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Secretos de pinturas antiguas en la Galería Tretyakov. ¿Qué secretos se esconden en las pinturas de artistas famosos? Misterios de la historia en imágenes.

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Secretos de pinturas famosas.

Las obras de arte a menudo adquieren especial popularidad si hay leyendas sobre ellas o si inesperadamente resultan no ser lo que parecen a primera vista. "Kultura.RF" revela los secretos de pinturas rusas famosas (y no tan famosas).

“La monja” de Ilya Repin

Iliá Repin. Monja. 1878. Galería Estatal Tretyakov / Retrato bajo rayos X

En el retrato, una joven vestida con estrictas ropas monásticas mira pensativamente al espectador. La imagen es clásica y familiar; probablemente no habría despertado el interés de los críticos de arte si no fuera por las memorias de Lyudmila Shevtsova-Spore, la sobrina de la esposa de Repin. Revelaron una historia interesante.

Esto no impidió que el artista pintara repetidamente retratos de Sofía. Para uno de ellos, la niña posó con un vestido de fiesta formal: un vestido ligero y elegante, mangas de encaje y un peinado alto. Mientras trabajaba en la pintura, Repin tuvo una seria pelea con la modelo. Como sabes, cualquiera puede ofender a un artista, pero pocos pueden vengarse de forma tan creativa como lo hizo Repin. El artista ofendido “vistió” a Sofía en el retrato con ropas monásticas.

La historia, parecida a una anécdota, fue confirmada mediante una radiografía. Los investigadores tuvieron suerte: Repin no eliminó la capa de pintura original, lo que les permitió examinar en detalle el traje original de la heroína.

"Park Alley" de Isaac Brodsky

Isaac Brodsky. Callejón del parque. 1930. Galería Estatal Tretyakov, Moscú / Isaac Brodsky. Callejón del parque en Roma. 1911

Un misterio igualmente interesante dejó a los investigadores el alumno de Repin, Isaac Brodsky. La Galería Tretyakov alberga su cuadro "Park Alley", que a primera vista no tiene nada de especial: Brodsky tenía muchas obras sobre temas de "parques". Sin embargo, cuanto más te adentras en el parque, más capas de colores encontrarás.

Uno de los investigadores notó que la composición de la pintura recordaba sospechosamente a otra obra del artista: "Park Alley in Rome" (Brodsky fue tacaño con los títulos originales). Esta pintura se consideró perdida durante mucho tiempo y su reproducción se publicó sólo en una edición bastante rara en 1929. Con la ayuda de rayos X se encontró el callejón romano que había desaparecido misteriosamente, justo debajo del soviético. El artista no limpió la imagen terminada y simplemente le hizo una serie de cambios simples: vistió a los transeúntes a la moda de los años 30 del siglo XX, "quitó" la ropa de los niños, quitó las estatuas de mármol. y modificó ligeramente los árboles. Así, con un par de ligeros movimientos de la mano, el soleado parque italiano se convirtió en un ejemplar soviético.

Cuando se les preguntó por qué Brodsky decidió ocultar su callejón romano, no encontraron respuesta. Pero se puede suponer que la descripción del “modesto encanto de la burguesía” en 1930 ya no era inapropiada desde un punto de vista ideológico. Sin embargo, de todas las obras de paisaje posrevolucionarias de Brodsky, "Park Alley" es la más interesante: a pesar de los cambios, la imagen conservó la encantadora gracia del Art Nouveau, que, lamentablemente, ya no existía en el realismo soviético.

“Mañana en un bosque de pinos” de Ivan Shishkin

Ivan Shishkin y Konstantin Savitsky. Mañana en un pinar. 1889. Galería Estatal Tretyakov

Un paisaje forestal con oseznos jugando en un árbol caído es quizás la obra más famosa del artista. Pero la idea del paisaje se la sugirió a Ivan Shishkin otro artista, Konstantin Savitsky. También pintó un oso con tres cachorros: el experto en bosques Shishkin no tuvo suerte con los osos.

Shishkin tenía un conocimiento impecable de la flora forestal; notó los más mínimos errores en los dibujos de sus alumnos: o la corteza de abedul estaba representada incorrectamente o el pino parecía falso. Sin embargo, las personas y los animales siempre han sido escasos en sus obras. Aquí es donde Savitsky acudió al rescate. Por cierto, dejó algunos dibujos y bocetos preparatorios con oseznos: buscaba poses adecuadas. "Mañana en un bosque de pinos" originalmente no era "Mañana": la pintura se llamaba "Familia de osos en el bosque" y solo había dos osos en ella. Como coautor, Savitsky también puso su firma en el lienzo.

