Rendimiento de perseverancia. Persimfans y la Orquesta Sinfónica de Düsseldorf interpretarán un programa de concierto en la Sala de Conciertos. PI. Orquesta de instrumentos folclóricos de Tchaikovsky

Palabra "sinfonía" Con idioma griego traducido como "consonancia". Y, de hecho, el sonido de muchos instrumentos de una orquesta sólo puede llamarse música cuando están afinados y no cada uno de ellos produce sonidos por sí solo.

EN Grecia antigua Así se llamaba una agradable combinación de sonidos que cantaban al unísono. EN Antigua Roma Así empezó a llamarse al conjunto u orquesta. En la Edad Media una sinfonía se llamaba musica secular en general y algunos instrumentos musicales.

La palabra tiene otros significados, pero todos conllevan el significado de conexión, participación, combinación armoniosa; por ejemplo, una sinfonía también se llama sinfonía formada en imperio bizantino el principio de la relación entre la iglesia y las autoridades seculares.

Pero hoy sólo hablaremos de una sinfonía musical.

Variedades de sinfonía.

sinfonía clásica- Se trata de una obra musical en forma sonata cíclica, destinada a ser interpretada por una orquesta sinfónica.

Una sinfonía (además de una orquesta sinfónica) puede incluir un coro y voces. Hay sinfonías-suites, sinfonías-rapsodias, sinfonías-fantasías, sinfonías-baladas, sinfonías-leyendas, sinfonías-poemas, sinfonías-réquiems, sinfonías-ballets, sinfonías-dramas y sinfonías teatrales como tipo de ópera.

EN sinfonía clásica normalmente 4 partes:

primera parte - en ritmo rápido(alegro ) , en forma sonata;

segunda parte - en a un ritmo lento, generalmente en forma de variaciones, rondó, sonata rondó, complejo de tres movimientos, con menos frecuencia en forma de sonata;

tercera parte - scherzo o minueto- en forma de tres partes da capo con trío (es decir, según el esquema A-trio-A);

cuarta parte - en ritmo rápido, en forma sonata, en rondó o en forma rondó sonata.

Pero hay sinfonías con menos (o más) partes. También hay sinfonías de un solo movimiento.

Programa Sinfónico Es una sinfonía con un contenido específico, que se establece en el programa o se expresa en el título. Si la sinfonía tiene un título, entonces este título es el programa mínimo, por ejemplo, “Sinfonía fantástica” de G. Berlioz.

De la historia de la sinfonía.

Se considera el creador de la forma clásica de sinfonía y orquestación. Haydn.

Y el prototipo de la sinfonía es el italiano. obertura(pieza orquestal instrumental interpretada antes del inicio de cualquier representación: ópera, ballet), que se desarrolló a finales del siglo XVII. Contribuciones significativas al desarrollo de la sinfonía fueron realizadas por mozart Y beethoven. Estos tres compositores llamados "clásicos vieneses". clásicos vieneses creó un alto tipo de música instrumental, en la que toda la riqueza del contenido figurativo se encarna a la perfección. forma de arte. Con esta época también coincidió el proceso de formación de la orquesta sinfónica, su composición permanente y grupos orquestales.

VIRGINIA. mozart

mozart Escribió en todas las formas y géneros que existieron en su época, significado especial Se lo dio a la ópera, pero gran atención También se dedicó a la música sinfónica. Debido a que a lo largo de su vida trabajó paralelamente en óperas y sinfonías, su musica instrumental Se distingue por la melodía del aria operística y el conflicto dramático. Mozart creó más de 50 sinfonías. Los tres más populares fueron últimas sinfonías- No. 39, No. 40 y No. 41 (“Júpiter”).

K. Schlosser "Beethoven en el trabajo"

beethoven Creó 9 sinfonías, pero en el sentido de desarrollo. forma sinfónica y orquestación, se le puede considerar el mayor compositor sinfónico del período clásico. En su Novena Sinfonía, la más famosa, todas sus partes se fusionan en un todo mediante un tema transversal. En esta sinfonía, Beethoven introdujo las partes vocales, tras lo cual otros compositores comenzaron a hacerlo. En forma de sinfonía dijo una nueva palabra. R.Schumann.

