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Descripción de René Magritte, hijo del hombre. La provocación intelectual de René Magritte, o la búsqueda del significado del cuadro “Hijo del Hombre. El surrealismo como ilusión y la literatura del siglo XX

Belga artista surrealista René Magritte– uno de los artistas más misteriosos y controvertidos, cuyo trabajo siempre ha planteado muchas preguntas. Una de sus obras más famosas es "Hijo del Hombre". Actualmente, hay muchos intentos de interpretar el subtexto simbólico de la pintura, lo que los críticos de arte a menudo llaman una provocación intelectual.

Cada cuadro de Magritte es un acertijo que te hace pensar en múltiples significados ocultos. Su número depende únicamente de la imaginación y la erudición del espectador: las combinaciones de imágenes y los nombres de las pinturas hacen que el espectador busque una solución que tal vez en realidad no exista. Como dijo el propio artista, su principal objetivo es hacer pensar al espectador. Todas sus obras producen un efecto similar, por lo que Magritte se autodenominó “realista mágico”.
Magritte es un maestro de las paradojas; plantea problemas que contradicen la lógica y deja al espectador la tarea de encontrar formas de resolverlos. La imagen de un hombre con bombín es una de las centrales de su obra, se ha convertido en un símbolo del propio artista; El objeto paradójico de la imagen es una manzana que cuelga en el aire justo delante de la cara de un hombre. “El Hijo del Hombre” es la quintaesencia del concepto de “realismo mágico” y la cúspide de la obra de Magritte. Todo el que mira esta imagen llega a conclusiones muy contradictorias.
Magritte pintó “El hijo del hombre” en 1964 a modo de autorretrato. El título de la obra hace referencia a imágenes bíblicas y símbolos. Como escribieron los críticos, "la imagen debe su nombre a la imagen de un hombre de negocios moderno, que sigue siendo el hijo de Adán, y a una manzana, que simboliza las tentaciones que continúan atormentando a una persona incluso en la vida". mundo moderno».
Por primera vez, la imagen de un hombre con abrigo y bombín aparece en “Reflejos de un transeúnte solitario” de 1926, y luego se repite en el cuadro “El significado de la noche”. En la década de 1950 Magritte vuelve a esta imagen. Su famosa “Golconda” simboliza la multitud unidireccional y la soledad de todos en ella. persona individual. “El hombre del bombín” y “El hijo del hombre” siguen reflexionando sobre la pérdida de individualidad del hombre moderno.

El rostro del hombre de la imagen está cubierto por una manzana, uno de los símbolos artísticos más antiguos y significativos. En la Biblia, la manzana es el fruto del árbol del conocimiento del bien y del mal, símbolo de la caída del hombre. En el folclore, esta imagen se utilizaba a menudo como símbolo de fertilidad y salud. En heráldica, la manzana simboliza la paz, el poder y la autoridad. Pero Magritte, aparentemente, apela a los significados originales, utilizando esta imagen como símbolo de las tentaciones que acechan al hombre. En un ritmo frenético vida moderna una persona pierde su individualidad, se fusiona con la multitud, pero no puede deshacerse de las tentaciones que bloquean el mundo real, como una manzana en una imagen.

Mi surrealista favorito puede presumir de tener muchas obras maestras colgadas modestamente en su museo de Bruselas. Es conocido por el público en general por sus dos cabezas cubiertas con un trozo de tela, ataúdes sentados, una imagen de una pipa, así como por sus órganos genitales femeninos que encajan perfectamente en su rostro. Bueno, naturalmente, gracias a él, el hijo del hombre.

La imagen de un hombre con abrigo y bombín recorre como un hilo rojo toda la obra de Magritte. Pintó por primera vez una silueta similar en 1926, y llamó al cuadro "Reflejos de un transeúnte solitario". Algunos investigadores de su obra creen que el cuadro fue pintado bajo la impresión de la muerte de la madre del artista. (Se suicidó tirándose de un puente).

Un año después, el motivo del bombín y del abrigo reaparece en la obra de Magritte. "El significado de la noche". El significado de la noche, por supuesto, está en un sueño.

