Pinturas de género de artistas europeos del siglo XVII. Artistas rusos abstractos del siglo XVII. Novedad en el retrato

Contenido
Introducción

1.1. Rembrandt Harmens van Rijn - el más grande artista holandés siglo 17
1.2. Rubens Pedro Pablo
1.3. Pintor francés Poussin Nicolas
Capítulo II Rusos artistas XVII siglo
2.1. Zubov Alexey Fedorovich (1682-1750)
2.2. Nikitin Iván Nikitich (1680-1742)
Conclusión
Referencias

Introducción

La pintura del siglo XVII se desarrolló bajo la influencia del estilo barroco, que dominó el arte europeo hasta mediados del siglo XVIII. La nueva filosofía del mundo, que consistía en cambios de juicio sobre la unidad, la diversidad y la inmensidad del mundo, tuvo una gran influencia en la cosmovisión de los artistas de esa época. Esplendor y dinámica, intensidad de sentimientos y patetismo, vistosidad, realidad e ilusión, contrastes y juegos de luces distinguen la pintura de este período.
El siglo XVII fue en gran medida importante en la formación de las culturas nacionales de los tiempos modernos. En este momento se completó el proceso de localización de las escuelas de arte, cuya diversidad estuvo determinada principalmente por las condiciones del desarrollo histórico y las tradiciones establecidas en cada país específico. Los artistas rusos del siglo XVII se dedicaban principalmente a la pintura de iconos. Los artistas españoles del siglo XVII se formaron bajo la ideología de las órdenes monásticas, por lo que los principales encargos de obras de arte procedían del ámbito espiritual. Los artistas italianos del siglo XVII estudiaron de cerca diversas ciencias: ciencias naturales, perspectiva, anatomía y otras. Representaron escenas religiosas en sus pinturas como seculares. En los episodios aprendimos a transmitir el carácter y revelar las experiencias profundas de una persona. Echando un vistazo a La Crucifixión escrita por Andrea Mantegna. Los artistas holandeses del siglo XVII se distinguieron por predominar en casi todos los tipos de pintura. Esta profesión no era nada rara; existía una seria competencia entre los primeros artistas. En Holanda, las pinturas de artistas del siglo XVII decoraban las casas no sólo de los miembros ricos de la sociedad, sino también de artesanos y campesinos corrientes.
Capítulo I Artistas extranjeros del siglo XVII
1.1.Rembrandt Harmens van Rijn: el mayor artista holandés del siglo XVII
La obra del artista holandés Rembrandt Harmens van Rijn (1606-1669) es una de las cumbres de la pintura realista mundial. Rembrandt pintó cuadros sobre temas, retratos y paisajes históricos, bíblicos, mitológicos y cotidianos. Fue el mayor maestro de dibujo y grabado de Europa. Su obra se caracteriza por el deseo de una comprensión filosófica de la vida, la honestidad hacia sí mismo y las personas y el interés por el mundo espiritual del hombre. La valoración moral de los acontecimientos y de las personas es el nervio principal del arte del maestro. El artista transmitió perfectamente la espiritualidad del modelo y el dramatismo del evento a través de los efectos del claroscuro, cuando el espacio parece ahogarse en las sombras, en un crepúsculo dorado, y un rayo de luz resalta las figuras individuales de las personas, sus rostros, gestos y movimientos. En este método de construcción pictórica de un cuadro, Rembrandt no tenía igual (sólo el italiano Caravaggio puede competir con él en su habilidad en el uso del claroscuro). Como suele ocurrir en la historia del arte, a pesar de su brillante talento, Rembrandt murió en la pobreza y la soledad, un maestro olvidado e inútil. Pero sus obras perduran durante siglos, por lo que se puede decir sin exagerar que Rembrandt es uno de los más grandes artistas de la historia del arte mundial. Muchos lo considerarían un pintor insuperable, incluso mucho más grande que Rafael o Leonardo. Su trabajo parecía estar limitado por las tradiciones y dogmas del arte protestante holandés, porque nunca viajó fuera de Holanda. Y, sin embargo, Rembrandt no sólo se deleita con su brillante técnica pictórica, sino que también revela con su obra una revelación: nunca nadie había hablado de los simples sentimientos humanos de forma tan profunda, tierna, interesante y conmovedora. En sus escenas históricas y bíblicas, en sus retratos de sus contemporáneos, alcanza profundidades de expresividad psicológica. Su sabiduría, compasión y perspicacia son probablemente el resultado del autoconocimiento: muchas veces, como nadie, pintó autorretratos y plasmó el camino de su vida, desde la juventud y el éxito hasta la vejez, que le trajo dolores y privaciones. EN momento presente Se conocen más de cien autorretratos de Rembrandt, cada uno de los cuales es una obra maestra asombrosa. Gracias a circunstancias históricas afortunadas, Rusia tiene ahora una de las colecciones más ricas de pinturas de Rembrandt. Casi todos se conservan en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, incluidas obras maestras tan famosas como "El regreso del hijo pródigo", "Dánae", "Retrato de Saskia como Flora", "Retrato de un anciano vestido de rojo". ”, “David y Urías”, etc. Más de una generación de artistas rusos estudiaron las pinturas de Rembrandt en el Hermitage. Si no tiene la oportunidad de visitar el Hermitage Estatal, le invitamos a nuestra galería virtual de pinturas de Rembrandt. Aquí puedes ver casi todo. obras maestras famosas maestros, muchos de los cuales reciben descripciones detalladas. Disfruta de tu viaje a un mundo fascinante artista increíble y una persona sensible: Rembrandt.