Cuando el lienzo fue entregado al comerciante Pavel Tretyakov, se indignó: pagó por Shishkin (encargó una obra original), pero recibió a Shishkin y Savitsky. Shishkin, como persona honesta, no se atribuyó la autoría. Pero Tretyakov siguió el principio y borró blasfemamente la firma de Savitsky del cuadro con trementina. Más tarde, Savitsky renunció noblemente a los derechos de autor y los osos fueron atribuidos a Shishkin durante mucho tiempo.

“Retrato de una corista” de Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Retrato de una corista. 1887. Galería Estatal Tretyakov / Reverso del retrato

En la parte posterior del lienzo, los investigadores encontraron un mensaje de Konstantin Korovin en cartón, que resultó ser casi más interesante que la pintura misma:

“En 1883, en Jarkov, un retrato de una corista. Escrito en un balcón de un jardín público comercial. Repin dijo cuando S.I. Mamontov le mostró este boceto que él, Korovin, estaba escribiendo y buscando algo más, pero ¿para qué sirve? Esto es pintar por pintar. Serov aún no había pintado retratos en ese momento. Y la pintura de este boceto me resultó incomprensible??!! Entonces Polenov me pidió que eliminara este boceto de la exposición, ya que ni a los artistas ni a los miembros (el Sr. Mosolov y algunos otros) les gustó. La modelo no era una mujer hermosa, incluso algo fea”.
Konstantin Korovin

La "Carta" desarmó por su franqueza y su atrevido desafío a toda la comunidad artística: "Serov aún no había pintado retratos en ese momento", pero él, Konstantin Korovin, los pintó. Y supuestamente fue el primero en utilizar técnicas características del estilo que luego se llamaría impresionismo ruso. Pero todo esto resultó ser un mito que el artista creó intencionalmente.

La armoniosa teoría de que "Korovin es el precursor del impresionismo ruso" fue destruida sin piedad por una investigación técnica y tecnológica objetiva. En el anverso del retrato encontraron la firma del artista en pintura y justo debajo en tinta: “1883, Jarkov”. El artista trabajó en Jarkov entre mayo y junio de 1887: pintó escenografías para las representaciones de la Ópera Privada Rusa Mamontov. Además, los historiadores del arte han descubierto que el "Retrato de una corista" fue pintado de cierta manera artística: a la prima. Esta técnica de pintura al óleo permitió pintar un cuadro en una sola sesión. Korovin comenzó a utilizar esta técnica sólo a finales de la década de 1880.

Después de analizar estas dos inconsistencias, el personal de la Galería Tretyakov llegó a la conclusión de que el retrato no fue pintado hasta 1887, y Korovin añadió una fecha anterior para enfatizar su propia innovación.

“El hombre y la cuna” de Ivan Yakimov

Iván Yakimov. Hombre y cuna.1770. Galería Estatal Tretyakov / Versión completa de la obra.

Durante mucho tiempo, el cuadro "El hombre y la cuna" de Ivan Yakimov desconcertó a los críticos de arte. Y ni siquiera se trata de que este tipo de bocetos cotidianos sean completamente inusuales en la pintura del siglo XVIII: el caballito de madera en la esquina inferior derecha de la imagen tiene una cuerda demasiado estirada de forma poco natural, que lógicamente debería estar tirada en el suelo. . Y era demasiado pronto para que un niño jugara con esos juguetes desde la cuna. Además, la chimenea no encajaba ni siquiera la mitad en el lienzo, lo que parecía muy extraño.

La situación fue “aclarada” -en sentido literal- mediante una radiografía. Mostró que el lienzo estaba cortado a la derecha y arriba.

La Galería Tretiakov recibió el cuadro tras la venta de la colección de Pavel Petrovich Tugoy-Svinin. Era propietario del llamado "Museo Ruso", una colección de pinturas, esculturas y antigüedades. Pero en 1834, debido a problemas económicos, la colección tuvo que venderse y el cuadro "El hombre y la cuna" acabó en la Galería Tretyakov: no todo, sino sólo la mitad izquierda. Desafortunadamente, la obra correcta se perdió, pero aún se puede ver la obra en su totalidad, gracias a otra exposición única de la Galería Tretyakov. La versión completa de la obra de Yakimov se encontró en el álbum “Colección de excelentes obras de artistas rusos y curiosas antigüedades domésticas”, que contiene dibujos de la mayoría de las pinturas que formaban parte de la colección de Svinin.

La evolución de la pintura en Rusia desde el siglo X hasta mediados del siglo XX.

