Técnicas gráficas de impresión. Enciclopedia escolar. Tipos de gráficos impresos

“ESCUELA DE IMPRESIÓN GRÁFICA” es un proyecto social y educativo para una amplia gama de amantes del arte. El proyecto implica la creación e implementación práctica de un programa de formación multinivel sobre gráficos impresos en un sistema de clases magistrales. Así, el nivel básico de formación estará diseñado para todas aquellas personas que empiezan desde cero o tienen poca experiencia en dibujo. Los estudiantes de este curso podrán aprender diversas técnicas de gráficos impresos, familiarizarse con las herramientas de un grabador, crear un grabado simple en cartón, imprimirlo en una máquina, obtener una impresión, colorearla y organizarla en un pase. partout y fírmelo correctamente. El curso "para profesionales" será de interés para todas las personas creativas interesadas en las técnicas de impresión clásicas y modernas, estudiantes de secundaria de instituciones educativas (gimnasios, liceos, escuelas, internados), estudiantes de facultades especializadas y profesores. El curso comenzará con una visión general y análisis de diversas técnicas de impresión (alta, calcografía, plana, estarcido). A la parte introductoria le seguirá un trabajo práctico en las siguientes áreas de la gráfica impresa: linograbado, aguafuerte, fotograbado, litografía, monotipo, serigrafía, xilografía, serigrafía.

Durante muchos años, los gráficos impresos han sido y siguen siendo el fenómeno más llamativo y original de la cultura artística rusa. Muchos artistas rusos se hicieron famosos en este tipo de creatividad, creando obras en el campo de los gráficos originales de caballete, grabados impresos e ilustraciones de libros. (V.V. Mate, V.D. Falileev, A.P. Ostroumova-Lebedeva, A.P. Shillingovsky, V.N. Masyutin, D.I. Mitrokhin, V.A. Favorsky, N.N. Kupreyanov, etc.)
Sin embargo, desde principios de los años 90, una vasta galaxia de notables artistas gráficos rusos se vio prácticamente privada de la oportunidad de trabajar en las técnicas de litografía y grabado: se liquidaron talleres de imprenta y centros de producción para la producción de imprentas para artistas. el estado dejó de financiar las casas creativas de artistas gráficos, en las que hubo un estudio constante, hubo un intercambio de experiencias y una fusión creativa de ideas y tecnologías en el campo de la gráfica impresa. La afluencia de artistas jóvenes a este tipo de bellas artes casi se ha detenido, pero los gráficos impresos rusos tradicionalmente han sido muy brillantes, incluidos en las colecciones de los mejores museos del mundo, ganando premios en concursos internacionales, famosos por la diversidad de obras artísticas. movimientos y continuidad. Hasta la fecha, prácticamente se ha perdido la base teórica, metodológica y técnica para el estudio y uso de la gráfica impresa en el proceso creativo y las cuestiones de comprensión de las bellas artes. En la Federación de Rusia, cada año hay menos lugares con equipos especiales y artesanos que pueden transmitir su experiencia en la creación de grabados, linograbados, aguafuertes, fotograbados, litografías, monotipos, serigrafías, xilografías y serigrafías. impresión a jóvenes artistas, estudiantes y estudiantes de escuelas de arte. Al mismo tiempo, el plan de estudios de las instituciones educativas incluye la asignatura "Gráficos". Pero, de hecho, los estudiantes se ven privados de la oportunidad de estudiar la materia en la práctica y los graduados no pueden organizar y enseñar una materia interesante en las escuelas de arte y las escuelas de arte.
Nuestra "Escuela de Gráficos Impresos" está diseñada para revivir la profesionalidad, el conocimiento y la accesibilidad perdidos de la población general de la región a uno de los tipos de arte más importantes: los gráficos impresos (grabado).
Hoy en Veliky Novgorod, gracias al apoyo de la Agencia Federal de Prensa y Comunicaciones y de la Administración de la Región de Novgorod, existe un taller "Imprenta de Novgorod", cuyo equipamiento profesional permite realizar cursos de formación. Aquí los artistas jóvenes y profesionales, los estudiantes de los departamentos de arte, los estudiantes de las escuelas de arte pueden dominar nuevas técnicas de grabado, linograbado, monotipo y también tienen la oportunidad de trabajar con el equipo proporcionado.
Por supuesto, con la llegada de las tecnologías digitales, el papel de las técnicas tradicionales ha cambiado significativamente, pero son precisamente las ventajas expresivas especiales de los gráficos impresos las que disfrutaron P. Picasso, P. Gauguin, A. Durer y E. Degas, que permiten, en palabras de V. Favorsky, considerar la gráfica impresa como la más moderna de todo tipo de bellas artes.
Esperamos que el trabajo de la Escuela de Gráfica Impresa sea una contribución real a la preservación y desarrollo del arte gráfico moderno en Rusia.

