Pintura de Francia: Renacimiento del Norte. Cultura del Renacimiento Historia del arte del Renacimiento francés

El Renacimiento es un fenómeno fenomenal en la historia de la humanidad. Nunca más se había producido un estallido tan brillante en el campo del arte. Escultores, arquitectos y artistas del Renacimiento (su lista es larga, pero tocaremos los más famosos), cuyos nombres son conocidos por todos, dieron al mundo personas únicas y excepcionales de valor incalculable que se mostraron no en un campo, sino en varios. inmediatamente.

Pintura del Renacimiento temprano

La era del Renacimiento tiene un marco temporal relativo. Comenzó por primera vez en Italia: 1420-1500. En esta época la pintura y todo el arte en general no dista mucho del pasado reciente. Sin embargo, por primera vez empiezan a aparecer elementos tomados de la antigüedad clásica. Y sólo en los años siguientes los escultores, arquitectos y artistas del Renacimiento (cuya lista es muy larga), bajo la influencia de las condiciones de vida modernas y las tendencias progresistas, finalmente abandonaron los cimientos medievales. Adoptan audazmente los mejores ejemplos del arte antiguo para sus obras, tanto en general como en detalles individuales. Sus nombres son conocidos por muchos; centrémonos en las personalidades más destacadas.

Masaccio: el genio de la pintura europea

Fue él quien hizo una gran contribución al desarrollo de la pintura, convirtiéndose en un gran reformador. El maestro florentino nació en 1401 en una familia de artesanos artísticos, por lo que llevaba en la sangre el sentido del gusto y el deseo de crear. A los 16-17 años se trasladó a Florencia, donde trabajó en talleres. Donatello y Brunelleschi, grandes escultores y arquitectos, son considerados con razón sus maestros. La comunicación con ellos y las habilidades adoptadas no pudieron dejar de afectar al joven pintor. Desde el principio, Masaccio tomó prestada una nueva comprensión de la personalidad humana, característica de la escultura. El segundo maestro tiene lo básico. Los investigadores consideran que el “Tríptico de San Giovenale” (en la primera foto), descubierto en una pequeña iglesia cerca del pueblo donde nació Masaccio, es la primera obra fiable. La obra principal son los frescos dedicados a la historia de vida de San Pedro. El artista participó en la creación de seis de ellos, a saber: "El milagro de Statir", "Expulsión del paraíso", "Bautismo de los neófitos", "Reparto de bienes y muerte de Ananías", "Resurrección del hijo de Teófilo". ”, “San Pedro cura a los enfermos con su sombra” y “San Pedro en el púlpito”.

Los artistas italianos del Renacimiento fueron personas que se dedicaron por completo al arte, sin prestar atención a los problemas cotidianos, lo que en ocasiones los llevó a una existencia pobre. Masaccio no es una excepción: el genial maestro murió muy temprano, entre los 27 y 28 años, dejando grandes obras y un gran número de deudas.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Este es un representante de la escuela de pintores de Padua. Recibió los conceptos básicos de su oficio de su padre adoptivo. El estilo se formó bajo la influencia de las obras de Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello y la pintura veneciana. Esto determinó la actitud algo dura y dura de Andrea Mantegna en comparación con los florentinos. Fue coleccionista y conocedor de obras culturales de la época antigua. Gracias a su estilo, como ningún otro, se hizo famoso como innovador. Sus obras más famosas: “Cristo muerto”, “Triunfo de César”, “Judit”, “Batalla de las deidades del mar”, “Parnaso” (en la foto), etc. Desde 1460 hasta su muerte trabajó como pintor de cámara de los duques de Gonzaga.

Sandro Botticelli(1445-1510)

Botticelli es un seudónimo, su verdadero nombre es Filipepi. No eligió de inmediato el camino del artista, sino que inicialmente estudió joyería. En sus primeras obras independientes (varias “Madonnas”) se puede sentir la influencia de Masaccio y Lippi. Más tarde también se hizo un nombre como retratista; la mayor parte de los encargos procedían de Florencia. El carácter refinado y sofisticado de sus obras con elementos de estilización (generalización de imágenes utilizando técnicas convencionales: simplicidad de forma, color, volumen) lo distingue de otros maestros de la época. Contemporáneo de Leonardo da Vinci y del joven Miguel Ángel, dejó una huella brillante en el arte mundial (“El nacimiento de Venus” (foto), “Primavera”, “Adoración de los Magos”, “Venus y Marte”, “Navidad” , etc.). Su pintura es sincera y sensible, y el camino de su vida es complejo y trágico. La percepción romántica del mundo a una edad temprana dio paso al misticismo y la exaltación religiosa en la edad adulta. Los últimos años de su vida Sandro Botticelli los vivió en la pobreza y el olvido.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Pintor italiano y otro representante del primer Renacimiento, originario de Toscana. El estilo del autor se formó bajo la influencia de la escuela de pintura florentina. Además de su talento como artista, Piero della Francesca tenía habilidades sobresalientes en el campo de las matemáticas, a las que dedicó los últimos años de su vida, tratando de conectarlas con el alto arte. El resultado fueron dos tratados científicos: "Sobre la perspectiva en la pintura" y "El libro de los cinco cuerpos regulares". Su estilo se distingue por la solemnidad, la armonía y la nobleza de las imágenes, el equilibrio compositivo, las líneas y la construcción precisas y una suave gama de colores. Piero della Francesca tenía un conocimiento asombroso del aspecto técnico de la pintura y de las peculiaridades de la perspectiva de la época, lo que le valió una gran autoridad entre sus contemporáneos. Las obras más famosas: “La Historia de la Reina de Saba”, “La Flagelación de Cristo” (en la foto), “Altar de Montefeltro”, etc.

pintura del alto renacimiento

Si el Protorrenacimiento y la era temprana duraron casi un siglo y medio y un siglo, respectivamente, entonces este período cubre sólo unas pocas décadas (en Italia, de 1500 a 1527). Fue un destello brillante y deslumbrante que le dio al mundo toda una galaxia de personas grandes, versátiles y brillantes. Todas las ramas del arte iban de la mano, por lo que muchos maestros fueron también científicos, escultores, inventores y no sólo artistas del Renacimiento. La lista es larga, pero el apogeo del Renacimiento estuvo marcado por la obra de L. da Vinci, M. Buanarotti y R. Santi.

El extraordinario genio de Da Vinci

Quizás esta sea la personalidad más extraordinaria y destacada en la historia de la cultura artística mundial. Era un hombre universal en el pleno sentido de la palabra y poseía los conocimientos y talentos más versátiles. Artista, escultor, teórico del arte, matemático, arquitecto, anatomista, astrónomo, físico e ingeniero: todo esto gira en torno a él. Además, en cada una de las áreas, Leonardo da Vinci (1452-1519) demostró ser un innovador. Sólo 15 de sus pinturas, así como muchos bocetos, han sobrevivido hasta el día de hoy. Poseedor de una asombrosa energía vital y una sed de conocimiento, estaba impaciente y fascinado por el proceso de aprendizaje en sí. Desde muy joven (20 años) obtuvo el título de maestro del Gremio de San Lucas. Sus obras más importantes fueron el fresco "La Última Cena", las pinturas "Mona Lisa", "Benois Madonna" (en la foto de arriba), "La dama del armiño", etc.

Los retratos de artistas del Renacimiento son raros. Preferían dejar sus imágenes en cuadros con muchos rostros. Así, la controversia en torno al autorretrato de Da Vinci (en la foto) continúa hasta el día de hoy. Hay versiones de que lo hizo a los 60 años. Según el biógrafo, artista y escritor Vasari, el gran maestro murió en brazos de su íntimo amigo el rey Francisco I en su castillo de Clos-Lucé.

Rafael Santi (1483-1520)

Artista y arquitecto originario de Urbino. Su nombre en el arte está invariablemente asociado a la idea de belleza sublime y armonía natural. En una vida bastante corta (37 años), creó muchas pinturas, frescos y retratos de fama mundial. Los temas que retrató fueron muy diversos, pero siempre le atrajo la imagen de la Madre de Dios. Con toda razón, a Rafael se le llama el "maestro de las Madonnas", especialmente las que pintó en Roma. Trabajó en el Vaticano desde 1508 hasta el final de su vida como artista oficial de la corte papal.

Rafael, muy dotado, como muchos otros grandes artistas del Renacimiento, fue también arquitecto y también excavador arqueológico. Según una versión, la última afición está directamente relacionada con la muerte prematura. Presumiblemente contrajo fiebre romana durante las excavaciones. El gran maestro fue enterrado en el Panteón. La foto es su autorretrato.

Miguel Ángel Buoanarroti (1475-1564)

El hombre alto de 70 años era brillante; dejó a sus descendientes creaciones imperecederas no sólo de pintura, sino también de escultura. Como otros grandes artistas del Renacimiento, Miguel Ángel vivió en una época llena de acontecimientos históricos y agitación. Su arte es una maravillosa nota final de todo el Renacimiento.

El maestro antepuso la escultura a todas las demás artes, pero por voluntad del destino se convirtió en un destacado pintor y arquitecto. Su obra más ambiciosa y extraordinaria es la pintura (en la foto) en el palacio del Vaticano. El área del fresco supera los 600 metros cuadrados y contiene 300 figuras humanas. La más impresionante y familiar es la escena del Juicio Final.

Los artistas del Renacimiento italiano tenían talentos multifacéticos. Entonces, pocas personas saben que Miguel Ángel también fue un excelente poeta. Esta faceta de su genio se manifestó plenamente hacia el final de su vida. Hasta el día de hoy han sobrevivido unos 300 poemas.

Pintura del Renacimiento tardío

El período final cubre el período de 1530 a 1590-1620. Según la Enciclopedia Británica, el Renacimiento como período histórico terminó con la caída de Roma en 1527. Casi al mismo tiempo, triunfó la Contrarreforma en el sur de Europa. El movimiento católico miró con cautela cualquier librepensamiento, incluida la glorificación de la belleza del cuerpo humano y la resurrección del arte de la antigüedad, es decir, todo lo que fue los pilares del Renacimiento. Esto resultó en un movimiento especial: el manierismo, caracterizado por la pérdida de la armonía entre lo espiritual y lo físico, el hombre y la naturaleza. Pero incluso durante este período difícil, algunos artistas famosos del Renacimiento crearon sus obras maestras. Entre ellos se encuentran Antonio da Correggio (considerado el fundador del clasicismo y el paladianismo) y Tiziano.

