EntradaSímbolos y su significado en la pintura. Simbolismo en la pintura: un método para transmitir datos cifrados
EN viejos tiempos, cuando a las personas se les prohibía expresar sus opiniones o creencias en público (o se consideraba de mala educación exponer sus opiniones) verdaderos sentimientos), pinturas y esculturas eran objetos adecuados que los creadores utilizaban para transmitir mensajes a las personas. Algunos de los artistas compartieron sus creencias políticas y puntos de vista morales con el mundo en dicha reseña, mientras que otros dejaron alegorías sobre temas religiosos en sus lienzos. Pero durante el Renacimiento también hubo artistas que dejaron los llamados “huevos de Pascua” para las generaciones futuras. Hoy todos estos personajes ocultos son objeto de estudio para los científicos.
1. Leonardo da Vinci, “La última cena”
La Última Cena de Leonardo da Vinci es una de las obras de arte más debatidas entre los teóricos de la conspiración, que regularmente encuentran códigos ocultos en la obra. Resulta que “La Última Cena” está llena de códigos y significados secretos. Además, no hablaremos de criptogramas que, según Dan Brown, autor de El código Da Vinci, guardan secretos sobre vida posterior Jesús, y ni siquiera de las afirmaciones de que el cuadro contiene un código matemático y astrológico que muestra el día en que comenzará el fin del mundo (21 de marzo de 4006).
Junto con todos los códigos, Leonardo parece haber transmitido la música a sus descendientes en su obra. A primera vista, no hay nada misterioso en los bollos esparcidos sobre la mesa. Sin embargo, hace unos años el italiano técnico en informática Giovanni Maria Pala encontró en la foto... una partitura. La posición de las manos y del pan se puede interpretar como notas musicales. Y si lees estas notas de derecha a izquierda (Da Vinci a menudo escribía de esta manera), obtienes una composición de 40 segundos que suena como un réquiem.
2. Miguel Ángel, “Dios separando la luz de las tinieblas”
Uno de los más obras famosas arte de otro artista famoso Renacimiento, Miguel Ángel, es suyo foto enorme sobre el techo Capilla Sixtina. Esta obra maestra verdaderamente gigantesca está dividida en nueve segmentos, cada uno de los cuales cuenta una historia diferente del Libro del Génesis.Miguel Ángel fue un genio y " un verdadero hombre Renaissance": artista, escultor, arquitecto y, entre otras cosas, especialista en el campo de la anatomía humana. Esto se hizo conocido por sus esculturas y también porque el artista logró ocultar varios elementos anatómicos en sus pinturas. Ya de joven, Miguel Ángel diseccionaba cadáveres desenterrados en el cementerio, y durante este período bastante repugnante de su vida aprendió mucho sobre el cuerpo humano.
Por ejemplo, si miras de cerca el fragmento titulado “Dios separando la luz de las tinieblas”, verás que el cuello y la barbilla de Dios se parecen a la imagen de un cerebro humano.
Entonces, ¿por qué Miguel Ángel ocultó bocetos anatómicos en sus pinturas? La mayoría de los teóricos creen que esta fue la protesta de Miguel Ángel contra la negativa de la Iglesia a aceptar hechos científicos.
3. Miguel Ángel, "La creación de Adán"
Parece que Miguel Ángel estaba fascinado por el cerebro humano. En otra parte popular de su obra maestra, en el techo de la Capilla Sixtina, insertó otra imagen de un cerebro. Quizás todo el mundo haya visto este cuadro, conocido como “La Creación de Adán”, pues es una de las pinturas religiosas más reproducidas de todos los tiempos.
Dios, sostenido por doce figuras, se extiende y apenas toca la mano de Adán, impartiéndole la chispa de la vida. Inicialmente se creía que toda la composición era solo una alegoría de la relación entre el hombre y Dios, pero algunos expertos analizaron la pintura y notaron que Dios y doce figuras están representadas sobre el fondo de un manto retorcido, que recuerda mucho a la estructura del cerebro humano.