Una vez más, Magritte recordó esta imagen sólo en 1951, cuando pintó el cuadro “La caja de Pandora”. Presumiblemente, la rosa blanca simboliza la esperanza que queda en el fondo de la caja.

En 1953, Magritte pintó la famosa "Golconda", una lluvia de hombres. El propio René afirmó que esta foto personifica la unicidad de la multitud y la soledad del individuo en ella que puede tocar vida real- de nuevo - sólo en un sueño.

En 1954 aparecieron El gran siglo y El maestro de escuela.

"Gran Siglo"

"Maestro de escuela"

En 1955, un hombre con abrigo y bombín aparece desde diferentes lados. Tres figuras, tres lunas, tres realidades. "Obra maestra o misterio del horizonte"

En 1956, el alter ego de Magritte pierde su forma y imita el horizonte: la obra "El poeta recreado".

En 1957, Magritte se inspiró en Botticelli y colocó la Primavera en la espalda de un hombre que llevaba un abrigo. "Ramo listo"

Después de una pausa de tres años, en 1960 el abrigo volvió a ser visto por un espectador agradecido. Trae consigo una manzana. "Tarjeta postal"

Así como representantes de la fauna. Detalle importante- un hombre con abrigo y bombín se vuelve hacia nosotros. "Presencia de ánimo"

En 1961, Gagarin voló al espacio y Magritte pintó “Retrato de Steffi Lang”, en el que no dejó de colocar dos juegos de “bombines”.

"Alta sociedad"

"Espíritu de aventura"

En 1963, Magritte volvió a experimentar un poco con la forma.

"Confesión sin fin"

"Proponente del orden"

En 1964, el artista pintó el precursor de “El Hijo del Hombre”. "El hombre del bombín"

Y finalmente llegamos al que quizás sea el cuadro más famoso de Magritte. "Hijo del Hombre" pretendía ser un autorretrato del artista, simbolizando hombre moderno que ha perdido su individualidad, pero no se ha librado de las tentaciones.

Ese mismo año se escribió una variación de "El hijo del hombre": "La Gran Guerra".

Dos años después de El hijo del hombre, Magritte volvió a los bombines. "Calcomanía" y " Museo Real"que data de 1966.

"Calcomanía"

"Museo Real"

En este punto, Magritte terminó su relación con los bombines, pero ya era demasiado tarde: la imagen pasó a las masas. Las manos juguetonas de los fanáticos de los productos Apple jugaron un papel importante en la vulgarización de la imagen.

Sin embargo, no se debe culpar sólo a los partidarios de la manzana podrida; por regla general, la adaptación de una idea por parte de la sociedad suele ser dolorosa para el autor.

La apoteosis del proceso es la transformación del “hijo del hombre” en un nuevo héroe de la juventud progresista. Siento que Magritte acaba de dar en el clavo.

¿Qué obtenemos como resultado? uno de Imágenes clave el artista ha sido vulgarizado y comercializado. Por otra parte, ¿no es esto una prueba de fama mundial?

Durante su vida, Magritte pintó unos 2.000 cuadros, en 50 de los cuales aparece el sombrero. El artista la pintó entre 1926 y 1966, y se convirtió característica distintiva creatividad de René.

Anteriormente, los bombines los usaban representantes comunes y corrientes de la burguesía, que no querían destacarse entre la multitud. “El bombín... no es sorprendente”, dijo Magritte en 1966. “Este es un tocado que no es original. El hombre del bombín es simplemente un hombre de clase media [escondido] en su anonimato. Yo también lo uso. No trato de destacar."

René Magritte. 1938

Los bombines se pusieron de moda específicamente para la clase media británica en la segunda mitad del siglo XIX. A principios del siglo XX, el bombín se convirtió en uno de los sombreros más populares. El tocado se consideraba informal y práctico al mismo tiempo, por lo que era una parte obligatoria del guardarropa masculino.

