Estilo barroco en la pintura, sus principales diferencias. Barroco. Cuadro. Rasgos característicos de la pintura barroca. • Representantes famosos de la pintura barroca.

Los verdaderos admiradores y conocedores de la belleza siempre han utilizado obras de pintura para decorar los espacios habitables. Bien elegidos, pueden demostrar plenamente el gusto refinado del propietario de la casa, su extraordinaria percepción y su refinada comprensión de la belleza. Los cuadros pintados con maestría son el método más eficaz para decorar un hogar.

Naturalmente surge la pregunta: ¿qué estilo de pintura es el más adecuado para la decoración de interiores? Los expertos dicen que la opción más adecuada sería el estilo barroco. En pintura, se le conoce como el más popular de los estilos que reinaron en Europa durante casi dos siglos (desde finales del siglo XVI hasta mediados del XVIII). La cuna del barroco es la soleada Italia.

Interesante el nombre mismo del estilo: barroco, que es de origen portugués. Así llamaban los portugueses a los mariscos de valor incalculable: perlas que tenían una forma irregular, es decir, extraña. En la pintura se le designó inicialmente de manera un tanto burlona, ​​y su nombre se asoció precisamente con la palabra “bizarro”. Pero esto no fue un obstáculo para el rápido crecimiento de su popularidad en toda Europa.

¿Cuál es la diferencia entre la pintura barroca?

Las principales características del estilo incluyen su solemnidad, majestuosidad y la capacidad de expresar el disfrute de la vida y su plenitud. La pintura barroca se distingue por su expresividad, contraste y extraordinaria fantasía. El barroco se caracteriza por un pronunciado juego de luces y sombras, colores y sombras.

¿Qué más tiene de diferente esta hermosa y brillante pintura? Los artistas que escribían en estilo barroco buscaban crear obras monumentales. Sus creaciones están llenas de dinamismo y la riqueza de las decoraciones cuidadosamente pintadas sorprende incluso a los más dedicados conocedores del arte.

La pintura barroca suele tener temas mitológicos o religiosos. Pero a menudo se pueden encontrar retratos de representantes de la aristocracia, increíblemente hermosos y magníficos.

Venerado como uno de los fundadores del estilo barroco en la pintura, el famoso Caravaggio prefirió crear pinturas que tuvieran un carácter sólido, llenas de calma y profundidad sombrías. Pero sus seguidores prefirieron crear obras más brillantes, llenas de color y luz. Con el tiempo, también se empezó a trazar un cierto distanciamiento de los temas religiosos.

Nada menos que los holandeses Rembrandt y Rubens, que vivieron en Flandes, aportaron un toque del sabor nacional de sus países al estilo de pintura barroco. Pudieron crear obras enriquecidas con la cultura y tradiciones de sus pueblos.

Al estudiar las obras de los artistas que escribieron en estilo barroco, también se puede notar que el desarrollo del estilo estuvo influenciado por el ambiente religioso. Un carácter más pomposo y un estilo solemne pronunciado son característicos de los artistas de países católicos (Italia y España). Las obras de los partidarios de la Iglesia protestante se distinguen por una mayor moderación de sentimientos, modestia y severidad.

Arte (arte barroco), un estilo de arte y arquitectura europeos de los siglos XVII y XVIII.

En diferentes épocas, el término "barroco" recibió diferentes significados: "extraño", "extraño", "propenso al exceso". Al principio tenía una connotación ofensiva, implicando absurdo, absurdo (tal vez se remonta a la palabra portuguesa que significa perla fea). Actualmente, se utiliza en obras de historia del arte para definir el estilo que dominó el arte europeo entre el manierismo y el rococó, es decir, desde aproximadamente 1600 hasta principios del siglo XVIII. Del manierismo barroco, el arte heredó dinamismo y profunda emocionalidad, y del Renacimiento, solidez y esplendor: las características de ambos estilos se fusionaron armoniosamente en un solo todo.