Pero ya en la segunda mitad del siglo XIX. las formas estrictas de la sinfonía comenzaron a cambiar. El sistema de cuatro partes se volvió opcional: apareció una parte sinfonía (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky), sinfonía de 11 partes(Shostakovich) e incluso de 24 partes(Hovaness). El final clásico a un ritmo rápido fue reemplazado por un final lento (Sexta Sinfonía de P.I. Tchaikovsky, Tercera y Novena Sinfonía de Mahler).

Los autores de las sinfonías fueron F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, N. Myaskovsky, A. Scriabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich y otros.

Su composición, como ya hemos dicho, tomó forma en la era de los clásicos vieneses.

La base de una orquesta sinfónica son cuatro grupos de instrumentos: cuerdas arqueadas(violines, violas, violonchelos, contrabajos), vientos de madera(flauta, oboe, clarinete, fagot, saxofón en todas sus variedades: flauta dulce antigua, chal, chalumeau, etc., así como varios instrumentos folklóricos– balaban, duduk, zhaleika, flauta, zurna), latón(trompa, trompeta, corneta, fliscorno, trombón, tuba), batería(timbal, xilófono, vibráfono, campanas, tambores, triángulo, platillos, pandereta, castañuelas, tom-tom y otros).

A veces se incluyen otros instrumentos en la orquesta: arpa, piano, órgano(teclado y viento instrumento musical, el tipo más grande de instrumento musical), celesta(un pequeño instrumento musical de percusión de teclado que parece un piano y suena como campanas), clave.

Clave

Grande una orquesta sinfónica puede incluir hasta 110 músicos , pequeño– no más de 50.

El director decide cómo sentar a la orquesta. La disposición de los intérpretes de una orquesta sinfónica moderna tiene como objetivo lograr una sonoridad coherente. En 50-70 años. Siglo XX se generalizó "Asientos americanos": el primer y segundo violín se colocan a la izquierda del director; a la derecha están las violas y los violonchelos; en las profundidades hay instrumentos de viento de madera y metal, contrabajos; a la izquierda están los tambores.

Disposición de los asientos de los músicos de la orquesta sinfónica

Para el centenario revolución de octubre La Orquesta Persimfans de Moscú y la Orquesta Sinfónica de Düsseldorf prepararon un programa de conciertos siguiendo los principios de los históricos Persimfans, un grupo de músicos sin director fundado en 1922. El concierto de conjuntos de las ciudades gemelas de Moscú y Dusseldorf tendrá lugar el 14 de diciembre de 2017 en Sala de conciertos a ellos. P.I. Filarmónica de Moscú Tchaikovsky.

Después de dos conciertos, en los que dos formaciones con exitazo tocado en octubre en el Tonhall de Dusseldorf, está prevista una nueva visita: más de 60 músicos de Moscú y 20 de Dusseldorf actuarán en la Sala de Conciertos de Moscú. PI. Programa Tchaikovsky, creado de acuerdo con los principios de los persimfans históricos. Incluía obras interpretadas por los antiguos Persimfans, que tuvieron un impacto influencia notable a la vanguardia rusa durante la revolución. Así, a través de la realización conjunta de obras que surgieron de la iniciativa paneuropea tradición musical, V. año de aniversario La Revolución de Octubre recreará un aspecto largamente olvidado de la vanguardia europea. Al mismo tiempo, se sentirá y probará en el contexto actual un nuevo enfoque creativo que rechaza la jerarquía en la música.