Es cierto que en la década de 1920 también hubo episodios en los que el accesorio apareció en la carrera de Magritte. En ese momento, el artista abandonó su trabajo como ilustrador por un catálogo de moda. Pinturas tempranas contienen referencias a la cultura pop, que luego se asoció con el bombín. Magritte, que era un ávido lector de ficción policial, trabajó en Asesino en peligro, en la que dos detectives con bombines se preparan para entrar en la habitación donde se ha cometido un asesinato.

El asesino está en peligro. 1927

Luego, el artista abandonó el motivo del “sombrero” y no lo utilizó durante varias décadas. Los sombreros reaparecieron en los lienzos en los años cincuenta y sesenta, convirtiéndose en una parte importante de la carrera tardía de René. En ese momento, las asociaciones con un hombre con sombrero habían cambiado dramáticamente: de una clara referencia a la profesión (de detectives, principalmente) a un símbolo de la clase media.

Pero, como debe ser en la obra de Magritte, no todo es lo que nos parece. "Él juega con este sentimiento: 'Creemos que sabemos quién es esta persona, pero ¿lo sabemos?' dice Caitlin Haskell, organizadora de la exposición de René Magritte en San Francisco. "Hay una sensación de intriga aquí, a pesar de que la figura en sí es estereotípicamente burguesa y no es de particular interés".

Una obra maestra o los secretos del horizonte. 1955

“Si tomas el genio de Magritte y tienes que describirlo en una frase: “¿Por qué es Magritte tan importante?” ¿Por qué sus imágenes son una parte integral de la imaginación y la conciencia del público? Esto se debe a que crea increíblemente claro y imágenes claras que no tienen un significado claro”, dice Anne Umland, curadora de pintura y escultura del Museo de Nueva York. arte contemporáneo. "El bombín funciona de esa manera".

Existe la teoría de que el sombrero funcionó como un “anonymizador” para el propio René. En la época en que los sombreros reaparecieron en las pinturas, Magritte comenzó a usar un sombrero para las sesiones de fotos. Es muy posible que los galantes caballeros de las pinturas sean autorretratos del propio René.

Esto se ilustra en un cuadro llamado "Hijo del Hombre", que actúa como un autorretrato del artista. René se imagina un bombín y una gran manzana flotando frente a su cara, eclipsando su verdadera personalidad.

Hijo del hombre. 1964

Sin embargo, en los años 50, en las calles de la ciudad dejaron de abundar los bombines. El accesorio quedó obsoleto y los habitantes de la ciudad que seguían las tendencias tuvieron que abandonarlo. Luego, los sombreros de Magritte, pintados en un estilo realista (en el apogeo del expresionismo abstracto), se convirtieron en un símbolo de anonimato. En las pinturas de René pasaron a primer plano, en lugar de desaparecer entre la multitud sin rostro.

De hecho, los bombines se convirtieron en la firma iconográfica de Magritte. Resulta ser una ironía curiosa: el artista eligió un detalle que aseguraría la irreconocibilidad, pero todo resultó al revés. Ahora el bombín es uno de los principales objetos de creatividad del legendario René Magritte.

Bella Adtseeva

El artista belga René Magritte, a pesar de su indudable afiliación con el surrealismo, siempre se mantuvo aparte en el movimiento. En primer lugar, se mostró escéptico acerca de quizás la principal afición de todo el grupo de André Breton: el psicoanálisis de Freud. En segundo lugar, las pinturas de Magritte en sí no se parecen ni a las locas tramas de Salvador Dalí ni a los extraños paisajes de Max Ernst. Magritte utilizó en su mayoría imágenes cotidianas y cotidianas (árboles, ventanas, puertas, frutas, figuras humanas), pero sus pinturas no son menos absurdas y misteriosas que las obras de sus excéntricos colegas. Sin crear objetos y criaturas fantásticas desde lo más profundo del subconsciente, el artista belga hizo lo que Lautreamont llamó arte: organizó "un encuentro entre un paraguas y una máquina de escribir en la mesa de operaciones", combinando cosas banales de una manera inusual. Críticos y conocedores de arte ofrecen todavía nuevas interpretaciones de sus cuadros y de sus títulos poéticos, casi nunca relacionados con la imagen, lo que una vez más lo confirma: la sencillez de Magritte es engañosa.