Barroco. (Biblioteca Clementinum, Praga, República Checa).

El término proviene de una palabra italiana utilizada durante la Edad Media para describir el rechazo de la lógica esquemática. Posteriormente, la palabra pasó a significar cualquier idea distorsionada o proceso especial de pensamiento. Otra posible fuente es la palabra portuguesa "Barroco" (español "Barrueco"), utilizada para describir la forma imperfecta de las perlas. La historia de las obras de este estilo se remonta a unos 200 años: el desarrollo de la época duró desde el siglo XVII hasta el siglo XVIII.

En la historia del arte, la palabra barroco se utiliza para describir todo lo que es caprichoso, asimétrico, inusual, brillante, que simboliza el rechazo de las reglas y proporciones establecidas. Esta idea apareció gracias a los críticos del siglo XVII. Hasta finales del siglo XIX, este término siempre tuvo connotaciones de grotesco, exageración, exceso de decoración, pompa. Recién en 1888 el término comenzó a usarse como designación de un movimiento estilístico, y no como un concepto que critica el exceso, el exceso en la pintura.

El estilo barroco de pintar pinturas cargadas de emociones tuvo un profundo impacto en todas las formas de arte, incluidas la arquitectura y la escultura. Es en la pintura donde más se expresa esta dirección del arte.

Historia del desarrollo del estilo.

Parte de los esfuerzos de reforma de la iglesia fue educar a sus miembros ayudándolos a comprender más acerca de la fe. Esta no fue una tarea fácil ya que la mayoría de la gente era analfabeta en ese momento.

Se decidió hacer que el arte fuera más comprensible para la gente común: es necesario utilizar la creación de la pintura para explicar los principios profundos de la fe a todos, y no solo a los educados. Para lograr su objetivo, las pinturas religiosas tenían que ser inequívocas, emocionalmente convincentes y poderosas, para inspirar al espectador a una mayor devoción.

Las nuevas denominaciones, como los calvinistas, creían que las iglesias y los servicios religiosos debían ser sencillos. Sin embargo, la iglesia oficial y los sacerdotes decretaron que el arte y su belleza podían transmitir más que sus palabras.

El estilo fue fundado por Caravaggio, el artista más influyente del período barroco temprano. A él se debe el descubrimiento de la característica principal: la brillante iluminación de la escena desde la oscuridad de las obras barrocas. En el futuro, esta característica se convertirá en una característica común de la pintura barroca.

Caravaggio atrajo críticas por su trabajo. Sus pinturas religiosas han generado controversia sobre su deseo de representar personas sin idealización. El pintor buscó transmitir su imperfección. Gracias a Caravaggio, se produjo una ruptura con la tradición renacentista del idealismo, especialmente en los temas religiosos.

Etapas de desarrollo

Promedio

El principal representante es Caravaggio. Período de desarrollo: 1600 – 1625.

Alto

Se desarrolló entre 1625 y 1675. Hay varias áreas dentro de esta etapa:

Más tarde

1675-1725. El estilo fue creado por receptores de las etapas temprana y alta.

Características principales

El arte barroco en la pintura se caracteriza por el dinamismo (sensación de movimiento), que se complementa con efectos extravagantes (líneas curvas, rica decoración, iluminación brillante).

El Barroco Pleno o Pleno Barroco se desarrolló en la parte sur de Europa Occidental, mientras que el norte de Europa Occidental creó el movimiento Clásico o Restringido.
El barroco se caracteriza por la superposición continua, la intersección de figuras y elementos.

Características de estilo:

Los temas principales de las pinturas: transformaciones, martirio y muerte, batallas, momentos psicológicos intensos, cualquier forma de manifestación de acción, sus consecuencias. La pintura barroca puede considerarse el pináculo del realismo en el arte europeo. Durante el Renacimiento, los artistas europeos se dieron cuenta de la importancia de la forma y la anatomía a la hora de representar figuras humanas de forma realista. Los creadores barrocos lograron transmitir imágenes de personas de manera realista: sus retratos se volvieron más elaborados, brillantes y emocionales. Los artistas barrocos estaban obsesionados con la luz, las pinturas representaban con precisión un paisaje o el interior de una escena.