Millones de personas admiran las obras de artistas famosos del pasado. Sus sorprendentes colores, el juego de sombras y luces, la habilidad con la que se pintan con tanto mimo hasta el más mínimo detalle. ¿Pero estamos mirando las pinturas con suficiente atención? ¿Vemos todo lo que el artista quería mostrarnos? A primera vista, parece que se trata sólo de paisajes, retratos, temas históricos y bíblicos. Pueden contener los secretos más sorprendentes de la historia, los secretos de sus creadores, y bajo la capa de pintura de un cuadro puede esconderse uno completamente diferente. Sólo un cuidadoso estudio y análisis llevados a cabo por especialistas pueden levantar el velo de estos secretos para nosotros, pero a veces ni siquiera ellos pueden hacerlo, y los misterios de pinturas famosas siguen sin resolverse para las generaciones futuras.

Incluso aquellas obras maestras de la pintura que nos parecen familiares y estudiadas casi milímetro a milímetro tienen sus secretos. Casi todas las obras de arte importantes tienen un misterio, un “doble fondo” o una historia secreta que deseas descubrir. Hoy compartiremos algunos de ellos.

Los proverbios de Bruegel

El cuadro "Proverbios flamencos" de Pieter Bruegel el Viejo puede considerarse uno de los acertijos más grandes y fascinantes. ¡El artista representó una tierra literalmente habitada por proverbios holandeses!

En la imagen se reconocen alrededor de 112 modismos, algunos de ellos los conocemos usted y yo. Intente buscar: "armado hasta los dientes", "nadando contra corriente" o "golpeándose la cabeza contra la pared". ¿Quizás puedas resolver el resto? Por ejemplo, ¿los que hablan de estupidez humana o, por el contrario, de previsión?

¿Música del pecado?

Hieronymus Bosch, "El jardín de las delicias", 1500-1510. Esta pintura ha causado mucha controversia desde su nacimiento, que continúa 500 años después. Uno de los temas de investigación fue el lado derecho del tríptico, llamado “Infierno musical”, que representa el tormento de los pecadores en el infierno, que son torturados con instrumentos musicales. Llamaron la atención de los investigadores las notas escritas por el artista en... las nalgas de uno de los pecadores. Las notas se reordenaron de forma moderna y… comenzó a sonar una melodía del inframundo, que se convirtió en sensación.

Y así suena la música, tocada según las notas de la imagen:

¿Dos musas de un artista?

Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, "Danae", recibió el sobrenombre de "dos caras". Las fotografías de rayos X mostraron que el rostro de Danae fue pintado dos veces: la primera vez era una imagen similar a Saskia, la difunta esposa del pintor, y la segunda, más tarde, se parecía al rostro de su otro amante, Geertje Dirks, quien se convirtió en el rostro del artista. novia después de la muerte de Saskia.

Rembrandt Harmens van Rijn, "Dánae", 1636 - 1647.

La venganza de Dalí

El cuadro "Figura en una ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. En ese momento Gala aún no había entrado en la vida del artista y su musa era su hermana Anna María. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en uno de los cuadros “a veces escupo en el retrato de mi propia madre, y esto me da placer”. Anna María no pudo perdonar un comportamiento tan impactante.

En su libro de 1949, Salvador Dalí a través de los ojos de una hermana, escribe sobre su hermano sin ningún elogio. El libro enfureció a Salvador. Durante otros diez años después de eso, la recordaba enojado en cada oportunidad. Y así, en 1954, apareció el cuadro “Una joven virgen que se entrega al pecado de la sodomía con la ayuda de los cuernos de su propia castidad”. La pose de la mujer, sus rizos, el paisaje fuera de la ventana y la combinación de colores de la pintura hacen eco claramente de “Figura en la ventana”. Hay una versión de que Dalí se vengó de su hermana por su libro.

Dos lados de cada persona.

Viejo pescador, Tivadar Kostka Chontvari, 1902. Un pescador viejo y cansado es el retrato de una persona corriente, como todos nosotros y nada más. ¿Cuál es el misterio aquí? Nadie pudo entenderlo durante la vida del artista. Y su esencia es que en cada uno de nosotros vive un Ángel y un Demonio, en el alma de cada uno está Dios y hay un Diablo. Coloca un espejo en el medio del cuadro y verás que en cada persona puede haber tanto Dios como el Diablo.

Mona Lisa austriaca

Una de las pinturas más importantes de Klimt representa a la esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. En toda Viena se hablaba del tormentoso romance entre Adele y el famoso artista. El marido herido quiso vengarse de sus amantes, pero eligió un método muy inusual: decidió encargar un retrato de Adele a Klimt y obligarlo a hacer cientos de bocetos hasta que el artista comenzó a vomitar de ella.

Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.

Bloch-Bauer quería que la obra durara varios años, para que el modelo pudiera ver cómo los sentimientos de Klimt se desvanecían. Le hizo una generosa oferta al artista, que no pudo rechazar, y todo salió según el escenario del marido engañado: la obra se completó en 4 años, los amantes hacía tiempo que habían perdido el interés el uno por el otro. Adele Bloch-Bauer nunca supo que su marido conocía su relación con Klimt.