Esto no puede ser una mera coincidencia, ya que Miguel Ángel incluso logró representar algunos de los más partes complejas cerebro, como el cerebelo, el nervio óptico y la glándula pituitaria.
« Terraza nocturna Café" es considerado uno de los cuadros más valiosos de Van Gogh. La escena representada aquí es bastante simple: es de noche y un grupo de personas con bebidas en un café medio vacío. Pero resulta que en la imagen se esconde algo más que una escena callejera normal. Muchos investigadores creen que Van Gogh creó su propia versión de la Última Cena.Quienes apoyan esta teoría explican esta posibilidad por la gran religiosidad de Van Gogh. Todo el mundo sabe también que Jesús pasó su última cena junto con sus doce discípulos.
En el cuadro de Van Gogh hay exactamente doce personas sentadas en un café, todas ellas centradas en torno a un hombre de pelo largo. Además, hay varias cruces escondidas en la pintura, una de las cuales se encuentra encima de “Jesús”.
Van Gogh nunca dijo que su cuadro tuviera algún simbolismo religioso, aunque en una carta a su hermano Theo escribió lo siguiente: “... esto no me impide necesitar terriblemente la religión. Así que salgo por la noche a pintar estrellas y siempre he soñado con pintar un cuadro con un grupo de mis amigos".
5. Leonardo da Vinci, La Gioconda
Esta misteriosa obra maestra ha desconcertado a investigadores e historiadores del arte durante siglos. Ahora los científicos italianos han añadido otra capa de intriga, afirmando que da Vinci dejó una serie de letras y números muy pequeños en la pintura. Cuando se observa bajo un microscopio, las letras LV se pueden ver en el ojo derecho de la Mona Lisa.Y en el ojo izquierdo también hay algunos símbolos, pero no tan notorios como los demás. Se parecen a las letras CE o a la letra B.
En el arco del puente en el fondo de la pintura hay una inscripción "72" o "L2" o la letra L y el número 2. También en la pintura está el número 149 y el cuarto número borrado después de ellos. .
Los investigadores sugieren que este es probablemente el año en que se creó la pintura (si da Vinci estuvo en Milán durante la década de 1490). Pero sólo el propio Da Vinci sabía lo que realmente significaban todos estos números y letras.
6. Sandro Botticelli, “Primavera”
Esta obra maestra de Botticelli tiene mucho que ofrecer para quienes buscan símbolos y significados ocultos en las obras de arte. El origen de la pintura no está claro. Fue escrito por orden de Lorenzo de' Medici o un poco más tarde, para él. primo Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici. En cualquier caso, y quizás lo más importante, el cuadro fue creado en la corte de una de las familias más progresistas de la época.
"Primavera" está repleta de personajes de la mitología romana, que (según los investigadores) se hizo para representar alegorías mitológicas de la creciente fertilidad del mundo. Más allá de esta explicación obvia, hay muchas interpretaciones de la escena representada en el cuadro. Algunas personas piensan que proporciona pistas sobre un complot contra la familia Medici, mientras que otros piensan que la pintura está asociada con el Renacimiento pagano y la filosofía neoplatónica.
La pintura también destaca por el hecho de que representa un verdadero paraíso botánico. En la pradera imaginaria representada en Primavera, Botticelli pintó una increíble cantidad de plantas con un nivel de detalle asombroso.
Según los botánicos que investigaron este cuadro, en él se encuentran al menos 500 plantas diferentes, más de 200 diferentes tipos. Una teoría sugiere que se trata de todos tipos de plantas primaverales que crecían cerca de Florencia en el siglo XV.