En 2008, el músico moscovita Peter Aidu, nieto de uno de los músicos que estuvieron en los orígenes de los históricos Persimfans, dio un renacimiento al conjunto, absolutamente en el espíritu de su predecesor. Músicos composición actual entender sus actividades como el resurgimiento de las utopías de la vanguardia europea, destruidas por las dictaduras del siglo XX. En un proceso de ensayo increíblemente intensivo sin la participación de un director, nacen interpretaciones de obras que no serían posibles dentro del día a día de una orquesta sinfónica convencional. La enorme responsabilidad que conlleva cada músico individual y la necesidad de una comunicación constante entre los músicos conducen a resultados únicos que construyen un puente musical con el arte del teatro y la interpretación.
El conjunto se define principalmente como un grupo artístico que, además de conciertos, realiza instalaciones sonoras interactivas y proyectos en el campo del teatro y multimedia. Los proyectos de Persimfans - la instalación sonora interactiva "Reconstrucción del ruido" (2012) y el proyecto escénico teatral y multimedia "Reconstrucción de la utopía" - habían exitazo entre el público y la crítica de Moscú, San Petersburgo, Vladivostok, Perm, Berlín y otras ciudades. Estos proyectos han recibido numerosos premios, en particular el Premio Sergei Kuryokhin en 2014.

Se podrá escuchar y ver arte sonoro experimental en el concierto del 14 de diciembre. Músicos de Alemania y Rusia, siguiendo el principio de Persimfans y tocando sin director, han desarrollado un interesante programa de conciertos para este proyecto conjunto.

Uno de los proyectos más interesantes e innovadores del apogeo. cultura soviética fue Persimfans - Primero conjunto sinfónico. Fue fundada en Moscú en 1922 y, en sintonía con los ideales de la Revolución Rusa, interpretaba música sin la figura de autoridad del director, interpretada como símbolo de poder absoluto. Durante la actuación, los músicos de la orquesta, cuyo repertorio incluía tanto música clásica como obras modernas, se sentaron en círculo para mantener contacto visual entre sí - requisito previo para tocar coordinadamente sin director. Durante su apogeo, el conjunto ofreció más de 70 conciertos por temporada y, aunque todos tuvieron lugar en Moscú, Persimfans ganó fama mundial y fue considerado la mejor orquesta de su época. Las orquestas sin director siguiendo su modelo comenzaron a surgir no sólo en la URSS, sino también en el extranjero, incluida Alemania. En 1932, el proyecto idealista fue víctima de la represión cultural de Stalin.

Y hoy la orquesta revivida sin director ha sido y sigue siendo uno de nuestros grupos musicales más interesantes. Y sus programas son brillantes y "revolucionarios".

Foto de Ira POLARNAYA

Persimfans, el primer conjunto sinfónico, una orquesta sin director, se creó en 1922 y duró diez años, un período durante el cual, de manera extraña y paradójica, coexistieron la GPU y la OGPU bajo la dirección de F. Dzerzhinsky y V. Menzhinsky. y un grado significativo de libertad artística. Este fue el período en el que todo el potencial acumulado del fenómeno que hoy se llama “vanguardia rusa” se materializó en plazas, salas de conciertos, escuelas de arte y en arquitectura.

Sus actividades cesaron en 1932, cuando todos los tornillos relevantes del país comenzaron a apretarse completa e irrevocablemente, y fenómenos como los Persimfans y la música que se interpretó en el escenario del KZCH el 14 de diciembre de 2017 por los Persimfans modernos, unidos con los músicos. del Tonhalle de Düsseldorf, pasó casi instantáneamente a la historia.

La encarnación actual de Persimfans se creó en 2008 y es el resultado de los esfuerzos creativos de Peter Aidu y Grigory Krotenko. Quizás, si la frase "Isla de la Libertad" es aplicable a algo, entonces estos son los actuales Persimfans, como antónimo del habitual Ordnung, si hablamos de colegas alemanes o "Valle del Dolor", si hablamos de compatriotas. Como dijo la productora del proyecto Elena Kharakidzyan en su entrevista en Kultura TV: "Para los alemanes fue difícil, por supuesto, porque estaban acostumbrados al orden, a una jerarquía clara", y la cuestión aquí no es ni siquiera la ausencia de un director. , pero completamente diferente motivación creativa Músicos que participan en el proyecto.