1.2. Pedro Pablo Rubens

Pedro Pablo Rubens, 1577–1640 - artista flamenco y diplomático. Nacido en Siegen, Westfalia, el 28 de junio de 1577 en la familia de Jan Rubens, un abogado de Amberes. Cuando Peter Paul Rubens tenía once años, su padre murió y su madre se mudó con los niños a Amberes. El futuro artista se educó en un colegio jesuita. Su habilidad para los idiomas (hablaba seis idiomas) le permitió no sólo dominar herencia cultural de su época, sino también para lograr éxitos significativos en el campo diplomático. Rubens estudió con tres pintores flamencos: Tobias Verhahat, Adam van Noort y Otto van Ven. En 1598 fue admitido en el gremio de St. Lucas. En 1600 el artista llegó a Italia; allí estudió arquitectura y escultura antiguas, pintura italiana y también pintó retratos (principalmente en Génova) y retablos (en Roma y Mantua). En 1603, el mecenas italiano de Rubens, Vicenzo Gonzaga, lo envió a España como parte de una misión diplomática. En 1608, Rubens se convirtió en pintor de la corte de Isabel de Austria, se instaló en Amberes y en 1609 se casó con la aristócrata Isabella Brant. De este matrimonio nacieron tres hijos. Para satisfacer la creciente demanda de sus pinturas, Rubens creó durante varios años un gran taller, donde trabajaron A. van Dyck, Jacob Jordaens y F. Snyders. Hizo bocetos, que sus alumnos y asistentes transfirieron al lienzo y luego, al finalizar el trabajo, corrigió ligeramente las pinturas. Incluso organizó una escuela de grabado para difundir aún más su obra. Las pinturas de Rubens de estos años están llenas de una dinámica apasionada. Entre los temas predominan escenas de caza, batallas, episodios evangélicos vívidos y dramáticos y escenas de la vida de santos, composiciones alegóricas y mitológicas; en ellos Rubens se complacía en pintar los cuerpos enérgicos y poderosos que tanto gustaban a sus contemporáneos. Además de los encargos procedentes de las iglesias locales y de los aristócratas de Amberes, el artista recibió encargos del extranjero, principalmente de Inglaterra. El gran taller, cuyo edificio diseñó al estilo de un palacio genovés (restaurado en 1937-1946), pronto se convirtió en un centro social y un símbolo de Amberes. En la década de 1620, Rubens trabajó para la casa real francesa. Escribió para María de Medici un ciclo de paneles alegóricos sobre escenas de su vida y realizó cartones para tapices por encargo de Luis XIII, y también inició un ciclo de composiciones con episodios de la vida del rey francés Enrique IV de Navarra, que quedó inconcluso. . Desde principios de la década de 1620, Rubens participó activamente en actividades diplomáticas. En 1628 y 1630 Rubens viajó a Madrid y Londres en misiones diplomáticas y participó en la celebración de un tratado de paz entre España, Inglaterra y Holanda. Al regresar a Amberes, Rubens fue recibido con grandes honores; el rey español le concedió el título de consejero de estado y el rey inglés le concedió nobleza personal. Pronto Rubens se casó con Elena Fourman, de dieciséis años; tuvieron cinco hijos. Durante estos años, el estilo de Rubens cambió: las composiciones se construyen con un ritmo libre y suave, característico de período temprano creatividad, la rígida interpretación escultórica de las formas es reemplazada por un modelado de colores más claro y aireado. En ellos se puede apreciar la influencia de las obras de Tiziano, que Rubens copió durante su estancia en Madrid. A pesar de que dedicó mucho tiempo a trabajar en grandes composiciones y estructuras decorativas (pintar el techo del salón de banquetes del Palacio Whitehall de Londres; arcos triunfales en honor a la entrada del infante Fernando en Amberes; decorar el castillo de caza de Torre de la Parada), Rubens logró escribir también más obras líricas de cámara. Entre ellos se encuentran el retrato de "Helena Fourmin Coat" (c. 1638-1640, Viena, Kunsthistorisches Museum), "Kermessa" (c. 1635-1636, Louvre) y, sobre todo, varios paisajes radiantes y brillantemente iluminados creados en los últimos tiempos cinco años de vida en una finca cerca de Mechlin. Rubens murió el 30 de mayo de 1640.
En sus obras, Rubens logró lograr lo que habían luchado tres generaciones anteriores de artistas flamencos: la combinación del realismo flamenco con la tradición clásica revivida por el Renacimiento italiano. El artista estaba dotado de una enorme energía creativa y una imaginación inagotable; inspirándose en los más diferentes fuentes, creó su propio estilo único. Las imágenes de altar que creó se caracterizan por la sensualidad y la emotividad; Decorando los castillos de la aristocracia de la era del absolutismo emergente, contribuyó a la difusión del estilo barroco, el lenguaje artístico no solo de la Contrarreforma, sino también cultura secular esta vez.

