Entrada"The Mysterious Night Hem": el romance del viejo Kiev en las pinturas de Yuri Vakulenko. — ¿Cuál es el presupuesto y los principales costes del museo?
El 26 de noviembre de 2014 se inaugurará en la galería Mystetska Zbirka una exposición de nuevas obras del artista Yuri Vakulenko.
En la nueva serie "Mysterious Night Hem", Yuri Vakulenko encarna la atmósfera romántica del viejo Kiev. El artista elige rincones conocidos sólo por los vecinos. Debajo de su pincel aparece la “Morekhodka” de Podolsk, la casa real dorada en el patio de Yaroslavskaya o la entrada “azul” de Yurkovskaya. En los lienzos de Vakulenko, cobran vida edificios abandonados con enormes agujeros negros en lugar de ventanas y puertas.
El dobladillo de Yuri Vakulenko, como en la realidad, está raído y raído. Pero a través de las grietas, los chorros de lluvia y las arrugas, se abre paso un color brillante: azul profundo, esmeralda, azul claro u dorado. Los secretos de Podol se le revelan al artista cuando la gente vuelve a casa, se encienden las luces, suena el último tranvía... Y entonces, en el silencio de la noche, las calles y casas de Podolsk cuentan mil y una historias de muchas generaciones. de los residentes de Kiev.
Yuri Vakulenko: “Hace relativamente poco que me instalé en Podol, en una casa que tiene más de cien años de historia. Día tras día, al regresar a casa, aprendí más y más secretos del antiguo Podil. A veces salía a la calle a altas horas de la noche y miraba los lugares más oscuros y misteriosos, descubría casas antiguas que cobran vida por la noche y brillan con una luz interior, desplazando del mapa nuevos edificios incompletos y sin rostro y disolviéndose en la oscuridad. .”
Sobre el autor: Yuriy Vakulenko es un pintor ucraniano y experto en antigüedades. Desde 2004 - Director del Museo Nacional de Arte Ruso. Estudió en el Instituto de Arte de Kiev, donde se graduó como artista restaurador. Trabajó en el centro de restauración y examen de la Reserva Natural Kiev-Pechersk, del que fue director en 1995. En 1988 creó la asociación artística “39.2°”. Desde 1990 se han realizado exposiciones personales en Ucrania, Italia, Hungría y España. Las pinturas se encuentran en las colecciones de los museos de la Reserva Kiev-Pechersk, en el Museo Nacional de Arte Ruso y en colecciones privadas. Las obras se exhibieron en las subastas de MacDougall's y Corners. Miembro correspondiente de la Academia Petrovsky de Ciencias y Artes de San Petersburgo, Profesor Asociado del Departamento de Especialización de la Academia de Cultura, Trabajador Cultural de Honor.
Lun - Dom: de 11:00 a 18:00
entrada gratis
Galería “Colección Mystetska”
Kyiv, st. Tereshchenkovskaya, 13 años, entrada al segundo patio del arco.
Tel.: +380501364737, +380442341427
[correo electrónico protegido]/ www.artzbirka.com
En Yalta, en la galería Pocherk, se inauguró una exposición del artista de Crimea Nikolai Muravsky y del pintor de Kiev Yuri Vakulenko “Inmersión en la belleza”.
En general, ambos autores presentaron al público 20 obras que habían creado recientemente. Según los organizadores de la exposición, amigos y personas con ideas afines en la vida, Yuri Vakulenko y Nikolai Muravsky continúan su "diálogo espiritual" en un proyecto conjunto.
“El tándem creativo de estos dos maestros, a primera vista, parece inesperado e incluso paradójico: después de todo, los artistas tienen personajes y caminos creativos completamente diferentes, trabajan en diferentes géneros, cada uno tiene un estilo especial e individual. Nikolai Muravsky es un soñador y esteta de Yalta, un filósofo, un hombre inmerso en la creatividad y que vive sólo de ella, un retratista sutil con una técnica refinada, casi joya, un maestro intelectual reflexivo que elabora sus lienzos hasta los matices más pequeños. Yuri Vakulenko es un hombre apasionado que sabe hacer de todo y en todas partes: dirigir el museo de arte ruso de la capital, dedicarse al examen y la restauración, brillar en las recepciones de la capital y, por supuesto, escribir, y escribir como él. vive: emocional, brillante e inventiva, escuchando su intuición y creando nuevos mundos, a menudo fantásticos, en los lienzos”, explicaron los organizadores.