La pintura barroca se puede dividir en barroco dinámico y realista. El primero puede considerarse como una continuación del Renacimiento italiano, el segundo, como el arte de países con diferentes niveles de desarrollo de la pintura, en los que el foco principal está en el componente físico.

Las pinturas de paisajes están representadas por obras de Jacob Isaacs van Ruisdael de los Países Bajos, las naturalezas muertas fueron pintadas por Jean Baptiste Simeon Chardin de Francia y los retratos por Frans Hals. Sus obras se caracterizan por su especial presentación y percepción de la realidad.

Obras destacadas

"La Crucifixión de San Pedro" de Caravaggio

En contraste con las formas humanas clásicas, nobles e idealizadas, los artistas del Renacimiento prefirieron pintar escenas y personas con sus defectos naturales.

Peter Paul Rubens "Cuatro continentes"

El artista aportó energía, sensualidad y dramatismo al barroco, no sólo a las obras religiosas. En su representación se pueden ver rasgos barrocos de colores fuertes, fisicalidad y figuras superpuestas.

"Descendimiento de la Cruz" de Rembrandt

El pintor se esforzó por lograr una transmisión natural del movimiento. Su obra transmite las características de las obras de estilo barroco: emotividad de la escena, mayor dramatismo, uso activo de luces y sombras.

Significado

El estilo vibrante y reconocible de la era moderna temprana tuvo una gran influencia en las artes de Europa. Aportó realismo, riqueza, emotividad y dinámica a la pintura; es gracias a estas cualidades que puedes reconocer fácilmente las pinturas de los artistas barrocos. La mayor influencia está en el rococó.

El artista más famoso y significativo del barroco italiano fue Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). Glorificó tanto el absolutismo como el catolicismo. Fue un hombre de enorme energía creativa, con una variedad de talentos que lo asombraban: arquitecto, escultor, decorador, pintor, dibujante. Es uno de esos pocos artistas que vivió una vida larga y cómoda. De hecho, durante toda su vida, Bernini fue el dictador de la vida artística romana.

Por un lado, su obra es un reflejo de las exigencias de la iglesia (no es casualidad que la iglesia siempre haya patrocinado su talento); por otro lado, amplió las posibilidades de las formas de arte espaciales (plásticas). Por un lado, creó la gloria del arte católico, por el otro, "corrompió" la escultura de la iglesia, creó un tipo de estatuas religiosas escandalosas, inquietas e indecentemente coquetas, que se convirtieron en el canon durante todo un siglo.

Una de las esculturas famosas de Bernini es David. Se presenta de una manera completamente diferente a la de Miguel Ángel. Hay paz, aquí hay expresión, sentimiento, movimiento impetuoso. Lo mismo se puede ver en la cara. Está distorsionado por una mueca de ira y rabia. Las imágenes bíblicas y su interpretación son verdaderamente inagotables. En contraste con el monumentalismo de los revivalistas, Bernini se esfuerza por ofrecer una descripción concreta del acontecimiento.

La acción y la dinámica son el núcleo de la solución de las composiciones de Bernini (“El rapto de Proserpina”, “Apolo y Dafne”). Este magnífico artista fue uno de los primeros (después de los escultores antiguos) en abordar el problema de transmitir movimiento a través de una forma de arte espacial.

