivtsev y Paratov en "El bosque" y " Dote”, etc. El dramaturgo continuó esforzándose por revelar los personajes de los personajes no solo en el curso de los acontecimientos, sino también a través de las peculiaridades de sus diálogos cotidianos, diálogos “caracterológicos”, que dominó estéticamente en “Su pueblo”. .”.

Así, en el nuevo período de creatividad, Ostrovsky emerge como un maestro establecido, que posee un sistema completo de arte dramático. Su fama y sus conexiones sociales y teatrales siguen creciendo y volviéndose más complejas. La gran abundancia de obras creadas en el nuevo período fue el resultado de una demanda cada vez mayor de las obras de Ostrovsky por parte de revistas y teatros. Durante estos años, el dramaturgo no solo trabajó incansablemente, sino que también encontró la fuerza para ayudar a los escritores novatos y menos talentosos y, en ocasiones, participar activamente con ellos en su trabajo. Así, en colaboración creativa con Ostrovsky, N. Solovyov escribió varias obras (las mejores son "Las bodas de Belugin" y "Savage"), así como P. Nevezhin.

Al promover constantemente la producción de sus obras en los escenarios de los teatros de Moscú Maly y San Petersburgo de Alejandría, Ostrovsky conocía muy bien el estado de los asuntos teatrales, que estaban principalmente bajo la jurisdicción del aparato estatal burocrático, y era amargamente consciente de su deficiencias evidentes. Vio que no retrataba a la intelectualidad noble y burguesa en sus búsquedas ideológicas, como lo hacían Herzen, Turgenev y, en parte, Goncharov. En sus obras, mostró la vida social cotidiana de los representantes ordinarios de los comerciantes, burócratas y nobles, una vida donde los conflictos personales, particularmente amorosos, revelaban choques de intereses familiares, monetarios y de propiedad.

Pero la conciencia ideológica y artística de Ostrovsky de estos aspectos de la vida rusa tenía un profundo significado histórico-nacional. A través de las relaciones cotidianas de aquellas personas que eran dueñas y dueños de la vida, se revelaba su condición social general. Así como, según la acertada observación de Chernyshevsky, el comportamiento cobarde del joven liberal, el héroe de la historia de Turgenev "Asya", en una cita con una chica fue un "síntoma de la enfermedad" de todo liberalismo noble, su debilidad política, así La tiranía cotidiana y la depredación de comerciantes, funcionarios y nobles parecían un síntoma de una enfermedad más terrible: su total incapacidad para, al menos de alguna manera, dar a sus actividades un significado nacional y progresista.

Esto era bastante natural y lógico en el período anterior a las reformas. Entonces la tiranía, la arrogancia y la depredación de los Voltov, Vyshnevsky y Ulanbekov fueron una manifestación del “reino oscuro” de la servidumbre, ya condenado a ser eliminado. Y Dobrolyubov señaló correctamente que, aunque la comedia de Ostrovsky "no puede proporcionar la clave para explicar muchos de los amargos fenómenos representados en ella", "puede sugerir fácilmente muchas consideraciones análogas relacionadas con la vida cotidiana que no conciernen directamente". Y el crítico explica esto por el hecho de que los "tipos" de tiranos propuestos por Ostrovsky "a menudo contienen no sólo rasgos exclusivamente mercantiles o burocráticos, sino también nacionales (es decir, nacionales)". En otras palabras, las obras de Ostrovsky de 1840-1860. expuso indirectamente todos los “reinos oscuros” del sistema de servidumbre autocrático.

En las décadas posteriores a las reformas, la situación cambió. Luego “todo se puso patas arriba” y un nuevo sistema burgués de vida ruso comenzó a “encajar” gradualmente. Y la cuestión de cómo “encajaba” exactamente este nuevo sistema y en qué medida la nueva clase dominante, la burguesía rusa. , podría participar en la lucha por la destrucción de los restos del "reino oscuro" de la servidumbre y de todo el sistema autocrático de terratenientes.

Casi veinte nuevas obras de Ostrovsky sobre temas modernos dieron una respuesta claramente negativa a esta pregunta fatal. El dramaturgo, como antes, describió el mundo de las relaciones privadas sociales, domésticas, familiares y de propiedad. No todo estaba claro para él acerca de las tendencias generales de su desarrollo, y su "lira" a veces no emitía los "sonidos correctos" a este respecto. Pero, en general, las obras de Ostrovsky contenían una cierta orientación objetiva. Expusieron tanto los restos del antiguo “reino oscuro” del despotismo como el nuevo “reino oscuro” emergente de la depredación burguesa, la fiebre del dinero y la muerte de todos los valores morales en una atmósfera de compra y venta general. Demostraron que los empresarios e industriales rusos no son capaces de alcanzar el nivel de conciencia de los intereses del desarrollo nacional, que algunos de ellos, como Khlynov y Akhov, sólo son capaces de entregarse a placeres crudos, otros, como Knurov y Berkutov , sólo pueden subyugar todo lo que les rodea con sus intereses depredadores y “lobunos”, y para otros, como Vasilkov o Frol Pribytkov, los intereses de lucro sólo están encubiertos por la decencia externa y exigencias culturales muy estrechas. Las obras de Ostrovsky, además de los planes e intenciones de su autor, esbozaron objetivamente una cierta perspectiva del desarrollo nacional: la perspectiva de la inevitable destrucción de todos los restos del antiguo "reino oscuro" del despotismo autocrático y servidumbre, no sólo sin la participación. de la burguesía, no sólo sobre su cabeza, sino junto con la destrucción de su propio "reino oscuro" depredador