Tiziano Vecelio (1488-1490 - 1676)

Se le considera, con razón, un titán del Renacimiento, junto con Miguel Ángel, Rafael y da Vinci. Incluso antes de cumplir 30 años, Tiziano se ganó la reputación de “rey de pintores y pintor de reyes”. El artista pintó principalmente cuadros sobre temas mitológicos y bíblicos, además se hizo famoso como un excelente retratista. Los contemporáneos creían que ser capturado por el pincel de un gran maestro significaba ganar la inmortalidad. Y esto es cierto. Las órdenes a Tiziano procedían de las personas más veneradas y nobles: papas, reyes, cardenales y duques. Estas son sólo algunas de sus obras más famosas: "Venus de Urbino", "El rapto de Europa" (en la foto), "Cargando la cruz", "Corona de espinas", "Madonna de Pesaro", "Mujer con espejo". ", etc.

Nada se repite dos veces. La era del Renacimiento dio a la humanidad personalidades brillantes y extraordinarias. Sus nombres están inscritos en la historia mundial del arte con letras doradas. Arquitectos y escultores, escritores y artistas del Renacimiento: la lista es muy larga. Sólo tocamos a los titanes que hicieron historia y trajeron las ideas de la ilustración y el humanismo al mundo.

El Renacimiento en Francia tuvo básicamente las mismas condiciones previas para su desarrollo que en Italia. Sin embargo, hubo diferencias significativas en el trasfondo sociocultural del proceso literario de ambos países. A diferencia de Italia, donde se encontraba en las regiones del norte ya en el siglo XIII. Se produce una revolución política y surgen una serie de repúblicas urbanas completamente independientes; en Francia, donde el desarrollo burgués en ese momento era lento en comparación con Italia, la nobleza seguía siendo la clase dominante.

De todo esto se sigue un cierto atraso de la burguesía francesa en comparación con la italiana o incluso la inglesa y, en particular, su débil participación en el movimiento humanista. Por otro lado, las ideas humanistas encontraron un apoyo significativo en los círculos de la nobleza, que entraron en contacto directo con la cultura de Italia.

En general, la fuerte influencia de Italia es una de las características más importantes del Renacimiento francés. El rápido florecimiento del pensamiento humanista coincide con la primera mitad del reinado de Francisco I (1515-1547). Las campañas italianas, que comenzaron bajo sus predecesores y continuaron con él, ampliaron enormemente las relaciones culturales entre los dos pueblos. Los jóvenes nobles franceses, al llegar a Italia, quedaron deslumbrados por la riqueza de sus ciudades, el esplendor de la ropa, la belleza de las obras de arte y la elegancia de los modales. Inmediatamente comenzó la creciente importación de la cultura renacentista italiana a Francia. Francisco 1 atrajo a su servicio a los mejores artistas y escultores italianos: Leonardo da Vinci, Andrea del Sarto, Benvenuto Cellini. Los arquitectos italianos le construyen castillos en el nuevo estilo renacentista en Blois, Chambord y Fontainebleau. Aparecen en gran número traducciones de Dante, Petrarca, Boccaccio y otros. Una gran cantidad de palabras italianas de los campos del arte, la tecnología, los asuntos militares, el entretenimiento secular, etc., penetran en el idioma francés. De los humanistas italianos que se trasladaron a Francia en esta época, el más destacado fue Julio César Scaliger (m. 1558), médico, filólogo y crítico, autor de la famosa “Poética” en latín, en la que esbozó los principios del humanismo científico. drama .

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Paralelamente se realizó un estudio en profundidad de la antigüedad, que también llegó en parte a través de los medios italianos. En los primeros años de su reinado, Francisco I ordenó la publicación de traducciones de las obras de Tucídides, Jenofonte y otros “para instrucción de la nobleza francesa”. Encargó una traducción de los poemas de Homero y convenció a Jacques Amiot (1513-1593). , profesor de lenguas griega y latina, traductor, para comenzar su famosa traducción de las Vidas de Plutarco.

Francisco I quiso liderar personalmente el Renacimiento francés para guiarlo y mantenerlo bajo su control, pero en realidad sólo siguió el movimiento mental de la época. De sus asesores, verdaderos líderes del movimiento, el primer lugar debería ser concedido a Guillaume Bude (Guillaume Bude, 1468-1540), que primero ocupó el cargo de secretario de Francisco I y luego su bibliotecario. Budet posee una gran cantidad de obras en latín sobre filosofía, historia, filología, matemáticas y ciencias jurídicas. La idea principal de Budet era que la filología es la base principal de la educación, ya que el estudio de las lenguas y la literatura antiguas amplía los horizontes mentales de una persona y mejora sus cualidades morales. Gran parte de las opiniones de Budet sobre religión, moralidad y educación lo acercan a Erasmo de Rotterdam. La mayor empresa de Budet fue el plan para la creación de una universidad secular, llevado a cabo por Francisco I. Según el plan de Budet, la enseñanza en ella no debería basarse en la escolástica y la teología, como en la Sorbona, sino en la filología. Así surgió en 1530 el Colegio de Francia, que inmediatamente se convirtió en una ciudadela del conocimiento humanístico libre.

El segundo punto más importante que determinó el destino del Renacimiento francés es su relación especial con la Reforma, que al principio estuvo en sintonía con el humanismo, pero luego se separó marcadamente de él.

En la historia del protestantismo francés hay que distinguir dos períodos: antes de mediados de la década de 1530 y después. Los primeros protestantes de Francia eran intelectuales dispersos de pensamiento humanista, que abordaban críticamente todos los temas, incluidos los fundamentos de la religión, pero que estaban poco inclinados a la predicación y la lucha. El destacado matemático y helenista Lefebvre d'Etaples (1455-1537), que visitó Italia y se impregnó de las ideas del platonismo a través de conversaciones con Marsilio Ficino y Pico della Mirandola, regresó a Francia para interpretar a Aristóteles de una manera nueva, es decir, recurriendo exclusivamente a fuentes primarias y tratando de penetrar en su verdadero significado, no distorsionado por comentarios escolásticos. Después de esto, Lefebvre tuvo la idea de aplicar el mismo método a los libros de la Sagrada Escritura, y aquí descubrió que en el Evangelio no se decía nada sobre el ayuno, ni sobre el celibato del clero, ni sobre la mayoría de los “sacramentos”. De ahí surgió para él y sus amigos la idea de volver a la pureza original de las enseñanzas evangélicas, de crear una confesión “evangélica”. Profundizando en la consideración de los principios del cristianismo, Lefebvre en 1512, es decir. cinco años antes de que Lutero hablara, presentó dos disposiciones que luego se volvieron fundamentales para el protestantismo de todas las tendencias: 1) la justificación por la fe, 2) la Sagrada Escritura como única base de la enseñanza religiosa. Para fortalecer la nueva doctrina, Lefebvre publicó su traducción de la Biblia, la primera en francés.

La Sorbona condenó esta traducción, así como toda la nueva herejía en general. Varios de los seguidores de Lefebvre fueron ejecutados y él mismo tuvo que huir al extranjero por un tiempo. Pronto, sin embargo, Francisco I lo rehabilitó e incluso lo nombró tutor de su hijo. En general, durante este período el rey favoreció a los protestantes e incluso pensó en introducir el protestantismo en Francia. Sin embargo, a mediados de la década de 1530, hubo un giro brusco en su política, causado por la ofensiva general en Europa de la reacción y la contrarreforma asociada: una revolución causada por el miedo de las clases dominantes a los levantamientos campesinos y la aspiraciones demasiado audaces del pensamiento humanista, que amenazaban con derribar “todos los cimientos " La tolerancia de Francisco hacia todo tipo de librepensamiento -religioso o científico-filosófico- ha llegado a su fin. Las ejecuciones de protestantes y humanistas librepensadores se convirtieron en algo común. Uno de los casos de flagrante arbitrariedad fue la quema en la hoguera en 1546 del destacado científico y tipógrafo Etienne Dolet.

Precisamente en esta época el protestantismo francés entraba en su segunda fase. Su cabeza se convierte Jacques Calvino(1509-1564), que se trasladó de Francia a Ginebra en 1536, que en adelante se convirtió en el principal centro del calvinismo, liderando todo el movimiento protestante en Francia. También en 1536, Calvino finalmente formuló su enseñanza en las “Instrucciones para la fe cristiana”, que aparecieron originalmente en latín y se volvieron a publicar cinco años después en francés. A partir de este momento, el evangelicalismo contemplativo y utópico da paso al calvinismo severo y militante.

La esencia burguesa de la Reforma aparece claramente en las enseñanzas de Calvino, quien recomienda la frugalidad y la acumulación de riqueza, justifica la usura e incluso permite la esclavitud. La base de la doctrina de Calvino son dos disposiciones: sobre la "predestinación" y sobre la no interferencia de Dios en la vida del mundo, sujeto a leyes inmutables. Según el primero de ellos, toda persona desde su nacimiento está destinada a la bienaventuranza eterna o al tormento eterno, independientemente de cómo se comporte en la vida. No sabe a qué está destinado, pero debe pensar que le espera la salvación y con toda su vida debe demostrarlo. Así, esta doctrina de la “predestinación” no conduce al fatalismo y la pasividad, sino que, por el contrario, es un incentivo para la acción.

Los seguidores de Calvino y sus principios básicos de la predestinación y la no intervención de Dios desarrollan la doctrina de una “vocación secular”, según la cual todos deben esforzarse por extraer el mayor provecho y beneficio posible de su profesión, y de una “vocación secular”. ascetismo”, que prescribe frugalidad y moderación en la satisfacción de sus necesidades en aras del aumento de sus bienes. De ahí la visión del trabajo como un “deber” y la transformación de la sed de acumulación en “virtud de la acumulación”.