Esto fue representado de manera especialmente expresiva en su escultura "Apolo y Dafne" (Ovidio cuenta la historia de Apolo y Dafne. Apolo persigue a Dafne, la hija de la tierra de Gea y el dios de los ríos Peneo (o Ladón), quien le dio palabra de permanecer casta y célibe, como Artemisa, acudió en busca de ayuda a los dioses, y los dioses la convirtieron en un árbol de laurel. En vano Apolo no lo abrazó de nuevo, y de ahí en adelante se convirtió en laurel. La planta sagrada favorita de Apolo). Bernini transmitió con sorprendente precisión el momento de la metamorfosis del cuerpo de la ninfa en las raíces, hojas y ramas de un árbol. La piedra transmite la ternura de la piel de Daphne, la ligereza de su cabello y la superficie del árbol emergente. Probablemente por primera vez la escultura era tan franca y auténtica.

Bernini logró acercarse al género del retrato escultórico.

El retrato del cardenal Scipione Borghese transmite la piel flácida, el raso de la túnica y el movimiento característico, uno se siente una persona segura de sí misma, inteligente, sensual y poderosa;

Bernini creó una serie de maravillosos retratos ceremoniales (a veces dicen ceremoniales, románticos).

Por ejemplo, el retrato de Francesco d'Este representa a un verdadero gobernante, un soberano. Una de las obras más características de Bernini en este género es el retrato de Luis XIV. Incluso sin saber de quién es el retrato que tenemos delante, podemos adivinar que se trata del rey. Bernini muestra, junto con la grandeza, la arrogancia aristocrática, la arrogancia vacía y el egoísmo.

E. Fuchs en "La historia ilustrada de la moral" escribe sobre la época barroca precisamente como "un reflejo artístico del absolutismo principesco, una fórmula artística de grandeza, pose, representación... No hay nadie más alto que el monarca, ni en la idea o en la práctica... En la persona del soberano absoluto en la tierra camina la deidad misma. De ahí el esplendor, de ahí la reluciente pompa dorada con la que se viste el monarca absoluto... la ceremonia remilgada, cuidada hasta el más mínimo detalle, que acompaña cada servicio que se le presta desde el momento en que despierta hasta el momento en que cae en el abismo. dormir."

Luis XIV no sabía leer ni escribir. Sin embargo, señala E. Fuchs, cuando el famoso J.B. Colbert (ministro de Finanzas desde 1665) se enteró de que su hijo estaba incluido en los cortesanos de Luis XIV, lo vio como la mayor felicidad. Se dirigió a Luis así: “Señor, es nuestro deber guardar silencio reverente y agradecer cada día a Dios por permitirnos nacer bajo el cetro de un soberano que no reconoce más límites que su propia voluntad”. El arte de Bernini, revelado en el retrato de Luis XIV, refleja notablemente la psicología y el lenguaje de la era del absolutismo.

Las obras escultóricas de Bernini capturan el patetismo de los sentimientos, el esplendor espectacular, los efectos pictóricos, la combinación de materiales de diferentes texturas y colores y el uso de la luz. Las lápidas papales son en realidad puestas en escena teatrales, todo en ellas está creado de tal manera que evoca una oleada de emociones (en particular, las lápidas del Papa Alejandro VII y del Papa Urbano VIII se distinguen por esto).

Bernini no ignoró sus temas de culto favoritos del siglo XVII. - martirios, éxtasis, visiones y apoteosis. Así, el argumento de su famosa composición escultórica “El éxtasis de Santa Teresa” fue una de las cartas de una monja española del siglo XVI, en la que contaba cómo vio un ángel enviado por Dios. Bernini logró transmitir el estado interior de esta monja, algo que ningún otro artista había logrado hasta ahora.

Los personajes de la composición aparecen ante el espectador de forma inesperada. El muro del altar parece abrirse, las columnas se parten. Las figuras de Teresa y el ángel, realizadas en mármol blanco, asemejan una visión. Pero para Teresa, el ángel es la realidad. El momento de suprema excitación emocional está perfectamente captado. La cabeza está echada hacia atrás y la mano cuelga inerte. Los pliegues rotos de la ropa sólo intensifican la pasión de la experiencia. Ante nosotros hay un éxtasis verdaderamente doloroso y dulce. (Hay una orientación muy definida del arte católico occidental hacia la experiencia, y no hacia un sentimiento místico. En la escultura, al recrear un sentimiento religioso completamente preciso, hay ciertamente un fuerte toque de erotismo, que nunca ha habido, por ejemplo, en un Icono ruso.) juega un papel especial en la composición, la luz que se refleja en los rayos de latón, lo que también mejora la experiencia. La composición escultórica se encuentra en la Capilla Cornaro.