Pedro Aidu. Foto: Vladimir Zisman

Persimfans no es sólo un grupo de actuación, también es centro de investigación. Y todo el programa de conciertos, extremadamente nada trivial, llamado " musica inhumana" fue prueba de ello.

Además de la música de los años 20, el programa también incluyó obras de Mozart y Beethoven. Y en el contexto de esta velada, abriendo cada una de las dos partes del concierto, fueron más que orgánicas, porque al ser obras, como dicen, eternas, fueron interpretadas auténticamente en la época a la que estaba dedicado todo el concierto.

Obertura V.-A. La ópera de Mozart "La flauta mágica" fue interpretada por un conjunto de solistas según la edición de 1930 - arreglos obras musicales para cines, discotecas y escuelas. Luego se lanzó toda una serie de arreglos de este tipo para una composición arbitraria como "violín, pandereta y hierro", es decir, obras clasicas fueron orquestados de tal manera que podrían ser interpretados por cualquier composición de tres personas hasta una docena, y la parte de piano era una especie de dirección, es decir, de alguna manera, un cruce entre la partitura y el clave. (En realidad, no hay nada históricamente nuevo en esto: los conjuntos barrocos se interpretaban de esta manera, con aquellos instrumentos que estaban en el balance del elector o del obispo).

Y esta interpretación de la obertura de Mozart podría haber seguido siendo una ilustración académica si en aquel momento no hubiera aparecido en la pantalla encima del escenario una secuencia de vídeo: edición metraje documental Los primeros años del poder soviético, realizada por un artista para quien los géneros multimedia son de lo más interesantes, Platón Infante-Arana.

La impresión, debo decir, fue bastante espeluznante. En primer lugar, el sonido del conjunto de instrumentos, aunque más académico que la pandereta y el hierro antes mencionados, creaba un sonido algo diferente al sinfónico habitual. Pero la música" La flauta magica"como acompañamiento de películas mudas adquirió un significado nuevo, algo posmoderno.

Ensayo. Foto: Vladimir Zisman

Y, finalmente, la propia secuencia de vídeo con los rostros de pesadilla de los felices Morlocks de Wells, junto con la música de Mozart, dejaron una impresión imborrable. En efecto, “de todas las artes...”.

"Die Ursonate" ("La sonata primitiva y más simple") de Kurt Schwitters (1887-1948), una obra experimental del artista dadaísta alemán, escrita en 1932, se encuentra en el mismo rango y contexto que las obras corales de D. Harms y experimentos con palabras, sonidos y significados de V. Khlebnikov y A. Kruchenykh. La interpretación de esta obra fue tanto una demostración de un fenómeno cultural histórico como una especie de espectáculo y una manifestación de ironía en relación con él, que fue más evidente en los breves solos de falsete de Grigory Krotenko y la brillante cadencia fonética interpretada. del artista Andrei Tsitsernaki, quien unió todo el concierto con su aparición en el escenario, y en general se convirtió en un participante permanente del proyecto.

Sin embargo, con toda esta vanguardia autosuficiente, esencialmente cerrada a la experimentación, la obra tiene una estructura e incluso una dramaturgia bastante clara, que pasa suavemente de gruñidos inarticulados a discursos articulados en un dialecto pseudo-ario, una estructura que nos es familiar desde el final del “Ensayo de orquesta” de Fellini. Y en parte, este trabajo conduce asociativamente en la dirección de la novela "Nosotros" de E. Zamyatin. ¿Qué puedes hacer aquí? "Ese era el momento". En general, me gustaría señalar que casi un siglo. experiencia histórica Enriquece notablemente el contexto conceptual con cierto sesgo hacia el pesimismo general.

El Cuarteto nº 1 (1 y 2 partes) de A. Mosolov (1900-1973), interpretado por Evgeny Subbotin, Asya Sorshneva, Sergei Poltavsky y Olga Demina, abrió nuevas facetas de la obra del compositor, más conocido por su constructivista “Factory” y obras con tinte étnico para solista, coro y orquesta. El cuarteto mostró una cámara lírica íntima. lenguaje musical Mosolov desconocido y nada brutal. Incluso los descubrimientos sonoros puramente formales fueron sorprendentes, y todo esto fue escrito con un grado de sinceridad que luego estuvo ausente en la vanguardia europea de la posguerra.