Los gráficos impresos, como método de replicación de imágenes, se conocen desde la antigüedad. A diferencia de la pintura, es mucho más accesible y, por tanto, más barato. Los gráficos impresos se generalizaron en Europa en la Edad Media con la llegada del papel y la aparición de la imprenta.

Las características importantes de los gráficos son su capacidad para responder rápidamente a eventos actuales, la facilidad de replicación en muchas copias y la capacidad de revelar consistentemente una idea en varias imágenes. Por tanto, originalmente se utilizaron para ilustrar temas religiosos. Posteriormente, estas cualidades se utilizaron ampliamente en propaganda y gráficos políticos satíricos, cuyo rápido desarrollo recae en los años de importantes acontecimientos históricos ("hojas volantes" de la Guerra Campesina de 1524-26 en Alemania, grabados de la Gran Revolución Francesa, grabados populares de la Guerra Patria de 1812, carteles de la Guerra Civil y la Gran Guerra Patria).

A pesar de cierta función auxiliar, los gráficos impresos tienen una serie de ventajas expresivas que los hicieron populares entre los grandes artistas del pasado.

Al mismo tiempo, muchas técnicas de impresión requieren mucha mano de obra, por lo que a menudo el artista entregaba su boceto a maestros grabadores, quienes transfirieron esta imagen a la pizarra y luego la imprimieron. Se generalizó especialmente la técnica de la litografía, que, con una posible gran tirada sin comprometer la calidad, permitió conseguir la máxima similitud con las imágenes realizadas mediante técnicas pictóricas. A finales de los siglos XIX y XX, los propios artistas y sus marchantes comenzaron a utilizarlo ampliamente para popularizar su obra. En Europa, estos talleres litográficos todavía son comunes hoy en día.

En Rusia durante la era soviética, el régimen comunista era muy consciente del peligro de una posible circulación sin censura, por lo que los talleres litográficos estaban supervisados ​​por fondos de arte y se encargaban principalmente de la impresión de piedras protegidas por derechos de autor (hechas por el propio autor). Esto se debe al hecho de que hoy en Rusia la litografía, como una de las técnicas de impresión, prácticamente se equipara con la reproducción tipográfica y no tiene un valor artístico generalmente aceptado.

Al mismo tiempo, en Europa, con el altísimo coste de las pinturas originales, las réplicas litográficas de pinturas de un artista popular pueden alcanzar precios muy elevados.

El autor de estas líneas organizó en 1994 una exposición en Riga de 15 litografías de Salvador Dalí procedentes de las colecciones de los talleres litográficos franceses, que sirvieron de ilustración para libros. En aquel momento, el coste de estas litografías alcanzaba entre 1.000 y 2.000 dólares. Hoy en día, estas litografías se venden en subastas por entre 10 y 15 mil dólares o más.

El valor de los gráficos impresos como forma de arte independiente depende de muchos factores. En primer lugar, depende del tamaño de la tirada y del número de serie de la impresión.

Las tecnologías de impresión actuales permiten lograr grandes tiradas con una calidad sin cambios, mientras que con técnicas antiguas como la punta seca, el grabado y otras, la forma de impresión se atascaba durante el proceso de impresión y las impresiones mismas se modificaban. Por lo tanto, las impresiones impresas primero en circulación tienen tradicionalmente el valor más alto.

Para proteger los gráficos impresos modernos de la depreciación, se han adoptado restricciones especiales que se aplican al número de impresiones, así como reglas especiales para su atribución.

Según la normativa internacional, las impresiones originales deben contener la siguiente información.