7. Giorgione, "La tempestad"
El cuadro “La tormenta” del artista veneciano Giorgione representa dos figuras, un hombre y una mujer, bajo los muros de una ciudad desconocida, a la que se acerca una tormenta.La imagen parece muy simple y clara, pero a lo largo de los años muchos científicos la han analizado y tratado de encontrar mejor interpretación. joven, de pie en el camino, era descrito como un soldado, un pastor, un gitano o un joven aristócrata. Se creía que la mujer sentada frente a él era una gitana, una prostituta, Eva o María, la madre de Jesús, en el camino a Egipto. En el tejado de una de las casas se puede ver una cigüeña, que, según algunos, es un símbolo del amor de los padres por sus hijos.
Todo a su alrededor parece estar congelado a la espera de la tormenta que se avecina. Según el estudioso italiano Salvatore Settis, la ciudad del fondo es una representación del Paraíso, y los dos personajes son Adán y Eva con su hijo Caín. En la antigua mitología griega y judía, los relámpagos en el cielo simbolizan a Dios.
Settis cree que la pintura muestra el momento en que Dios expulsó a Adán y Eva del Paraíso. Ésta es sólo una explicación de La Tempestad, que muchos científicos consideran una de las obras de arte más misteriosas.
8. Pieter Bruegel el Viejo, “Proverbios flamencos”
Parecería que no hay nada misterioso en esta pintura de Pieter Bruegel el Viejo, pero no es menos interesante que las otras mencionadas anteriormente. Los "proverbios flamencos" pueden describirse como una interpretación literal de los proverbios en holandés. Bruegel logró pintar una representación visual. gran cantidad proverbios que eran populares en ese momento.
En total, los científicos lograron identificar alrededor de 112 refranes, pero es muy probable que haya muchos más, simplemente hoy han sido olvidados (lo que no permite identificarlos), o están muy bien escondidos.
Fragmento del tríptico "Jardín" de Hieronymus Bosch placeres terrenales", ala derecha "Infierno", en la que se puede ver la partitura en las nalgas del pecador.La obra de Hieronymus Bosch es famosa por su imagenes fantasticas, paisajes e ilustraciones detalladas. conceptos religiosos. Bosch fue un verdadero maestro en la representación de lo grotesco. Cada cuadro de Basch parece una prueba de la capacidad de las personas para notar detalles pequeños y ocultos.
Por ejemplo, hace apenas tres años, una bloguera llamada Amelia publicó en su blog de Tumblr que encontró algunas notas musicales escondidas en una de las pinturas. Estamos hablando de este notorio quinto punto del pecador. Pronto apareció en Internet el "Himno del pecador", escrito a partir de estas notas.
"Baco" es uno de los más sensacionales. pinturas de caravaggio. Hoy se puede ver en la Galería de los Uffizi de Florencia. La pintura, pintada en 1595, representa al dios romano Baco (Dioniso) con una copa de vino, como si invitara al espectador a unirse a él.Todo parece bastante obvio, pero hace ocho años un equipo de expertos que utilizó la moderna tecnología de reflectograma logró ver algo peculiar dentro de una jarra de vino (en la esquina inferior izquierda): Caravaggio pintó un pequeño autorretrato en este lugar.
El retrato en miniatura fue descubierto en 1922 cuando un restaurador estaba limpiando el lienzo. Entonces los científicos no entendieron lo que habían descubierto bajo capas de barro centenarias. pero gracias tecnología moderna, ahora todos pueden ver la divertida imagen de Caravaggio.
Durero, El Bosco, Magritte, Vermeer: estos y muchos otros artistas no solo enriquecieron el tesoro de la pintura mundial, sino que también dejaron muchos misterios para la posteridad. Algunos de ellos todavía no pueden ser descifrados.
Jan Vermeer. "mujer pesando perlas"
"Mujer sosteniendo una balanza" de Johannes Vermeer
El nombre de la pintura, pintado en 1665, viene determinado por la escena que aparece ante el espectador: perlas esparcidas sobre la mesa, una mujer sostiene una balanza en sus manos. Sólo durante un examen de alta tecnología en nuestro tiempo resultó que la balanza estaba vacía. Esto llevó a los historiadores del arte a buscar significado sagrado, que el pintor holandés pudo poner en práctica.