Al final de la primera parte, la orquesta interpretó una obra icónica pero muy raramente interpretada de Joseph Schillinger (1895-1943). poema sinfónico"Octubre". I. Schillinger es más conocido como teórico de la música, como científico que creó una teoría holística de la música, que encaja en sus doce libros del Sistema, y ​​como profesor, de quien, posteriormente, por supuesto, después de su salida del URSS en 1928, George Gershwin y Glenn estudiaron o tomaron lecciones de Miller, Gerry Mulligan y Benny Goodman.

Sin embargo, su poema "Octubre", escrito en 1927, es considerado una de las obras más llamativas de esta década. De hecho, es un collage de citas sinfonizadas de la época: de las melodías del shtetl judío, que fluyen orgánicamente en microfragmentos de la "Marcha de la Caballería" de los hermanos Pokrass, la Internacional, varias marchas de "Todos nosotros". salió del pueblo” hasta el lúgubre “...fuimos víctimas de la lucha fatal” y más abajo en la lista, hasta “Pollo frito” en una presentación extremadamente patética en una repetición: un collage que demuestra magistralmente la comunidad orgánica material musical. Y todo ello en forma de concierto de piano.

Foto: (c) Ira Polyarnaya/Agencia de Artes Apriori

Por supuesto, para leer los significados inherentes a la obra, es necesario conocer las fuentes primarias, que han desaparecido de la memoria de generaciones que vivieron casi cien años después y, probablemente, sean completamente desconocidas para la parte alemana de la orquesta. . Estas son, por desgracia, las características del esoterismo musical.

La segunda parte se abrió con la obertura "Egmont" de Ludwig van Beethoven. Aparentemente, esta obra pertenece tradicionalmente a la música revolucionaria turbulenta, a excepción de unos pocos compases casi excepcionalmente vulgares al final. Aunque aquí, en la creación de estas combinaciones armónicas, parece que Beethoven fue el primero. Es decir, un innovador y un pionero.

Estrictamente hablando, en esta obra no importa en absoluto si hay un director en la tribuna o no. El único lugar problemático es la transición de la lenta introducción al Allegro; la orquesta todavía toca según el acompañante. Así fue también esta vez: Marina Katarzhnova, quien dirigió con pasión " parte superior" de la partitura de cuerdas, lanzó el Allegro con absoluta precisión y claridad, y como resultado la famosa obertura no se diferenciaba de la interpretación tradicional ni en el conjunto, ni en el tempo, ni en la dinámica. Quizás sólo en el aura de libertad y placer. . Es decir, el director era más, el director menos…

Foto: (c) Ira Polyarnaya/Agencia de Artes Apriori

Recientemente, las interpretaciones en concierto de música para películas a cargo de orquestas acompañadas de secuencias de vídeo se han convertido en un fenómeno común. El ejemplo más típico es la interpretación de la suite "Alexander Nevsky" de S. Prokofiev con imágenes de una película de Sergei Eisenstein. Esto se hace casi con la misma frecuencia que la interpretación de los lectores de la historia de A.S Pushkin "La tormenta de nieve" con la música de la suite del mismo nombre de G. Sviridov interpretada por la misma (es decir, cualquier) orquesta.

Pero la interpretación "en el marco" de la música de austriacos y compositor alemán Edmund Meisel (1894-1930) por la película de Eisenstein "El acorazado Potemkin" es una historia diferente. La banda sonora de E. Maisel es, de hecho, música de cine en mucha mayor medida que la suite de S. Prokofiev.