• 19/99 es el número de serie de la impresión, separado por una fracción: la cantidad de la circulación total.
• of, lit, xil, etc. - el nombre abreviado de la técnica de ejecución.
• Título de la obra y año de creación.
• Firma original del autor.

Además, en lugar del número de serie de la impresión, puede haber letras que indiquen una impresión de prueba o una impresión del autor.

La presencia de estas designaciones de letras indica que el autor rechazó esta opción y se realizaron ajustes. Sin embargo, no está destruido y está firmado.

Estas impresiones tienen el mayor valor entre los coleccionistas, ya que son únicas y únicas.

El valor adicional de la tirada depende del número de serie de la copia y, por regla general, los primeros 10 tienen el valor más alto. Para no depreciar el valor de los gráficos, se permiten tiradas de no más de 300 ejemplares. para ciertos tipos de gráficos, no más de 100, después de lo cual el soporte de la imagen (cartón para grabar, linóleo, etc.) debe destruirse para imposibilitar las impresiones posteriores.

Lamentablemente, muchos artistas gráficos que imprimen sus propias imágenes en sus talleres no siguen estas reglas. Por ejemplo, el famoso artista gráfico letón Kārlis Cīrulis (Kārlis Cīrulis 1925.1.IX - 1994.17.II), que creó una serie de sorprendentes grabados con vistas de Riga, imprimió cientos de sus imágenes durante su vida y no imprimió copias de muchas. de ellos, o poner otros que no sean fiables. Después de su muerte, su esposa continuó reproduciendo estas vistas en las pizarras sin la firma del autor. Con todo mi más profundo respeto por este virtuoso maestro del grabado, que creó la imagen de la tarjeta de invitación para nuestra galería Splendid Palas, esto ha llevado a que hoy su obra esté devaluada y no valga tanto como debería.

También existen numerosas ediciones de Salvador Dalí realizadas después de 1981, cuando no pudo trabajar debido a una enfermedad. Algunos investigadores de su obra afirman que dejó una gran cantidad de hojas en blanco firmadas en las que se imprimieron estas litografías.

En el caso de nuestra exposición de litografías de Salvador Dalí, se trataba de litografías creadas a partir de ilustraciones originales de Salvador Dalí, y que sólo existían en esta técnica. El taller litográfico celebró un contrato con el artista por el derecho a imprimir sus litografías, y Dalí controló el proceso de su creación, hizo ajustes y firmó la edición terminada. Después de lo cual se borró la piedra litográfica y el taller de litografía emitió un certificado especial que confirma la autenticidad de esta edición y una descripción de la propia litografía, indicando el tamaño del papel original y su nombre.

En tales casos, parte de la tirada, por regla general, las primeras copias, se transfieren al propio autor y el resto queda a disposición del taller litográfico que las vende.

Por eso todavía se pueden encontrar en los antiguos talleres europeos de litografía y grabado, que a menudo funcionan como tiendas de arte, gráficos antiguos que pertenecen a la colección de sus propietarios.

Los talleres de enmarcado modernos a menudo tienen que ocuparse del diseño de gráficos impresos. A menudo sus propietarios ni siquiera son conscientes de su posible valor real. Desafortunadamente, los recepcionistas que atienden los pedidos y los propios artesanos tampoco son especialistas y, por lo tanto, a menudo permiten que los analfabetos realicen el trabajo o incluso simplemente lo estropean.

A continuación intentaremos hablar de las características técnicas de cada uno de los gráficos impresos, así como de la diferencia entre su diseño y otros soportes de imagen en papel.

San Petersburgo. 2007
Aivar Pozharsky.

Gráficos- un tipo de bellas artes. La palabra gráfica proviene del vocablo griego Grapho, que significa escribir, dibujar, rayar.

Las obras gráficas, a diferencia de las pinturas, transmiten lo más importante sin detalles innecesarios. Parecen reflejar la idea de la obra. Las obras gráficas pueden ser en blanco y negro, a veces en color. Como resultado, el mundo que nos rodea en los gráficos es muy expresivo, pero algo convencional y figurativo.

Las obras independientes y separadas se denominan gráficos de caballete. Varias hojas de caballete, unidas por una idea común, forman una serie gráfica.

Tipos de gráficos. La gráfica combina dos grupos de obras artísticas: el dibujo y la gráfica impresa.

