El Juicio Final (Miguel Ángel). El Juicio Final - fresco de Miguel Ángel

“Y esto sirve como ejemplo en nuestro arte. gran pintura, enviado por Dios a los terrenales, para que vean cómo el destino guía las mentes descendientes de un orden superior, que han absorbido la gracia y la sabiduría divina”.
[Vasari en el fresco “ Juicio Final”]

Divino Miguel Ángel. Fresco de la Capilla Sixtina “El Juicio Final”. Parte I . Foto y descripción de fragmentos del fresco de la Capilla Sixtina “El Juicio Final”.

En 1534, Miguel Ángel regresó a Roma una vez más y para siempre.

El Papa Clemente VII, que estuvo a punto de encargarle pintar la “Resurrección” para el muro del altar de la Capilla Sixtina, murió al segundo día de la llegada del artista.

El nuevo Papa Pablo III ofreció a Miguel Ángel el puesto de arquitecto y pintor jefe del Vaticano, y el artista aceptó con gratitud esta honorable oferta. El Papa Pablo decidió hacer realidad la noble intención de su predecesor y completar la pintoresca decoración de la Capilla Sixtina. Pero eligió el tema del Juicio Final en la pared del altar y en la pared opuesta sobre la entrada: "La caída de Lucifer". De estos dos grandiosos frescos, sólo se ejecutó el primero: "El Juicio Final".

Anteriormente, la pared del altar de la Capilla Sixtina estaba pintada con frescos de Pietro Perugino sobre los temas "El hallazgo de Moisés" y "El nacimiento de Cristo", que sólo conocemos en las descripciones. Para dar espacio al nuevo fresco, fue necesario destruir no sólo ellos, sino también las pinturas de Miguel Ángel en las lunetas de la pared del altar. Además, se tapiaron dos enormes ventanas ojivales, que cambiaron tanto la iluminación como la percepción de otras obras. Y ahora, en este lugar, Miguel Ángel tuvo que recrear el Juicio Final, un fresco que se convirtió en la última gran obra del Renacimiento y el presagio de un nuevo estilo en Roma: el barroco.

Este última pieza gran era iba a crearlo por última vez gran maestro: en ese momento sus principales colegas y rivales Leonardo da Vinci y Rafael ya habían fallecido.

La generación más joven idolatraba a Miguel Ángel, pero esto no pudo sacarlo de una profunda depresión: después de todo, fue testigo del lento desvanecimiento de la era de los genios humanistas, cuya fe se hizo polvo. Fue reemplazado por una nueva ideología y un nuevo arte. Los acontecimientos de esa época, especialmente el fortalecimiento del protestantismo y el efecto destructivo de la Reforma, aumentaron la intoxicación emocional de Miguel Ángel. Además, el artista tenía problemas serios con su salud: padecía artritis, migrañas, neuralgias y le dolían los dientes. A sus 60 años parecía un anciano encorvado y cansado. En tal ambiente y en tal estado, Miguel Ángel comenzó a crear una historia sobre la última tragedia de la humanidad: el Juicio Final. El fresco, que Miguel Ángel dedicó unos seis años de arduo trabajo a crear, llama la atención por su monumentalidad. El mural tiene unos 200 metros cuadrados. m (1370x1220 cm) representa cuatrocientas figuras en poses diferentes y nunca repetidas. Este mundo de diversos movimientos refleja todo el espectro de los sentimientos humanos.

El tema mismo del Juicio Final en religión pretende encarnar el triunfo de la justicia sobre el mal. Pero Miguel Ángel abandonó la idea afirmativa del Juicio Final y presentó el tema religioso como una tragedia humana. escala cósmica, cuando la Segunda Venida de Cristo se convirtió en un día de ira y horror, de lucha de pasiones y desesperación desesperada.

En este grandioso fresco no hay imágenes de poder que afirme la vida; el artista muestra a una persona impotente ante el destino. Si los frescos del techo están dedicados a los primeros días de la creación y están imbuidos de fe en el hombre, entonces el "Juicio Final" lleva la idea del colapso del mundo y la retribución por lo hecho. Miguel Ángel logró resolver un problema difícil: combinar en un conjunto la pintura del techo, que es un sistema complejo de composiciones e imágenes, con la enorme composición de "El Juicio Final" en la pared del altar de tal manera que no no interferir con la percepción de cada uno. La solución de Miguel Ángel al tema del Juicio Final difiere de la tradicional: no representa el momento del Juicio, cuando los justos ya están separados de los pecadores, sino su comienzo. Pero al mismo tiempo conservó el elemento iconográfico más importante, dividiendo el espacio del fresco en dos planos: celestial (con Cristo, la Madre de Dios y los santos) y terrenal, con escenas de la resurrección de los muertos y dividiendo en justos y pecadores.

Tampoco es convencional la aparición del joven Cristo imberbe, que personifica al Tribunal Supremo. Se remonta al tipo cristiano primitivo de Cristo Emmanuel y está completamente libre de los signos de una jerarquía religiosa convencional. Nadie antes de Miguel Ángel se atrevió a violar los antiguos cánones bizantinos de la imagen de Cristo.

El centro de la composición de "El Juicio Final" es la única figura estable de Cristo, que no se presta al movimiento. personajes. El Cristo de Miguel Ángel no es un protector misericordioso, sino un Maestro castigador. Su rostro es imparcial y el gesto de maldición con la mano sólo puede interpretarse como un gesto de retribución. Con este gesto castigador, Cristo pone en marcha un movimiento circular lento pero inexorable, que atrae en su fluir tanto a justos como a pecadores, así como a ángeles y santos, indistinguibles entre sí. Este fuerza externa La presión que cautiva a las figuras y a la que no pueden resistir es tan grande que los personajes pierden su belleza, la armonía de la privación se ve perturbada por músculos y cuerpos exageradamente poderosos, sus gestos agudos están llenos de desesperación.