A pesar del carácter claramente burgués del calvinismo, encontró numerosos partidarios entre aquellas capas de la nobleza que no querían aceptar el absolutismo, principalmente en el sur, que fue anexado relativamente tarde (en el siglo XIII), como resultado de los cuales la nobleza local aún no se había olvidado de sus libertades y trató de comportarse de forma independiente. Así, si en el segundo cuarto del siglo XVI. El protestantismo se extendió casi exclusivamente entre la burguesía, y más o menos uniformemente por toda Francia; luego, a partir de mediados de siglo, se extendió intensamente entre la nobleza del sur de Francia, bastión de la reacción feudal; Cuando en la segunda mitad del siglo XVI. estallaron guerras religiosas, fueron los nobles calvinistas que lucharon contra el absolutismo quienes actuaron como organizadores y líderes del levantamiento; Además, al final de la guerra, muchos de ellos se unieron voluntariamente al catolicismo.

Al mismo tiempo, el carácter del protestantismo está cambiando, abandonando el principio de libertad de investigación y impregnándose del espíritu de intolerancia y fanatismo. Un ejemplo sorprendente es la quema por Calvino en 1553 de Miguel Servet (1511 - 1553), teólogo, médico y científico natural español, acusado por él de pertenecer a la secta revolucionaria de los anabautistas.

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En Francia, dividida en dos bandos: católicos y protestantes, no existía un partido completamente nacional, ya que ambos bandos en lucha, en detrimento de su patria, a menudo actuaban en alianza con gobernantes extranjeros. Los hugonotes (como se llamaba a los protestantes en Francia), que no tenían apoyo entre el pueblo, pedían ayuda constantemente a sus correligionarios de Alemania, Holanda e Inglaterra. En cuanto a los católicos, al principio representaban un partido de unidad nacional y religiosa, pero con el tiempo, especialmente después de la creación de la Liga Católica en 1576, los líderes del partido comenzaron a buscar el apoyo de España e incluso pensaron en transferir la corona francesa. al rey español Felipe II. El verdadero patriotismo sólo podía encontrarse en aquellos días entre las masas populares: entre los campesinos o entre las masas plebeyas urbanas, que, completamente arruinadas por las guerras civiles y llevadas a la desesperación, se levantaron de repente, como sus bisabuelos en los Cien años. Años de Guerra, para vencer tanto a los soldados españoles como a los alemanes, y lo más importante, a sus propios nobles, terratenientes de cualquier grupo político y de cualquier religión. Pero estos levantamientos campesinos, de los cuales los mayores tuvieron lugar alrededor de 1580 y alrededor de 1590, no pudieron tener éxito y fueron reprimidos sin piedad, a menudo con la ayuda de la traición y la traición.

El humanismo tuvo algunos puntos de acuerdo con ambos partidos, pero aún más divergencias. Muchos humanistas se sintieron atraídos por el Partido Católico por la idea de unidad nacional (Ronsard y otros miembros de las Pléyades), pero la mayoría de ellos no podían tolerar la estrechez de pensamiento y las supersticiones del catolicismo. Y los humanistas fueron rechazados por el calvinismo por su estrechez de miras burguesa y su fanatismo cada vez mayor. Pero aún así, el fermento racionalista del calvinismo, su espíritu heroico, sus altas exigencias morales y el sueño de una determinada estructura ideal de la sociedad humana atrajeron a muchos humanistas (Agrippa d'Aubigne, y desde una época anterior, Marot). Sin embargo, los humanistas más profundos, como los más grandes escritores del Renacimiento francés como Rabelais, Denerier, Montaigne, evitaron las luchas religiosas, igualmente ajenos al fanatismo de ambas religiones y muy probablemente inclinados al librepensamiento religioso.

Los escritores del Renacimiento francés, en comparación con los autores medievales tempranos, se caracterizan por una extraordinaria expansión de sus horizontes y una amplia gama de intereses intelectuales. Los más grandes adquieren los rasgos del “hombre universal” propio del Renacimiento, receptivo e implicado en todo. El ejemplo más sorprendente de esto es la creatividad y la actividad de Rabelais, médico, naturalista, arqueólogo, abogado, poeta, filólogo y brillante escritor satírico. También se puede observar una mayor versatilidad en las obras de Marot, Margarita de Navarra, Ronsard, d'Aubigné y otros.

Los rasgos típicos comunes a más o menos todos los escritores del siglo son, por un lado, el materialismo espontáneo, la receptividad a todo lo material y sensual, por otro, el culto a la belleza, la preocupación por la gracia de la forma. De acuerdo con esto, nacen nuevos géneros o los viejos se transforman radicalmente. Aparece un cuento colorido y realista (Margarita de Navarra, Denerier), una forma única de novela satírica (Rabelais), un nuevo estilo de poesía lírica (Marot, luego especialmente Ronsard y Pléyades), los inicios del drama secular del Renacimiento (Jodelle ), memorias de tipo descriptivo anecdótico-moral (Brantome), poesía civil acusatoria (d'Aubigné), "experimentos" filosóficos (Montaigne), etc.

Tanto la poesía como la prosa del Renacimiento francés se caracterizan por una aproximación más amplia y realista a la realidad. Las imágenes son más específicas e individuales. La abstracción y la edificación ingenua están desapareciendo gradualmente. La veracidad artística se convierte en medida y medio de expresión de contenidos ideológicos.

En el Renacimiento francés se pueden distinguir varias etapas. En la primera mitad del siglo florecieron las ideas humanistas, prevaleció el optimismo y la fe en la posibilidad de construir una forma de vida mejor y más perfecta. Aunque este estado de ánimo se había visto empañado por una reacción inminente desde mediados de la década de 1530, el cisma religioso y político aún no había tenido tiempo de manifestar plenamente sus efectos destructivos.

En la segunda mitad del siglo, en el contexto del inicio o preparación de guerras religiosas, se observaron los primeros signos de duda y decepción entre los humanistas. Sin embargo, en el tercer cuarto del siglo se están haciendo grandes esfuerzos para crear una poesía nueva y completamente nacional y una rica lengua nacional. A partir de la década de 1560, la crisis del humanismo alcanzó toda su fuerza y ​​la literatura reflejó, por un lado, las batallas y la fermentación de las mentes provocadas por las guerras civiles y, por el otro, búsquedas profundas que prepararon para formas posteriores de humanidad. Conciencia social y artística.

Preguntas y tareas

• 1. ¿En qué época comienza el Renacimiento en Francia?
• 2. ¿Cuáles son las características específicas del origen y desarrollo del Renacimiento en Francia en comparación con Italia?
• 3. ¿Cuál fue el papel de Francisco I en el desarrollo del Renacimiento francés?
• 4. Utilizando libros de referencia y enciclopedias, tenga una idea de qué son la Reforma y el calvinismo.
• 5. ¿Cuáles son los rasgos característicos de la cosmovisión y la creatividad de los representantes del Renacimiento francés?
• 6. Realizar un cuadro de las etapas del Renacimiento en Francia, reflejando en él: 1) acontecimientos históricos; 2) ideas principales; 3) una breve descripción de los autores más significativos; 4) nombres y fechas de las principales obras.

Temas de resúmenes e informes.

• 1. El papel de Italia en el desarrollo del Renacimiento francés.
• 2. Maestros italianos en Francia: Leonardo da Vinci y Benvenuto Cellini.
• 3. Reforma en Francia.

El Renacimiento fue una etapa importante en el desarrollo de la cultura francesa. En ese momento, las relaciones burguesas se estaban desarrollando rápidamente en el país y el poder monárquico se estaba fortaleciendo. La ideología religiosa de la Edad Media está siendo gradualmente relegada a un segundo plano por la cosmovisión humanista. El arte secular está empezando a desempeñar un papel importante en la vida cultural de Francia. El realismo del arte francés, la conexión con el conocimiento científico y la apelación a las ideas e imágenes de la antigüedad lo acercan al italiano. Al mismo tiempo, el Renacimiento en Francia tiene una apariencia única, en la que el humanismo renacentista se combina con elementos de tragedia nacidos de las contradicciones de la situación actual del país.

Como resultado de muchas derrotas de Francia durante la Guerra de los Cien Años con Inglaterra, que duró de 1337 a 1453, reinó la anarquía feudal en el país. El campesinado, aplastado por impuestos insoportables y las atrocidades de los ocupantes, se levantó para luchar contra sus opresores. El movimiento de liberación estalló con especial fuerza en el momento en que las tropas británicas, que habían capturado el norte de Francia, se dirigieron hacia Orleans. Los sentimientos patrióticos dieron como resultado la actuación de los campesinos y caballeros franceses bajo el liderazgo de Juana de Arco contra las tropas inglesas. Los rebeldes obtuvieron varias victorias brillantes. El movimiento no se detuvo ni siquiera cuando Juana de Arco fue capturada y, con el consentimiento tácito de los rebeldes. El rey francés Carlos VII fue quemado por el clero en la hoguera.

Como resultado de la larga lucha del pueblo contra los invasores extranjeros, Francia fue liberada. La monarquía aprovechó esta victoria para sus propios fines, pero la situación del pueblo victorioso seguía siendo difícil.

En la segunda mitad del siglo XV. Gracias a los esfuerzos de Luis XI, Francia se unificó políticamente. La economía del país se desarrolló, la ciencia y la educación mejoraron, se establecieron relaciones comerciales con otros estados y especialmente con Italia, desde donde la cultura penetró en Francia. En 1470 se abrió una imprenta en París, donde, junto con otros libros, comenzaron a imprimir las obras de los humanistas italianos.

Se está desarrollando el arte de las miniaturas de libros, en las que las imágenes místicas y religiosas fueron reemplazadas por ideas realistas sobre el mundo que nos rodea. Los talentosos artistas ya mencionados anteriormente, los hermanos Limburg, trabajan en la corte del duque de Borgoña. En Borgoña trabajaron famosos maestros holandeses (pintores hermanos van Eyck, escultor Sluter), por lo que en esta provincia la influencia del Renacimiento holandés se nota en el arte de los maestros franceses, mientras que en otras provincias, por ejemplo en Provenza, la influencia del italiano. El renacimiento aumentó.