1.3. Pintor francés Poussin Nicolas
Nacido en 1594 en Les Andelys en Normandía. El primer maestro de Poussin fue Quentin Varen de Amiens, que vivió en Les Andelys en 1611-1612. En 1612, Poussin llegó a París, donde Alexandre Cutois, el ayuda de cámara del rey, le dio al joven artista la oportunidad de visitar la colección real de pinturas; allí vio por primera vez las obras de Rafael y los maestros de su escuela. En París, Poussin conoció al poeta Giovanni Battista Marino, para quien posteriormente completó una maravillosa serie de dibujos basados ​​en temas de Ovidio, Virgilio y Tito Livio, que ahora se conservan en el Castillo de Windsor.
En la primavera de 1624, el artista llegó a Roma y se instaló allí para el resto de su vida. En 1640, cuando la fama de Poussin finalmente llegó a su tierra natal, recibió una invitación de Luis XIII y se vio obligado a regresar a París por un tiempo. En París, Poussin creó obras como La Eucaristía, El Milagro de San Pedro. Francis Xavier (ambos en el Louvre) y El tiempo salva a la verdad de las invasiones de la envidia y la discordia (Lily, Museo de Bellas Artes). Este último fue pintado por orden del cardenal Richelieu y estaba destinado a decorar el techo. Se sabe que la vida en la corte real era una carga para Poussin, y en 1642 regresó a Roma.
Las principales fuentes de las pinturas de Poussin son obras de la antigüedad clásica y del Renacimiento italiano. Numerosos dibujos atestiguan su gran interés por los monumentos de la Antigua Roma. Posee numerosos bocetos de relieves, estatuas y sarcófagos antiguos. Sin embargo, los motivos clásicos, tan numerosos en las obras de Poussin, casi siempre son modificados y reelaborados por él de acuerdo con sus propios objetivos artísticos. De las obras de los maestros. Renacimiento italiano La pintura de Rafael y Tiziano tuvo la mayor influencia en el artista. En sus últimas obras Apolo y Dafne (c. 1664) y la serie de cuatro pinturas Las estaciones (1660-1664, todas en el Louvre), Poussin recurre a motivos líricos; Estas obras son más ricas en composición y más sutiles en técnica de ejecución que las pinturas puramente románticas del período temprano. La serie Estaciones con escenas bíblicas del Paraíso (primavera), Rut (Verano), Éxodo (Otoño) y el Diluvio (Invierno) se encuentra entre los mejores paisajes de Poussin.
Poussin crea obras que anticipan el duro espíritu cívico del clasicismo tardío ("La muerte de Germánico", hacia 1628, Instituto de Artes, Minneapolis), lienzos con espíritu barroco ("Martirio de Erasmo", hacia 1628-1629, Pinacoteca del Vaticano) Pinturas ilustradas y poéticas sobre temas mitológicos y literarios, marcadas por la especial actividad del sistema cromático, cercano a las tradiciones de la escuela veneciana. ("Venus durmiente" galería de imágenes, Dresde; "Narciso y Eco", Louvre, París; “Rinaldo y Armida”, Museo de Bellas Artes. A. S. Pushkin, Moscú; los tres, alrededor de 1625-1627; "Reino de Flora", hacia 1631-1632, Galería de Arte, Dresde; "Tancred y Erminia"). Los principios clasicistas de Poussin se revelan más claramente en las pinturas de la segunda mitad de los años 30. (“El rapto de las sabinas”, segunda versión, alrededor de 1635; “Los israelitas reuniendo maná”, alrededor de 1637-1639; ambos en el Louvre, París). El preciso ritmo compositivo que reina en estas obras se percibe como un reflejo directo del principio racional, moderando los impulsos básicos y dando grandeza a las nobles acciones de una persona. En 1640-1642, Nicolas Poussin trabajó en París en la corte de Luis XIII ("El tiempo salva a la verdad de los ataques de la envidia y la discordia", hacia 1641-1642, Museo de Arte de Lille). Las intrigas de los artistas de la corte dirigidas por S. Vouet impulsan a Poussin a regresar a Roma.