El propio René Magritte llamó a su arte ni siquiera surrealismo, sino realismo mágico, y desconfiaba mucho de cualquier intento de interpretación, y más aún de la búsqueda de símbolos, argumentando que lo único que se podía hacer con las pinturas era mirarlas.

A partir de ese momento, Magritte volvió periódicamente a la imagen de un misterioso extraño con un bombín, representándolo en la orilla arenosa del mar, o en un puente de la ciudad, o en un bosque verde, o frente a frente. paisaje de montaña. Podían ser dos o tres desconocidos, estaban de espaldas al espectador o semide lado y, a veces, como, por ejemplo, en el cuadro Alta sociedad (1962) (puede traducirse como " Alta sociedad"—nota del editor) - el artista trazó solo el contorno de un hombre con un bombín, llenándolo de nubes y follaje. Lo más pinturas famosas, que representa a un extraño: "Golconda" (1953) y, por supuesto, "El hijo del hombre" (1964), la obra más replicada de Magritte, cuyas parodias y alusiones ocurren con tanta frecuencia que la imagen ya vive separada de su creador. Inicialmente, René Magritte pintó el cuadro como un autorretrato, donde la figura de un hombre simbolizaba a un hombre moderno que ha perdido su individualidad, pero sigue siendo el hijo de Adán, que es incapaz de resistir las tentaciones, de ahí la manzana que cubre su rostro.

"Amantes"

René Magritte comentaba con bastante frecuencia sus pinturas, pero dejó sin explicación una de las más misteriosas: "Amantes" (1928), dejando espacio para la interpretación a críticos y aficionados del arte. Los primeros volvieron a ver en el cuadro una referencia a la infancia de la artista y a las experiencias asociadas con el suicidio de su madre (cuando sacaron su cuerpo del río, la cabeza de la mujer estaba cubierta con el dobladillo de su camisón - nota del editor). La más simple y obvia de las versiones existentes - "el amor es ciego" - no inspira confianza entre los expertos, quienes a menudo interpretan la imagen como un intento de transmitir el aislamiento entre personas que son incapaces de superar la alienación incluso en momentos de pasión. Otros ven aquí la imposibilidad de comprender y conocer a las personas cercanas hasta el final, mientras que otros entienden "Amantes" como una metáfora realizada de "perder la cabeza por amor".

Ese mismo año, René Magritte pintó un segundo cuadro llamado "Los amantes": en él los rostros del hombre y la mujer también están cerrados, pero sus poses y su fondo han cambiado, y el estado de ánimo general ha pasado de tenso a pacífico.

Sea como fuere, "Los amantes" sigue siendo una de las pinturas más reconocibles de Magritte, cuya atmósfera misteriosa es tomada prestada por los artistas de hoy; por ejemplo, la portada hace referencia a ella. álbum debut grupo británico Funeral para un amigo vestido informalmente y enfrascado en una conversación (2003).

"La traición de las imágenes", o esto no es...

Los nombres de las pinturas de René Magritte y su conexión con la imagen son un tema para un estudio aparte. "La llave de cristal", "Lograr lo imposible", "El destino humano", "El obstáculo del vacío", " mundo maravilloso", "El Imperio de la Luz" son poéticos y misteriosos, casi nunca describen lo que el espectador ve en el lienzo, y en cada caso individual sólo se puede adivinar qué significado el artista quería darle al nombre. "Los nombres fueron elegidos en de tal manera que no me permiten ubicar mis pinturas en el ámbito de lo familiar, donde el automatismo del pensamiento ciertamente funcionará para prevenir la ansiedad”, explicó Magritte.

En 1948, pintó el cuadro “La traición de las imágenes”, que se convirtió en uno de los más obras famosas Magritte gracias a la inscripción: de la inconsistencia el artista llegó a la negación, escribiendo "Esto no es una pipa" debajo de la imagen de una pipa. "Esta famosa pipa. ¡Cómo me lo reprochan! Y, sin embargo, ¿se puede llenar con tabaco? No, es sólo una imagen, ¿no? Así que si escribiera debajo de la imagen: 'Esto es una pipa', ¡Estaría mintiendo!" - dijo el artista.