Misterios de la última cena

Leonardo da Vinci, "La Última Cena", 1495-1498.

Fresco de Leonardo da Vinci "La última cena" 1495-1498. Durante más de cinco siglos de existencia, el famoso fresco fue destruido y restaurado más de una vez (¡la última restauración duró 21 años!). Muchos buscaron secretos en él y los encontraron: ¿de dónde vino la mano "extra" con un cuchillo? ¿De quién pintó Leonardo a Jesús y Judas?

La tecnóloga Slavisa Pesci logró el efecto visual superponiendo un reflejo de espejo translúcido sobre el original, que reveló dos figuras adicionales en los bordes de la imagen y una mujer de pie a la izquierda de Jesús con un bebé.

El músico Giovanni Maria Pala interpretó el pan y las manos sobre la mesa como una notación musical de una composición musical.

La investigadora Sabrina Sforza Galitzia cree haber resuelto el enigma contenido en La Última Cena, que predice un diluvio global que comenzará el 21 de marzo de 4006 y marcará el inicio de una nueva era para la humanidad.

El dormitorio amarillo de Van Gogh

Vincent van Gogh, "Dormitorio en Arlés", 1888 - 1889.

En mayo de 1888, Van Gogh adquirió un pequeño estudio en Arles, en el sur de Francia, donde huyó de los artistas y críticos parisinos que no lo entendían. En una de las cuatro habitaciones, Vincent instala un dormitorio. En octubre todo está listo y decide pintar “El dormitorio de Van Gogh en Arlés”. Para el artista, el color y la comodidad de la habitación eran muy importantes: todo debía evocar pensamientos de relajación. Al mismo tiempo, la imagen está decorada en alarmantes tonos amarillos.

Los investigadores de la obra de Van Gogh explican esto por el hecho de que el artista tomó dedalera, un remedio para la epilepsia que provoca graves cambios en la percepción del color del paciente: toda la realidad circundante se tiñe de tonos verdes y amarillos.

Engaños en la pintura.

A veces la búsqueda de secretos en las pinturas de artistas famosos revela engaños, voluntarios o involuntarios. Esto sucedió con el cuadro de Rembrandt "La ronda de noche" (1642). De hecho, ¡era una guardia diurna! Lo que pasa es que a lo largo de un par de cientos de años, durante los cuales el cuadro deambuló por diferentes salas hasta caer en manos de críticos de arte, logró cubrirse con una gruesa capa de hollín que oscureció todo el fondo. Después de limpiar a fondo la superficie, se descubrieron detalles que confirmaban la “versión diurna”: la sombra de la mano del capitán cae de tal manera que se puede suponer que la pintura representa una patrulla que salió a las calles de la ciudad a más tardar a las 2 en 'en punto de la tarde.

Rembrandt, "La Ronda de Noche", 1642.

Vincent van Gogh engañó a todos con su Autorretrato con una pipa, en el que se representaba a sí mismo con una oreja vendada. Efectivamente la oreja estaba dañada, pero no la derecha, sino la izquierda. El engaño es obvio y, muy probablemente, accidental: simplemente se pintó mientras se miraba en el espejo.

Vincent van Gogh, "Autorretrato con pipa".

Y un engaño más que todos conocemos desde pequeños por los envoltorios de caramelos. La famosa "Mañana en el bosque de pinos" (1889) de Ivan Shishkin, el mayor maestro del paisaje. El artista, que pintaba paisajes maravillosamente, temía que sus osos no salieran “vivos” y verdaderamente conmovedores. Por ello, recurrió a la ayuda de otro maestro artista animal, Konstantin Savitsky, que sabía dibujar osos como nadie. Inicialmente, los nombres de ambos autores estaban en el lienzo, pero... Tretyakov ordenó que se borrara el nombre del pintor de animales.

Ivan Shishkin, “Mañana en el bosque de pinos”, 1889.

Secretos de la Gioconda

Muchos historiadores del arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan Bautista" y "Baco". También hay versiones de que Salai, vestida con un vestido de mujer, servía como imagen de la propia Mona Lisa.

La opinión generalmente aceptada es que la Mona Lisa es la perfección y su sonrisa es hermosa en su misterio. Sin embargo, el crítico de arte estadounidense (y dentista a tiempo parcial) Joseph Borkowski cree que, a juzgar por su expresión facial, la heroína ha perdido muchos dientes. Mientras estudiaba fotografías ampliadas de la obra maestra, Borkowski también descubrió cicatrices alrededor de su boca. “Ella “sonríe” así precisamente por lo que le pasó”, opina el experto. "Su expresión facial es típica de las personas que han perdido los dientes frontales".

barco volcado

El artista pintó dos velas por una razón; la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua. Para no equivocarse en cómo colgar el cuadro, es necesario prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y la parte superior de la vela de la pintura debe estar hacia la esquina superior derecha.