Una de las conjeturas es que la mujer puso en la balanza sus buenas y malas acciones, tratando de evaluar cuáles de ellas pesarían más en el Día del Juicio. Este pensamiento está en sintonía con los acontecimientos. Juicio Final, que se muestran en la imagen detrás de la heroína. Se complementa con un espejo, un objeto con el que una persona evalúa sus fortalezas y debilidades.
Pieter Bruegel el Viejo. "Siete vicios. Pereza"
"Siete vicios. La pereza" de Pieter Bruegel el Viejo
Grabados artista holandés No tan conocido por el público en general como él. pinturas. De gran interés es la ilustración "Pereza" de la serie "Siete vicios".
Algunos de los personajes son fáciles de asociar con el nombre. La anciana en el centro es la personificación de la pereza, el diablo con una almohada es una ilustración del proverbio "La pereza es la almohada del diablo". " Reino muerto"Con gente dormida y un caracol en primer plano completan la imagen de un mundo sumido en el vicio.
Todavía no es posible explicar la presencia de personajes individuales. La principal polémica es la figura del monje, así como la imagen de campanas y relojes. Según una versión, el sacerdote está tratando de darle cuerda al reloj "dormido" para obligar a la multitud a despertar de su pereza. Según otro, el monje, las campanas y los relojes son una referencia al inicio de la retribución que espera a todos los perezosos.
Kuzma Petrov-Vodkin. "Vasya"
"Vasya" de Kuzma Petrov-Vodkin
En 2010 fue descubierto en Chicago. imagen desconocida Artista ruso. Petrov-Vodkin solía poner el año al lado del autógrafo y en los bocetos también ponía la fecha y el mes. Aquí no hay citas. Probablemente el cuadro fue pintado en su Khvalynsk natal, donde el autor pasó el verano y el otoño de 1916. En la versión final del retrato, el artista pintó sobre la ventana detrás del niño. ¿Por qué?
Quizás Petrov-Vodkin quiso evitar una analogía directa con su otra obra: "Madre" (1915), donde hay una ventana. ¿O tal vez el autor no quiso distraer la atención del espectador del rostro del niño y del ícono de la "Virgen de la Ternura", metáforas de la profunda espiritualidad y la firmeza inquebrantable del pueblo ruso? Finalmente, tallas pequeñas los lienzos podían limitar la idea y no permitían al artista “balancearse”. La búsqueda de versiones continúa.
Alberto Durero. "Melancolía I"
"Melancolía I" de Albrecht Durrer
El significado de muchas de las imágenes de los grabados de Durero aún no ha recibido una interpretación inequívoca. En el centro de la imagen hay una mujer joven con alas. ¿Quién es ella? ¿Musa o ángel? Un cuadrado mágico cuelga detrás de su espalda. En las filas verticales, horizontales y diagonales la suma de los números es 34. La suma de los números en los cuartos del cuadrado y en sus esquinas vuelve a sumar 34.
Otro misterio es el “yo” del título del grabado, que está inscrito en las alas. murciélago. lo mas versión popular– Según la división de los melancólicos en artistas, científicos y filósofos, aceptada en tiempos de Durero, el autor se clasificó en el primer grupo. Ernest Freses piensa diferente: “yo” no es un número, sino el verbo “eo” en modo imperativo, que significa “¡vete!” Durero lo utilizó como hechizo magico para expulsar la melancolía de tu propio corazón.
¿Qué simbolizan las herramientas esparcidas por el suelo? La crítica de arte Paola Volkova da su explicación. El lienzo se puede dividir en niveles: el primero es la artesanía (de ahí las herramientas esparcidas en primer plano), el segundo es el intelecto y el tercero es el mundo de lo desconocido. Estos niveles son mundo interior el autor, y él mismo es una dama alada pensativa que sostiene una brújula en sus manos, un símbolo de las limitaciones de todo.