El cielo de Magritte

El cielo con nubes flotando sobre él es una imagen tan cotidiana y usada que hacerla " tarjeta de visita"De cualquier artista en particular parece imposible. Sin embargo, el cielo de Magritte no se puede confundir con el de otra persona, la mayoría de las veces debido al hecho de que en sus pinturas se refleja en espejos elegantes y ojos enormes, llena los contornos de los pájaros y, junto con la línea del horizonte del paisaje se mueve imperceptiblemente hacia el caballete (serie “Human Lot”). El cielo sereno sirve de fondo para un extraño con bombín (“Decalcomania”, 1966), reemplaza las paredes grises de la habitación (“). Personal Values”, 1952) y se refracta en espejos tridimensionales (“Elementary Cosmogony”, 1949).

El famoso "Imperio de la Luz" (1954), al parecer, no se parece en nada a las obras de Magritte: en el paisaje nocturno, a primera vista, no había lugar para objetos inusuales y combinaciones misteriosas. Y, sin embargo, existe esa combinación, y de ella surge la imagen de "Magritte": un cielo despejado durante el día sobre un lago y una casa sumergida en la oscuridad.

Trama

Un hombre de edad indeterminada con un traje bien hecho pero corriente y un bombín se encuentra junto a una valla baja. Detrás de él - superficie del agua. En lugar de una cara hay una manzana. En este acertijo surrealista codificó varios temas que atraviesan toda su obra.

"Hijo del Hombre", 1964. (wikipedia.org)

Incógnito con bombín es una imagen creada a partir de una combinación contradictoria de las pasiones de Magritte. Por un lado, se adhirió a las reglas de la burguesía clásica, prefirió pasar desapercibido, ser como todos los demás. Por otro lado, adoraba historias de detectives, peliculas de aventuras, especialmente sobre Fantômas. La historia de un criminal que se disfrazó de víctima, montó engaños, engañó a la policía y siempre se escondió de la persecución, excitó la imaginación de Magritte.

En la intersección del ansia de orden y desorden nació este hombre que parece respetable, pero detrás de cuyo rostro se esconden secretos desconocidos incluso para él. Ese mismo estanque tranquilo con sus demonios.

La alusión a la historia de la Caída puede verse en el mismo contexto. Adán fue expulsado del paraíso no porque aceptó comer el fruto del árbol prohibido, sino porque no asumió la responsabilidad del delito cometido y, por tanto, no justificó el nombre del hombre como creación divina.

Otro motivo que, de una manera u otra, aparece en muchas de sus obras es el recuerdo de su madre, quien se suicidó cuando René tenía 14 años. Se ahogó en el río, y cuando algún tiempo después sacaron su cuerpo del agua, tenía la cabeza envuelta en un camisón. Y aunque Magritte dijo más tarde que este hecho no le afectó de ninguna manera, esto es difícil de creer. En primer lugar, para permanecer indiferente ante el suicidio de su madre a los 14 años, es necesario tener el alma atrofiada (lo que ciertamente no se puede decir de Magritte). En segundo lugar, en las pinturas aparecen con mucha frecuencia imágenes de agua, de cortinas sofocantes o de una mujer relacionada con el elemento agua. Entonces, en "El hijo del hombre" hay agua detrás de la espalda del héroe, y la barrera que lo separa de ella es extremadamente baja. El final es inevitable, pero su llegada es impredecible.

Contexto

Según la definición de Magritte, creó el realismo mágico: utilizando objetos familiares, creó combinaciones desconocidas que inquietaban al espectador. Los títulos de la mayoría, todas estas formulaciones misteriosas y envolventes, no fueron inventados por el propio artista, sino por sus amigos. Una vez terminado el siguiente trabajo, Magritte los invitó y se ofreció a realizar una sesión de lluvia de ideas. El propio artista dejó bastante descripción detallada la filosofía de su arte y percepción del mundo, su comprensión de la relación entre un objeto, su imagen y su palabra.