Uno de los mayores representantes del Renacimiento francés fue el artista Enguerrand Charonton, que trabajó en Provenza, quien pintó lienzos monumentales y compositivamente complejos en los que, a pesar de la temática religiosa, expresaban claramente su interés por el hombre y la realidad que lo rodeaba (“Madonna de la Merced ”, “Coronación de María”, 1453). Aunque las pinturas de Sharonton se distinguían por su carácter decorativo (líneas refinadas que se conectan en un adorno extravagante, composición simétrica), en ellas ocupaban un lugar importante escenas cotidianas detalladas, paisajes y figuras humanas. En los rostros de los santos y María, el espectador puede leer los sentimientos y pensamientos que los poseen, y aprender mucho sobre el carácter de los héroes.

El mismo interés por el paisaje, por transmitir cuidadosamente todos los detalles de la composición, distingue las obras del altar de otro artista de Provenza: Nicolas Froment ("La resurrección de Lázaro", "La zarza ardiente", 1476).

Las características de lo nuevo en el arte francés se manifestaron especialmente claramente en el trabajo de los artistas de la escuela del Loira, que trabajaron en la parte central de Francia (en el valle del río Loira). Muchos representantes de esta escuela vivieron en la ciudad de Tours, donde en el siglo XV. Fue la residencia del rey francés. Uno de los pintores más importantes de esta época, Jean Fouquet, vivió en Tours.

Uno de los artistas más famosos de finales del siglo XV. Fue Jean Clouet el Viejo, también conocido como el Maestro de Moulins. Hasta 1475 Trabajó en Bruselas y luego se trasladó a Moulins. Alrededor de 1498-1499 Jean Clouet el Viejo realizó su obra más importante: un tríptico para la Catedral de Moulins, en cuya puerta central se representa la escena "Nuestra Señora en la Gloria", y en las puertas laterales hay retratos de clientes con santos patrones.

La parte central representa a la Virgen con el Niño, sobre cuya cabeza unos ángeles sostienen una corona. Probablemente, el modelo de Clouet para la imagen de María era una niña francesa, frágil y bonita. Al mismo tiempo, la abstracción del concepto del autor y los efectos decorativos (círculos concéntricos alrededor de María, ángeles formando una guirnalda a lo largo de los bordes del lienzo) confieren a la obra cierto parecido con el arte gótico.

De gran interés son los bellos paisajes que Jean Clouet el Viejo sitúa en composiciones de temática religiosa. Junto a las figuras de santos en estas obras hay retratos de clientes. Por ejemplo, en el cuadro “La Natividad” (1480), a la derecha de María se puede ver al canciller Rolin cruzando las manos en oración.

En la segunda mitad del siglo XV. En Francia también trabajó Simon Marmion, quien realizó una serie de composiciones de altar y miniaturas, entre las cuales su obra más famosa son las ilustraciones para las "Grandes Crónicas francesas", y Jean Bourdichon, retratista y miniaturista que creó maravillosas miniaturas para el Libro de Horas de Ana de Bretaña.

El artista más importante de esta época fue Jean Perreal, director de la escuela de pintura de Lyon. No sólo fue artista, sino también escritor, arquitecto y matemático. Su fama traspasó Francia y se extendió a Inglaterra, Alemania e Italia. Perreal sirvió bajo el rey Carlos VIII y Francisco I, y en Lyon se desempeñó como experto en construcción. Se han conservado varios de sus retratos, incluido el retrato de María Tudor (1514), Luis XII y Carlos VIII. Una de las mejores obras de Perreal es la encantadora y poética "La muchacha de la flor". También son interesantes sus pinturas de la catedral de Puy, en las que, junto con imágenes religiosas y antiguas, el artista colocó retratos de humanistas franceses, entre ellos destaca la imagen de Erasmo de Rotterdam.

A principios del siglo XVI. Francia era el estado más grande (por superficie y población) de Europa occidental. Para entonces, la situación de los campesinos se había aliviado un poco y habían aparecido las primeras formas capitalistas de producción. Pero la burguesía francesa aún no había alcanzado el nivel para ocupar posiciones de poder en el país, como fue el caso en las ciudades italianas en los siglos XIV y XV.

Esta época estuvo marcada no solo por transformaciones en la economía y la política de Francia, sino también por la amplia difusión de las ideas humanísticas del Renacimiento, que estuvieron más plenamente representadas en la literatura, en las obras de Ronsard, Rabelais, Montaigne y Du Bellay. Montaigne, por ejemplo, consideraba el arte como el principal medio para educar a una persona.

Como en Alemania, el desarrollo del arte estuvo estrechamente relacionado con el movimiento reformista dirigido contra la Iglesia católica. En este movimiento participaron campesinos descontentos con su situación, así como las clases bajas urbanas y la burguesía. Después de una larga lucha fue suprimido, el catolicismo conservó su posición. Aunque la Reforma tuvo un impacto limitado en el arte, sus ideas penetraron entre los artistas humanistas. Muchos pintores y escultores franceses eran protestantes.

Los centros de la cultura renacentista fueron ciudades como París, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges y Lyon. El rey Francisco I desempeñó un papel importante en la difusión de las ideas del Renacimiento, invitando a artistas, poetas y científicos franceses a su corte. Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto trabajaron en la corte real durante varios años. Poetas y escritores humanistas se unieron en torno a la hermana de Francisco, Margarita de Navarra, que se dedicaba a actividades literarias, promoviendo nuevas visiones sobre el arte y el orden mundial. En la década de 1530. Los manieristas italianos fundaron una escuela de pintura secular en Fontainebleau, que tuvo una influencia significativa en el desarrollo de las bellas artes francesas.

Un lugar importante en la pintura de Francia en la primera mitad del siglo XVI. ocupado por el arte de los artistas Giovanni Battista Rosso, Niccolo del Abbate y Francesco Primaticcio invitados desde Italia para pintar el palacio real de Fontainebleau. El lugar central en sus frescos lo ocupaban temas mitológicos, alegóricos e históricos, que incluían imágenes de figuras femeninas desnudas, que no se encontraban en las pinturas de los maestros franceses de esa época. El arte refinado y elegante, aunque algo amanerado, de los italianos tuvo una gran influencia en muchos artistas franceses, quienes dieron origen a un movimiento llamado escuela de Fontainebleau.

El arte del retrato de este período es de gran interés. Los retratistas franceses continuaron las mejores tradiciones de los maestros del siglo XV y, sobre todo, de Jean Fouquet y Jean Clouet el Viejo.

Los retratos estaban muy extendidos no sólo en la corte; las imágenes a lápiz sirvieron como fotografías modernas en muchas familias francesas. Estos dibujos a menudo se distinguían por su virtuosismo y autenticidad al transmitir rasgos del carácter humano.

Los retratos a lápiz eran populares en otros países europeos, por ejemplo, en Alemania y los Países Bajos, pero allí desempeñaban el papel de un boceto que precedía al retrato pintado, y en Francia estas obras se convirtieron en un género independiente.

El retratista francés más importante de esta época fue Jean Clouet el Joven.

Una excelente retratista fue Corneille de Lyon, que trabajó en Lyon, que pintó imágenes femeninas sutiles y espirituales (“Retrato de Beatrice Pacheco”, 1545; “Retrato de la reina Claude”), que se distinguían por un diseño casi en miniatura y veladuras sutiles y sonoras. bandera.

Los retratos sencillos y sinceros de niños y hombres de Corneille de Lyon se caracterizan por la capacidad de revelar la profundidad del mundo interior del modelo, la veracidad y naturalidad de las poses y los gestos ("Retrato de un niño", "Retrato de un hombre desconocido con un Barba Negra”).

De mediados del siglo XVI. En Francia trabajaron talentosos maestros del retrato a lápiz: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, quienes continuaron las tradiciones del famoso Francois Clouet. Excelentes retratistas que trabajaron en técnicas gráficas fueron los hermanos Etienne y Pierre Dumoustier.

La historia del arte en Francia abarca un enorme período histórico, desde la antigüedad hasta nuestros días.

Francia es un país asombroso, caracterizado por el misterio y la sofisticación, el brillo y la sofisticación, la sublimidad y un anhelo especial por todo lo bello. Y la historia de la formación de su arte único, que se ha convertido en un estándar, tan diverso y único, no es menos sorprendente que el estado mismo.

Requisitos previos para la formación del reino franco

Para comprender las peculiaridades del surgimiento y desarrollo del arte francés, es necesario hacer una excursión a la historia de la época antigua, cuando el territorio del moderno estado francés formaba parte del Gran Imperio Romano. En el siglo IV, comenzaron los movimientos activos de tribus bárbaras desde las orillas del Rin hasta las fronteras del imperio. Sus ataques e invasiones periódicas de tierras romanas, que quedaron devastadas, socavaron en gran medida el estado latino. Y en 395, el propio Imperio Romano se dividió entre los hijos del actual emperador en dos partes: Teodosio legó la parte oriental más rica de sus territorios a su hijo mayor Arcadio y transfirió la parte occidental a su hijo menor, Honorio. La división del Gran Imperio Romano en partes debilitó al ya frágil Estado romano y lo hizo más vulnerable a los enemigos externos.

El territorio de la Francia moderna formaba parte de la parte occidental del antiguo Gran Imperio Romano. En 410, Roma sufrió un duro golpe por parte de las tropas visigodas, lideradas por Allaric. El último emperador romano de un estado débil se escondió en Rávena, abandonando la Roma eterna. Fue allí donde fue alcanzado por el ejército de Odoacro, uno de los principales líderes militares de la tribu visigoda. Es con este evento, que tuvo lugar en 476, que se asocia la caída final del Imperio Romano. Como resultado de la Gran Migración, comenzaron a surgir estados bárbaros en las tierras conquistadas. En el siglo V, surgió un estado franco en parte de la Galia.