Henri Matisse, "El barco", 1937.

Dos "Desayunos sobre la hierba"

Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron en el estilo del impresionismo. Monet incluso tomó prestado el título de una de las pinturas más famosas de Manet, "Almuerzo sobre la hierba", y escribió su propio "Almuerzo sobre la hierba".

Edouard Manet, Almuerzo sobre la hierba, 1863.

Claude Monet, Almuerzo sobre la hierba, 1865.

¿Cuántos secretos más, códigos y mensajes secretos, interpretaciones erróneas y engaños se esconden en las pinturas de grandes artistas? Quién sabe, tal vez sean revelados literalmente mañana, o tal vez solo la próxima generación de investigadores.

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El arte no es sólo una fuente de inspiración, sino también un gran misterio. Después de todo, los artistas suelen añadir detalles interesantes a sus pinturas o dejar mensajes que no se notan a primera vista.

sitio web Coleccionó obras maestras de la pintura con secretos inesperados. Al final del artículo encontrarás un extra: una de las suposiciones más extrañas sobre la Mona Lisa.

10. Oído equivocado

En el Autorretrato con una oreja cortada y una pipa de Vincent van Gogh, está claro que la oreja derecha del artista resultó dañada. De hecho, me llegó a la oreja izquierda. El caso es que El postimpresionista usó un espejo para pintar..

9. Un cuadro dentro de un cuadro

Si miras de cerca El viejo guitarrista de Pablo Picasso, puedes ver la silueta de una mujer. Utilizando imágenes infrarrojas y de rayos X, los científicos del Instituto de Arte de Chicago descubrieron varias figuras más escondidas debajo de la pintura. Lo más probable es que el artista no tuviera suficiente dinero para comprar lienzos nuevos y se viera obligado a pintar encima de los viejos.

8. "Night Watch" era de día

Durante la restauración del cuadro de Rembrandt "La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburgh", más conocido como "La ronda de noche", se descubrió en él una gruesa capa de hollín en 1947. Después de la limpieza, resultó que los eventos representados en el lienzo tienen lugar durante el día, no de noche.

7. Código anatómico de la Capilla Sixtina

6. Símbolo de fuerza

En el fresco "David y Goliat", Miguel Ángel cifró la letra hebrea "gimel", que en la tradición mística de la Cabalá significa fuerza.

5. El estrabismo de Rembrandt

Margaret Livingstone y Beville Conway estudiaron los autorretratos de Rembrandt y demostraron que el artista padecía estrabismo. Debido a una enfermedad, el pintor percibía el mundo de manera diferente a otras personas, y Vi la realidad no en 3D, sino en 2D.. Sin embargo, es posible que gracias a la estereoceguera, Rembrandt creara sus obras maestras inmortales.

4. Venganza de los amantes

Una de las pinturas más famosas de Gustav Klimt representa a Adele Bloch-Bauer. El artista recibió el encargo del magnate Ferdinand Bloch-Bauer de pintar un retrato de su esposa. Se enteró del romance entre Adele y Klimt y creyó que Después de cientos de bocetos, el pintor odiará a su amante.. El trabajo rutinario realmente calmó los sentimientos del modelo y del artista.

3. Predecir el fin del mundo

La investigadora italiana Sabrina Sforza Galizia ha propuesto una interpretación inusual de “La Última Cena” de Leonardo da Vinci. Está segura que en su cuadro el artista dejó una predicción del fin del mundo, que sucederá el 21 de marzo de 4006. Para entender esto, investigador resolvió código matemático y astrológico"La última cena".

2. Un mundo de amarillo

Existe la superstición de que pintar un retrato puede traer mala suerte a la modelo. En la historia de la pintura rusa ha habido varias pinturas famosas que han desarrollado una reputación mística.

"Iván el Terrible y su hijo Iván 16 de noviembre de 1581". Ilya Repin

Ilya Repin tenía fama de “pintor fatal”: muchos de aquellos cuyos retratos pintó murieron repentinamente. Entre ellos se encuentran Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, el actor italiano Mercy d'Argenteau y Fyodor Tyutchev.

El cuadro más oscuro de Repin es "Iván el Terrible mata a su hijo". Curiosidad: aún se desconoce si Iván IV mató a su hijo o si esta leyenda fue realmente inventada por el enviado del Vaticano Antonio Possevino.

La imagen causó una impresión deprimente a los visitantes de la exposición. Se registraron casos de histeria y, en 1913, el pintor de iconos Abram Balashov abrió el cuadro con un cuchillo. Posteriormente fue declarado loco.

Una extraña coincidencia: el artista Myasoedov, de quien Repin pintó la imagen del zar, pronto casi mata a su hijo Iván en un ataque de ira, y el escritor Vsevolod Garshin, que se convirtió en modelo Para Tsarevich Ivan, se volvió loco y se suicidó.