El dibujo se considera único porque existe en una sola copia. Antiguamente, los artistas pintaban sobre papiro y más tarde sobre pergamino, a partir del siglo XIV. - en papel. La tradición de pintar sobre tela ha sobrevivido hasta nuestros días.

El papiro es un material de escritura elaborado a partir de la planta del papiro.
El pergamino es un material de escritura elaborado a partir de piel de animal.

Técnicas gráficas. La imagen se puede crear con lápiz, carboncillo, tinta, sanguina (un lápiz rojo-marrón hecho de un tipo especial de arcilla) y otros medios. Sobre la obra creada con tizas de colores, diremos: realizada mediante la técnica del pastel.

A. Bazilevich. Ilustraciones para el poema "Eneida" de I. Kotlyarevsky (gouache)

G. Malakov. Ilustraciones para el poema de Lesya Ukrainka “Roberto Bruce, rey de Escocia” (linograbado)

Alberto Durero. Ilustración para “Apocalipsis” (xilografía)

A diferencia de los dibujos, los gráficos impresos existen en muchas copias. Para obtenerlos, utilizan un grabado, una imagen sobre un material sólido, que se recubre con pinturas y luego se imprime en papel.

Existen diferentes técnicas de grabado: xilografía, linograbado, aguafuerte, litografía. La aparición del libro impreso y el desarrollo de la gráfica de libros están asociados con la llegada del grabado.

En la vida cotidiana, nos encontramos con mayor frecuencia con gráficos industriales. Se trata de sellos postales, carteles, programas de teatro, etiquetas, carteles de empresas, diseños en cajas para tartas y dulces, etc.

Linograbado- un dibujo tallado en linóleo. El diseño está tallado sobre una placa de linóleo con ayuda de cortadores de acero de diferentes configuraciones. Dependiendo de la forma del cortador, la línea que deja puede ser muy fina, afilada o ancha, redondeada. Así se hace el molde. Luego se le aplica tinta de impresión utilizando un equipo especial: rodillos.

El linograbado está impreso en una imprenta. En este caso, una capa de pintura aplicada al formulario queda impresa en el papel. Una impresión en papel se llama linograbado o, más en general, como todas las demás técnicas de impresión, grabado.

Xilografía(grabado en madera): una imagen hecha con cinceles sobre una superficie de madera. No todas las especies de árboles son adecuadas para esto. Los artistas utilizan peral, roble, haya y boj.

La superficie de madera se lija cuidadosamente e incluso se alisa con cera. El diseño está recortado de la misma forma que en un linograbado, pero la mayor dureza de la madera permite enriquecer la imagen con pequeños detalles. Este tipo de trabajo es más difícil de realizar.

La impresión se imprime de la misma manera que un linograbado, utilizando una imprenta sobre papel de estampado especial. Esta técnica es antigua y nos llegó desde tiempos inmemoriales. Así se hicieron exactamente los primeros libros impresos.

Aguafuerte, o grabado en metal, son varias técnicas para realizar una forma impresa hecha de metal (cobre, zinc). El patrón se aplica a una placa lisa, pulida y preprocesada. Esto puede ser grabado o rayado. Este tipo de trabajo requiere extrema precisión y esfuerzo físico.

Hay formas de aplicar un diseño más fácilmente. La placa se puede recubrir con una capa protectora de barniz especial y “pintar” quitando sólo el barniz. Luego, dicha placa se sumerge en un recipiente con ácido y, en lugar de un grabador, el ácido hace hendiduras en el metal. La pintura se aplica a mano sobre la placa de grabado.

La impresión se realiza en una imprenta. El papel suave, presionando contra la placa, parece seleccionar pintura de los huecos.

Litografía- Este es un grabado en piedra. Para ello se utiliza una piedra litográfica especial. El sistema para aplicar un diseño a la piedra es muy complejo. Puede ser rayar, dibujar con pincel y tinta o dibujar con lápiz. En todos estos casos se utilizan materiales destinados únicamente a la litografía.

La impresión se imprime en una imprenta. La litografía le permite lograr sutiles gradaciones (transiciones) de tono, similares a los dibujos a lápiz o acuarela. Gracias a esto, las impresiones litográficas a veces se parecen a los dibujos de acuarela.