Capítulo II Artistas rusos del siglo XVII.
2.1. Zubov Alexey Fedorovich
Primero pintor en la Armería, a partir de 1699 estudió con Adrian Schonebeck “hacer escudos de armas” (para papel para sellos). Para demostrar sus conocimientos de grabado, Zubov ya en 1701 presentó a la Armería una copia de la Biblia holandesa de 1674, firmada: "después del fresco del Descenso del Espíritu Santo".
Zubov pronto se convirtió en un hábil grabador y grabó muchas hojas grandes, en las que logró una gran técnica. Una enorme vista de San Petersburgo, grabada por él mismo en 8 tablas, junto con una vista de Moscú, grabada por Jan Blicklandt, es la mejor obra de Zubov. También posee imágenes de batallas navales (“La batalla de Grenham”, 1721), celebraciones con motivo de las victorias (“La entrada ceremonial de las tropas rusas en Moscú después de la victoria en Poltava”, 1711) y otros eventos importantes de esa época. Zubov complementó la parte ceremonial de tales imágenes con detalles de la vida transmitidos con precisión. Creó grabados utilizando dibujos y diseños de arquitectos, por ejemplo M. G. Zemtsov. El carácter documental de las composiciones se combinó con el carácter decorativo de la lámina grabada y la representación de los edificios propuestos. El artista representó vistas de la ciudad a vista de pájaro, lo que contribuyó a dar la sensación de la escala de las escenas grandiosas: panoramas de las orillas del Neva.
Desde 1714, Zubov trabajó en San Petersburgo. Era capataz senior en la imprenta de San Petersburgo. Después de la muerte de Pedro I, durante el reinado de Catalina I, Zubov hizo un retrato de la Emperatriz (1726, del original de I. Adolsky), grabó, junto con P. Picart, un retrato ecuestre de Pedro (1726), Encargó retratos de su esposa e hijas al príncipe "más sereno": D. M. y M. A. Menshikov (1726). En el otoño de 1727, se cerró la imprenta de San Petersburgo, de la que Zubov había sido miembro desde su llegada a la capital del norte. Tras su dimisión, se vio obligado, como su hermano, a convertirse en un maestro del grabado popular. El artista intentó conseguir trabajo en la Cámara de Grabado de la Academia de Ciencias, pero trabajo permanente Nunca lo conseguí ahí. En 1730 regresó a Moscú.
En la antigua capital, Zubov todavía trabaja muy intensamente. En 1734 creó retratos de Pedro I, Pedro II y Anna Ioannovna. Trabaja mucho por orden de iglesias y ciudadanos ricos. Pero las cosas de Zubov de esa época muestran cuán delgada era aún la capa. nueva cultura, cuán fuertemente dependían los artistas rusos de su entorno, cuán fuertes eran aún las tradiciones de la era prepetrina. Prueba de ello es la famosa "Vista del Monasterio Solovetsky", un enorme grabado realizado por Zubov junto con su hermano Iván en 1744. Era como si no hubiera vistas de San Petersburgo, batallas ni retratos. Es como si la era de Pedro el Grande no existiera. Como si nunca hubiera abandonado Zubov Moscú y la Armería. Las últimas obras del grabador que conocemos están fechadas en 1745, y último mencionado sobre él - 1749. El maestro murió en la pobreza y la oscuridad.
La última hoja grabada por Zubov se anotó en 1741. Sus mejores retratos en negro: "Catalina I", "Pedro I", dos princesas "Daria y Marya Menshikov" - son extremadamente raros; cincel - "Catherine I", "Golovin" y "Stephan Yavorsky". Rovinsky (“Russian Engravers”, M. 1870) proporciona una lista de 110 tablas de Zubov. Algunas placas han sobrevivido hasta nuestros días e incluso son capaces de producir buenas impresiones.

2.2. Nikitin Iván Nikitich
Nacido en Moscú, hijo del sacerdote Nikita Nikitin, que sirvió en Izmailovo, hermano del sacerdote Herodion Nikitin, más tarde arcipreste de la Catedral del Arcángel en el Kremlin, y del pintor Roman Nikitin.
Estudió en Moscú, aparentemente en la Armería, posiblemente bajo la dirección del holandés Schonebeek en un taller de grabado. En 1711 fue trasladado a San Petersburgo, estudió con Johann Tannauer, artista alemán, quien fue uno de los primeros en aceptar la invitación de Pedro el Grande de trasladarse a San Petersburgo para enseñar pintura en perspectiva Artistas rusos. Rápidamente gana autoridad en la corte. En 1716-1720, con una pensión estatal, junto con su hermano Romano, fue enviado, entre veinte personas, a estudiar a Italia, Venecia y Florencia. Estudió con maestros como Tommaso Redi e I. G. Dangauer. A su regreso se convierte en artista de la corte. Así, Nikitin posee un retrato del moribundo Pedro el Grande. En 1732, junto con su hermano Roman, también artista, fue arrestado en el caso de distribución de libelos contra Feofan Prokopovich. Después de cinco años de prisión preventiva en Fortaleza de Pedro y Pablo Fue golpeado con látigos y exiliado a Tobolsk de por vida. En 1741, tras la muerte de Anna Ioannovna, recibió permiso para regresar a San Petersburgo. Partió en 1742 y murió en el camino.
Sólo existen tres obras firmadas de Nikitin, junto con las que se le atribuyen, un total de una decena. Primeros trabajos Todavía contienen rastros de parsuna, que era el único estilo de retrato en Rusia en el siglo XVII. Nikitin es uno de los primeros (a menudo llamados el primero) artistas rusos que se alejó del estilo iconográfico tradicional de la pintura rusa y comenzó a pintar cuadros en perspectiva, como se pintaba en Europa en ese momento. Por tanto, es el fundador de la tradición rusa.
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Pintura europea del siglo XVII. sigue el Renacimiento. Acerca de acontecimientos historicos, luego en esto el tiempo pasa cambio del feudalismo al capitalismo, crecimiento económico paises europeos. Debido a la gran saturación de eventos sociales, tema principal La pintura es una imagen de una persona en una situación cotidiana real. Pero los temas religiosos del Renacimiento siguen siendo fuertes. no hay ninguno estilo uniforme en pintura. Los artistas intentan y experimentan. Las direcciones más importantes son el barroco y el clasicismo. Gran influencia contribuye arte italiano. Se caracteriza por las grandes personalidades de Velázquez, Rembrandt, Poussin, Caravaggio, Rubens, Bernini.