"Retrato de M. I. Lopukhina". Vladimir Borovikovski

María Lopukhina, descendiente de la familia Tolstoi, se convirtió en modelo del artista a la edad de 18 años, poco después de su boda. La niña increíblemente hermosa estaba sana y llena de fuerza, pero murió 5 años después. Años más tarde, el poeta Polonsky escribiría “Borovikovsky salvó su belleza…”.

Hubo rumores sobre la conexión del cuadro con la muerte de Lopukhina. Nació la leyenda urbana de que no se debe mirar un retrato por mucho tiempo: la “modelo” sufriría el triste destino.

Algunos afirmaron que el padre de la niña, un maestro de la Logia Masónica, capturó el espíritu de su hija en el retrato.

80 años después, el cuadro fue adquirido por Tretyakov, quien no temía la reputación del retrato. Hoy la pintura se encuentra en la colección de la Galería Tretyakov.

"Desconocido." Ivan Kramskoi

La pintura "Desconocido" (1883) despertó un gran interés entre el público de San Petersburgo. Pero Tretyakov se negó rotundamente a comprar el cuadro para su colección. Así, “El Extraño” inició su recorrido por colecciones privadas. Pronto empezaron a suceder cosas extrañas: la esposa del primer dueño lo abandonó, la casa del segundo se quemó y el tercero quebró. Todas las desgracias se atribuyeron al cuadro fatal.

El propio artista no escapó a los problemas; poco después de pintar el cuadro, los dos hijos de Kramskoy murieron.

El cuadro se vendió en el extranjero, donde siguió trayendo sólo desgracias a sus propietarios, hasta que regresó a Rusia en 1925. Cuando el retrato acabó en la colección de la Galería Tretyakov, las desgracias cesaron.

"Troica". Vasili Perov

Perov no pudo encontrar un modelo para el chico central durante mucho tiempo, hasta que conoció a una mujer que viajaba por Moscú en peregrinación con su hijo Vasya de 12 años. El artista logró convencer a la mujer para que dejara a Vasily posar para el cuadro.

Unos años más tarde, Perov volvió a encontrarse con esta mujer. Resultó que un año después de pintar, Vasenka murió y su madre acudió especialmente al artista para comprarle el cuadro con su último dinero.

Pero el lienzo ya había sido comprado y expuesto en la Galería Tretyakov. Cuando la mujer vio a la Troika, cayó de rodillas y comenzó a orar. Conmovida, la artista pintó un retrato de su hijo para la mujer.

"Demonio derrotado." Mijaíl Vrúbel

El hijo de Vrubel, Savva, murió repentinamente poco después de que el artista completara el retrato del niño. La muerte de su hijo fue un duro golpe para Vrubel, por lo que se concentró en su último cuadro, "El demonio derrotado".

El deseo de terminar el cuadro se convirtió en obsesión. Vrubel continuó terminando la pintura incluso cuando fue enviada a la exposición.

Sin prestar atención a los visitantes, el artista llegó a la galería, sacó sus pinceles y continuó trabajando. Los familiares preocupados se comunicaron con el médico, pero ya era demasiado tarde: la tabes de la médula espinal llevó a Vrubel a la tumba, a pesar del tratamiento.

"Sirenas". Ivan Kramskoi

Ivan Kramskoy decidió pintar un cuadro basado en la historia de N.V. "La noche de mayo o la mujer ahogada" de Gogol. En la primera exposición en la Asociación de Itinerantes, el cuadro se colgó junto a la pastoral “Han llegado las torres” de Alexei Savrasov. La primera noche, el cuadro “Torres” se cayó de la pared.

Pronto Tretyakov compró ambas pinturas, "Las torres han llegado" ocupó un lugar en la oficina y "Sirenas" se exhibió en la sala. A partir de ese momento, los sirvientes y miembros de la casa de Tretyakov comenzaron a quejarse de los cantos lúgubres que salían de la sala por la noche.

Además, la gente empezó a notar que junto al cuadro experimentaban una rotura.

El misticismo continuó hasta que la vieja niñera aconsejó sacar a las sirenas de la luz y llevarlas al otro extremo del pasillo. Tretyakov siguió el consejo y la extrañeza cesó.

"A la muerte de Alejandro III". Ivan Aivazovski

Cuando el artista se enteró de la muerte del emperador Alejandro III, se sorprendió y pintó el cuadro sin ningún orden. Tal como lo concibió Aivazovsky, se suponía que la pintura simbolizaría el triunfo de la vida sobre la muerte. Pero, una vez terminado el cuadro, Aivazovsky lo escondió y no se lo mostró a nadie. La pintura se exhibió públicamente por primera vez sólo 100 años después.