T. Shevchenko. Ciego en un cementerio (grabado)

E. Kibrik. Ilustración para el cuento “Cola Brugnon” de Romain Rolland (litografía)

1. Compara obras realizadas con técnicas de linografía (xilografía) y dibujos realizados a lápiz a mano. ¿En qué se diferencian?
2. Piense en qué matices de humor se pueden transmitir utilizando diferentes tipos de gráficos y técnicas gráficas.

Pensar juntos qué obra literaria se podría ilustrar utilizando las técnicas de xilografía, aguafuerte, litografía y pastel. ¿Por qué?

Monotipia- Se trata de una impresión de pintura de cualquier superficie sobre papel. Esta impresión existe en una sola copia, como lo indica la partícula “mono” en el nombre. Esto es algo entre gráficos impresos y un dibujo.

Crea una composición gráfica utilizando la técnica del monotipo.

Herramientas y materiales: varias hojas de papel, gouache, lavavajillas o jabón líquido, pinceles. Plan de trabajo:

• Diluya las pinturas en botellas pequeñas y agrégueles un poco de solución jabonosa en una proporción de 1:5. Las pinturas no deben quedar completamente líquidas, pero tampoco muy espesas.
• Con un pincel, aplica pinturas sobre una hoja de papel, elige los colores que más te gusten y deja que se disuelvan un poco entre sí.
• Con un movimiento rápido, presione otra hoja de papel contra esta hoja durante medio minuto o un minuto.
• Separa las hojas de papel y deja secar las impresiones.
• Considere el resultado obtenido, intente ver alguna trama o imagen única en los puntos coloreados.
• Utiliza pinceles y pintura u otros materiales para completar tu trabajo, añadiendo detalles y elementos que falten.

Trabajos de estudiantes realizados en técnica de monotipo.

Etapas del trabajo en un monotipo.

Narbut Georgy Ivanovich(1886-1920) - Artista gráfico ucraniano. Una influencia significativa en la formación del estilo creativo del maestro la ejerció su conexión con la asociación de arte "World of Art" de San Petersburgo, cuyos miembros prestaron gran atención al resurgimiento del arte del libro. Las primeras obras de Narbut son ilustraciones de cuentos de hadas. En las ilustraciones de las fábulas de I. Krylov, el artista utiliza un estilo gráfico antiguo: una silueta, a la que luego recurrió más de una vez.

En 1917-1920, Narbut trabajó en Kyiv; Su pasión por el arte antiguo ucraniano lo impulsó a crear una serie de obras destacadas. Desde enero de 1919, Narbut fue rector de la Academia de las Artes de Kyiv.

G. Narbut. Ilustración para la poesía de T. Shevchenko “Dream” (tinta)

Pablo Picasso(1881-1973): una personalidad brillante en el arte del siglo XX. Picasso era español de nacimiento, pero vivió la mayor parte de su vida en Francia. Ya en el siglo XX, Picasso se declaró un maestro maduro. Sus primeras pinturas pertenecen a los períodos llamados “rosa” y “azul” (“La muchacha de la pelota”). En 1907, Picasso creó el cuadro "Las señoritas de Aviñón", que inicia la historia de un nuevo movimiento en el arte del siglo XX. El artista siempre ha experimentado mucho. El gran lienzo “Guernica” data de 1937 y es una de las cumbres de la obra de Picasso. Está dedicado a la muerte de una ciudad española y sus habitantes como consecuencia de un bombardeo aéreo. El talento del artista también quedó claramente demostrado en la gráfica (una de sus obras gráficas más famosas es “Don Quijote”), la escultura y la cerámica.