Compasivamente deprimida por lo que estaba sucediendo, María se dio la vuelta confundida, incapaz de ayudar a la gente. Cristo y María están rodeados de figuras de santos que han encontrado la salvación, apóstoles y profetas, entre los que destacan: Adán, como fundador del género humano, y San Pedro como fundador de la religión cristiana. En manos de los mártires, los instrumentos de tortura son símbolos del sufrimiento que soportaron por su fe: San Sebastián con flechas, San Lorenzo con la reja de hierro en la que fue quemado.

Al pie izquierdo de Cristo, Miguel Ángel colocó a San Bartolomé, que sostiene en su mano la piel desollada viva por los perseguidores de los primeros cristianos. Miguel Ángel transmitió su estado emocional y su actitud personal hacia el tema encarnado de manera muy audaz e inusual, dando al rostro distorsionado por el sufrimiento sobre la piel desollada de San Bartolomé sus propios rasgos.

Sobre Cristo, a la izquierda, ángeles sin alas (lo cual era nuevo para la iconografía tradicional) derriban una cruz, símbolo del martirio y la humillación, y a la derecha derriban una columna, símbolo del poder terrenal pasajero.

A los pies de Cristo, siete ángeles trompetas, descritos por el evangelista san Juan, anuncian el inicio del Juicio Final; dos ángeles sostienen en sus manos el libro de la vida, donde están registrados todos los hechos humanos.

Todo el fresco está lleno de movimiento: el alma salvada se eleva al cielo a lo largo de una guirnalda de rosas. Los muertos resucitan de la tierra, reciben nuevamente sus huesos y su carne de la misma tierra, y van con esperanza y temor al juicio de Dios. Los que tienen pocos pecados se levantan fácil y libremente, mientras que los que son fuertes de espíritu ayudan a levantarse a los que necesitan apoyo.

Con continuación - Divino Miguel Ángel. Fresco de la Capilla Sixtina “El Juicio Final”. Parte II . Fotos y descripciones de fragmentos del fresco de la Capilla Sixtina "El Juicio Final" - puedes leer

En el fresco de Miguel Ángel "El juicio final", la retribución alcanza no sólo a los pecadores, sino también a aquellos que molestaron al pintor.

Fresco "El Juicio Final"
13,7 mx 12,2 m 1536-1541
Ubicado en la Capilla Sixtina del Vaticano.

Para el artista sería fácil y divertido crear si no fuera por el cliente impaciente. Miguel Ángel, que siempre prefirió la escultura a la pintura, intentó primero completar la tumba del Papa Julio II, pero el nuevo pontífice Pablo III insistió en que el maestro comenzara lo antes posible con el fresco que representa el Juicio Final para la Capilla Sixtina. El artista recordó cómo, hace más de veinte años, maldijo todo en el mundo cuando pintó el techo de la misma habitación, balanceándose sobre un andamio tembloroso en una posición incómoda, que le provocaba un dolor de espalda insoportable. Y aquí vuelve a ser lo mismo...

Sin embargo, el cliente no es tan malo, y luego vienen las críticas. Antes de que Miguel Ángel tuviera tiempo de terminar el cuadro, comenzaron a llegar quejas: dicen que los cuerpos desnudos no tienen lugar en los frescos de la capilla. Mientras tanto, según la crítica de arte Marsha Hall, el artista siguió el dogma de que al final de los tiempos los vivos y los resucitados de entre los muertos recibirán cuerpos espirituales incorruptibles.

Lo único peor que las críticas es la censura oficial. En el Concilio de Trento de 1545-1563, los jerarcas de la iglesia condenaron las libertades en la pintura religiosa. Incluso quisieron destruir el Juicio Final de Miguel Ángel. Inmediatamente después de su muerte, los cuerpos en el fresco comenzaron a ser "cubiertos" con cortinas pintadas en la parte superior. Miguel Ángel no pudo hacer nada ante la censura, pero aun así logró responder a algunos de sus malvados a su manera.

1. Cristo. Imberbe, de complexión atlética, parece una antigua estatua griega; Miguel Ángel también fue criticado por sus contemporáneos por no ser canónico, pero la belleza antigua siempre ha sido un ideal divino para el artista. Quizás la trama misma de Cristo impartiendo castigos bien merecidos a los pecadores le dio a Miguel Ángel la idea de castigar a sus propios ofensores directamente en el fresco.

2. Santa Catalina de Alejandría. Con ella comenzó el “revestimiento” de las figuras del fresco. En 1565, al alumno de Miguel Ángel, Daniele da Volterra, se le encomendó la tarea de cubrir la desnudez de la virgen y cambiar la postura de San Blas, que estaba detrás de ella. Volterra "se vengó" opinión pública: a partir de entonces fue apodado El Braghettone- “cajón de pantalones”.

3. Minos. El pintor tomó prestada esta imagen de “ divina comedia»Dante Alighieri. El artista deliberadamente le dio al demonio un retrato parecido a su primer detractor, el maestro de ceremonias papal Biagio da Cesena. Le dijo a Pablo III que este fresco con cuerpos indecentemente desnudos no era adecuado para la capilla del pontífice, sino quizás para los baños públicos.

4. San Bartolomé. Según algunos investigadores, no es casualidad que el personaje que sostiene un cuchillo y piel humana con un retrato de Miguel Ángel como atributos sea similar en apariencia al filósofo Pietro Aretino. Mientras el artista trabajaba en el fresco, el pensador lo molestaba, tratando de imponer su propia interpretación de la trama. Una vez listo El juicio final, Aretino se sumó a la persecución de Miguel Ángel por su “desnudez”, a pesar de que él mismo componía sonetos pornográficos.