¿Quién quedó detrás de escena para tocar la campana? Este misterio todavía tiene que ser resuelto.
Marc Chagall. "Autorretrato con siete dedos"
"Autorretrato con siete dedos" de Marc Chagall
Marc Chagall pinta un autorretrato en 1912. Su nombre llama inmediatamente la atención sobre la mano del artista, que en realidad tiene siete dedos.
Quizás el autor se esté burlando de su propio talento, recordando el lenguaje ancestral del artesano productivo que trabaja muy rápido. ¿O quiere llamar la atención sobre su propia obra, “Rusia, burros y otros”, escrita un año antes? Después de todo, ¿ella es la que está parada en el caballete? ¿O tal vez los siete dedos corresponden a los siete días bíblicos de la creación?
Jerónimo Bosch. "Mago"
"El Mago" de Jerónimo Bosch
Una escena instructiva sobre cómo una persona es incapaz de resistir las tentaciones invita al espectador a pensar en valores más elevados.
Algunos símbolos confirman la depravación de las personas. El mochuelo en la riñonera de mimbre del “mago” es el diablo con sus falsas promesas. Los sapos sobre la mesa y en la boca de uno de los jugadores son un signo de azufre, que los alquimistas asociaban con el infierno y Lucifer.
Pero el principal misterio de esta imagen es el hombre de verde, cuya mirada se dirige al espectador. Su rostro también se encuentra en otras obras del Bosco, por lo que se supone que se trataba de algún conocido del artista. Dado que el maestro siempre lo retrató en un grupo de pecadores, lo más probable es que el misterioso ciudadano, por alguna razón, le resultara desagradable a Bosch.
René Magritte. "Amantes"
"Los amantes" de René Magritte
El surrealista belga René Magritte casi siempre explicaba sus trabajos de rompecabezas. Se mostraba escéptico ante las interpretaciones de terceros y estaba convencido de que las pinturas debían examinarse y no buscar símbolos en ellas. Pero el artista no hizo comentarios sobre "Amantes", por lo que los nuevos intentos de desentrañar el significado de la imagen no cesan.
Algunos creen que el hombre y la mujer cuyas cabezas están envueltas en lino blanco son una referencia a la tragedia infantil del autor. A los 13 años, su madre se ahogó y cuando la llevaron a la orilla le taparon la cara con el dobladillo de su camisa. Otros creen que el autor ilustró la frase “el amor es ciego”. El tercero es la soledad y el desapego. Cuarto: la metáfora de “perder la cabeza por amor”. El significado que realmente le dio el belga a la situación sigue siendo un misterio.
Eugenio Delacroix. "La libertad guiando al pueblo"
Delacroix escribió "Libertad" después de la Revolución de Julio en París en 1830. Pero ¿por qué los rebeldes se inspiran en una mujer en topless? El crítico de arte francés Etienne Julie cree que el autor escribió imagen central de la lavandera Anna-Charlotte, una famosa revolucionaria que mató a nueve enemigos con sus propias manos.
El experto sugirió que los senos desnudos son un símbolo del triunfo de la democracia: la libertad, como mujer sencilla, no aprieta el cuerpo en un corsé. La versión más obvia es que la mujer semidesnuda simboliza la dedicación de los revolucionarios, que se lanzaron a la batalla "con los pechos desnudos".
Pablo Cézanne. "Jugadores de cartas"
"Los jugadores de cartas" de Paul Cezanne
Probablemente escrito entre 1893 y 1896, "Card Players" de la serie del mismo nombre sorprende por la brevedad de su trama.
A primera vista, parece que se trata de una escena de género normal y corriente: dos hombres se apasionan por su pasatiempo favorito. Sin embargo, según los críticos de arte, la pintura puede contener un significado casi sagrado.