Pablo Picasso. Don Quixote

GRÁFICOS IMPRESOS Si abordamos los gráficos impresos desde el punto de vista de las técnicas técnicas, constan de cuatro elementos técnicos principales: 1. Tablero, generalmente la superficie sobre la que se aplica el dibujo. 2. Herramientas. 3. Tinta de impresión. 4. Impresión. Según el material del tablero impreso y los métodos de su desarrollo, se distinguen tres tipos principales de gráficos impresos. I. Grabado convexo. Todos los lugares que deberían aparecer blancos en el papel se eliminan de la superficie del tablero cortando o ahuecando y, por el contrario, las líneas y planos correspondientes al dibujo permanecen intactos: forman un relieve convexo en el tablero. Este grupo incluye el grabado sobre madera (xilografía) y sobre linóleo, y también se conoce como excepción, grabado en relieve sobre metal). II. Grabado en profundidad. La imagen se aplica a la superficie en forma de surcos profundos, rayones o surcos. La tinta entra en estos huecos y se transfiere al papel bajo la fuerte presión de la imprenta. La presión de la imprenta deja hendiduras en el papel (Plattenrand) a lo largo de los bordes del tablero, que separan el diseño de los márgenes. Este grupo incluye todo tipo de grabado sobre metal: grabado con cincel, aguafuerte, etc. III. Grabado plano sobre piedra. Aquí el dibujo y el fondo están al mismo nivel. La superficie de la piedra se trata con una composición química de tal forma que la pintura grasosa, al enrollarla, se percibe solo en determinados lugares que transmiten la imagen, y la pintura no se aplica al resto de la superficie, dejando el fondo. del papel intacto: ésta es la técnica de la litografía. Además de la piedra, en la impresión plana también se utilizan placas de aluminio, la llamada algrafía.

grabados en madera Los grabados más antiguos, grabados en madera (xilografías), aparecieron en los siglos VI-VII en China y luego en Japón. Y los primeros grabados europeos comenzaron a imprimirse recién a finales del siglo XIV en el sur de Alemania. Tenían un diseño absolutamente simple, sin lujos y, a veces, estaban pintados a mano con pinturas. Eran hojas de papel con imágenes de escenas de la Biblia y de la historia de la iglesia. Hacia 1430 se hicieron los primeros libros en "bloques" (xilografías), en los que la imagen y el texto se recortaban en una tabla, y hacia 1461 se mecanografió el primer libro ilustrado con xilografías. De hecho, un libro impreso de la época de Johannes Gutenberg era en sí mismo un grabado, ya que el texto que contiene está dispuesto y multiplicado por huellas de clichés en relieve. El deseo de hacer una imagen en color y "dibujar" no solo con líneas, sino también con una mancha, "esculpir" claroscuros y dar tono llevó a la invención del grabado en madera en color "claroscuro", en el que la impresión se realizaba a partir de varias tablas utilizando las principales pinturas del espectro de colores. Fue inventado y patentado por el veneciano Hugo da Carpi (c. 1455 - c. 1523). Esta técnica, sin embargo, requería mucha mano de obra y rara vez se utilizaba; su "renacimiento" no se produjo hasta finales del siglo XIX. La impresión xilográfica se caracteriza por la distinción y cierto aislamiento de las líneas; Cuantos más detalles, transiciones y líneas cruzadas hay en un dibujo, más difícil le resulta al tallador y menos expresivo es el grabado en madera: la técnica más natural y orgánica para decorar un libro, para la ilustración de libros. Se produjo una importante revolución técnica. a finales de los siglos XVIII y XIX por el grabador inglés Thomas Bewick – xilografía de borde o tono

Durero. Apocalipsis. 1498. xilografía El patrimonio gráfico de Durero es extenso. Actualmente se conocen 105 grabados en cobre, entre aguafuertes y grabados a punta seca, y 189 grabados en madera.

Hans Holbein. “Juan Bautista con un hacha”, “St. Varvara". Ilustraciones para “Jardín del Alma”. 1522-23

G. Doré. Ilustración para el cuento de hadas de C. Perrault El gato con botas. 1862, grabado final

Grabado en profundidad en metal Todas las opciones de impresión en profundidad comparten el mismo metal (normalmente una placa de cobre) y el mismo proceso de impresión. Se diferencian en las formas de crear un dibujo en la pizarra. En este caso, es necesario tener en cuenta tres tipos principales de impresión calcográfica: mecánica (que incluye grabado, punta seca, mezzotinta), química (grabado, barniz suave, aguatinta) técnica mixta (estilo lápiz y línea de puntos).