"Reproducción prohibida", 1937. (wikipedia.org)

Uno de los ejemplos de los libros de texto es la pintura de 1948 “La traición de las imágenes”. Representa lo familiar tubo, que en sí mismo no causa ninguna perturbación en el alma finamente organizada de carácter artístico. Si no fuera por la firma: "Esto no es una pipa". "¿Cómo es que esto no es una pipa?", preguntó el público, "cuando es claramente visible que no puede ser otra cosa que una pipa". Magritte replicó: “¿Puedes llenarlo de tabaco? No, es sólo una imagen, ¿no? Entonces, si escribiera debajo del cuadro: “Esto es una pipa”, ¡estaría mintiendo!

“La traición de las imágenes”, 1928-1929. (wikipedia.org)

Cada obra de Magritte tiene su propia lógica. No se trata de una serie de pesadillas y sueños, sino de un sistema de conexiones. El artista se mostró en general escéptico sobre el celo con el que los surrealistas estudiaron a Freud y, apenas despertando, trató de plasmar con el mayor detalle posible lo que veían en sus sueños.

El artista tiene una serie de obras: "Perspectivas", en las que mueren los héroes de las pinturas de maestros famosos. Es decir, Magritte interpreta a los representados en los lienzos como personas vivas que tarde o temprano morirán. Por ejemplo, Magritte tomó retratos de Madame Recamier de David y François Gerard y, basándose en ellos, pintó dos perspectivas. Y no puedes discutir: no importa lo hermoso que sea. mundano, pero a ella le esperaba el mismo destino que a la última cosita.

Magritte hizo lo mismo con “El balcón” de Edouard Manet, en la que reemplazó a personas por ataúdes. Algunas personas perciben el ciclo de "perspectivas" como una blasfemia artística, otras como una broma, pero si lo piensas bien, esto es solo una mirada sobria a las cosas.

El destino del artista.

René Magritte nació en la naturaleza belga. Había tres hijos en la familia y no fue fácil. Al año siguiente de la muerte de su madre, René conoció a Georgette Berger. Después de 9 años se volverán a encontrar y nunca más se separarán.

Después de la escuela y un curso en la Real Academia de las Artes, Magritte fue a pintar rosas sobre papel tapiz y consiguió un trabajo como artista en una fábrica. Luego empezó a hacer carteles publicitarios. Después de su matrimonio con Georgette, Magritte dedicó cada vez más tiempo al arte. (Aunque de vez en cuando tenía que volver a los pedidos comerciales; no había suficiente dinero, Georgette tenía que trabajar de vez en cuando, lo que deprimía enormemente a René; él, como un verdadero burgués, creía que una mujer no debería trabajar en absoluto. .) Juntos fueron a París, donde se reunieron con dadaístas y surrealistas, en particular con André Breton y Salvador Dalí.

Al regresar a su tierra natal en la década de 1930, Magritte se mantuvo fiel a su estilo de vida ascético, según los estándares de los artistas. En su casa no había taller; escribía directamente en su habitación. Nada de bebida desenfrenada, escándalos sexuales, libertinaje bohemio. René Magritte llevó la vida de un empleado discreto. No tuvieron hijos, sólo un perro.

Poco a poco se vuelve cada vez más famoso en Europa y Estados Unidos, es invitado a Gran Bretaña y Estados Unidos con exposiciones y conferencias. Un burgués discreto se ve obligado a abandonar su rincón tranquilo.

Durante los años de la guerra, queriendo animar a sus conciudadanos de la patria ocupada, Magritte recurrió al impresionismo. Utilizando a Renoir como modelo, elige colores más brillantes. Al final de la guerra, volverá a su forma habitual. Además, iniciará experimentos en el cine: después de comprar una cámara en los años 50, Magritte fotografía con entusiasmo. cortometrajes con la participación de su esposa y amigos.

En 1967, Magritte murió de cáncer de páncreas. Quedaron varios proyectos inacabados, en los que el artista trabajó hasta sus últimos días.

Fuentes

museo-magritte-museum.be
Conferencia de Irina Kulik “René Magritte - Christo”
Alexander Tairov - sobre artistas. René Magritte
Foto del anuncio y plomo: wikipedia.org

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