El mayor avance en la pintura se produjo en la primera mitad del siglo XVII, principios de los años 1960. La segunda mitad del siglo XVII fue un punto de inflexión. La influencia de la política repercutió en los pintores. Pero Roma se está convirtiendo en una especie de centro artístico. joven y ya artistas experimentados vienen allí ya sea para estudiar o para vivir nuevas experiencias.

En el siglo XVII ocurrió otro hecho importante. El arte de la pintura parecía dividirse en dos campos: los maestros que sólo podían trabajar bajo el plan del gobierno y los artistas progresistas que se oponían a las tendencias establecidas en la pintura y que aportaban sus nuevas ideas.
En Italia aparecieron dos escuelas que protestaban contra el manierismo (estilo caracterizado por la pérdida de armonía entre la naturaleza y el hombre mismo, espiritual y físico). Se trata de la Escuela del Equilibrio (hermanos Caracci) y el caravaggismo de Michelangelo Merisi da Caravaggio.

escuela de equilibrio

Representantes Ludovico Caracci, Agostino Caracci y Annibale Caraccio. Al desarrollar un nuevo estilo, confiaron en dirección clásica Siglo XVI. Promovieron imágenes más sencillas, pero a la vez majestuosas. Los primeros trabajos de los hermanos Caracci fueron pintar los palacios de Bolonia. Pero estos fueron sólo los comienzos de un nuevo estilo. Las primeras obras reales del nuevo estilo pueden considerarse las pinturas de Annibale Carracci "La Ascensión de la Virgen" y "La Virgen con San Mateo".

En la década de 1580, los hermanos abrieron una Academia en Bolonia: la "Accademia dei Incaminati" (Academia que ingresa a la nueva manera). El énfasis estaba en la práctica más que en fundamentos teóricos construyendo una imagen. Además de las materias típicas de las escuelas de arte, allí se enseñaban anatomía, literatura, historia y filosofía. Este fue un paso grande e importante en el desarrollo. arte europeo. Después de todo, las escuelas posteriores se abrieron según este principio. Más tarde, Anibale Caracci se convirtió en el fundador del paisaje “clásico”.

caravaggismo

La corriente es de carácter más democrático, aunque también aboga por imágenes realistas. Pasó a primer plano después del academicismo de Bolonia. El movimiento recibió su nombre de su fundador Michelangelo Merisi da Caravaggio. Para ver un ejemplo de la presentación del estilo, puede consultar la obra de Caravaggio “El laudista”; refleja más claramente la esencia del estilo; Caravaggio fue también el pionero del estilo de pintura funeraria. En esta técnica predominan los tonos oscuros, que contrastan con detalles muy iluminados.

El seguidor más cercano de Caravaggi fue Domenico Zampieri.

En la tercera década del siglo XVII aumentó la influencia de la pintura barroca. Se le llama barroco "alto".
Más decorativo, más dinámico y expresivo. Entre los artistas de este período del siglo XVII se encuentran Giovanni Lanfranco, Francesco Barbieri (Guercino), Domenico Fetti, Lorenzo Bernini, Pietro da Nortona y Salvator Rosa.

En los años 60 se inicia la tercera etapa de la pintura del siglo XVII. Este es también el desarrollo del arte barroco, el "barroco tardío". De personalidades brillantes Los artistas incluyen a Giovanni Battista Gauli, Andrea Pozzo y Carlo Maratta.

Además de la influencia de Italia, los Países Bajos desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la pintura en el siglo XVII. De allí surgieron dos escuelas: la holandesa y la flamenca. Desarrollan temas religiosos. Un representante brillante escuela flamenca Era Rubens Pedro Pablo. Otros artistas de este período del siglo XVII: Jacob Jordan, Frans Snyders, Adrian Brouwer, David Teniers.