Según los críticos de arte, dos maestros tan diferentes en una plataforma creativa estaban unidos por "el esteticismo, un deseo común de armonía espiritual, altos ideales, la búsqueda de la belleza pura y verdadera, no perturbada por nada ni nadie, sin una pizca de falsedad, sin la mezcla de dinero y sin el regusto de nuestra era cínica "
“Yuri Vakulenko descubre la armonía espiritual en la naturaleza de Crimea: un discreto arbusto floreciente ubicado a lo largo del camino real o en los contornos de las montañas que reflejan el azul del mar y el cielo. El maestro también se inspira en algunas pequeñas bellezas de Crimea, casi invisibles para todos excepto para él: linternas misteriosas que dibujan patrones de colores en los cipreses de Yalta y la bahía de Sebastopol, o en una fuente que brilla con salpicaduras en el patio de la famosa villa "Elena" de Yalta. Es curioso que todas las obras de Vakulenko de la serie gráfica presentadas en la exposición sean paisajes vespertinos o nocturnos. En ellos, el maestro juega con los contrastes de color, desde la cortina de oscuridad azul-negra hasta las brillantes emisiones rojas de las luces de la gran ciudad, una paleta tan característica de las noches de verano de Crimea. Nikolai Muravsky en sus obras gráficas también rinde homenaje a la discreta belleza de la flor de Crimea. Sin embargo, el protagonista principal de su serie gráfica es el cuerpo humano. Muravsky busca la perfección precisamente en esto: en las fuertes curvas del torso femenino y en los perfiles masculinos casi helenísticos. El artista da preferencia a las mujeres desnudas, pero las imágenes que crea no son vulgares, ni siquiera abiertamente sexuales. Los gráficos de Muravsky demuestran la máxima profesionalidad del dibujante. Sus líneas son elegantes, precisas y “renacentistas”. En bocetos casi monocromáticos, el maestro crea una sensación de los más finos matices de color, estado de ánimo y composición. No hay nada superfluo en ellos, nada que pueda distraer la atención de lo principal: la “exposición” del alma que lucha por la armonía y la belleza”, concluyeron los expertos.
El 21 de mayo, la galería Soviart inaugura una exposición personal del artista Yuri Vakulenko “Dotiki”. Presenta tres de los proyectos del artista: “Dotiki”, “Vibration Quadrum” y “Colored Cities”.
El proyecto "Dotiki" es una serie de obras táctiles en las que el artista mantiene un diálogo táctil directo con el lienzo. Como un niño que comienza a descubrir la realidad a través del tacto y toca impulsivamente todo lo que le interesa, el artista entra en contacto empíricamente con el mundo de la imagen, tocando la superficie del lienzo con la mano. Siente, “prueba” táctilmente la superficie de trabajo del lienzo con la palma, dejando en ella una huella coloreada de su mano y recibiendo de este contacto una primera impresión, un nuevo impulso creativo. Luego, el pintor toma un pincel para saturarlo de matices semánticos y coloridos y darle al grabado una plenitud figurativa. Como resultado, los "Dotiki" se convierten en composiciones tejidas caladas con intrincados bucles, arcos y rizos, que recuerdan a patrones y líneas en las palmas de las manos humanas.
Cuatro grandes lienzos con múltiples huellas de las manos del maestro (blanco sobre blanco, azul sobre azul, rojo sobre rojo y negro sobre negro) son la parte central que forma el ritmo de todo el proyecto. Alrededor de este centro se ubican caóticamente miniaturas de diversos estados de ánimo, colores, texturas y tamaños. Es interesante que algunas de estas obras estén escritas en impresiones impresas, por ejemplo en invitaciones a exposiciones de arte. El artista parece estar “probando” al tacto diferentes superficies, cualquiera que tenga a mano, incluidas aquellas que fueron creadas y saturadas de información antes que él.