Una botella de vino verde colocada sobre la mesa puede referirse a la Sagrada Comunión, y un mantel rojo brillante puede referirse al color de la sangre de Cristo, que expió los pecados de las personas. Esta versión probablemente esté respaldada por la falta de dinero sobre la mesa y las caras concentradas de los jugadores. La intensidad emocional de los hombres y el juego sin apuestas obvias probablemente también signifiquen que está en juego algo más que los valores materiales habituales.
Tivadar Kostka Chontvari. "Viejo pescador"
"El viejo pescador" de Tivadar Kostka Chontvari
A principios del siglo pasado, Chontvari escribió “El viejo pescador”. La idea del artista húngaro fue descifrada sólo después de su muerte utilizando una técnica popular para resolver acertijos.
Si coloca un espejo de dos caras en el centro de la imagen, a la izquierda el espectador verá a un anciano venerable y a la derecha, a uno malvado. ¿Qué simbolizan? Algunos sugieren que Dios y el diablo. Los demás son el bien y el mal que existe en cada persona. Considerando que durante su vida Chontvari percibió su talento como un destino divino, las versiones parecen más que verosímiles.
El simbolismo es un género en la pintura, saturado de un misterio extraordinario, con el fin de centrar la atención en las obras de arte. El estilo en sí es un simbolismo en las pinturas de los artistas como un completo dirección artística Fue creado, probablemente, sobre la base de que durante el período de la cruel Inquisición era imposible transmitir todo con franqueza, y la discusión franca sobre diversos temas no era bienvenida, tanto en el campo de la pintura como en los círculos poéticos, artísticos y artísticos. Los propios pintores se expresaron en forma de mensajes originales, comprensibles sólo para personas conocedoras. La información de las pinturas sólo podía ser entendida por unos pocos elegidos. Y el nombre "simbolismo" como una tendencia artística de pleno derecho se presentó al mundo en 1886 gracias a los esfuerzos del poeta francés Jean Moreasu.
Las imágenes simbólicas en la pintura de los siglos XIX y XX alientan a los espectadores a pensar, sentir y conectar la percepción subconsciente y la intuición para una mejor comprensión (o no aceptación) de la intención del artista. Mayoría ejemplo brillante El simbolismo es la pintura de iconos, porque las imágenes de los iconos son increíblemente originales. El simbolismo también tiene sus propias “reglas de lectura”: existen voluminosos catálogos emblemáticos diseñados para una mejor comprensión de lo representado. Sin embargo, como en obras literarias hay una posición que “es el punto de partida del pensamiento”, de la misma manera se puede reprochar lo “simbólico” libros de referencia con reglas para descifrar lo que se representa. ¿Por qué partir de las interpretaciones de otras personas? Cada uno entiende las imágenes simbólicas de manera diferente, dependiendo de su percepción personal, nivel de educación y educación espiritual. El lenguaje de todos los géneros artísticos, incluido el ruso, es universal; cada persona que evalúa las pinturas de pintores simbolistas puede ver algo propio en ellas o no notar nada. Interés genuino por las pinturas en Rusia en el género del simbolismo, así como por muchas de ellas. alto precio depender de pertenecer a un pequeño círculo de quienes conocen el secreto. El cuadro es un símbolo que atrae y es especialmente apreciado. Descifrar los símbolos de las pinturas es muy cosa interesante. Sin recurrir a valoraciones habituales y ya establecidas, intentaremos leer de forma independiente el mensaje del autor, oculto y transmitido mediante el lenguaje de los símbolos. Como ejemplo, consideremos la creación de una artista contemporánea originaria de México, Leonora Carrington (vivió entre 1917 y 2011). Fue una de las pocas artistas femeninas que dominó el simbolismo en la pintura, que era predominantemente realizada por artistas masculinos. De gran interés para el estudio es un cuadro pintado en 1936-1939 titulado: “La posada del caballo del amanecer”. Esta pintura es un autorretrato de la propia artista, Leonora Carrington. Este fue su debut y cuadro principal, realizado en el género del simbolismo.