5. Apóstol Pedro. Tiene las llaves de las puertas del cielo y del infierno, símbolo de los poderes delegados por Dios a San Pedro y a sus sucesores, los Papas. En Miguel Ángel, el apóstol desnudo, despojado de sus insignias, devuelve las llaves a Cristo. Esto es un indicio para los pontífices de que su poder es transitorio y en realidad no les pertenece. Algunos historiadores del arte creen que el artista le dio a Pedro los rasgos de Pablo III.

6. Autorretrato. Se cree que Miguel Ángel representó su rostro, distorsionado por el sufrimiento, sobre la piel desollada de San Bartolomé como un reproche silencioso a todos los responsables del tormento físico y mental del artista.

7. joven. El historiador de arte Fabrizio Mancinelli sugirió que Miguel Ángel representó aquí a su alumno Francesco Amadori, apodado Urbino. El artista lo “empujó” a espaldas de San Bartolomé, quizás molesto porque secciones del fresco realizadas por un asistente sin suficiente talento lo hacían imperfecto.

Artista
Miguel Ángel Buonarroti

1475 - nacido en Caprese (ahora Caprese Michelangelo, Toscana) en la familia de un funcionario.
1487–1489 - fue alumno del famoso pintor florentino Domenico Ghirlandaio; Entonces, probablemente, tuvo su primera experiencia con la pintura al fresco.
1490–1492 - Estudió escultura bajo la dirección del maestro Bertoldo di Giovanni.
1496 - Llegó a Roma por primera vez.
1508–1512 - pintó el techo de la Capilla Sixtina por orden del Papa Julio II, incluida la creación del famoso fresco "La creación de Adán".
1513–1515 - Creó la estatua de “Moisés” para la tumba de Julio II.
1534 - finalmente se mudó de Florencia a Roma.
1547 - fue nombrado arquitecto jefe de la nueva Catedral de San Pedro en construcción.
1564 - murió de fiebre en Roma. Según el testamento del artista, fue enterrado en Florencia, en la Iglesia de Santa Croce.

Foto: ALAMY / LEGION-MEDIA , DIOMEDIA, BRIDGEMAN (X2) / FOTODOM.RU

Capilla Sixtina, Juicio Final

El artista es nuevamente llamado a comparecer ante el tribunal del Vaticano. La nueva propuesta es tentadora y grandiosa: crear un fresco en la pared del altar de la Capilla Sixtina "El Juicio Final", el día de la "ira de Dios", que fue predicho por los profetas y las sibilas. En esta pared, sin embargo, ya hay frescos de Perugino, pero serán sacrificados para dejar espacio a la nueva obra maestra de Miguel Ángel.
En 1534, casi un cuarto de siglo después de terminar de pintar el techo Sixtino, el escultor comenzó a trabajar en uno de los frescos más ambiciosos de toda la historia de la pintura mundial. Cuando Miguel Ángel se hizo a la idea de que todavía tendría que pintar un fresco, cuando se encontró solo ante una gigantesca pared blanca a la que debía dar vida, se puso a trabajar, aunque en ese momento ya no era joven. A sus 60 años, parecía un anciano decrépito: arrugado, encorvado, cansado. Le dolían las articulaciones, le dolían los dientes y sufría de migrañas y neuralgias.
Esta vez el maestro trabaja solo, sin ayudantes, en un fresco gigante (200 m2). Funciona como un mecanismo de relojería bien engrasado. Durante cinco años, día tras día, Miguel Ángel sale al amanecer de su casa en una de las sucias calles de Roma, monta a caballo hasta el Vaticano y regresa tarde por la noche. Todavía vive como un asceta y un hombre pobre, aunque en ese momento el Papa Pablo III lo nombró el primer arquitecto, escultor y artista del Vaticano y le otorgó un salario alto. Sin embargo, el maestro más famoso y mejor pagado de su tiempo ni siquiera cambió este hábito: desgasta su vestido hasta convertirlo en harapos.
En su famoso fresco, Miguel Ángel rompe decisivamente con la tradición. Y la primera violación es que el Juicio Final aparece aquí en el muro del altar (¡¡¡oriental!!!) en lugar del occidental, como siempre ha sido. Es cierto que ésta fue la instrucción del propio Papa.
Mientras trabajaba en la bóveda de la capilla, Miguel Ángel demostró ser un innovador en la pintura al fresco. Sus métodos de trabajo eran completamente nuevos, inesperados y audaces. Él mismo inventó nuevos colores. Hace que la pared del fresco esté ligeramente inclinada hacia el suelo; Gracias a esto, la imagen es mejor visible y se acumula menos polvo. Miguel Ángel concibió 400 figuras (cada una de ellas de hasta 2,5 m de altura) para la composición de “El juicio final”. Y así van tomando forma poco a poco, llenando todo el espacio del fresco.
¡Qué diferente es la nueva creación del maestro de la creada hace 30 años! Luego, una explosión de color, una gran cantidad de tonos de rosa al representar cuerpo humano. Ahora: colores suaves, tonos apagados... ¡Pero el genio creativo del artista se ha vuelto aún más poderoso!
De los textos bíblicos, el programa de Miguel Ángel fue un fragmento del Evangelio de Mateo: “Entonces aparecerá la señal del Hijo del Hombre en el cielo; y entonces todas las tribus de la tierra harán duelo y verán al Hijo del Hombre viniendo sobre las nubes del cielo con poder y gran gloria; y enviará a sus ángeles con gran trompeta, y reunirán a sus escogidos de los cuatro vientos, desde un extremo del cielo hasta el otro.
El Cristo de Miguel Ángel, joven, imberbe y desnudo, aparece más bien en la imagen de un dios antiguo, similar a Júpiter. Dante conocía el concepto de "Cristo - Júpiter".
Los “Juicios Finales” medievales representaban una jerarquía firmemente establecida de la Tierra, el Cielo y el Infierno, en la que todas las figuras, incluso aquellos que aparecen resucitados en el Juicio, aparecen vestidos tradicionalmente según sus estatus social. Cristo, la Virgen María, los apóstoles: todos fueron representados en tronos en el cielo. Miguel Ángel representa una escena general sin tronos, sin insignias de estatus, con figuras desnudas.
En el fresco, Miguel Ángel representa un tribunal verdaderamente terrible, donde un juez formidable convocó tanto a vivos como a muertos para vengarse. Vasari escribe: “Cristo está sentado en el centro. Volvió su rostro amenazador e inflexible hacia los pecadores, maldiciéndolos, con gran horror de la Virgen, que, encogida en su manto, oye y ve toda esta destrucción”. Al leer estas palabras de un hombre del siglo XVI, no está de más recordar que, según las ideas de la época, la Virgen era una intercesora. Ella se dio la vuelta confundida, incapaz de hacer nada para salvar a la humanidad. No es la misericordia ni la condescendencia lo que aquí reina, sino la terrible e inexorable ley del castigo. No es fácil entender la composición de este gigantesco fresco, las multitudes de personas atléticas y desnudas en poses y ángulos extraños.