El proyecto de Vakulenko “Vibration Quadrum” ya se presentó al público en el “Mystetskyi Arsenal” del año pasado y en la anterior exposición personal del artista “Contemplación”. Este año el artista expone dos nuevos trípticos de esta serie: blanco sobre blanco y dorado sobre gris. En el conocimiento artístico del mundo, el artista utiliza diferentes métodos, incluido el suprematista. La estricta belleza y armonía de los cuadrados, cantadas por primera vez por Kazimir Malevich, también atraen a Vakulenko. Pero en su interpretación los cuadrados son multicolores y vibrantes. Combinan las matemáticas congeladas de proporciones claras y la energía viva de la vibración de colores y líneas. Después de todo, la vibración es, según el artista, la base, la personificación de la vida como tal. Además, los cuadrados de Vakulenko también tienen un significado oculto y secreto, visible al ojo sólo bajo iluminación ultravioleta.
En la exposición con motivo del cumpleaños de Kiev se presentan varias obras de la serie “Ciudades de colores”, creadas por el artista a lo largo de muchos años, como homenaje del artista a su amada y natal ciudad. El primer trabajo de esta serie, "Ciudad Verde", fue escrito por él a principios de los años 90, y los dos últimos fueron creados recientemente. A pesar de la enorme distancia temporal entre las obras presentadas, las une una interpretación simbólica común del tema de la ciudad. En las ciudades de Vakulenko no verás gente; no reconocerás en ellas formas familiares ni estructuras arquitectónicas famosas. Parece más bien “huellas” coloreadas del alma o carácter de la ciudad en sus diferentes estados y estados de ánimo. "La ciudad es un organismo vivo", afirma Yuri Vakulenko. “Cambia de humor y de color muchas veces al día. Cómo una persona cambia su expresión facial."
Y en Soviart se exhibirá otro “punto culminante” del legado creativo del artista. “Retrato enérgico de una chica famosa”, la interpretación del autor de la imagen de la Mona Lisa del gran Leonardo, fue creado por el artista hace casi 20 años. El año pasado esta obra se exhibió con éxito en París y este año adornará la exposición personal del artista en Kiev.
Vakulenko Yuri Evgenievich, nacido el 19 de noviembre de 1957 en Nizhny Tagil, Rusia, pintor, artista gráfico y director general ucraniano del Museo Nacional de Arte Ruso. De 1973 a 1977 estudió pintura en la Universidad de Arte de Azerbaiyán. En 1980 se mudó a Kiev y continuó sus estudios en KHI bajo la dirección de V. Budnikov y A. Kiselev. En 1986 se graduó en KHI con el título de artista restaurador. En 1988 creó la asociación artística “39.2°”. En 1993 – 1995 realizó exposiciones personales en Italia, Hungría y España. Desde 2007 – miembro correspondiente de la Academia de las Artes de San Petersburgo.
Yuri Vakulenko difícilmente puede clasificarse como un pintor tradicional de animales. Y es obvio que el pintor no aspira a una reproducción naturalista de imágenes del mundo animal. Su “animalismo” es de un tipo completamente diferente. Los animales y pájaros que viven en los lienzos del artista no tienen nada que ver con la jungla real; son habitantes de un mundo imaginario, de cuento de hadas, que el pintor ha ido creando durante muchos años en su obra.
En los lienzos de Vakulenko, dos gallos, un gallo de mar y un gallo de tierra, se miran con alegre sorpresa y gran curiosidad. Una tortuga sobrevuela su nido en las profundidades del mar. Las profundidades son tranquilas y pacíficas. No hay tormenta en ellos y los tiburones no aplauden. Parecería que Vakulenko convierte al animal más cruel de la tierra, el tigre, en un gato peludo, que duerme sin preocupaciones y sonríe mientras duerme. Y la peligrosa pantera se convierte en un gentil y elegante capullo de terciopelo. Incluso en "Batallas de gigantes" no se trata de comerse unos a otros, sino de cazar un sueño: el "pájaro dorado".
En el mundo de fantasía creado por Vakulenko, casi todos los elementos de la vida terrenal están presentes. Contiene aire, agua, tierra, fuego. Hay bosques y flores. Y hay mariposas, abejorros, escorpiones, ranas, elefantes, tortugas e incluso cocodrilos, que no sólo conviven en armonía con los elementos naturales, sino que forman con ellos un todo integral. Nacen del viento o del fuego, emergen del agua o del aire, respiran y vibran juntos al mismo ritmo. En esta “danza” de los elementos sólo hay lugar para el hombre. No hay evidencia de actividad humana. Sólo se encuentra un rastro "material" en las pinturas animales del artista. Pero estos son rastros de Dios.