Entonces, el lienzo representa a una niña. Ella está en una habitación vacía, sentada indiferentemente en una silla decorada al estilo típicamente victoriano. Un análisis más detallado revela que esta silla es inusual; sus patas y reposabrazos tienen forma de brazos y piernas humanos. Durante este período en Inglaterra, estaba sentada en el trono la reina Victoria, quien apoyaba estrictos principios morales: ella misma se dedicó a servir a su país y a su familia, lo que siempre exigió a sus súbditos. La ropa de niña es de hombre, destinada a montar a caballo. De esta forma, la heroína de la imagen puede confundirse con un hombre. Lleva pantalones blancos como la nieve, que simbolizan la pureza y la inocencia. Su cabello está caóticamente despeinado, su postura muestra cierta inactividad y sus ojos expresan temeridad. Extiende su mano derecha para darle un beso imaginario. Contra el fondo de la pared se puede ver un caballito de madera infantil de gran tamaño, que simboliza los sueños y aspiraciones del niño, así como la confianza en sí mismo de una niña. En la habitación contigua a la niña hay una hiena rayada agresiva, que refleja su lado verdadero y subdesarrollado de la vida. Este animal está representado de forma antiestética, desaliñada y con locura en los ojos, algo similar a los ojos de la propia niña. En el contexto de un estado de ánimo pesimista y una sensación de desesperanza, tan inherentes a la mayoría de los creadores simbolistas, la imagen de una yegua blanca como la nieve flotando fuera de las ventanas de la habitación es alentadora. Mirándola, parece que en algún lugar, en la distancia, en el futuro, todo es fácil y sin nubes, los deseos se cumplen, se logra un sentimiento de felicidad, la mujer encuentra la tan esperada libertad e independencia. ¡Solo necesita decidir ser feliz! Pero aquí una sombra de duda se apodera del espectador y arruina la exactitud de la interpretación cuando se da cuenta de que hay tres bolitas en el vientre de la hiena. ¿Quizás sean un indicio de una trinidad con connotaciones religiosas? Residentes Grecia antigua Se creía que las hienas eran capaces de cambiar de género. Por tanto, el vientre y las patas de este animal representan algo inconsciente. Se puede suponer que las tres bolas representan a los tres hombres de los que se enamoró la niña. Estos hombres probablemente le mostraron señales de atención, pero ella decidió proteger su inocencia, y eso fue lo que siguió: perdió. tranquilidad de espíritu. Aquí se hace evidente que la castidad categórica de una mujer va en contra de las leyes de la naturaleza y las destruye. El argumento de la imagen parece gritar: ¡admira en qué has convertido tu existencia! - y gracias a la demostración de este ejemplo, anima a las niñas y espectadoras a actuar: “¡Sé proactivo! ¡Toma el asunto en tus propias manos!
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El simbolismo es una dirección en la pintura que hace un uso abundante de imágenes, cifras, referencias y codificaciones.
De acuerdo con la teoría del arte, el simbolismo en la pintura surgió en la segunda mitad del siglo XIX y continuó desarrollándose a principios del siglo XX.
Al mismo tiempo, incluso en la Edad Media, se crearon muchas obras de arte en el género del simbolismo: los artistas y pintores de iconos cifraban sus mensajes a sus descendientes y planteaban acertijos a sus contemporáneos.
El término “simbolismo” apareció en 1886 gracias a poeta francés Jean Moreas.
La presencia de símbolos en la pintura obliga al espectador a pensar activamente, utilizar el subconsciente y la intuición para comprender mejor y aceptar (o no aceptar) la idea del autor de la pintura. lo mas un brillante ejemplo El simbolismo puede considerarse pintura de iconos: el lenguaje de escritura de los iconos es único.