La obra de Bernini también se distingue por buscar nuevas técnicas para potenciar la expresividad y recurrir a la síntesis de las artes (escultura y arquitectura). Por ejemplo, el dosel y el púlpito de la Catedral de St. Petra. Bernini extrae efectos plásticos sin precedentes de los materiales tradicionales.

Entre las creaciones más bellas de Bernini se encuentran las fuentes llenas de un enorme poder dinámico. Es interesante aquí la unión de la escultura y el agua. Por ejemplo, la famosa fuente del Tritón, la fuente de los Cuatro Ríos. Las fuentes de Bernini se han convertido en una parte integral de la arquitectura de Roma.

Bernini quedó en la historia como un arquitecto famoso. En la arquitectura barroca desaparece la armonía de formas inherente a la arquitectura renacentista. En lugar de un equilibrio de las partes, existe su lucha, sus contrastes y su interacción dinámica.

El relieve de la pared se vuelve más complejo, las formas son más plásticas, como móviles, se “generan” y se continúan unas a otras. La arquitectura barroca parece atraer a una persona a su espacio.

Las obras de Bernini incluyen la iglesia de Sant'Andrea al Quirinale (la fachada parece curvarse, la cerca es cóncava, escalones semicirculares, el contorno de la iglesia se basa en una elipse, el interior está rodeado de capillas - nichos; nichos, columnas, las pilastras y las esculturas son visibles desde ángulos complejos, lo que crea la impresión de una variedad infinita de ellas. También es interesante la solución de la cúpula: los cajones están ubicados disminuyendo de tamaño hacia el centro, lo que crea la ilusión de una ligereza especial de la cúpula y su especial dirección ascendente.

También es muy interesante la solución a la “Escalera Real” del Vaticano. Al utilizar diversas técnicas de perspectiva, Bernini crea la ilusión de su enorme escala y extensión.

En el Palacio Barberini, las habitaciones están situadas en una enfilada, a lo largo de un eje, y esta apertura gradual, una especie de “movimiento” del espacio, marca un ritmo elevado y señorial para las ceremonias festivas.

La plaza frente a la Basílica de San Pedro es una de las grandes creaciones de Bernini.

Dos galerías que desembocan en una columnata abrazan el espacio de la plaza, “como brazos abiertos”, como dijo Bernini. El centro de la plaza (su profundidad total es de 280 m) está marcado por un obelisco, las fuentes a los lados definen su eje transversal. La zona situada delante de la catedral muestra con especial claridad el genio arquitectónico de Bernini y su capacidad para modelar el espacio. Dirigiéndose a la catedral, una persona debe pasar por debajo o a lo largo de la columnata, de modo que perciba el edificio desde diferentes puntos de vista y en unidad con la columnata y las fuentes.

Bernini logró la impresión de unidad compositiva de la catedral, un edificio construido por varios maestros a lo largo de dos siglos. La fachada de la catedral aparece frente al caminante en el momento de acercarse inmediatamente a ella, pero la grandiosa plaza ya prepara psicológicamente a la persona para esta percepción (uno de los principios del barroco es la sorpresa, el deseo de asombrar la imaginación, todo esto está presente en Bernini). La plaza frente a la catedral se considera el mejor conjunto arquitectónico de Italia del siglo XVII. (I. Prusia).

Todo esto en conjunto realzó el sentimiento de patetismo religioso.

La obra arquitectónica de Bernini confirma el principio emocional.

La Iglesia de San Carlos del famoso Francesco Borromini es, desde la fachada, un verdadero organismo vivo, tiene un ritmo inquieto de formas arquitectónicas; Aparece como un eficaz espectáculo decorativo.