El ciclo del “monoanimalismo” puede interpretarse como un escape a una realidad alternativa “sobrenatural”. O como un intento de "limpiar" la tierra de todo lo humano y crear en ella otro "mundo de las mil mariposas", hermoso y pacífico: brillante, colorido y colorido. Y dejemos que a Vakulenko se le llame un romántico incorregible, y sus “monoanimalismos” les parezcan “dulces” a algunos. El artista, con la desesperación del “último mohicano”, defiende el punto de vista de que la paz, la bondad y la realidad ideal existen, aunque sólo vivan en su propia imaginación y en su propio lienzo.
www.vakulenko.info
Mundo fantástico. Vakulenko Yuri
Restaurador de profesión y experto en pintura de antiguos maestros y antigüedades, Yuri Vakulenko dirige desde hace 10 años el Museo Nacional de Arte Ruso de la capital. Según Vakulenko, la colección del museo que dirige es la tercera en el espacio postsoviético después de la Galería Tretyakov y el Museo Ruso de San Petersburgo. Se llama a sí mismo el guardián de las rarezas, las obras de valor incalculable, y el museo es una casa museo, porque en este edificio había una mansión de la familia Tereshchenko, donde solo se asignaron dos salas para la galería. La oficina con cuadros colgantes también se parece a la sala de un museo: aquí Yuri Vakulenko compartió con Capital las características de la cocina interior del museo, las perspectivas de la sucursal y contó cómo ayudan los patrocinadores.
— ¿Es posible evaluar la colección del museo en términos monetarios? ¿Cuáles son las mejores obras?
- Esto es algo incorrecto. En términos monetarios, las obras son valoradas más o menos objetivamente en la subasta, pero obras de un nivel como el nuestro simplemente no aparecen en las subastas. El museo tiene pinturas que pueden costar entre 10 y 50 millones de euros. En este caso, el arte se puede decir que no tiene precio, es decir, que es muy caro. Incluso si las pinturas pertenecen a la colección de un museo de renombre, el coste de la obra aumenta en un orden de magnitud. Sin embargo, es imposible poseerlos: son propiedad del Estado. Y cualquier objeto que salga ilegalmente del museo se incluye en la lista de buscados. Los alemanes se llevaron unas 600 obras de nuestro museo durante la guerra y todavía no quedan rastros de ellas. Las obras principales fueron entonces evacuadas; en su mayoría desaparecieron iconos y arte de la segunda mitad del siglo XIX. De las 13.000 piezas expuestas, unas 5.000 constituyen hoy la perla de la colección. Las más valiosas son las obras de artistas del primer escalón: Shishkin (cinco obras importantes, la corona de su obra), Vrubel, Aivazovsky, Vereshchagin, Vasnetsov, Repin.
— De estas 13 mil, sólo 900 obras pueden verse en las salas del museo. ¿Cómo decides qué mostrar al público en general?
“Nuestro museo ya tiene 92 años; la exposición permanente lleva décadas cristalizándose. Con cambios menores (15‑20 %), se mantiene estable. Aumentamos el número de exposiciones mediante exposiciones temporales y modificamos parcialmente la exposición, mostrando entre 2.000 y 3.000 exposiciones al año. Por ejemplo, los gráficos no pueden estar en exhibición por más de tres meses; deben “descansar”. También organizamos exposiciones ampliadas directamente en las salas; este año, con motivo del 170 aniversario de Repin, reforzaremos su sala con sus propias obras maestras. La exposición de iconos permanece sin cambios: nuestra pequeña pero valiosa colección.
— Probablemente usted esté siguiendo la situación del mercado mundial del arte. ¿Cuáles son las tendencias actuales en el segmento del arte ruso?
— Las obras de artistas de primer nivel gozan de un éxito sostenido. Excepto, quizás, Vrubel, quien, a pesar de su prolífica producción, rara vez sale a subasta. Las obras de primer orden, tan pronto como aparecen, desaparecen. La crisis no afectó a los precios; su coste se mide en millones y aumenta anualmente entre un 10% y un 20 %.