Parte superior del fresco a ambos lados, bajo los arcos de la bóveda, está ocupado por imágenes de igual tamaño, como levantadas por un huracán sobre las nubes. Todos estos son los instrumentos de la pasión (tortura) de Jesucristo (signo del sacrificio de Cristo, que hizo por la salvación de la humanidad).
A la izquierda vemos la cruz (símbolo del martirio y la humillación), en la que fue crucificado, a la derecha, una columna (símbolo del poder terrenal pasajero), cerca de la cual fue azotado. A su alrededor hay varias figuras desnudas que flotan libremente y sostienen en el aire una esponja, clavos y una corona.

El centro de toda la composición. es la figura de Cristo (el juez) con la cabeza levantada derecha. Junto a él hay una Virgen abatida y afligida. Compasiva, como deprimida por lo que está sucediendo, Madonna se aleja, los dolores humanos están cerca de ella de manera maternal. A su alrededor hay figuras poderosas que forman una especie de corona (una multitud de predicadores, profetas, patriarcas, sibilas, héroes del Antiguo Testamento, mártires y santos).

A la derecha de Cristo vemos una figura gigante del apóstol Pedro con llaves de oro y plata (es el fundador de la iglesia cristiana en Roma). Junto a él está el apóstol Pablo.

A la derecha de los apóstoles están los mártires con los instrumentos de su tortura (símbolos del sufrimiento que soportaron por su fe): Andrés con una cruz, Sebastián con flechas en la mano; según la leyenda, los guardias imperiales romanos paganos arrojaban flechas. a él, Catalina con una rueda dentada; entre dos de ellas, el santo, según la leyenda, fue despedazado por ruedas con púas por orden del prefecto romano en Alejandría (Egipto moderno), Lorenzo con una parrilla en la que fue asado vivo el veredicto del tribunal romano en la Roma pagana, la capital del imperio; con rejas de hierro...

Un detalle de "El juicio final" atestigua el humor sombrío del maestro en ese momento. Al pie izquierdo de Cristo hay una figura de San Bartolomé, sosteniendo un raspador en una mano y su propia piel en la otra (fue martirizado y desollado vivo). Los rasgos faciales del santo recuerdan a Pietro Aretino, quien atacó apasionadamente a Miguel Ángel porque consideraba indecente su interpretación de un tema religioso. El rostro de la piel extraída de San Bartolomé es un autorretrato del propio artista.

Por lado izquierdo de Cristo Destaca la misma figura gigantesca que Peter. Se la suele llamar Adán (el fundador de la raza humana). A su alrededor también hay figuras de justos. En el grupo de los justos se encuentran santas, mártires y sibilas, los personajes femeninos más importantes del Antiguo Testamento. La enorme figura que protege a la niña arrodillada suele considerarse Eva. Destaca por su humanidad y conmoveción; Una joven cayó de rodillas en busca de salvación.

La parte inferior del fresco, a su vez, se divide en cinco partes: en el centro, ángeles con trompetas y libros anuncian el Juicio Final; abajo a la izquierda está la resurrección de los muertos, arriba está la ascensión de los justos; arriba a la derecha está la captura de los pecadores por los demonios, abajo está el infierno.
Debajo del grupo central- una nube con ángeles descrita por el evangelista Juan. Siete ángeles tocan las trompetas del Apocalipsis, pidiendo juicio, y dos ángeles sostienen en sus manos los libros de la vida (libros de las buenas y malas obras) con los nombres de los que han encontrado la salvación eterna y los que están condenados a los tormentos. del infierno. Los ángeles despiertan a los muertos con el sonido de trompetas.

A la izquierda de la nube con ángeles. A continuación se muestra una imagen del suelo con los muertos saliendo de sus tumbas. Algunos de ellos son sólo esqueletos, los huesos de otros han comenzado a cubrirse de carne y otros (los justos) ya están ascendiendo al cielo. Los ángeles y los justos los ayudan a levantarse.

A la derecha de la nube con ángeles.- los condenados son arrojados al infierno, son arrastrados por los demonios. Ángeles sin alas conducen a los pecadores al infierno con sus puños. Gran impresion produce un pecador cuyas piernas son tiradas por los demonios; tapándose un ojo con la mano, mira con el otro lo que sucede a su alrededor, lleno de desesperación y horror.