El estado franco y el desarrollo del arte francés

Los francos son un grupo de tribus que desde la antigüedad se asentaron a lo largo de las orillas del Rin en su curso bajo y frente a la costa del Mar Báltico. El fundador del primer reino franco en Europa fue el joven líder franco Clodoveo Merovingio, quien derrotó al ejército del gobernador romano en la Galia en la batalla de Soissons y se apoderó de los territorios bajo su control. En nuevos territorios, instaló a sus asociados: los francos, dotándolos de terrenos, llevaron a cabo una serie de reformas gubernamentales tanto en el campo de la administración pública como en la esfera judicial y legislativa, introduciendo en vigor un documento único: "Verdad sálica". ", compilado sobre la base de las órdenes tribales de la tribu Salic Franks. Además, Clovis prestó especial atención a la elección de la fe. La adopción del cristianismo no sólo fortaleció el nuevo estado, sino que también influyó en la formación del arte franco.

Después de que la dinastía merovingia se volvió perezosa en su administración, la vida en el reino se volvió cada vez más difícil. La nobleza se apoderó de las tierras reales. La permisividad floreció en la gestión de la nobleza y los campesinos. El empobrecimiento de la población aumentó. En el siglo VIII, también se avecinaba una amenaza externa por parte de las tribus árabes nómadas. Uno de los dirigentes del último rey merovingio, Carlos Martell, tomó el poder en sus propias manos. Llevó a cabo una serie de reformas que ayudaron a fortalecer el estado y derrotar a los árabes. Y el hijo de Pipino el Breve fue elegido en el consejo de la nobleza como nuevo rey de los francos. Esta elección fue confirmada por el Papa. Y el primer emperador franco fue el hijo de Pipino el Breve, Carlos, a quien en la historia se le dio el sobrenombre de “El Grande”. Fue a Carlos a quien el imperio franco le debía una etapa especial en el florecimiento de la cultura y el arte, que se llama Renacimiento carolingio.

El arte de los francos "primordiales"

Si comprendemos las peculiaridades del nacimiento y formación del estado franco, entonces queda claro el destino del patrimonio cultural que estuvo ubicado en los territorios francos desde la antigüedad. Fue principalmente el desarrollo de la civilización antigua: puentes, arquitectura residencial y de templos, escultura y literatura, teatro y artes decorativas. Sin embargo, los eclesiásticos cristianos no consideraron necesario preservar estas riquezas culturales, sino que utilizaron aquella parte de ellas que podía adaptarse a la práctica del culto religioso y a la vida de la persona promedio. Así, los servicios en las iglesias cristianas se llevaban a cabo en latín y los libros de la iglesia se escribían en el mismo idioma.

Fue necesario utilizar los hallazgos arquitectónicos de la Antigüedad para comenzar la construcción de templos y monasterios; el uso del conocimiento de la astronomía ayudó a calcular las fechas del calendario de la iglesia, que en la Edad Media declaraba la vida de todo el reino. Los francos también adaptaron el sistema educativo del último Imperio Romano a sus necesidades. Es de destacar que el conjunto de materias educativas que se estudiaban en las escuelas francas se llamaba ¿De qué artes estábamos hablando? El llamado trivium incluía las ciencias de las palabras: gramática, retórica y dialéctica. El quadrivium incluía las ciencias de los números: aritmética, geometría, música como cálculo de intervalos musicales y astronomía.

En las artes decorativas y aplicadas prevalecieron las tradiciones de la creatividad bárbara, que se caracterizaba por el uso como motivos principales de adornos vegetales y animales e imágenes de monstruos o criaturas que no existían en la realidad y que a menudo tenían una apariencia bastante aterradora. Este tipo de arte se llama terratológico o monstruoso.

Arte y cultura del Renacimiento carolingio

El período del reinado de Carlomagno se caracteriza por un auge cultural sin precedentes. Una de las razones de esto es la personalidad misma del emperador: una persona bien educada y muy culta. Hablaba y leía latín con fluidez, entendía griego y estaba interesado en la teología y la filosofía. Una de las estructuras arquitectónicas únicas de este período fue la iglesia palaciega de Aquisgrán, sorprendente por su diseño artístico.

También se desarrolló el arte de crear libros escritos a mano: estaban escritos con letra casi caligráfica y decorados con hermosas miniaturas. Entre los libros se encontraban tanto obras teológicas como anales, un registro año tras año de los acontecimientos que tuvieron lugar en el Imperio franco.

En el imperio se abrieron escuelas centradas en la educación primaria y de élite. El creador del primero fue el camarada de Karl, Alcuin. Y la escuela de élite, abierta en Aquisgrán, unió a los científicos, a la familia del emperador y a toda la corte de Carlomagno. En la escuela, llamada "Academia de la Corte", se llevaban a cabo conversaciones filosóficas, se estudiaba la Biblia y la cultura de la Antigüedad, se planteaban acertijos y se componía poesía. Y uno de los miembros de la Academia escribió la primera biografía secular, "La vida de Carlomagno".

Fue durante el Renacimiento carolingio cuando se sentaron las bases para la preservación y el renacimiento de las tradiciones de la cultura antigua y la base para el desarrollo posterior de la cultura franca.

Formación de Francia como estado.

Durante el reinado de los descendientes de Carlomagno, el imperio que creó se debilitó cada vez más. Cuando el imperio se dividió entre los hijos de Carlos, la parte occidental pasó a manos del hijo mayor, Lotario. Y sus descendientes continuaron debilitando el estado fragmentado. El Imperio ha caído. Los últimos carolingios finalmente perdieron influencia y fueron depuestos. La nobleza transfirió el derecho de gobernar al entonces poderoso Conde de París, Hugo Capeto. Fue la parte oriental del antiguo Imperio franco la que empezó a llamarse Francia. Gracias al gobierno de los Capetos, el nuevo estado no solo revivió, sino que también recibió nuevas oportunidades para su desarrollo, incluidas las culturales.

Arte popular de la Francia medieval

También se produjeron una serie de cambios en el teatro y la música de la época medieval en comparación con la época antigua. La Iglesia cristiana consideraba a los actores cómplices del diablo y perseguía a los hermanos artísticos de todas las formas posibles. Como resultado, el teatro como fenómeno de masas dejó de existir, los edificios de teatros y estadios fueron cayendo gradualmente en ruinas, y los actores comenzaron a formar compañías ambulantes y actuaron para la gente en cruces de caminos, ferias y plazas. Grupos móviles de actores universales - los histriones eran un objeto menos conveniente para la persecución por parte de la iglesia y las autoridades, que estaban subordinadas a ella y al mismo tiempo perseguían sus propios objetivos debido a la peculiaridad de la dirección de la creatividad de los histriones y trovadores - errantes. músicos. Un grupo especial estaba formado por vagantes: antiguos alumnos o monjes que dominaban la versificación y los conceptos básicos del arte musical, que deambulaban solos por los caminos y en sus obras cantaban sobre el amor carnal o denunciaban la decadencia de la iglesia y el estado podrido.

Tres áreas de desarrollo del arte medieval.

9/10 de la población de la Francia medieval eran campesinos. Por tanto, la principal cultura del estado puede definirse como campesina. El campesino medieval pasaba la mayor parte del día trabajando en las tierras del señor feudal. Pero esto no significa que no tuviera la necesidad y el tiempo para comunicarse con la cultura y el arte. Se trataba principalmente de canciones y bailes, competiciones de fuerza y ​​destreza. Un lugar especial en la comunicación con el arte lo ocupó la visualización de representaciones histriónicas. También se desarrolló el arte popular oral. La sabiduría del pueblo se refleja en el folclore: cuentos de hadas, canciones, refranes y refranes. El tema principal de los narradores era la vergüenza de un hombre rico y estúpido por parte de un hombre pobre, pero amable, que, por regla general, provenía de una familia de campesinos. Los cuentos eran muy sociales: revelaban los vicios de la sociedad en el ámbito de las relaciones entre la nobleza y el campesinado, y también hablaban de la difícil suerte de los campesinos. También se crearon leyendas y baladas que glorificaban las hazañas de los héroes nacionales que luchaban por el honor y la dignidad de una persona común y corriente y contra la tiranía feudal.

La segunda cara de la cultura y el arte medieval fue la vida de las ciudades, cuyo crecimiento y florecimiento se observó a partir del siglo IX. El surgimiento de una clase como la burguesa se convirtió en el comienzo del desarrollo de la cultura burguesa. Las habilidades de los artesanos mejoraron rápidamente. Los principios de su trabajo y la calidad de los productos creados han cambiado, muchos de los cuales ahora tienen un gran valor como obras maestras de las artes decorativas y aplicadas. Fue a partir de esta época que se empezó a utilizar la palabra “obra maestra”. Cada artesano que se unía a la hermandad gremial tenía que demostrar sus habilidades y elaborar el producto perfecto. Esta fue una obra maestra. Poco a poco se fue formando un sistema de interacción y competencia entre talleres, que inicialmente se convirtió en un motivador en el desarrollo de la artesanía. Sin embargo, con el tiempo, los talleres comenzaron a interferir con el desarrollo de la artesanía, ya que los competidores no querían que los artesanos más talentosos los pasaran por alto y, a veces, no querían que se revelara el secreto del proceso de fabricación de un producto o el material para su fabricación. en manos de los competidores. A menudo, los miembros de la hermandad gremial incluso destruyeron inventos y, en ocasiones, persiguieron a sus creadores.

El tercer lado de la cultura y el arte medievales fue la existencia de un mundo separado de aristocracia: los señores feudales. Como regla general, todos los señores feudales realizaban el servicio militar al rey, siendo sus vasallos personales. Los señores feudales más pequeños eran vasallos de sus gobernantes: barones, condes, etc. Al realizar el servicio militar montado, representaban un fenómeno de la sociedad medieval como el título de caballero. La cultura caballeresca también se caracterizó por su arte especial. Esto incluye el arte de crear escudos de armas de caballeros: marcas de identificación tridimensionales de una familia de caballeros o de un caballero individual. Hicieron escudos de armas con materiales caros: oro y plata, esmalte y piel de marta o ardilla. Cada escudo de armas fue una fuente histórica importante y una obra de arte muy valiosa.