La pintura está dividida en fragmentos; el lienzo representa una cruz, la Fortaleza de Pedro y Pablo y la figura de una mujer vestida de negro.

El efecto extraño es que, desde cierto ángulo, la figura femenina se convierte en un hombre risueño. Algunos ven esta silueta como la de Nicolás II, mientras que otros ven a Pakhom Andreyushkin, uno de esos terroristas que fracasaron en el intento de asesinato del emperador en 1887.

Tatiana Koliuchkina

Publicación original y comentarios en

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Hieronymus Bosch, "El jardín de las delicias", 1500-1510

Casi todas las obras de arte importantes tienen un misterio, un “doble fondo” o una historia secreta que deseas descubrir. hoy nosotros compartamos varios de ellos.

Música en las nalgas

Fragmento del lado derecho del tríptico

Las disputas sobre los significados y significados ocultos de la obra más famosa del artista holandés no han disminuido desde su aparición. El ala derecha del tríptico titulado “El infierno musical” representa a los pecadores que son torturados en el inframundo con la ayuda de instrumentos musicales. Uno de ellos tiene notas musicales estampadas en las nalgas. Amelia Hamrick, estudiante de la Oklahoma Christian University, que estudió la pintura, tradujo la notación del siglo XVI a un toque moderno y grabó "una canción del infierno de 500 años de antigüedad".

La venganza de Salvador Dalí

El cuadro "Figura en una ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. En ese momento Gala aún no había entrado en la vida del artista y su musa era su hermana Ana María. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en uno de los cuadros “a veces escupo en el retrato de mi propia madre, y esto me da placer”. Ana María no pudo perdonar un comportamiento tan impactante.

Dánae de dos caras

Rembrandt Harmens van Rijn, "Dánae", 1636 - 1647

Muchos secretos de una de las pinturas más famosas de Rembrandt no se revelaron hasta los años 60 del siglo XX, cuando el lienzo fue iluminado con rayos X. Por ejemplo, el rodaje mostró que en una primera versión el rostro de la princesa, que entabló una relación amorosa con Zeus, era similar al rostro de Saskia, la esposa del pintor, que murió en 1642. En la versión final del cuadro, empezó a parecerse al rostro de Gertje Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió tras la muerte de su esposa.

El dormitorio amarillo de Van Gogh

Vincent Van Gogh, "Dormitorio en Arlés", 1888 - 1889

Perfección desdentada

Leonardo da Vinci, “Retrato de Lady Lisa del Giocondo”, 1503 - 1519

Mayor en control facial

Pavel Fedotov, “El emparejamiento del mayor”, 1848

El público que vio por primera vez el cuadro "El emparejamiento del mayor" se rió a carcajadas: el artista Fedotov lo llenó de detalles irónicos que eran comprensibles para el público de la época. Por ejemplo, es evidente que el mayor no está familiarizado con las reglas de la etiqueta noble: se presentó sin los ramos necesarios para la novia y su madre. Y sus padres comerciantes vistieron a la novia con un vestido de fiesta de noche, aunque era de día (todas las lámparas de la habitación estaban apagadas). La chica obviamente se probó por primera vez un vestido escotado, se siente avergonzada e intenta huir a su habitación.

¿Por qué Liberty está desnuda?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Libertad en las barricadas", 1830

Según el crítico de arte Etienne Julie, Delacroix basó el rostro de la mujer en la famosa revolucionaria parisina, la lavandera Anne-Charlotte, que acudió a las barricadas tras la muerte de su hermano a manos de los soldados reales y mató a nueve guardias. El artista la representó con los pechos desnudos. Según su plan, este es un símbolo de valentía y desinterés, así como del triunfo de la democracia: el pecho desnudo muestra que Liberty, como plebeya, no usa corsé.

Cuadrado no cuadrado

Kazimir Malevich, “Plaza Suprematista Negra”, 1915

De hecho, “Cuadrado Negro” no es negro en absoluto ni cuadrado en absoluto: ninguno de los lados del cuadrilátero es paralelo a ninguno de sus otros lados, ni a ninguno de los lados del marco cuadrado que enmarca la imagen. Y el color oscuro es el resultado de mezclar varios colores, entre los que no se encontraba el negro. Se cree que esto no fue negligencia del autor, sino una posición de principios, el deseo de crear una forma dinámica y en movimiento.

viejo pescador

En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Csontvary pintó el cuadro “El viejo pescador”. Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar le puso un subtexto que nunca fue revelado durante la vida del artista.
A pocos se les ocurrió colocar un espejo en el centro del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo está duplicado) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo está duplicado).