Por tanto, su ejecución conjunto de cámara Persimfans, por un lado, fue una tarea muy difícil y, por otro, fue extremadamente interesante conocer esta brillante obra, uno de los primeros y notables ejemplos de música cinematográfica, igual a esta obra del gran Eisenstein. Al mismo tiempo, disfrutas mucho tanto de la habilidad de los músicos como de la habilidad del compositor, porque finalmente prestas atención no solo a la película, sino que escuchas y notas con qué medios tecnológicos E. Maisel resuelve ciertos problemas, ¿verdad? hasta la imagen medios musicales el golpe de los pistones de las máquinas de vapor, el equivalente práctico de "Plant" de A. Mosolov o "Pacific 231" de A. Honegger, o técnicas puramente formalistas, pero muy efectivas, como secuencias ascendentes, para encarnar una tensión creciente. Y aquí, por supuesto, la toma exacta son las acrobacias aéreas más altas del grupo de solistas Persimfans.

El concierto concluyó con obras de Julius Meitus (1903-1997). Grigory Krotenko, con el acompañamiento de Peter Aidu, actuó pieza vocal titulado "Los golpes del comunero", y Andrei Tsitsernaki, la obra declamatoria de Julio Meitus "Sobre la muerte de Ilich", durante cuya representación se ilustró convincentemente el curso de los acontecimientos en el estilo del primer teatro obrero soviético ( obras de 1924).

Foto: Vladimir Zisman

Al final, la orquesta interpretó la suite sinfónica “On Dneprostroy” (1932), una obra ya familiar para los fanáticos de Persimfans, bastante compleja en términos de interpretación, pero sin embargo interpretada magistralmente por la orquesta.

Como bis, Peter Aidoo y la Persimfans Orchestra interpretaron una canción bastante lacónica concierto de piano A. Mosolova.

Para concluir, no puedo negarme el placer de citar una frase de un artículo de Joseph Schillinger, escrito en 1926 y cuidadosamente reimpreso en el programa publicado con motivo del concierto “Inhuman Music”. "Nunca había visto algo así en ninguna orquesta. relación amorosa a la puntuación, tal deseo de cumplirlo al cien por cien." Los Persimfans actuales han conservado plenamente esta tradición.

Por la tarde en Gran salón La orquesta sinfónica del conservatorio sin director tocó brillantemente la más varias obras Década de 1910-1930, desde el famoso concierto de Prokofiev para violín y orquesta hasta la “cantata” de Daniil Kharms.

El nombre sonoro "Persimfance" significa "Primer Conjunto Sinfónico". La diferencia entre un conjunto y una orquesta es que, contrariamente a las reglas, ésta toca fundamentalmente sin director. Un conjunto de este tipo fue creado en Moscú en 1922 por jóvenes músicos que soñaban con transferir los ideales comunistas a una causa tan burguesa como música sinfónica. Lo más sorprendente es que lo lograron: según los contemporáneos, los persimfans actuaron maravillosamente, de manera armoniosa y poderosa. las obras más complejas repertorio clásico. Pero en 1933, la demostración de la posibilidad de resolver problemas complejos mediante un gran equipo sin un liderazgo individual sensible se volvió algo inoportuna y Persimfans se disolvió.

Cuando cada uno es su propio conductor...

Revivirá en 2009, gracias a los esfuerzos de los mismos jóvenes arcaistas de vanguardia con formación en conservatorio, principalmente el pianista Peter Aidu y el contrabajista Grigory Krotenko. Sin embargo, el contexto en el siglo XXI es diferente. No tanto político como musical. Después de todo, las bandas de jazz "post-bop" y especialmente los grupos de rock progresivo, como King Crimson, nos enseñaron que se puede tocar música "sofisticada" sin notas en atriles y sin un director en el atril, pero con una buena dosis de teatralidad. Esto es exactamente lo que se reveló en el concierto de los nuevos Persimfans el 9 de abril de 2017 en una ciudadela del academicismo como el Gran Salón del Conservatorio de Moscú. Sin embargo, el programa fue moderadamente vanguardista. Presentaba el poema sinfónico oriental "Hashish" de Sergei Lyapunov (1913) basado en el poema del mismo nombre de Arseny Golenishchev-Kutuzov, el primer concierto para violín de Sergei Prokofiev (1917), la suite sinfónica "On the Dneprostroy" de Julius Meitus (1932) y la cantata Daniil Kharms (!) "Salvation" (1934).