Grabado con cincel sobre metal: la historia posterior de las invenciones en el grabado dependió directamente del deseo de aumentar el número de impresiones, llevar el diseño a una mayor complejidad y reproducir incluso los detalles más pequeños con mayor precisión. Entonces, casi después del grabado en madera, a finales del siglo XV. - apareció el grabado incisivo sobre metal (tablero de cobre), que permitió trabajar con mayor flexibilidad en el dibujo, variar el ancho y la profundidad de la línea, transmitir contornos ligeros y móviles, espesar el tono con diferentes matices, hacer más reproducir con precisión lo que el artista pretendía; de hecho, hacer un dibujo de cualquier complejidad. Los maestros más importantes que trabajaron en esta técnica fueron los alemanes, Alberto Durero, Martín Schongauer y los italianos, Antonio Pollaiuolo y Andrea Mantegna. El siglo XVI apreciaba el grabado como un arte elevado, similar a la pintura, pero utilizando el diseño gráfico con su intriga técnica y su peculiar belleza. Así, destacados maestros del siglo XVI. convirtió el grabado de un material aplicado en masa en un arte elevado con su propio lenguaje y temas. Tales son los grabados de Alberto Durero, Lucas de Leiden, Marco Antonio Raimondi, Tiziano, Pieter Bruegel el Viejo, Parmigianino, Altdorfer, Urs Graf, Lucas Cranach el Viejo, Hans Baldung Green y muchos otros maestros destacados.

Aguja seca La aguja seca es una aguja de acero con una punta afilada. Esta aguja se utiliza para dibujar sobre metal de la misma manera que se utiliza un lápiz de metal sobre papel. Una aguja seca no corta el metal, no produce virutas, sino que raya la superficie, dejando pequeñas elevaciones y bordes (púas) a lo largo de los bordes. El efecto de punta seca se basa precisamente en que, a diferencia del grabado incisivo, estas púas no se eliminan con plancha y dejan marcas negras aterciopeladas en la impresión. La punta seca permite un número muy reducido de impresiones (doce a quince), ya que las púas que determinan el efecto principal del grabado se borran pronto. Quizás esta sea la razón por la que algunos antiguos maestros (en el siglo XVII) utilizaron la punta seca sólo en combinación con otras técnicas, como el grabado (el efecto suave y tonal de la púa fue utilizado con especial maestría por Rembrandt en sus grabados). Sólo en el siglo XIX, cuando el “teñido” de la tabla de cobre permitió fijar las púas, los artistas comenzaron a recurrir a la punta seca en su forma pura (entre los maestros de la punta seca podemos nombrar a Elle y G. Vereisky).

La mezzotinta, o "manera negra", es un tipo de grabado. La técnica del grabado "en negro" no fue inventada por un artista, sino por un aficionado: el alemán Ludwig von Siegen, que vivía en Amsterdam y estuvo fuertemente influenciado por los contrastes de luces y sombras en las pinturas de Rembrandt. Su primer grabado, realizado en técnica de mezzotinta, se remonta a 1643. En la técnica de mezzotint, el tablero se prepara con una herramienta especial "rocker", una hoja arqueada tachonada de dientes delgados y afilados (o una espátula con un fondo redondeado), de modo que toda la superficie del tablero se vuelve uniformemente rugosa o granulada. Cubierto con pintura, da una impresión negra uniforme, espesa y aterciopelada. Luego, con una llana afilada (raspador), comienzan a trabajar de oscuro a claro, alisando gradualmente las asperezas; En los lugares que deberían ser completamente luminosos, el tablero se pule hasta dejarlo limpio. Así, a través de un pulido más o menos, se logran transiciones desde un brillo brillante a las sombras más profundas (a veces, para enfatizar los detalles, los maestros de la "manera negra" usaban un cortador, una aguja y un grabado). Las buenas impresiones en mezzotint son raras ya que las placas se desgastan rápidamente. Los maestros de mezzotinta rara vez creaban composiciones originales y se fijaban principalmente objetivos reproductivos. La mezzotinta alcanzó su mayor florecimiento en Inglaterra en el siglo XVIII (Irlom, Greene, Ward y otros), convirtiéndose, por así decirlo, en una técnica gráfica nacional inglesa y creando reproducciones magistrales de retratos pictóricos de Reynolds, Gainsborough y otros destacados retratistas ingleses.