Recientemente, el segmento de obras de artistas de los años 1940-1960, por ejemplo Sergei Shishko, Nikolai Glushchenko, así como autores contemporáneos, se ha visto afectado. Hasta 2007, suscitaron un gran interés tanto en Ucrania como en Londres y Nueva York, los precios de las obras subieron, pero ahora no tienen demanda. Esto se debe a que los principales compradores fueron coleccionistas rusos y ucranianos, que ahora no están dispuestos a gastar dinero. Después de todo, coleccionar requiere paz, tranquilidad y estabilidad.
— ¿Se realizan exámenes de las obras de la colección del museo?
— Un cuadro acaba en un museo, por regla general, procedente de fuentes conocidas. Estudiamos algunas obras y realizamos una reatribución si no estamos seguros de la autoría del artista. No realizamos exámenes tecnológicos, ya que no existe tal posibilidad, sólo investigaciones científicas. Las colecciones de todos los museos contienen obras diferentes y no se puede decir que todas sean originales. Por ejemplo, el famoso coleccionista David Sigalov nos legó unas 400 obras, y sólo un tercio de ellas son originales absolutos, pero el museo lo conserva todo. Sin embargo, el fondo principal contiene exhibiciones que tienen una designación clara, procedencia y todas las características necesarias de importancia museística.
— Tenemos un estado de colección muy estable. En 10 años, en mi memoria, no se ha restaurado ni una sola obra en mal estado. El museo cuenta con un equipo de restauración que inspecciona periódicamente las obras. Se cree que una vez cada cinco años la obra puede requerir restauración. Llevamos algunas obras de las colecciones a un formato de exposición: las duplicamos sobre una nueva base, eliminamos las deformaciones para que puedan mostrarse, en nuevas exposiciones o en una exposición actualizada.
- Desde 2009, el museo cuenta con una sucursal: la Casa del Chocolate. ¿Por qué no muestras allí obras de la colección?
“Por el momento no existen las condiciones de seguridad necesarias para exhibir una exposición permanente de la colección. Si tenemos siete líneas de seguridad en el museo, pero solo hay tres, eso no es suficiente. Heredamos la casa del chocolate como galería de arte para niños, pero actualmente no existe un orden social para esta dirección. Por lo tanto, lo reformateamos para convertirlo en un centro de arte: realizamos exposiciones, conciertos, subimos lentamente el listón y cambiamos la ideología. Pero la dirección de los niños siguió siendo una prioridad. Queremos crear un centro educativo, cultural y artístico conservador y moderno, ampliar las salas de conferencias y las actividades de conciertos, porque muchos grupos creativos no tienen locales propios para sus actuaciones. Lo principal es que ya lo saben. En los buenos tiempos, la Casa del Chocolate es visitada por unas 11 mil personas al año.
— ¿Cuál es el presupuesto y los principales costes del museo?
— En general, el presupuesto es de unos 4 millones de grivnas. Se trata de servicios públicos (alrededor de 1 millón de grivnas), seguridad (más de 700 mil grivnas) y salarios de 100 empleados. Estos bienes protegidos los financia el Estado, aunque ya hemos destinado parte de nuestros propios fondos para pagar las facturas, porque de lo contrario nuestra calefacción no podría encenderse. Ya en 2012 hubo un precedente: nos cerraron dos semanas antes por deudas, los empleados y visitantes se congelaron.
— ¿Qué es lo más importante para lo que necesitas dinero hoy?
— Necesitamos reparar el edificio del museo, los viejos techos de cristal que se encuentran encima de la Sala Shishkin y en los que se acumula la condensación. Para ello se necesita alrededor de 1 millón de grivnas. También en la Casa del Chocolate es necesario construir el techo y los cimientos, para lo cual se necesitan alrededor de 5 millones de grivnas. Además, para instalar un sistema de alarma se necesita dinero: aproximadamente 700 mil grivnas. Y por nuestra cuenta y teniendo en cuenta las realidades actuales, queremos equipar el museo con un almacén fortificado como refugio antiaéreo.
— ¿Cuál es la asistencia al museo y cómo le afectó la situación del país?