La realidad representada en las obras cotidianas de Ostrovsky era una forma de vida desprovista de contenido nacionalmente progresista y, por lo tanto, revelaba fácilmente una inconsistencia cómica interna. Ostrovsky dedicó su destacado talento dramático a su divulgación. Basándose en la tradición de las comedias e historias realistas de Gogol, reconstruyéndolas de acuerdo con las nuevas exigencias estéticas propuestas por la "escuela natural" de la década de 1840 y formuladas por Belinsky y Herzen, Ostrovsky rastreó la inconsistencia cómica de la vida social y cotidiana de los estratos dominantes de la sociedad rusa, ahondando en los “detalles del mundo”, examinando hilo por hilo la “red de relaciones cotidianas”. Este fue el principal logro del nuevo estilo dramático creado por Ostrovsky.

En relación con el 35 aniversario de la actividad de Ostrovsky, Goncharov le escribió: “Tú solo construyeste el edificio, cuyos cimientos fueron puestos por Fonvizin, Griboyedov y Gogol. Pero sólo después de eso podremos nosotros, los rusos, decir con orgullo: "Tenemos nuestro propio teatro nacional ruso". Para ser justos, debería llamarse "Teatro Ostrovsky".

El papel desempeñado por Ostrovsky en el desarrollo del teatro y la dramaturgia rusos bien puede compararse con la importancia que tuvo Shakespeare para la cultura inglesa y Moliere para la cultura francesa. Ostrovsky cambió la naturaleza del repertorio teatral ruso, resumió todo lo que se había hecho antes que él y abrió nuevos caminos para la dramaturgia. Su influencia en el arte teatral fue extremadamente grande. Esto se aplica especialmente al Teatro Maly de Moscú, que tradicionalmente también se llama Casa Ostrovsky. Gracias a numerosas obras del gran dramaturgo, que estableció las tradiciones del realismo en el escenario, se desarrolló aún más la escuela nacional de actuación. Toda una galaxia de maravillosos actores rusos, basados ​​en las obras de Ostrovsky, pudieron demostrar claramente su talento único y establecer la originalidad del arte teatral ruso.

En el centro de la dramaturgia de Ostrovsky se encuentra un problema que ha atravesado toda la literatura clásica rusa: el conflicto de una persona con las condiciones de vida desfavorables que se le oponen, las diversas fuerzas del mal; afirmación del derecho del individuo al desarrollo libre e integral. Un amplio panorama de la vida rusa se revela a los lectores y espectadores de las obras del gran dramaturgo. Se trata, en esencia, de una enciclopedia de la vida y costumbres de toda una época histórica. Comerciantes, funcionarios, terratenientes, campesinos, generales, actores, hombres de negocios, casamenteros, hombres de negocios, estudiantes: varios cientos de personajes creados por Ostrovsky dieron una idea completa de la realidad rusa de los años 40-80. en toda su complejidad, diversidad e inconsistencia.

Ostrovsky, que creó toda una galería de maravillosas imágenes femeninas, continuó esa noble tradición que ya había quedado definida en los clásicos rusos. El dramaturgo exalta las naturalezas fuertes e integrales, que en algunos casos resultan moralmente superiores al héroe débil e inseguro. Estos son Katerina ("La tormenta"), Nadya ("La pupila"), Kruchinina ("Culpable sin culpa"), Natalya ("Pan de trabajo"), etc.

Reflexionando sobre la singularidad del arte dramático ruso, sobre su base democrática, Ostrovsky escribió: "Los escritores populares quieren probar suerte frente a un público nuevo, cuyos nervios no son muy flexibles, lo que requiere un drama fuerte, una gran comedia y provocación". Gran risa franca y ruidosa, sentimientos ardientes y sinceros, personajes vivaces y fuertes”. Esencialmente ésta es una característica de los propios principios creativos de Ostrovsky.

La dramaturgia del autor de "La tormenta" se distingue por la diversidad de géneros, una combinación de elementos trágicos y cómicos, cotidianos y grotescos, ridículos y líricos. A veces sus obras son difíciles de clasificar en un género específico. No escribió tanto drama o comedia, sino más bien “obras de la vida”, según la acertada definición de Dobrolyubov. La acción de sus obras se desarrolla a menudo en un amplio espacio habitable. El ruido y la charla de la vida entran en acción y se convierten en uno de los factores que determinan la escala de los acontecimientos. Los conflictos familiares se convierten en conflictos públicos. Material del sitio

La habilidad del dramaturgo se manifiesta en la precisión de las características sociales y psicológicas, en el arte del diálogo, en un discurso popular preciso y animado. El lenguaje de los personajes se convierte en uno de sus principales medios de creación de imagen, una herramienta de tipificación realista.

Ostrovsky, excelente conocedor del arte popular oral, hizo un amplio uso de las tradiciones folclóricas, el tesoro más rico de sabiduría popular. Una canción puede sustituir a un monólogo, un proverbio o un dicho puede convertirse en el título de una obra de teatro.

La experiencia creativa de Ostrovsky tuvo un tremendo impacto en el desarrollo posterior del drama y el arte teatral ruso. V. I. Nemirovich-Danchenko y K. S. Stanislavsky, los fundadores del Teatro de Arte de Moscú, buscaron crear "un teatro popular con aproximadamente las mismas tareas y planes que soñó Ostrovsky". La espectacular innovación de Chéjov y Gorki habría sido imposible sin su dominio de las mejores tradiciones de su notable predecesor.

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