Además, a los niños, futuros caballeros, se les enseñaban artes como cantar, bailar y tocar instrumentos musicales. Desde pequeños les enseñaron buenos modales, sabían mucha poesía y muchos de los propios caballeros escribieron poemas, dedicándolos a la bella dama. Y, por supuesto, es necesario recordar los monumentos únicos de la arquitectura medieval: castillos caballerescos construidos en estilo románico, así como impresionantes iglesias construidas en todas las ciudades de Francia, primero en estilo románico y luego en estilo gótico. Los templos más famosos son la Catedral de Notre Dame de París y el lugar de coronación de los monarcas franceses.

Arte de Francia: Renacimiento

El Renacimiento, asociado con una nueva ronda de interés por el patrimonio cultural y el arte antiguo, se originó en la soleada Italia en el siglo XIV. En Francia, las tendencias del Renacimiento no se reflejaron en la cultura y las bellas artes hasta finales del siglo XV. Pero este período duró más en Francia que en Italia: no hasta el siglo XVI, sino hasta el XVII. El auge de la cultura y el arte en el estado francés se asoció con la finalización de la unificación del país bajo Luis XI.

La separación de las tradiciones góticas en el arte de Francia se produjo en relación con los frecuentes viajes de los reyes a Italia, donde conocieron el sorprendente arte italiano del Renacimiento. Sin embargo, a diferencia de Italia, el arte de este período en Francia fue más cortesano que popular.

En cuanto a la nacionalidad del arte francés, su brillante representante en la literatura fue un poeta maravilloso que creó obras poéticas imaginativas, ingeniosas y alegres.

Si hablamos de las bellas artes de este período, cabe señalar que las tendencias realistas se plasmaron en las miniaturas teológicas y la literatura secular. El primer artista de este período en el desarrollo del arte francés fue Jean Fouquet, quien dejó a sus descendientes un gran legado en forma de retratos de aristócratas y de la familia real, miniaturas de libros, paisajes y dípticos que representan a la Virgen.

También invitó a Francia a los maestros italianos del Renacimiento: Rosso y Primaticcio, quienes se convirtieron en los fundadores de la escuela Fontainebleau, una dirección del arte de la pintura francesa que surgió en la finca de Fontainebleau. Este movimiento se basó en los principios del manierismo, del que eran representantes los fundadores originales de la escuela, y se caracterizó por el uso de tramas mitológicas y alegorías intrincadas. Se han conservado fuentes que citan otros nombres de los maestros que participaron en el diseño del castillo de Fontainebleau: los italianos Pellegrino y Juste de Juste, los franceses Simon Leroy, Claude Badouin, Charles Dorigny, el flamenco Leonard Tirey, etc.

En el siglo XVI, el género del retrato, la pintura y el lápiz se desarrolló activamente en Francia. Particularmente interesantes son las obras de Jean Clouet, que pintó retratos de casi toda la corte francesa.

La escultura de este período en Francia está asociada con el nombre de Michel Colombe, quien realizó hábilmente, entre otras cosas, imágenes en relieve e interpretaciones filosóficas de lápidas. También son interesantes las obras de Jean Goujon, imbuidas de una musicalidad especial y poesía de imágenes y forma de interpretación.

El contrapeso al armonioso e ideal de Goujon en su belleza y gracia fue obra de otro escultor de este período: Germain Pilon. Son similares en su expresión e hipertrofia de sentimientos y experiencias transmitidas a las obras de los expresionistas del siglo XIX. Todos sus personajes son profundamente realistas, incluso naturalistas, dramáticos y lúgubres.

Arte de Francia: siglo XVII.

El siglo XVI fue una era de guerras y devastación para el estado francés. En el primer cuarto del siglo XVII, el poder en Francia se fortaleció. El proceso de centralización del poder comenzó especialmente rápidamente bajo Luis XIII, cuando el cardenal Richelieu gobernaba todo en el país. El pueblo gemía bajo el yugo de la aristocracia y las penurias del trabajo diario. Sin embargo, la monarquía absolutista contribuyó no sólo al fortalecimiento y aumento del poder de Francia, sino también al hecho de que durante este período el país se convirtió en uno de los principales estados europeos. Esto sin duda afectó el desarrollo y las principales tendencias de la cultura y el arte en el país.

El arte de la Francia del siglo XVII puede definirse a grandes rasgos como arte cortesano formal, que se expresaba en un estilo barroco pomposo y decorativo.

En contraste con la pompa y la decoración exagerada del barroco, surgieron dos tendencias en el arte francés: el realismo y el clasicismo. El primero de ellos fue un llamamiento al reflejo de la vida real tal como era, sin adornos. En el marco de esta dirección, se desarrollan el género cotidiano y el retrato, los géneros bíblicos y mitológicos.

El clasicismo en el arte de Francia refleja, en primer lugar, el tema del deber cívico, la victoria de la sociedad sobre el individuo y los ideales de la razón. Se posicionan como un contraste con las imperfecciones de la vida real, un ideal por el que hay que esforzarse, incluso sacrificando los intereses personales. Todo esto se refiere principalmente a las bellas artes de Francia. La base del arte del clasicismo fueron las tradiciones del arte antiguo. Y esto se reflejó sobre todo en la arquitectura clasicista. Además, era la arquitectura la que más dependía de los intereses prácticos del Estado y estaba completamente subordinada al absolutismo.

El período del siglo XVII en el estado francés se caracteriza por la construcción de un gran número de conjuntos arquitectónicos y edificios palaciegos que forman ciudades. Durante este período, fue la arquitectura secular la que pasó a primer plano.

Si hablamos del reflejo de las tendencias mencionadas en las bellas artes, entonces debemos mencionar el trabajo de Nicolas Poussin, un sorprendente representante de la época, cuya pintura encarna tanto la generalidad de la cosmovisión como la energía indomable de la vida de arte antiguo.

Arte de Francia: siglo XVIII.

El nuevo auge de la cultura estuvo asociado con la enorme influencia de los orígenes populares en la creatividad, que se expresó principalmente claramente en la música. La comedia comenzó a desempeñar un papel importante en el teatro y se desarrollaron activamente el teatro de máscaras de feria y el arte de la ópera. Los creadores recurrieron cada vez menos a temas religiosos y el arte secular se desarrolló cada vez más activamente. La cultura francesa de este período era muy diversa y llena de contrastes. El arte del realismo se centró en revelar el mundo de personas de diferentes clases: sus sentimientos y experiencias, el lado cotidiano de la vida y el análisis psicológico.

Arte francés del siglo XIX.

Sigamos adelante. Hablemos brevemente sobre el arte de Francia en el siglo XIX. La vida del estado en este momento se caracteriza por otra ronda de creciente descontento del pueblo y sentimientos revolucionarios expresados ​​​​después de la restauración de la monarquía francesa. El tema de la lucha y el heroísmo se ha convertido en uno de los principales de las bellas artes. Esto también se reflejó en las nuevas direcciones de la pintura: el historicismo y el romanticismo. Pero hay una lucha contra el academicismo en las bellas artes de este período.

El estudio del factor color en la pintura conduce al desarrollo activo del género del paisaje y a la revisión de todos los sistemas de la pintura francesa.

Las artes decorativas y aplicadas recibieron un desarrollo particular durante este período porque reflejaban mejor las aspiraciones del pueblo. El popular grabado se está volviendo muy popular, permitiendo que la técnica más simple revele los vicios y problemas de la sociedad mediante imágenes satíricas.

De hecho, el grabado se convierte en una fuente histórica documental de la época. A partir de los grabados se puede estudiar la historia de Francia en el siglo XIX.

El arte de Francia, como vemos, es muy multifacético y diverso y está estrechamente relacionado con las peculiaridades del desarrollo del Estado francés. Cada época es un bloque enorme que requiere una divulgación especial, que no se puede hacer en el marco de un artículo.

A lo largo del siglo XV, en un entorno histórico complejo, caracterizado por la fragmentación feudal y las condiciones de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se produjeron cambios en el campo de las bellas artes francesas, que gradualmente adquirieron un carácter secular.

El espíritu gótico, sin embargo, penetró profundamente en la conciencia de la gente y los gustos, basados ​​en la arraigada tradición gótica, se transformaron muy lentamente. Hasta finales del siglo XVI. en arquitectura la medieval-

En la escultura y la pintura se conservaron formas altas y renacentistas, e incluso elementos góticos.

Quizás la primera forma de arte en la que se manifestaron más plenamente las tendencias realistas fueron las miniaturas de libros. Es en las ilustraciones de salmos, evangelios, libros de horas y crónicas históricas donde vemos una nueva actitud hacia el mundo que nos rodea y una transición de una imagen convencional a una realista. La gran atención a la naturaleza, el deseo de estudiarla e imitarla han dado lugar a nuevas técnicas de transmisión de la realidad: los objetos y las figuras humanas proyectan sombras, los vastos espacios se alejan, los objetos se vuelven más pequeños a medida que se alejan y adquieren contornos borrosos. Por primera vez, los artistas comenzaron a transmitir el entorno ligero y aéreo y la mecánica del movimiento del cuerpo humano. Aspiraciones totalmente nuevas en el arte francés del siglo XV. se manifestaron en el trabajo de los artistas que trabajaban en Tours, la residencia del rey, principal centro cultural de Francia en ese momento. Touraine se llamaba Toscana francesa y aquí nació un nuevo estilo de arte del Renacimiento francés.

En Tours vivió y trabajó uno de los artistas franceses más importantes del siglo XV. -Jean Fouquet(1420-1477/81).