Los persimfans comenzaron con Dneprostroy. El autor de la suite es conocido como un verdadero realista socialista, autor de las ahora olvidadas óperas "Los hermanos Ulyanov", "Richard Sorge", "Yaroslav el Sabio". Pero en la década de 1920, fue él quien creó la primera banda de jazz en Ucrania y fue el único compositor "serio" interesado en cosas tan vanguardistas como las "orquestas de ruido proletarias", muy por delante del "ruido" y las "orquestas industriales". ” de la era electrónica! En la suite de 1932, rara vez representada, estos intereses encontraron expresión directa. Y sí, a veces realmente sonaba a rock progresivo. No con guitarras y sintetizadores, sino con los instrumentos de una gran orquesta sinfónica, desde el arpa hasta la batería. Este extraño efecto se manifestó aún más en una obra "no programada" de Meitus, no anunciada previamente en el programa: un pequeño oratorio para un lector con orquesta "La muerte de Ilich".

Pero al incluir el concierto para violín de Prokofiev en el programa, Persisfans, por supuesto, fue "sustituido" en gran medida. Este concierto fue grabado mejores violinistas con los mejores directores. Pero la violinista Asya Sorshneva, que a pesar de su juventud es directora artística del festival Lege Artis en la ciudad austriaca de Lech am Alberg, y Persimfans resistieron completamente la “competencia”. Su interpretación de una de las obras maestras del modernismo fue a veces inesperada, pero siempre convincente.

Lo mismo puede decirse de un ejemplo de orientalismo prerrevolucionario: el "poema sinfónico oriental" de Lyapunov, escrito en una pequeña trama. poema del mismo nombre AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Golenishchev-Kutuzov, poeta y oficial. Antes de que comenzara la música, la interpretó de forma abreviada el actor Andrei Emelyanov-Tsitsernaki, quien asumió el papel de recitador y animador. El poema describe los sueños embriagadores de un pobre fumador, en los que asciende al cielo o es arrojado al infierno. Ahora, por supuesto, esta obra picante se percibe no tanto como “oriental” sino como “psicodélica”, transportando a los oyentes no a Asia central siglo XIX, y a California en la década de 1960...

El concierto en la Gran Sala del Conservatorio supone un salto a la época legendaria de los años 20

La última pieza del concierto es casi un bis. Kharms, por supuesto, no dejó la cantata con notas; preparó una mesa con textos para cuatro solistas y muchas instrucciones "técnicas", a partir de las cuales compositor contemporáneo Andrey Semenov “armonizó” el texto. Persimfans interpretó esta obra, que trata sobre dos niñas que se ahogan en el mar y dos valientes rescatistas (“¡el agua fluye, peck-kluk-kluk-kluk, y yo amo-amo-amo!”), como trabajo coral, divididos en 4 grupos.

Y entonces, cuando los músicos dejaron sus instrumentos y se pusieron de pie frente al público, mostrando sus rostros jóvenes y su vestimenta roja brillante, nada académica, quedó completamente claro: aunque el concierto en el BZK se considera un "acto itinerante" de el festival Lege Artis, en realidad es un salto a la época legendaria de los años 20. Parafraseando a un poeta de la época: ¡la vanguardia es la juventud del mundo y debe ser interpretada por los jóvenes!

En este artículo podrás encontrar todas las respuestas del juego “¿Quién quiere ser millonario?” para el 21 de octubre de 2017 (21/10/2017). Primero, puede ver las preguntas que Dmitry Dibrov hizo a los jugadores y luego todas las respuestas correctas en el juego intelectual de televisión de hoy "¿Quién quiere ser millonario?" para el 21/10/2017.

Preguntas para la primera pareja de jugadores.