Melodrama de la Mona Lisa austriaca

Gustav Klimt, “Retrato de Adele Bloch-Bauer”, 1907

El cuadro que devolvió la vida a Gauguin

Paul Gauguin, “¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?", 1897-1898

El cuadro más famoso de Gauguin tiene una peculiaridad: no se “lee” de izquierda a derecha, sino de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que interesaban al artista. Es en este orden que se desarrolla la alegoría de la vida física y espiritual humana: desde el nacimiento del alma (un niño dormido en la esquina inferior derecha) hasta la inevitabilidad de la hora de la muerte (un pájaro con un lagarto en sus garras en la esquina inferior izquierda).

El cuadro fue pintado por Gauguin en Tahití, donde el artista escapó de la civilización varias veces. Pero esta vez la vida en la isla no funcionó: la pobreza total lo llevó a la depresión. Una vez terminado el lienzo, que se convertiría en su testamento espiritual, Gauguin tomó una caja de arsénico y se fue a la montaña a morir. Sin embargo, no calculó la dosis y el suicidio fracasó. A la mañana siguiente, se dirigió a su choza y se quedó dormido, y cuando despertó, sintió una sed olvidada de vida. Y en 1898, su negocio comenzó a mejorar y comenzó un período más brillante en su trabajo.

Mona Lisa Desnuda

La famosa “La Gioconda” existe en dos versiones: la versión desnuda se llama “Monna Vanna”, fue pintada por el poco conocido artista Salai, que fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos historiadores del arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan Bautista" y "Baco". También hay versiones de que Salai, vestida con un vestido de mujer, servía como imagen de la propia Mona Lisa.

Dobles en la Última Cena

Leonardo da Vinci, "La última cena", 1495-1498

Cuando Leonardo da Vinci escribió La Última Cena, concedió especial importancia a dos figuras: Cristo y Judas. Pasó mucho tiempo buscando modelos para ellos. Finalmente logró encontrar entre los jóvenes cantantes un modelo para la imagen de Cristo. Leonardo estuvo tres años sin poder encontrar un modelo para Judas. Pero un día se encontró en la calle con un borracho tirado en una alcantarilla. Era un joven que había envejecido debido al consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a pintarle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace varios años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo le pintó a Cristo.

La inocente historia del "gótico"

Grant Wood, gótico americano, 1930

La obra de Grant Wood es considerada una de las más extrañas y deprimentes de la historia de la pintura estadounidense. La imagen del padre y la hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el carácter retrógrado de las personas representadas. De hecho, el artista no tenía la intención de representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, notó una pequeña casa de estilo gótico y decidió representar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados como los personajes que tanto ofendieron a los habitantes de Iowa.

¿"Guardia de noche" o "Guardia de día"?

Rembrandt, "La ronda de noche", 1642

Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, "La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg", estuvo colgada en diferentes salas durante unos doscientos años y no fue descubierta por los historiadores del arte hasta el siglo XIX. Como las figuras parecían aparecer sobre un fondo oscuro, se llamó "La ronda nocturna" y con este nombre entró en el tesoro del arte mundial. Y sólo durante la restauración realizada en 1947 se descubrió que en la sala el cuadro había logrado cubrirse con una capa de hollín, que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena representada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.

barco volcado

Henri Matisse, "El barco", 1937

El cuadro de Henri Matisse "El barco" se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961. Sólo después de 47 días alguien se dio cuenta de que el cuadro colgaba boca abajo. El lienzo representa 10 líneas violetas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón; la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua. Para no equivocarse en cómo colgar el cuadro, es necesario prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y la parte superior de la vela de la pintura debe estar hacia la esquina superior derecha.

Engaño en el autorretrato

Vincent van Gogh, Autorretrato con una pipa, 1889

Hay leyendas que supuestamente Van Gogh se cortó la oreja. Ahora la versión más fiable es que Van Gogh se dañó la oreja en una pequeña pelea que involucró a otro artista, Paul Gauguin. El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista aparece con la oreja derecha vendada porque utilizaba un espejo mientras trabajaba. De hecho, fue el oído izquierdo el que resultó afectado.

Dos "Desayunos sobre la hierba"

Edouard Manet, Almuerzo sobre la hierba, 1863

Claude Monet, Almuerzo sobre la hierba, 1865

osos alienígenas

Ivan Shishkin, “Mañana en el bosque de pinos”, 1889

La famosa pintura no pertenece solo a Shishkin. Muchos artistas que eran amigos a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que pintó paisajes toda su vida, temía que tocar a los osos no resultara como necesitaba. Por lo tanto, Shishkin recurrió a su amigo, el artista animal Konstantin Savitsky.

Savitsky pintó quizás los mejores osos de la historia de la pintura rusa, y Tretyakov ordenó borrar su nombre del lienzo, ya que todo en el cuadro “desde el concepto hasta la ejecución, todo habla de la manera de pintar, del método creativo. peculiar de Shishkin”.