Fouquet fue el primer artista francés cuyo trabajo mostró tan claramente un interés por la individualidad humana y la transmisión del retrato. En el marco de la composición del altar gótico, la obra maestra indiscutible es el "díptico Melensky", en cuyo ala izquierda están representados el donante (cliente de la imagen del altar) Etienne Chevalier y el patrón San Esteban, en el ala derecha, la Virgen. y Niño. Las expresivas figuras del donante y el santo en una extensión de tres cuartos ocupan casi todo el plano de la imagen y, a pesar de cierto ascetismo de las imágenes, no parecen distantes ni sobrenaturales. El espacio detrás de sus figuras está marcado por la profundidad y sus rostros por el clavel natural. La blancura marmórea del rostro exangüe de la Virgen y del cuerpo del bebé, por el contrario, se destacan claramente sobre el fondo absolutamente plano de un trono lujoso sostenido por figuras de serafines y querubines de color rojo fuego y azul brillante. Al mismo tiempo, una frente muy afeitada, una boca pequeña, piel blanca, una cintura ajustada, una pose y un vestido azul grisáceo con una túnica de armiño son rasgos característicos de la apariencia de una dama de la corte de esa época, especialmente porque La imagen de la Virgen no deja de tener un retrato parecido a la amada Agnes Sorel de Carlos VII. Este contraste entre el momento ceremonial y sagrado y la realidad cotidiana es similar a las técnicas utilizadas por Jan van Eyck en sus pinturas de altar (ver color incl.).

Los crecientes vínculos comerciales con Italia, y luego las campañas italianas de los reyes franceses Carlos VIII y Francisco I, abrieron el camino para la penetración generalizada de la cultura renacentista italiana en Francia. La peculiaridad del humanismo francés estuvo determinada por su conexión con el entorno cortesano. No se trataba de una cultura burguesa, como en los Países Bajos, sino de una cultura cortesana, y el patrocinio del arte por parte de Francisco I le dio un tono aristocrático. En Francia, el mayor desarrollo estuvo asociado con la cosmovisión secular. sensacionalismo - percepción a través de la sensación. En el arte estuvo más representado. escuela de fontainebleau y poetas "Pléyades", Francisco I atrajo a su corte a las personas más ilustradas de Francia: poetas, artistas, científicos. Fanático del arte italiano, invitó a artistas famosos de Italia que, aunque no tuvieron un impacto significativo en el arte francés, ciertamente contribuyeron a la superación de las tradiciones medievales en él. El gran Leonardo da Vinci pasó los últimos tres años de su vida en la corte de Francisco I.

Las ideas más completas y vívidas del Renacimiento francés se plasmaron en la literatura. En la corte real había un círculo literario. La hermana del rey Margarita de Navarra, una destacada escritora (su pluma es el famoso "Heptameron", escrito a imitación del "Decameron" de Boccaccio), reunió a escritores y poetas humanistas en torno a ella, en cuyas obras sonaban con especial claridad nuevas ideas y aspiraciones. Se trataba de Rabelais, Ronsard, Montaigne, cuyas obras, sin duda, contribuyeron de una manera nueva a la transformación de la sociedad.

François Rabelais(1494-1553) fue el mayor representante del Renacimiento francés, su novela "Gargantúa y Pantagruel" jugó el mismo papel en la cultura de Francia que la "Divina Comedia" de Dante en Italia, es decir, Contribuyó en gran medida al rápido desarrollo de las ideas humanistas características del Renacimiento.

La trama fue tomada por Rabelais de la literatura popular, concretamente del libro "Grandes e invaluables crónicas del gran y enorme gigante Gargantúa". Rabelais hizo gigantes a los héroes, dotándolos de la amplitud de alma y alcance inherentes, como comúnmente se cree, a las personas grandes; El humor popular grotesco y crudo formó la base del estilo de escritura de Rabelais. La novela en sí fue un auténtico manifiesto del Renacimiento francés.

Se trata de un himno entusiasta a las nuevas ideas en el campo de la educación, al que las personas que crearon la nueva cultura concedieron gran importancia, ya que fue diseñada para preparar a una persona desde la primera infancia para percibir esta cultura. Rabelais, basándose en la práctica pedagógica de los humanistas italianos, estableció dos principios como base para la educación pública: en primer lugar, una persona debe recibir no solo conocimientos, sino también educación física y, en segundo lugar, se deben alternar varias disciplinas en el sistema educativo. las humanidades y las ciencias naturales, intercaladas con el descanso. Al declarar este programa, Rabelais atacó simultáneamente a los escolásticos y teólogos con todo el poder de su sátira desenfrenada como baluarte ideológico del viejo mundo.

La imagen de Pantagruel, que personifica al monarca ideal y al hombre ideal, reflejaba en cierta medida las virtudes que sin duda poseían los monarcas ilustrados Francisco I y Enrique II. La vida cortesana obligó al escritor a seguir los gustos del monarca, halagar su orgullo. pero al mismo tiempo dio la oportunidad de influir en estos gustos. Incluso el poeta Ronsard creó obras en las que, glorificando la casa de Valois, pedía al rey que se guiara en la vida y en los hechos por elevados principios y virtudes.

en creatividad Pierre de Ronsard(1524-1585) y escritores humanistas que se unieron en el círculo literario "Pléyades" ("Siete estrellas"), la poesía del Renacimiento francés alcanzó su apogeo. Las "Pléyades" estaban formadas por siete escritores que rompieron decisivamente con las tradiciones de la literatura medieval, vieron la fuente de la belleza perfecta en la poesía italiana antigua y moderna y defendieron los derechos de la lengua nacional francesa. El legado creativo más significativo de las Pléyades fue la poesía lírica, en la que los poetas, el primero de los cuales fue Ronsard, descubrieron su talento con notable brillantez. En el "Himno de Francia" declaró:

Cautivado a los veinte años por una belleza despreocupada, decidí derramar mi más sincero calor en poesía, pero, de acuerdo con los sentimientos de la lengua francesa, vi cuán grosera, confusa y fea era. Luego, por Francia, por mi lengua materna, comencé a trabajar con valentía y severidad:

Multipliqué, resucité, inventé palabras,

Y lo creado fue glorificado por el rumor.

Habiendo estudiado a los antiguos, descubrí mi camino,

Dio orden a las frases, variedad a las sílabas,

Encontré la estructura de la poesía y, por voluntad de las musas,

Como los romanos y los griegos, el francés se hizo grande.

En las odas de Ronsard hay un sentido sereno y pagano de la naturaleza:

Te envío estas líneas, Pastos libres, campos,

Tú, cuevas, arroyos, arboledas, ríos lentos,

Tú, cayendo del acantilado, le envío un arroyo al vagabundo.

Clave de montaña. Mi canción.

En Sonetos 1, Ronsard enriqueció la poesía francesa con una nueva métrica conocida como la línea de Ronsard:

Limpia, paje mío, con mano despiadada el esmalte de la primavera que ha adornado el jardín, el pedregal de toda la casa, vierte en él el aroma de las flores y de las hierbas que florecieron sobre el río.

¡Dame la lira! Afinaré las cuerdas para debilitar ese veneno invisible, con el que una sola mirada me quemó, gobernándome inseparablemente.

Tinta, papel: ¡danos todos los suministros! En cien hojas de papel, imperecederas como un diamante, quiero plasmar mis anhelos,

Y lo que silenciosamente derrito en mi corazón - Mi melancolía, mi dolor silencioso - Las generaciones futuras se dividirán.

Bajo Francisco I, la construcción comenzó en toda Francia. Arquitectos franceses del siglo XVI. Creó una versión original de la arquitectura renacentista nacional. Habiendo recurrido a las formas arquitectónicas antiguas y a la experiencia de Italia, no abandonaron la invención de sus antepasados. Se volvió característica la combinación de techos empinados tradicionales con ventanas de lucarna (una ventana que se abre en el techo del ático) y altas chimeneas, chapiteles y torres con un procesamiento ordenado de las paredes. La base se tomó de un antiguo castillo, construido con piedra caliza cortada en combinación con ladrillo, y reconstruido de una manera nueva con las formas arquitectónicas de los grandes clásicos. El castillo conservó la misma planta poligonal, las murallas de la fortaleza fueron desmanteladas y las fachadas de los edificios quedaron orientadas hacia los alrededores, pero se podía acceder al castillo a través de pesadas puertas con torres. La dirección vertical del edificio se suavizó mediante el uso extensivo de entablamento y una gran cantidad de ventanas alargadas; la decoración gótica habitual fue reemplazada por medallones, pilastras, hojas de acanto y salamandras coronadas, el emblema de Francisco I.

En la primera mitad del siglo XVI se construyeron muchos castillos similares. en el Valle del Loira, en residencias reales. Estos son los castillos de Blois, Chambord, Cheverny, Amboise, Chenonceau. La etapa más importante de la cultura francesa está asociada con la construcción del castillo de Fontainebleau.

soneto - una forma rígida de versificación, que consta de dos cuartetas y dos tercetos.

Castillo de Fontainebleau. Arco. J. Lebretón. Francia

En la segunda mitad de su reinado, Francisco I trasladó el centro de la actividad de la construcción más cerca de París, en la región histórica de Ile de France. El castillo, que había ido creciendo durante siglos, era un edificio bastante caótico; el arquitecto se encargó de remodelarlo en 1528. Julio Lebretón. Posteriormente, el castillo fue reconstruido varias veces, pero se conservan sus partes principales, erigidas bajo Francisco I. Se trata del llamado Patio Oval, rodeado por los aposentos del rey, entre los que se encuentra el famoso salón de baile (la galería de Enrique II).

Se les añadió una galería, llamada galería de Francisco I, que por un lado formaba el patio de la Fuente, que daba a un gran estanque, y por el otro, el patio de Diana con macizos de flores y una escultura de Diana en el centro. El edificio principal, perpendicular a la galería, cerraba ambos patios y daba al patio del Caballo Blanco, el lugar de celebraciones y torneos. Reflejaba características comunes a la arquitectura renacentista francesa que se convirtieron en definitorias para todos los edificios de orden: mampostería cuadrada y revestimiento rústico, sustitución de torres redondas por proyecciones de paredes rectangulares. - risalits 1 con el centro resaltado a lo largo de la fachada, división del piso mediante cornisas horizontales.

La biblioteca real más rica, una colección de antigüedades y obras maestras de Rafael y Leonardo da Vinci fueron transportadas a Fontainebleau. Para decorar el interior, Francisco I invitó a los artistas manieristas italianos Rosso, Primaticcio y Cellini. Encontraron seguidores entre los artistas franceses que formaron el llamado Escuela Fontainebleau.