En cuanto a la pintura holandesa, en su apogeo prevalecieron las ideas del realismo. La gran popularidad y demanda de pintura provino de propietarios privados. Poco a poco se va produciendo una diferenciación de géneros entre los artistas. Este género cotidiano, paisaje con sus subdirecciones, pintores marinos. La obra de Caravaggio, así como la del artista alemán Adam Elsheimer, influye en la pintura holandesa. Directamente personalidades famosas Pintura holandesa: Frans Hals, Rembrandt Harmens van Rijn, Jan van Goyen, Paulus Potter, Albert Cuyp, Jan Porcellis, Gerard Dou, Gerard Terborch, Jan Vermeer de Delft, Adrian van Ostade, Philips Wouwerman.

En la pintura holandesa los géneros y los paisajes se desarrollan bien. Además, la naturaleza muerta es cada vez más popular. La peculiaridad de la naturaleza muerta holandesa es la suavidad y el carácter inherentes de los objetos. Y su papel lo desempeñaban a menudo un jamón, un trozo de pan, vasos y una pipa. De artistas famosos Este género lo distinguen Pieter Klaas y Billem Klaas Heed, Abraham van Beyeren y Billem Kalf.

En España, que era considerada el centro de las artes, a principios del siglo XVII el principal movimiento era el realismo. uno de artistas importantes de esa época era José Ribera. Se centró en temas religiosos. Junto a Ribera podemos identificar la figura de Francisco Zurbarán. Tenía un estilo de escritura especial: combinaba algunos tonos que se daban en un gran plano. Y además su pintura era bastante detallada en cuanto a vestimenta y cuerpo humano. La figura central de la pintura española del siglo XVII es Diego de Silva Velázquez. Desde el comienzo de su obra, escribió en estilo realista. pagado gran atención forma humana, rostro, pero prestó menos atención al fondo. Otro artistas españoles: Bartolomé Esteban Murillo, Valdez Leal.

La pintura francesa también estuvo influenciada por el realismo y la democracia. Uno de los primeros artistas realistas en Francia fue Jacques Callot. Escribió sobre el tema. historias bíblicas y los acontecimientos de los tiempos modernos. Posteriormente, la pintura francesa estuvo influenciada por el caravaggismo. Otros representantes pintura francesa Siglo XVII: Valentin, Georges de Latour, Aptoy Lenain, Louis Lenain y Mathieu Lenain. Los hermanos Lehnen escribieron principalmente sobre temas de género. Cada hermano tenía diferentes niveles habilidad. Después del realismo, el clasicismo comienza a cobrar impulso. Su base es el racionalismo. Los representantes de esa época fueron Nicolas Poussin (fue considerado el fundador del clasicismo en Francia), Eustache Lesueur, Philippe de Champagne.
Se crea en Francia la Academia de Pintura y Escultura. Ayudó a centralizar la pintura francesa. Charles Lebrun jugó un papel importante en la pintura francesa. Estudió con Poussin. También se pueden destacar las figuras de Pierre Mignard, Adam Frans van der Meulen, Hyacinthe Rigaud, Nicolas Largilliere.

El siglo XVII es el apogeo. periodo feudal en Rusia. En este momento, el sistema de servidumbre feudal se estaba fortaleciendo y al mismo tiempo surgían vínculos burgueses dentro del mismo sistema. El rápido desarrollo de las ciudades y de la sociedad en general condujo a un florecimiento de la cultura. La pintura también cobró fuerza en Rusia en el siglo XVII. La concentración de las masas comenzó en ciudades principales, que, a su vez, fue la razón principal de tal rápido desarrollo cultura. Los horizontes del pueblo ruso también se ampliaron con el inicio de la producción industrial, lo que les obligó a mirar más de cerca las regiones lejanas del país. Varios elementos seculares impregnan la pintura rusa del siglo XVII. Las pinturas son cada vez más populares.

El impacto de la iglesia en el arte.

La iglesia también era consciente de la gran influencia del arte, en particular de la pintura. Los representantes del clero intentaron controlar las pinturas, tratando de subordinarlas al dogma religioso. fueron perseguidos artesanos populares- pintores que, en su opinión, se desviaron de los cánones establecidos.

La pintura del siglo XVII en Rusia todavía estaba lejos de las tendencias realistas y se desarrolló extremadamente lentamente. En primer plano todavía existía una visión abstracta, dogmática y alegórica de la pintura. Los iconos y pinturas se caracterizaron por estar sobrecargados de pequeñas escenas y objetos alrededor de la imagen principal. También son características de esa época las inscripciones explicativas en las pinturas.

Personalidad y pinturas del siglo XVII.

Al describir la pintura del siglo XVII en Rusia, no se puede dejar de mencionar al artista Simon Fedorovich Ushakov, autor de tales pinturas famosas, como "El Salvador no hecho por manos", "Trinidad" y "Plantar el árbol del Estado ruso". Un fenómeno notable en la pintura fue el interés por el hombre como individuo. El retrato generalizado del siglo XVII en Rusia habla de esto.