Dmitry Ulyanov y Alexander Rappoport (200.000 - 200.000 rublos)

1. ¿Cómo se llama a una persona que no hace nada?
2. ¿Qué dicen de una persona con malas intenciones: “Sigue…”?
3. ¿Qué dicen a veces sobre la avería de un aparato?
4. ¿Cómo termina el título de la canción del cuarteto beat “Secret” - “Wandering Blues...”?
5. ¿En qué república de la antigua URSS la moneda no es el euro?
6. ¿Qué obra escribió Lope de Vega?
7. ¿Cómo llamaron los estudiantes al profesor de la película “Operación Y” y las otras aventuras de Shurik?
8. ¿A quién se erigió el monumento frente al Teatro? ejército ruso en Moscú?
9. ¿Cómo se llamaba la cañonera que luchó junto al crucero "Varyag" contra la escuadra japonesa?
10. ¿Qué no te aconsejó hacer Joseph Brodsky en uno de sus poemas?
11. ¿Qué vestía constantemente el centurión como símbolo de su poder?
12. ¿En qué ciudad en 1960 la selección nacional de la URSS se proclamó campeona de Europa de fútbol?

Preguntas para la segunda pareja de jugadores.

Vitaly Eliseev y Sergey Puskepalis (200.000 - 0 rublos)

1. ¿Cómo terminar el proverbio: “El carrete es pequeño…”?
2. ¿Qué plantó Matthias Rust cerca del Kremlin?
3. ¿Cómo se llama la película de Georgy Danelia?
4. ¿Cuál de estos no es un producto de confitería?
5. ¿Qué apodo irrespetuoso se les daba anteriormente a los agentes de policía?
6. ¿Quién no tiene cuernos?
7. ¿Qué edificio de Moscú mide más de cien metros?
8. ¿La selección de qué país nunca ha tenido el título de campeón de Europa de fútbol?
9. ¿Qué nombre se le ocurrió al velero Veniamin Kaverin y no a Julio Verne?
10. ¿A qué se refiere la antigua expresión "caminar con un fert"?
11. ¿Cuál era el apellido del general ruso en la película de Bond “Panorama para matar”?

Preguntas para la tercera pareja de jugadores

Sati Casanova y Andrey Grigoriev-Apollonov (400.000 - 0 rublos)

1. ¿Qué, según la conocida fraseología, puede provocar la rabia?
2. ¿Cómo se llama la línea de ferrocarril que se aleja de la vía principal?
3. ¿De qué es lo que más suelen prescindir los invitados a un buffet?
4. ¿Qué no está diseñado para volar?
5. ¿Quiénes eran las novias del poema “Tamara y yo” de Agnia Barto?
6. ¿Quién compite en el torneo de Torre Blanca?
7. ¿Cuál es la jerga de programación para los caracteres incomprensibles que surgen debido a una falla de codificación?
8. ¿Cómo se llama la unidad principal de la aspiradora?
9. ¿Cuál de las siguientes criaturas marinas es un pez?
10. Lo que estaba ubicado en el medio Plaza Lubianka¿Antes de la instalación allí de un monumento a Dzerzhinsky?
11. ¿En qué se diferenciaba el Primer Conjunto Sinfónico, creado en Moscú en 1922?

Respuestas a las preguntas de la primera pareja de jugadores.

1. inactivo
2. piedra en el seno
3. se fue volando
4. perros
5. Kazajstán
6. "Profesora de danza"
7. Bardana
8. Suvorov
9. "Coreano"
10. salir de la habitación
11. palo de vid
12. en París

Respuestas a las preguntas de la segunda pareja de jugadores.

1. si caro
2. avión
3. "Maratón de Otoño"
4. mantarrayas
5. faraones
6. ocelote
7. Catedral de Cristo Salvador
8. Bélgica
9. "Santa María"
10. letra del alfabeto
11. Gógol

Respuestas a las preguntas de la tercera pareja de jugadores.

1. rama
2. sin sillas
3. general
4. enfermeras
5. jóvenes jugadores de ajedrez
6. krakozyabry
7. compresor
8. caballito de mar
9. fuente
10. no habia conductor