Al simbolismo también se le atribuyen “reglas de lectura”: existen colecciones emblemáticas enteras para descifrar imágenes. Pero así como en la literatura existe la opinión de que "una cita es una prótesis del pensamiento", de manera similar se puede reprochar a los libros de referencia "simbólicos" con reglas para leer imágenes.
¿Por qué recurrir a las interpretaciones de otras personas? Cada uno percibe la imagen a su manera, en función de su experiencia sensorial, nivel de desarrollo e inteligencia. El lenguaje de todo tipo de arte es universal; cada espectador, al contemplar una pintura de un artista simbolista, seguramente verá algo propio en ella.
Interpretar un cuadro de un artista simbolista es una experiencia muy apasionante. Sin mirar atrás a la opinión ya formada de otra persona, leamos nosotros mismos el mensaje oculto del autor y lo transmitimos en el lenguaje de los símbolos: usando el ejemplo de una pintura. artista mexicano Leonora Carrington (1917-2011). Leonora Carrington es una de las pocas artistas surrealistas que pintó en un género dominado en gran medida por artistas masculinos.
La obra "La posada del caballo del alba", escrita en 1936-1939, es de gran interés para la interpretación. [“Dawn Horse Inn” - Inglés] es un autorretrato de Leonora Carrington. El lienzo se considera el primero y trabajo principal Artistas del género del surrealismo.
Entonces, a primera vista, la pintura representa a una niña sentada indiferentemente sola en habitación vacía en una silla de estilo victoriano. Tras un examen más detenido, podemos ver las patas y los reposabrazos de la silla en forma de extremidades humanas: brazos y piernas. La época en que la reina Victoria gobernó en Inglaterra se caracteriza por estrictos principios morales: la propia reina subordinó su vida al deber y la familia y se lo exigió a sus súbditos.
La niña está vestida con ropa de hombre: un jinete, lo que le da rasgos masculinos, y parece una especie de criatura bisexual. La chica lleva pantalones absolutamente blancos. blanco Simboliza la pureza y la inocencia. Y precisamente porque se trata de pantalones blancos como parte de la ropa, surge la idea de que esta chica siempre se ha negado los placeres sexuales.
Su cabello está despeinado, sus ojos son salvajes y toda su postura expresa cierta pasividad. Su derecha congelado en un gesto: una mano extendida para un beso. En la pared hay un enorme caballito de madera, símbolo del recuerdo de los sueños y esperanzas de la infancia, cuando cada niña sabe que tendrá éxito en todo en la vida. A juzgar por el hecho de que junto a la niña en la habitación hay una hiena rayada, esta es su verdadera vida fallida, que el artista describió como una hiena desagradable y descuidada con los mismos ojos locos que los de la niña.
Junto al estado de ánimo pesimista, el sentimiento de desesperanza, tan característico de todos los artistas que trabajan en el género del simbolismo, la imagen de un caballo blanco volando con facilidad, fuera de la ventana de la habitación en la que se encuentra la niña, inspira esperanza. Allí, en algún lugar, en la distancia, más adelante, hay ligereza, hay cumplimiento de los deseos, es posible alcanzar la felicidad, así como una mujer gana libertad e independencia... Solo necesitas decidir ¡en eso!
Lo único que dificulta la interpretación son las tres bolitas en el vientre de la hiena: ¿qué son? ¿Un símbolo de la trinidad con un toque de religión? Los antiguos griegos creían que la hiena podía cambiar de género. Y exactamente parte inferior Los cuerpos de los animales (el estómago y las patas) están inconscientes. Quizás los tres bailes signifiquen los tres amores de la niña, tres hombres que la cuidaron, y ella quería mantener su pureza, y esto es a lo que esto llevó: que estaba loca... Surge con razón la conclusión de que la pureza y la castidad absolutas para en una mujer esto es antinatural y viola todas las leyes imaginables de la naturaleza...
La imagen parece decir: ¡mira, mira lo que has hecho con tu vida! - y así anima a cualquier espectadora a actuar: “¡Actúa! ¡Todo está en tus manos!