Cabe señalar que el retrato pasó a ser propiedad de las masas recién a partir de mediados del siglo XVIII, y hasta entonces sólo aquellos cercanos al poder supremo podían dejar un recuerdo de sí mismos en el lienzo del artista. Se crearon numerosas pinturas ceremoniales y decorativas para grandes espacios públicos, como la Academia de las Artes, el Senado, el Almirantazgo y los Palacios Imperiales. Las familias también podían encargar retratos, pero no los exhibían, sino que los dejaban en su círculo. Podrían decorar incluso los apartamentos pobres de San Petersburgo de los miembros de la intelectualidad, que intentaban seguir las tendencias y la moda de la sociedad.

La influencia de la cultura de Europa occidental en la pintura rusa.

Cabe señalar que la pintura del siglo XVII en Rusia cambió mucho, especialmente en lo que respecta al retrato. comenzó a pasar a primer plano mundo real con destinos y procesos reales. Todo se volvió más secular y realista. Gran influencia vino del oeste. Los gustos estéticos de Occidente comenzaron a fluir gradualmente hacia Rusia. Se trataba no sólo del arte en general, sino también de objetos artísticos como platos, carruajes, ropa y mucho más. Se ha vuelto popular dedicarse a los retratos como pasatiempo. Estaba de moda llevar cuadros que representaban a monarcas como obsequio al rey. Además, los enviados no se mostraron reacios a adquirir retratos de su interés en las capitales del mundo. Un poco más tarde, se hizo popular imitar la habilidad de pintar sobre lienzo por parte de artistas extranjeros. Aparecen los primeros "Libros titulares", que representan retratos de soberanos rusos y extranjeros.

A pesar de que la resistencia de algunos sectores creció en proporción directa al aumento de la popularidad arte popular, fue simplemente imposible contener el movimiento. En la segunda mitad del siglo, la pintura del siglo XVII en Rusia cobró un gran impulso. En uno de los principales talleres de los centros de arte se pintaron más de cien cuadros de dos docenas de maestros bajo la dirección de Loputsky, Vuchters y Bezmin. Sus obras reflejaron las tendencias contradictorias existentes en la pintura. Algunas de las pinturas fueron realizadas en estilo oficial, y la otra parte está en Europa occidental.

Novedad en el retrato

La pintura del siglo XVII en Rusia cambió su apariencia. Encontró nuevo uniforme género secular - retrato. El hombre se convirtió en el tema principal del arte. Se puede concluir que ha aumentado el papel del individuo como persona. Los “rostros” canónicos pasaron a un segundo plano y dieron paso a las relaciones cotidianas y a la personalidad en su conjunto. Se volvió digno de la poesía. persona real, y no sólo divina o santa. El retrato ceremonial ha abandonado el escenario del arte ruso. Naturalmente, su influencia no ha terminado hoy, pero se ha vuelto menos significativa. Durante el período petrino, también encuentra un lugar en suelo ruso, e incluso existe a la par del retrato europeo.

Conclusión

Así se desarrolló la pintura del siglo XVII en Rusia. Brevemente, podemos concluir que fue en este siglo cuando momento crucial en el arte, que influyó en la cultura del país y su desarrollo posterior.

Detalles Categoría: Bellas artes y arquitectura de finales de los siglos XVI-XVIII Publicado el 06/02/2017 15:37 Vistas: 2498

Nuestro artículo se centrará en dos artistas: Jan van Goyen Y Jacob van Ruisdaele.

Ambos vivieron durante la época de la liberación de Holanda del yugo extranjero, y esta fue la Edad de Oro de la pintura holandesa. Fue en el arte de Holanda donde comenzaron a desarrollarse los siguientes géneros: retrato, paisaje, vida cotidiana, naturaleza muerta. Esto no se observaba entonces ni siquiera en los centros artísticos más destacados: Italia o Francia. Arte holandés del siglo XVII. se ha convertido en un fenómeno en mundo del arte Europa XVII v. Los maestros holandeses abrieron el camino a artistas de otras escuelas de arte nacionales europeas.

Jan van Goyen (1596-1656)

Terborch "Retrato de van Goyen" (c. 1560)

Jan van Goyen es uno de los primeros artistas que representó la naturaleza de forma natural, sencilla y sin adornos. Es el creador del nacional. paisaje holandés. La naturaleza de su país le proporcionó suficientes temas para toda su vida.
Jan van Goyen nació en 1596 en la ciudad de Leiden en la familia de un zapatero.
Aunque Jan van Goyen pasó algún tiempo en París en su juventud, en Francia el amor por paisaje sencillo Era desconocido, por lo que no vale la pena hablar de la influencia de los representantes de la pintura francesa en su obra.
En su tierra natal tuvo varios profesores de pintura, pero sólo pasó un año en el taller de Isaiah van de Velde y se comunicaba aún menos con los demás mentores.

Jan van Goyen "Paisaje con dunas" (1630-1635). Museo Kunsthistorisches (Viena)

Creación

En un principio, Goyen pintó pueblos holandeses o zonas aledañas con su vegetación, luego empezaron a predominar en sus cuadros las vistas costeras, donde el cielo y el agua ocupaban la mayor parte de los cuadros.