En el centro está la entrada al purgatorio, donde varios demonios esperan ansiosos a nuevos pecadores.
Un abismo infernal se abre en las profundidades. En el grupo de pecadores derrocados destaca una figura volando cabeza abajo con llaves, que, como saben, es un símbolo del poder papal. Esta figura fue vista como el Papa Nicolás III, quien introdujo la simonía (la venta de cargos eclesiásticos).
La parte inferior del fresco de la derecha está ocupada por la imagen del infierno. Aquí se sitúa la oscura figura del barquero que cruza el río infernal, Caronte, que expulsa ferozmente de su barca al infierno a los condenados al tormento eterno a golpes de remo. Miguel Ángel se inspiró en esta impresionante escena de la Divina Comedia de Dante:

Almas desnudas acurrucadas junto al río,
Habiendo atendido la sentencia que no conoce retirada;
Dientes castañeteantes, pálidos de melancolía,
Gritaron maldiciones al Señor...
Y el demonio Caronte convoca a un rebaño de pecadores,
Girando tu mirada como brasas en las cenizas,
Y los ahuyenta y golpea con un remo a los que no tienen prisa.
(Traducción de M. Lozinsky)

A pesar de la naturaleza fantástica de la trama, aquí también se refleja el profundo realismo del arte de Miguel Ángel, bien notado por Surikov. Escribió: “No puedo olvidar la excelente agrupación en el barco al pie del cuadro del Juicio Final”. Es completamente natural, completo, fuerte, exactamente como sucede en la realidad”.
Los demonios en alegre frenesí arrastran los cuerpos desnudos de los soberbios, herejes, traidores... hombres y mujeres se arrojan a un abismo sin fondo.
Llegada de los pecadores al infierno. Aquí manda el temible Minos. Indica la gravedad de la culpa de los pecadores moviendo la cola; este es el número de círculos del infierno que se les asignan como castigo.
Minos está representado en la esquina derecha. Juez de almas con orejas de burro (símbolo de la ignorancia) y una serpiente entrelazada a su alrededor. En Minos, los contemporáneos vieron un retrato del maestro de ceremonias papal, y esto es lo que dice Vasari al respecto:

“Miguel Ángel ya había completado más de las tres cuartas partes de su obra cuando el Papa Pablo vino a verla; Lo acompañaba Messer Biagio da Cesena, maestro de ceremonias, quien, cuando se le preguntó cómo había encontrado esta obra, prorrumpió en insultos: “Es una completa desvergüenza representar en un lugar tan sagrado a personas desnudas que, sin vergüenza, muestran sus partes privadas; una obra así es adecuada para baños y tabernas, y no para la capilla papal”.
Miguel Ángel, habitualmente de lengua mordaz, guardó silencio esta vez, pero se vengó del fanático con su humor característico: representó al venerable prelado en el infierno, bajo la forma de Minos, con una gran serpiente enroscada a sus pies, entre un montón de demonios. Por mucho que Messer Biagio da Cesena pidió al Papa y al artista que destruyeran esta imagen, este último la conservó para que todavía puedas verla”.

Detrás de las figuras de Adán y San Pedro, de pie a ambos lados de Cristo, se ven dos figuras arrastrándose a cuatro patas. Detrás de Adán se encuentra la cabeza de un anciano de barba gris, vestido con una túnica roja y capucha, similar a Pablo III, tal como lo conocemos por los retratos de Tiziano. Detrás de Pedro se encuentra la cabeza de un anciano con túnica verde y rostro afilado de zorro, probablemente Clemente VII, cuyos retratos fueron pintados por Rafael y Sebastiano del Piombo. Entre las multitudes representadas por Miguel Ángel también se encontraron posibles retratos de Dante, Beatriz, Vittoria Colonna y algunos de sus contemporáneos.

“El Juicio Final” despertó la admiración de muchos y... feroces críticas de algunos.
La historia de Vasari sobre las palabras pronunciadas por Biagio da Cesena no es ficción: por orden del Papa, incluso en vida de Miguel Ángel (a principios de 1564, 20 años después de la creación del fresco), a otros artistas se les ordenó dibujar cortinas en el “Juicio Final” para que taparan la desnudez. El pintor Daniele da Volterra, que asumió esta tarea, recibió de sus contemporáneos el apodo despectivo de “bracetone” (de “bracca” - pantalones, literalmente “ropa interior”), con el que permaneció hasta su muerte. Pero, por supuesto, el fresco sufrió grandes daños. Pero el gran artista nunca tuvo la oportunidad de ver esto: murió, apenas tenía 96 años.
También hay que recordar que en 1590, el Papa Clemente VIII pretendía derribar todo el “Juicio Final”, ya que los velos confeccionados no le bastaban. Afortunadamente, este bárbaro proyecto no se llevó a cabo: los pintores de la Academia Romana de San Lucas lograron disuadir al Papa.

Nuestro maestro escribió este soneto mientras trabajaba en “El Juicio Final”.

La gracia se reveló a mis ojos,
Cuando vieron el fuego imperecedero
Y el rostro es divino e inspirado.
Aquel con quien estoy orgulloso de estar relacionado.

Si no fuéramos iguales al Señor en alma,
Estaríamos sumidos en una inutilidad despreciable,
Y quedamos cautivados por la belleza del Universo,
Y nos esforzamos por conocer el secreto de la eternidad.

Yo os digo a vosotros, que vivís sólo en vano,
¡Oh, qué corta es esta vida mortal!
Y los impulsos del amor son fugaces.

En una unión amistosa de mente y alma.
El hombre encontrará la salvación.
Esos vínculos en la tierra y en el cielo son eternos.