El mayor representante del manierismo que trabajó en Fontainebleau fue el artista florentino Giovanni Baggista di Jacopo, apodado por el color de su cabello. Rosso Fiorentino(1493-1541) - florentino pelirrojo. Seguidor de Andrea del

1 Rizalit(del italiano risalita - protuberancia): parte del edificio que sobresale más allá de la línea principal de la fachada.

Rosso Fiorenpsno. Galería de Francisco I. Castillo de Fontainebleau

Sarto y Miguel Ángel, Rosso creó su propio estilo, caracterizado por una expresión extrema, construido sobre una combinación de figuras alargadas, fuertes contrastes y ángulos agudos. Este estilo correspondía sobre todo al espíritu aristocrático del humanismo francés, las ideas predominantes sobre la belleza, que conservaban la "curva gótica" y la naturaleza alegórica.

La obra principal de Rosso en Fontainebleau, y la única que ha sobrevivido, fue el diseño de la galería de Francisco I. El parquet de roble, la lámpara del techo y los paneles que llegaban hasta el centro de la pared a la “estilo francés” se hicieron según Dibujos de Rosso realizados por ebanistas. La parte superior de las paredes estaba pintada con frescos enmarcados por esculturas decorativas. Las figuras extrañamente alargadas que aparecen en ellos parecen aplanadas debido a los colores muy claros y a las líneas sinuosas y entrelazadas de la composición. La sensación de naturaleza etérea de estas figuras se ve reforzada por su proximidad a una escultura de yeso voluminosa, casi redonda, con muchos detalles: cartelas 1, guirnaldas, figuras humanas. Una combinación tan armoniosa del "estilo francés" en arquitectura, pintura espacial y escultura volumétrica realista, que hasta entonces no se había utilizado en ningún otro lugar, fue una invención creativa del propio Rosso. La galería causó una impresión sorprendente en sus contemporáneos, provocó numerosas imitaciones y se convirtió en la "progenitora" de las famosas galerías del Louvre y Versalles, ya decoradas en estilo barroco.

El artista boloñés Francesco Primaticcio (1504-1570), que fue invitado a ayudar a Rosso, se convirtió en el dictador de los gustos artísticos de la escuela de Fontainebleau tras la muerte del maestro. Primaticcio reemplazó la expresividad enfatizada de Rosso con un manierismo lento y lánguido, estableciendo un nuevo canon de belleza que combina feminidad y rasgos masculinos. Mi personaje favorito era Diana, la joven diosa virgen, alta y esbelta. Se considera que la mejor imagen de ella es la del Louvre.

1 Cartucho - decoración en forma de escudo o voluta medio desenrollada.

"Diana la Cazadora", que se asoció con la personalidad de la famosa belleza y todopoderosa favorita de Enrique II, Diana de Poitiers.

Una característica bastante característica de la cultura cortesana francesa era la fusión de poesía y pintura, variando el mismo tema.

Un ejemplo es el cuento “El Carruaje” de Margarita de Navarra, que describe cómo pasea a caballo por los prados, disfruta del paisaje rural y conversa con la gente corriente que trabaja en el campo. Tres damas nobles que emergen del bosque se quejan del sufrimiento amoroso. Su historia es tan elocuente, sus efusiones tan retóricas y acompañadas de tal abundancia de lágrimas, que el cielo se nubla y una fuerte lluvia cae al suelo, interrumpiendo este paseo elegíaco.

La misma escena fue representada en un hermoso grabado. Bernardo Salomón, y fue utilizado por Primaticcio para decorar el salón de baile de Enrique II. Aquí la magnífica decoración de Primaticcio alcanzó su punto máximo. No sólo recurrió a escenas de Las Metamorfosis de Ovidio, que resonaban en las gráciles y aireadas figuras femeninas, sino también a escenas bucólicas en las que gráciles paisajistas y campesinas representaban el idilio del trabajo campesino.

Al decorar el salón de baile, el artista abandonó la escultura, reemplazándola por baguettes doradas, esto fortaleció el papel de la pintura e introdujo mayor geometría y rigor en el diseño de la sala;

En la pintura de los interiores del palacio y en las esculturas que enmarcan las pinturas, los rasgos estilísticos de la escuela de Fontainebleau son claramente visibles. En primer lugar, se dio preferencia a los temas históricos, mitológicos y alegóricos. Pero las escenas estacionales de trabajo campesino, tan comunes en las antiguas miniaturas francesas, también se pusieron de moda. En segundo lugar, comenzaron a representar figuras femeninas desnudas, que hasta ese momento no se habían encontrado en las obras de artistas franceses. Al mismo tiempo, a las imágenes pintorescas se les dio un carácter refinado, deliberadamente secular, completamente desprovisto de calidez humana, debido a las "figuras de serpientes" desproporcionadamente alargadas. En tercer lugar, los colores favoritos se han convertido en tonos claros, casi transparentes, de color rosa pálido, azul azulado y verde suave, correspondientes a ideas manieristas sobre la belleza refinada, refinada, etérea y frágil.

Un destacado representante del estilo Fontainebleau en la escultura francesa fue Zhian. goujon(1510-1568). Su obra más espiritual es la que creó en formas antiguas junto con Pierre Lescaut(1515-1578) "Fuente de los Inocentes". Para la fuente, Goujon realizó relieves de ninfas, cuyas figuras alargadas y flexibles están inscritas en losas estrechas y alargadas. Su movimiento ingrávido y elegante se refleja en túnicas ligeras drapeadas que recuerdan al agua que fluye. Estas figuras, una especie de símbolo del gusto de la época, están asociadas con las imágenes de la poesía de Ron Sarov:

Conocí una dríada en un campo en primavera. Ella está en un traje sencillo, entre las flores, Sosteniendo un ramo con dedos descuidados, Ella caminaba frente a mí como una gran flor...

El nombre de Goujon está asociado al diseño escultórico de la fachada occidental del Louvre, erigida por Pierre Lescaut y considerada la corona de la arquitectura renacentista en Francia. La escultura se concentra en el marco de las ventanas del tercer piso y en los risalits. Figuras alegóricas de la guerra y la paz enmarcan las ventanas redondas sobre las entradas; imágenes en relieve de deidades, esclavos encadenados y genios alados sosteniendo un escudo decoran la parte superior de los risalits.

J. Goujon. Ninfas. Fuente de los Inocentes. París

Goujon también diseñó los interiores del palacio: la diosa Diana, faunos y faunos, ciervos y perros pasaron a formar parte de la lujosa decoración de la Escalera de Enrique II; En la Sala Sueca, Goujon hizo una tribuna sostenida por cariátides, similar a las estatuas del Erecteion ateniense.

Los ideales estéticos de Goujon determinaron la peculiaridad de su obra, que consiste en que no esculpió ni un solo retrato, dirigiendo todo su talento a la creación de una imagen generalizada e idealmente bella.

Simultáneamente con el desarrollo de la arquitectura, la pintura y la escultura en los siglos XV-XVI. Las artes decorativas y aplicadas están logrando un éxito significativo.

El arte de hacer esmaltes, que surgió en el sur de Francia, en Limoges, allá por el siglo XII, alcanzó una gran perfección. Pero si antes la producción de esmaltes pintados satisfacía las necesidades de la iglesia, ahora se trata principalmente de productos para fines seculares.

Los creados en el siglo XVI se caracterizan por una originalidad excepcional. artículos de loza. El lugar más importante en el campo de la producción de loza de esa época lo ocupa Bernard Palissy(1510-1590), quien creó la loza, a la que llamó “arcilla campestre”. A partir de esta loza hizo grandes platos, platos, tazas, macizos y pesados, cubriéndolos completamente con imágenes en relieve de lagartos, serpientes, cangrejos, caracoles, mariposas, hojas, conchas, ubicadas sobre un fondo azul o marrón. Los productos de Palissy, diseñados en ricos tonos marrones, verdes, grisáceos, azules y blancos, son inusualmente decorativos.

Sin embargo, la cultura artística francesa del siglo XVI. no se limitó al renacimiento festivo y alegre de la antigüedad. Paralelamente se produjo un resurgimiento de la tradición medieval, que nunca fue interrumpida por completo. En la segunda mitad del siglo XVI. La corriente gótica en el arte del Renacimiento francés estaba ganando impulso y se reflejó de manera muy singular en la obra del escultor. Germaine Pilón(1535-1605), quien se dirigió a la tumba de la iglesia.

sin cirugía plástica. Su cosmovisión estaba en consonancia con ese anhelo medieval por la otra vida, que se refleja en las "Danzas de la muerte" góticas, frescos en las paredes de los cementerios franceses. La muerte apareció allí con el terrorífico realismo de un esqueleto viviente y se dirigió al hombre en el tétrico poema de Clément Moreau:

El espíritu es como fuego y el cuerpo como tizón,

Pero el espíritu lucha por el cielo y el cuerpo lucha por el polvo.

Es una mazmorra lúgubre y odiosa,

Donde el espíritu cautivo se entristece por las brillantes alturas.

Las obras de Pilón se distinguieron por la pompa real, pero las ideas medievales sobre la virtud subyugaron cada vez más el ideal de grandeza del Renacimiento, por lo que el naturalismo y los ideales antiguos coexistieron en su estilo creativo. Así, en la lápida de Valentina Balbiani, aparece representada en la tapa del sarcófago con una magnífica túnica, con un pequeño perro, y el bajorrelieve del sarcófago con repulsivo realismo la mostraba acostada en un ataúd, desnuda y descompuesta, casi como un esqueleto. En la tumba de Enrique II y Catalina de Medici en la iglesia abacial de Saint-Denis, en lo alto de la capilla funeraria están representados con vestimentas reales, arrodillados, y abajo, bajo su bóveda, desnudos, privados de su antiguo esplendor, como los restos de algún mendigo. Estas imágenes realistas y sin adornos reflejaban el estado de ánimo sombrío inherente a todo el mundo occidental durante el período de la Contrarreforma.