Jan van Goyen "Vista del río" (1655). Mauritshuis (La Haya)

Árboles, chozas o edificios de la ciudad juegan en sus cuadros. papel menor, pero tiene muy vista panorámica, así como pequeños barcos de vela y remo con figuras de pescadores, timoneles y pasajeros.
Las pinturas de Goyen son en su mayoría monótonas. Al artista le encantaba la sencillez del color, pero al mismo tiempo sus colores eran armoniosos. Aplicó la pintura en una capa ligera.

Jan van Goyen "Vista del Merwede cerca de Dordrecht (c. 1645). Rijksmuseum (Ámsterdam)

Las últimas obras del artista se distinguen por una paleta casi monocromática y el suelo translúcido les confiere una profundidad especial y un encanto único.

Jan van Goyen, Paisaje con dos robles (1641). Rijksmuseum (Ámsterdam)

Sus cuadros resultan agradables precisamente por su sencillez y realismo. El artista creó muchos lienzos artísticos, pero su trabajo no siempre fue recompensado de manera digna. Por lo tanto, Goyen tuvo que ganar dinero extra de otras formas: comerciaba con tulipanes, participaba en la valoración y venta de obras de arte, bienes raíces y terrenos. Pero los intentos de emprender por lo general no condujeron al éxito.

Jan van Goyen" escena de invierno con hielo"

Ahora su trabajo es apreciado y cualquier museo considera sus pinturas como exhibiciones valiosas.
En el Hermitage también se encuentran varios cuadros de Jan van Goyen: “Vista del río. Maas, cerca de Dortrecht", "Orilla de Scheveningen, cerca de La Haya", "Paisaje invernal", "Vista del río. Maas”, “Vista del pueblo”, “Paisaje con roble”, etc.

Jan van Goyen "Paisaje con un roble"

Además de pintar, Goyen se dedicaba al grabado (un tipo de grabado en metal) y al dibujo.

En 1632, Goyen y su familia se trasladaron a La Haya, donde vivió hasta el final de su vida, hasta 1656.

Jacob van Ruisdael (1628/1629-1682)

Jacob Isaacs van Ruisdael nació y murió en Haarlem (Países Bajos). No se han conservado retratos exactos de él. este retrato- sólo especulativo.
Actualmente, Ruisdael es considerado el paisajista holandés más importante, pero durante su vida su talento no fue suficientemente apreciado. Su maestro podría haber sido su tío, el artista Solomon van Ruisdael.
Ruisdael también era cirujano en ejercicio y trabajaba en Amsterdam.

Creación

El artista transmitió hábilmente las emociones humanas a través del paisaje. Y para él, cualquier componente del paisaje era importante: la rama de un árbol doblada por una ráfaga de viento, una brizna de hierba aplastada, una nube de tormenta, un camino transitado... Y todos estos componentes se combinaban armoniosamente en sus pinturas en un solo NATURALEZA.
Escribió con pequeños trazos. Le encantaba pintar matorrales de bosques, pantanos, cascadas, pequeñas ciudades o pueblos holandeses y, sobre todo, un cielo triunfante. Los paisajes de Ruisdael son comprensibles para cualquier persona de cualquier nacionalidad, porque expresan la unidad con la naturaleza común a todas las personas.
Ruisdael creó alrededor de 450 pinturas. Otras fuentes indican que el número es 600. La mayoría de sus paisajes están dedicados a la naturaleza de su Holanda natal, pero también pintó bosques de robles en Alemania y cascadas en Noruega.

Uno de los estilos dominantes es el barroco: es un estilo brillante e impetuoso, que se manifiesta en pompa y exceso. Miguel Ángel da Caravaggio puede ser considerado el fundador del barroco, que se originó en Italia.

El primer y más destacado representante del barroco eclesiástico fue el artista conocido como El Greco. La obra de Silva Velázquez es considerada la cúspide del arte español del Siglo de Oro del Barroco.

Los mayores representantes pintura flamenca Del siglo XVII son Peter Rubens y Rembrandt.

A principios del siglo XVIII, la posición de liderazgo la ocupaba nuevo estilo– Rococó. El nombre de esta tendencia proviene de la palabra francesa que significa "patrón de piedras y conchas". rasgo característico la nueva dirección fue un alejamiento de vida real a un mundo imaginario que encontró expresión brillante en creatividad mejores representantes estilo.

Uno de los representantes del primer período del rococó francés es Antoine Watteau, Francois Boucher, Nicolas Lancret. Género de retrato Fue desarrollado en la obra de Jean Nattier.

En el rococó italiano, los representantes destacados del estilo fueron Giovanni Tiepolo, Francesco Guardi y Pietro Longhi.

En la segunda mitad del siglo XVIII, el estilo rococó ligero y refinado en la pintura fue reemplazado por el clasicismo con su profundo contenido y su deseo de un estándar ideal. Representantes clasicismo francés A mediados del siglo XVIII son Joseph Marie Vienne, Jacques Louis David. Los representantes del clasicismo alemán son Anton Mengs, Anton Graff, Franz Maulberch.