La fama de Miguel Ángel superó cualquier expectativa. Inmediatamente después de la consagración del fresco del Juicio Final en Capilla Sixtina, acudieron peregrinos de toda Italia e incluso del extranjero. “Y esto en nuestro arte sirve como ejemplo de gran pintura, enviada por el Dios terrenal, para que pudieran ver cómo el destino guía las mentes de un orden superior que descendieron a la tierra, absorbiendo la gracia y la sabiduría divina” (Vasari).

Con la muerte del Papa Julio II, Miguel Ángel perdió a su mecenas, abandonó Roma y regresó a Florencia, donde abandonó la pintura y la escultura durante varios años.

Un representante de la familia Medici, Clemente VII, fue elegido nuevo Papa. Durante su pontificado, las tropas del rey español Carlos V capturaron y derrotaron Roma en mayo de 1527. Cuando la noticia de esto llegó a Florencia, los Medici fueron expulsados ​​de allí y se restableció la república. El Papa, en primer lugar, observando los intereses de su familia, se reconcilió urgentemente con los españoles y se acercó a Florencia, cuyo asedio duró 11 meses. Obligada a defenderse, Florencia comenzó a construir fuertes y torres, para cuya construcción Miguel Ángel trazó planos. No se niega a participar en la guerra misma.

Fue tiempo difícil para Florencia y para toda Italia. Las enemistades mutuas, los asesinatos y los crímenes envenenaron las almas humanas y era difícil vivir en el mundo. Cuando cayó Florencia, el Papa Clemente VII anunció que se olvidaría de la participación del escultor en la defensa de la ciudad si Miguel Ángel reanudaba inmediatamente los trabajos en la tumba de los Medici en la Iglesia de San Lorenzo. Sintiendo un temor constante por el destino de su familia y por su vida, Miguel Ángel se vio obligado a aceptarlo.

Y luego el Papa Clemente VII quiso que Miguel Ángel volviera a pintar la pared del altar de la Capilla Sixtina con escenas del Juicio Final. En 1534, casi un cuarto de siglo después de terminar de pintar el techo Sixtino, el escultor comenzó a trabajar en uno de los frescos más ambiciosos de toda la historia de la pintura mundial.

Cuando Miguel Ángel se hizo a la idea de que todavía tendría que escribir “El Juicio Final”, cuando se encontró solo frente a una gigantesca pared blanca a la que debía insuflar vida, se puso a trabajar, aunque en ese momento ya no era ya joven. A sus 60 años, parecía un anciano decrépito: arrugado, encorvado, cansado. Le dolían las articulaciones, le dolían los dientes y sufría de migrañas y neuralgias.

El gran maestro tardó seis años en completar su creación. Como antes, nuevo papá, habiendo perdido la paciencia, llegó a la capilla. Con él también vino el maestro de ceremonias, Biagio da Cesena. A él realmente no le gustó El Juicio Final y comenzó a demostrarle furiosamente al Papa que Miguel Ángel estaba haciendo algo incorrecto, que la imagen era obscena. Habiendo escuchado todo esto, Miguel Ángel inmediatamente, pisándole los talones, pintó al juez de almas Minos en la imagen de Biagio con orejas de burro. Sí, Cesena se apresuró a quejarse ante el Papa, pero él no lo ayudó: así Cesena permaneció en el infierno.

Ya ha habido muchos de ellos: lienzos que representan el poder de Dios y la insignificancia del hombre, la vana vanidad de los pensamientos y acciones humanos. Miguel Ángel creía en Dios, pero también creía en el libre pensamiento del hombre, en su fuerza física y su belleza. El artista interpreta la escena del “Juicio Final” como una catástrofe universal y totalmente humana. En este fresco, de enorme escala y grandioso en concepto, no hay (y no podría haber) imágenes de fuerza que afirma la vida, temas similares, que fueron creados al pintar el techo de la Capilla Sixtina. Si antes de la creatividad Miguel Ángel estaba imbuido de fe en el hombre, de la creencia de que él es el creador de su propio destino, pero ahora, al pintar la pared del altar, el artista muestra al hombre indefenso ante este destino.

No te fijas inmediatamente en estos innumerables personajes, pero parece que todo en el fresco está en movimiento. Aquí hay multitudes de pecadores que, en un frenético enredo de sus cuerpos, son arrastrados al calabozo del infierno; y los justos jubilosos ascendiendo al cielo; y huestes de ángeles y arcángeles; y el portador de almas a través del río subterráneo Caronte, y Cristo ejecutando su juicio iracundo, y la Virgen María aferrándose tímidamente a él.

Las personas, sus acciones y hechos, sus pensamientos y pasiones: eso era lo principal en la imagen. Entre la multitud de pecadores derrocados también se encontraba el Papa Nicolás III, el mismo que autorizó la venta de cargos eclesiásticos.

Miguel Ángel representó a todos los personajes desnudos, y este fue el profundo cálculo del gran maestro. En lo físico, en la infinita variedad de poses humanas, él, que fue tan capaz de transmitir los movimientos del alma, a través de una persona y por medio de una persona, representó toda la enorme gama psicológica de sentimientos que los abrumaban. Pero para representar a Dios y a los apóstoles desnudos, para esto en aquellos días se necesitaba mucho coraje.

Además, la comprensión del Juicio Final como una tragedia de la existencia universal era incomprensible para los contemporáneos de Miguel Ángel. Así se desprende de la correspondencia entre el escritor y panfletista veneciano Pietro Aretino y el artista. Aretino quería ver en “El Juicio Final” una interpretación tradicional medieval, es decir, una imagen del Anticristo. Quería ver los torbellinos de los elementos: fuego, aire, agua, tierra, las caras de las estrellas, la luna, el sol. Cristo, en su opinión, debería haber estado a la cabeza de la hueste de ángeles, mientras que Miguel Ángel personaje principal- Humano. Por eso, Miguel Ángel respondió que la descripción de Aretino le causaba dolor y que no podía representarlo.