El pintor Caravaggio (1573-1610) es la personificación del temperamento desenfrenado en la pintura. Un rasgo característico de su obra es la tipografía. En sus obras aparecen imágenes populares (“El martirio del apóstol Pedro”).

Peter Paul Rubens ocupa un lugar especial en el movimiento barroco. Muchos historiadores del arte consideran que este artista flamenco pertenece al movimiento artístico barroco.

Rubens es el representante más brillante de la época barroca. El deseo de un "gran estilo" solemne (una consecuencia del establecimiento de las monarquías europeas) se combinó en el Barroco con una actitud hacia el mundo como un todo complejo y cambiante. De ahí todo lo que se considera una “marca registrada” del barroco: contraste, tensión, dinamismo de las imágenes, afectación, deseo de grandeza y esplendor, de combinar realidad e ilusión.

Peter Paul Rubens nació el 28 de junio de 1577 en Siegen, en Westfalia (hoy parte de Alemania). Fue el séptimo hijo de la familia del abogado Jan Rubens. La familia Rubens vivió durante mucho tiempo en Amberes, pero en 1568 se trasladó a Colonia. El caso es que por esta época Jan comenzó a inclinarse hacia el protestantismo, lo que provocó un fuerte descontento por parte de la comunidad católica local. En Colonia recibió el puesto de secretario de Ana de Sajonia, esposa de Guillermo I de Orange. En 1591, Rubens comenzó a estudiar pintura. Durante algún tiempo trabajó como aprendiz de Tobias Verhahat; unos cuatro años - con Adam van Noort; Otros dos años con Otto van Ven. En 1598 fue finalmente aceptado en el Gremio de Artistas de St. Lucas. Los primeros profesores de Rubens fueron pintores muy mediocres, pero estudiar con van Wen benefició a Rubens. En mayo de 1600, Pedro Pablo partió hacia la tierra prometida de los artistas. Vivió en Italia durante ocho años, lo que determinó su futuro. Es poco probable que alguno de los pintores del norte de Europa que llegaron a Italia en esos años se sumergiera en la cultura italiana tan profundamente como Rubens. En octubre de 1608, Rubens recibió la noticia de que su madre estaba gravemente enferma. Se apresuró a llegar a Amberes, pero nunca tuvo la oportunidad de ver a su madre con vida. El 23 de septiembre de 1609, Rubens recibió un puesto como pintor de la corte del archiduque Alberto y su esposa Isabel, que entonces gobernaba Flandes en nombre de la corona española, y diez días después se casó con Isabella Brant, de 17 años. Al año siguiente, Rubens finalmente se instaló en Flandes y compró una gran casa en Amberes. Durante la siguiente década, Rubens participó activamente en este trabajo, creando uno tras otro retablos sorprendentes. Entre ellos destacan los trípticos “La elevación de la cruz” y “El descenso de la cruz”, escritos para la catedral de Amberes. El destino le asestó el primer golpe cruel en 1623, cuando murió la hija de Rubens (tenía dos hijos más), y el segundo en 1626, cuando murió su esposa (“una amiga y una asistente insustituible”, como escribió el propio Rubens en uno de sus libros). sus cartas). La felicidad acompañó al artista en su vida personal. En 1630, Rubens se casó con Helena Fourment, de 16 años, sobrina de su primera esposa. Este matrimonio, como el primero, resultó ser un gran éxito. Rubens y Helena tuvieron cinco hijos (su última hija nació ocho meses después de la muerte del artista). En 1635, Rubens adquirió el castillo de Steen, situado aproximadamente a 20 millas al sur de Amberes. Mientras vivía en el castillo, se aficionó mucho a pintar paisajes locales. El 30 de mayo de 1640, mientras se encontraba en Amberes, Rubens murió inesperadamente de un infarto. El artista, que cumplió 62 años, fue llorado por toda la ciudad.