— Todos los museos han visto una reducción en el número de visitantes de hasta un 50%. El año pasado tuvimos 70 mil invitados. Actualmente ya contamos con unos 42 mil conocedores del arte. En verano había más gente de lo habitual, la situación se estabilizó un poco y abrimos la exposición "En un solo espacio". No cerraban ni siquiera en invierno, excepto literalmente un par de días en los que el metro estuvo cerrado. En los años exitosos, por ejemplo, cuando se celebró la exposición aniversario de Aivazovsky, el museo fue visitado por 100 mil personas. Sin embargo, para nuestro museo, ubicado en un edificio antiguo, hay un límite de asistencia: no podemos permitir más de 120 mil.
— Ahora el museo exhibe pinturas de Anatoly Krivolap. ¿Qué más hay en tus planes para este año?
— El 30 de septiembre se inaugura un interesante proyecto del artista de dirección satírica única Vladislav Shereshevsky, cuyas obras también se encuentran en nuestras colecciones. En noviembre estamos preparando una exposición para el aniversario de Lermontov, donde presentaremos el cuadro de Shishkin "En el norte salvaje", una ilustración del poema del poeta.
4 millones de grivnas es el presupuesto anual medio del Museo Nacional de Arte Ruso de Kiev
— ¿Cuál debe ser el presupuesto de una exposición en un museo para que tenga éxito?
— Hicimos un buen proyecto privado “Two Centuries” con la publicación de un álbum. Su presupuesto es de unos 100.000 dólares. Esto es incluso mucho. En promedio, para preparar un proyecto de museo de alta calidad, son suficientes entre 50 y 70 mil grivnas.
— ¿Es beneficiosa para el museo la participación en proyectos internacionales?
— Por el componente financiero, sí. Recibimos regalías. En particular, una de las regalías extranjeras se utilizó para la publicación de Kyiv-Vrubel. Desde el punto de vista de la popularización, esto aporta poco, prácticamente no tiene ningún efecto sobre el reconocimiento en el extranjero ni sobre la asistencia en casa. Trabajamos principalmente con instituciones rusas, aunque últimamente ha habido problemas con la devolución de las piezas expuestas. Por esta razón, después de la exposición de Shishkin en la Galería Tretyakov, no participamos en las dos exposiciones siguientes. También trabajamos con socios occidentales: Finlandia, donde está prevista la exposición de Shishkin, y los países bálticos. La preparación de un proyecto en el extranjero suele llevar bastante tiempo: dos o tres años.
— ¿Tiene una colección personal de obras de arte?
— Cuando todavía trabajaba en Kiev Pechersk Lavra, coleccioné una pequeña colección de carácter sagrado: son iconos personalizados de San Jorge el Victorioso. Conociendo mi pequeña debilidad, mis amigos me las regalan a menudo. Mi icono favorito está colgado en mi oficina: este George se mueve conmigo de oficina en oficina. De alguna manera, inesperadamente noté el ícono en una tienda de antigüedades y se lo dije a mis amigos. Y de forma bastante inesperada, me lo regalaron cuando cumplí 40 años. Este icono ruso de principios del siglo XIX es original porque George está representado de medio cuerpo, mientras que normalmente está pintado en toda su altura o sobre un caballo. Este es mi tipo de talismán. Y, por cierto, este icono se utilizó para consagrar la Iglesia de San Jorge cerca de la estación de tren de Kievsky. Mis hijos adultos también participan en la gestión del arte, organizan subastas, se comunican con artistas contemporáneos y coleccionan sus obras, así como obras de artistas ucranianos de los años 1960 y 1970.
Yuriy Vakulenko es un pintor ucraniano y experto en antigüedades. Desde 2004 - Director del Museo Nacional de Arte Ruso. Estudió en el Instituto de Arte de Kiev (ahora Academia Nacional de Bellas Artes y Arquitectura), donde se graduó como artista restaurador. Trabajó en el centro de restauración y examen de la Reserva Natural Kiev-Pechersk, del que fue director en 1995. En 1988 creó la asociación artística “39.2°”. Desde 1990 se han realizado exposiciones personales en Ucrania, Italia, Hungría y España. Las pinturas se encuentran en las colecciones de los museos de la Reserva Kiev-Pechersk, en el Museo Nacional de Arte Ruso y en colecciones privadas. Las obras se exhibieron en las subastas de MacDougall's y Corners. Miembro correspondiente de la Academia Petrovsky de Ciencias y Artes de San Petersburgo, Profesor Asociado del Departamento de Especialización de la Academia de Cultura, Trabajador Cultural de Honor.