Varios siglos después, el explorador arte italiano Dvorak, que tampoco percibió el “Juicio Final” como una catástrofe cósmica, vio en las imágenes gigantes sólo “polvo arremolinado por el viento”.

El centro de la composición es la figura de Jesucristo, la única estable y no susceptible al torbellino de movimiento de los personajes. El rostro de Cristo es impenetrable; hay tanta fuerza y ​​poder en el gesto castigador de su mano que se interpreta sólo como un gesto de retribución.

María se alejó confundida, incapaz de hacer nada para salvar a la humanidad. En las miradas amenazadoras de los apóstoles, una multitud que se acerca a Cristo con instrumentos de tortura en la mano, solo se expresa también la exigencia de retribución y castigo de los pecadores. El crítico de arte V.N. Lazarev escribió sobre el “Juicio Final”: “Aquí los ángeles no se pueden distinguir de los santos, los pecadores de los justos, los hombres de las mujeres, todos son arrastrados por una corriente inexorable de movimiento, todos se retuercen y se retuercen por el miedo y. horror que se apoderó de ellos... Cuanto más de cerca se mira composición general frescos, más persistentemente tienes la sensación de que frente a ti hay una enorme rueda de la fortuna que gira, involucrando a más y más personas nuevas en su rápida carrera. vidas humanas, ninguno de los cuales puede escapar al destino. En tal interpretación de la catástrofe cósmica, ya no queda lugar para un héroe y un acto heroico, ni tampoco hay lugar para la misericordia. No en vano María no pide perdón a Cristo, sino que se aferra a Él con miedo, abrumada por el miedo a los elementos furiosos...

Como antes, Miguel Ángel representa figuras poderosas con rostros valientes, hombros anchos, un torso bien desarrollado y extremidades musculosas. Pero estos gigantes ya no pueden resistir al destino. Por eso sus rostros están distorsionados por las muecas, por eso todos sus movimientos, incluso los más enérgicos, son tan tensos y convulsivos”.

El último día de octubre de 1541, el clero principal y los laicos invitados se reunieron en la Capilla Sixtina para asistir a la inauguración de un nuevo fresco en la pared del altar. La intensa anticipación y la conmoción por lo que vio fueron tan grandes, y la excitación nerviosa general cargó tanto la atmósfera que el Papa (ya Pablo III Farnesio) cayó de rodillas frente al fresco con reverente horror, rogando a Dios que no recordara su pecados en el día del Juicio Final.

El "Juicio Final" de Miguel Ángel provocó una feroz controversia tanto entre sus admiradores como entre sus oponentes. En vida del artista, el Papa Pablo IV, que desaprobaba mucho el “Juicio Final” cuando aún era cardenal Caraffa, en general quiso destruir el fresco, pero luego decidió “vestir” a todos los personajes y ordenó que se grabaran los cuerpos desnudos con pañería. Cuando Miguel Ángel se enteró de esto, dijo: "Dile a papá que este asunto es pequeño y fácil de resolver. Déjalo que ponga el mundo en una forma decente, y con pinturas esto se puede hacer rápidamente".

Si el Papa entendió toda la profundidad de la ironía de Miguel Ángel, dio la orden apropiada. Una vez más se levantaron andamios en la Capilla Sixtina, a los que subió el pintor Daniele da Volterra con pinturas y pinceles. Trabajó mucho y duro, porque tenía que pintar muchas cortinas de todo tipo. Por su trabajo, durante su vida recibió el sobrenombre de “brachetone”, que literalmente significa “agotado”, “encubierto”. Su nombre quedó para siempre asociado a este apodo en la historia.

En 1596, otro Papa (Clemente VIII) quiso derribar todo el “Juicio Final”. Sólo gracias a la intercesión de artistas de la Academia Romana de San Lucas fue posible convencer al Papa de no cometer un acto tan bárbaro.

Las desventuras del "Juicio Final" continuaron durante mucho tiempo, lo que causó un gran daño al fresco: a causa de ellas, la armonía de colores y líneas se vio afectada. Han pasado los siglos, los nombres de los detractores y enemigos del gran Buonarotti han sido olvidados, pero sus imperecederos frescos siguen siendo eternos. "El Juicio Final" todavía fascina a la gente, este maravillosa foto, contra el cual la estupidez, la hipocresía y la hipocresía humana eran impotentes.

Michelangelo Buonarroti "El juicio final", fresco del muro del altar 1535-1541

Buonarroti Miguel Ángel
Juicio Final. Fresco del muro del altar, 1535-1541
17x13,3m.
Capilla Sixtina, Vaticano, Roma

"El Juicio Final" es, ante todo, un drama mundial colosal. Sólo un genio poderoso puede transmitir todo el horror de una catástrofe global en un episodio, en varias historias separadas. Corrupción de la moral, depravación y cinismo, afeminamiento y engaño, corrupción y frivolidad: todo esto provoca declive moral y requiere expiación por la violación de las leyes divinas. Con amor en el corazón y ira en los labios, el gran Miguel Ángel se dirige aquí al mundo.

Sólo un deseo apasionado por la perfección y la verdad puede dar a una persona la fuerza para avanzar hacia su objetivo con valiente paciencia y voluntad. La creación de “El Juicio Final” llevó más de cinco años, más que pintar la bóveda de la Capilla Sixtina. Dos frescos de Perugino y pinturas de Miguel Ángel en los lunetos del muro del altar tuvieron que ser destruidos para dar pleno alcance a la epopeya “El Juicio Final”. Hubo que sellar los huecos de las ventanas del edificio, lo que cambió tanto la iluminación como la percepción de otras obras.

El fresco sorprende por su monumentalidad y alcance. Representa alrededor de 400 figuras en diversas poses, nunca repetidas. Gracias a la habilidad del artista, cada figura parece tridimensional, como si no estuviera pintada, sino esculpida. La trama de una composición tan extensa coincide plenamente con el poder del conocimiento y el coraje de la imaginación, la riqueza de líneas y contornos, los efectos de luces y sombras. El mundo entero Varios movimientos reflejan movimientos internos. Todo tipo de sentimientos, pasiones, movimientos de pensamiento, esperanza, desesperación, envidia, ira impotente, horror, dolor y decadencia moral encuentran su lugar junto a la ternura, la alegría y la admiración.

La solución de Miguel Ángel al tema del "Juicio Final" difiere de la tradicional: el momento fue elegido no para la ejecución del juicio, sino para su inicio. La aparición de un Cristo imberbe (que se remonta al tipo cristiano primitivo de Cristo Emmanuel) y ángeles desnudos y sin alas son inusuales. También es inusual la inclusión de un recordatorio de la pasión de Cristo en la escena del Juicio Final. Principal fuente literaria porque el maestro era el "Evangelio de Mateo" y ciertos motivos se remontan a otras fuentes, desde la "Visión de Ezequiel" (Antiguo Testamento) hasta la "Divina Comedia" de Dante (escena con Caronte).

La inusual decisión del autor al construir la composición preserva los elementos tradicionales más importantes de la iconografía. El espacio se divide en dos planos principales: el celestial - con Cristo juez, Madre de Dios y los santos, y el terrenal - con escenas. resurrección de los muertos y dividiéndolos en justos y pecadores.

Los ángeles que tocan las trompetas anuncian el comienzo del Juicio Final. Se ha abierto un libro en el que están escritas todas las acciones humanas. Cristo mismo no es un redentor misericordioso, sino un Maestro castigador. El gesto del Juez pone en marcha un lento pero inexorable movimiento circular que atrae a las filas de los justos y de los pecadores. La Madre de Dios, sentada junto a Cristo, se alejó de lo que estaba sucediendo. ella renuncia a la suya papel tradicional intercesor y escucha con temor el veredicto final. Hay santos alrededor: apóstoles, profetas. En manos de los mártires hay instrumentos de tortura, símbolos del sufrimiento que soportaron por su fe.

Los muertos, abriendo los ojos con esperanza y horror, se levantan de sus tumbas y van al juicio de Dios. Algunos se elevan fácil y libremente, otros más lentamente, dependiendo de la gravedad de sus propios pecados. Fuerte en espíritu ayudar a los necesitados a levantarse.

Los rostros de quienes tienen que bajar a limpiarse están llenos de horror. Anticipando un terrible tormento, los pecadores no quieren ir al infierno. Pero las fuerzas destinadas a mantener la justicia los empujan hacia donde deberían estar las personas que causaron el sufrimiento. Y los demonios los atraen hacia Minos, quien, con la cola enrollada alrededor del cuerpo, indica el círculo del infierno al que debe descender el pecador. (El artista le dio al juez de las almas muertas los rasgos faciales del maestro de ceremonias Papa Biagio da Cesena, quien a menudo se quejaba de la desnudez de las figuras representadas. Sus orejas de burro son un símbolo de ignorancia.) Y cerca hay una barcaza conducida por el barquero Caronte. Con un movimiento se lleva las almas pecadoras. Su desesperación y furia se transmiten con una fuerza asombrosa. A la izquierda de la barcaza hay un abismo infernal: está la entrada al purgatorio, donde los demonios esperan a nuevos pecadores. Parece que se escuchan los gritos de horror y el crujir de dientes de los desafortunados.

Arriba, fuera del poderoso remolino, ángeles sin alas con símbolos del sufrimiento del propio Redentor se elevan sobre las almas que esperan la salvación. En la parte superior derecha, criaturas jóvenes y hermosas llevan los atributos de salvar a los pecadores.

Todos los años que pasó trabajando en esta pintura, Miguel Ángel vivió en soledad, disfrutando sólo ocasionalmente de la compañía de algunos amigos. A pesar del patrocinio del Papa, y quizás precisamente a consecuencia de ello, los malentendidos, la envidia y la ira atormentaban al artista. Hubo muchos críticos que declararon obscena la creación de Miguel Ángel. Cuando el Papa Pablo IV le sugirió que pusiera el cuadro “en orden”, es decir, “tapar las partes vergonzosas”, el maestro respondió: “Dile a papá que esto es un asunto trivial... Que mientras tanto ponga orden en el mundo, pero en la pintura se puede poner orden rápidamente...” Sin embargo, el Concilio de Trento decidió cubrir la desnudez de las figuras con cortinas.

No es casualidad que Miguel Ángel colocara a San Bartolomé a los pies de Cristo. En su mano izquierda el santo sostiene la piel que le fue desollada viva por los perseguidores de los primeros cristianos. Al darle sus propios rasgos al rostro distorsionado por el sufrimiento, que está representado en la piel desollada, Miguel Ángel capturó la insoportable angustia mental que experimentó mientras creaba su gran creación.

La fama de Miguel Ángel superó cualquier expectativa. Inmediatamente después de la consagración del fresco del Juicio Final, peregrinos de toda Italia e incluso del extranjero acudieron a la Capilla Sixtina. “Y esto en nuestro arte sirve como ejemplo de gran pintura, enviada por el Dios terrenal, para que pudieran ver cómo el destino guía las mentes de un orden superior que descendieron a la tierra, absorbiendo la gracia y la sabiduría divina” (Vasari).