grabado El deseo de lograr efectos complejos de luces y sombras y un diseño más refinado llevó a experimentos con efectos químicos en el tablero, con el grabado, y, en última instancia, contribuyó al nacimiento de una nueva técnica, el grabado, que floreció en el siglo XVII. Era la época de los mejores maestros grabadores, diferentes en temperamento, gustos, tareas y actitud ante la tecnología. Rembrandt realizó impresiones individuales, logrando complejos efectos de luces y sombras mediante grabados y sombreados en diferentes papeles. Jacques Callot hizo del grabado su vida y grabó todo un universo de retratos, escenas, tipos humanos; Claude Lorrain reprodujo todos sus cuadros en grabados para que no fueran falsificados. Llamó al libro de grabados que coleccionó “El Libro de la Verdad”. Peter Paul Rubens incluso instaló un taller especial donde se hicieron copias de sus pinturas en grabados; Anthony van Dyck grabó toda una serie de retratos de sus contemporáneos con una aguja de grabado. En este momento, el grabado representaba una variedad de géneros: retrato, paisaje, pastoral, escena de batalla; imagen de animales, flores y frutas. En el siglo XVIII, casi todos los grandes maestros probaron suerte con el grabado: A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard, en Francia, G. B. Tiepolo, G. D. Tiepolo, A. Canaletto, F. Guardi, en Italia. Aparecen grandes series de láminas de grabado, unidas por temas, tramas, en ocasiones se recogen en libros enteros, como las láminas satíricas de W. Hogarth y las miniaturas de género de D. Khodovetsky, las vedutas arquitectónicas de J. B. Piranesi o la serie de grabados. con aguatinta de F. Goya.

Jacques Callot. Molino de agua. De la serie de 10 paisajes italianos. década de 1620 Grabado El primer maestro del grabado, actuando totalmente armado con tecnología.

Jacques Callot. Grabado de la serie "Gitanos"

Rembrandt Harmens van Rijn. Rembrandt con el pelo despeinado, aguafuerte. Rembrandt eleva el grabado a alturas inalcanzables, convirtiéndolo en un poderoso medio de expresión artística.

Parmigianino (Francesco Mazzola). Amor de pareja. Aguafuerte, punta seca. Es en sus grabados donde por primera vez comienza a sonar lo inesperado de la invención, esa combinación de boceto y completitud de la imagen, esa dinámica del trazo, que es una característica integral del grabado.

Un tipo de grabado es el llamado barniz blando. Al parecer, fue inventado en el siglo XVII, pero ganó verdadera popularidad en la segunda mitad del siglo XIX. La manteca de cerdo se mezcla con tierra común para grabar, lo que hace que se ablande y se desprenda fácilmente. El tablero se cubre con papel, sobre el que dibujan con un lápiz duro y sin filo. La presión del lápiz hace que los bordes rugosos del papel se peguen al barniz, y al retirar el papel, arrastra partículas del barniz suelto. Después del grabado, el resultado es un trazo rico y granulado que recuerda a un dibujo a lápiz.

El auge de las técnicas de grabado se debe en gran medida a las necesidades de la industria editorial de libros en rápido desarrollo. Y el amor por el arte, que exigía constantemente reproducciones cada vez más precisas de obras de arte famosas, contribuyó al desarrollo del grabado de reproducción. El papel principal que desempeñaba el grabado en la sociedad era comparable al de la fotografía. Fue la necesidad de reproducción lo que condujo a un gran número de descubrimientos técnicos en el grabado a finales del siglo XVIII. Así aparecieron variedades de grabado: línea de puntos (cuando las transiciones de tono se crean espesando y enrareciendo puntos llenos de varillas puntiagudas especiales: punzones), aguatinta (es decir, agua coloreada; un dibujo sobre una tabla de metal se graba con ácido a través de asfalto o colofonia polvo que se le aplica), lavis (cuando el dibujo se aplica con un pincel humedecido en ácido directamente sobre el tablero, y durante la impresión la pintura llena las áreas grabadas), lápiz (reproduce el trazo áspero y granulado de un lápiz). Al parecer, el grabado en mezzotinta, inventado en 1643, fue descubierto nuevamente a finales del siglo XVIII y principios del XIX. La invención del grabado en madera de testa por el inglés Thomas Bewick en la década de 1780 contribuyó a un mayor desarrollo de la tecnología de reproducción. Ahora el artista ya no dependía de la estructura de las fibras de la madera, como antes, cuando se ocupaba de los cortes longitudinales; ahora trabajaba en los cortes transversales de la madera dura y podía crear composiciones con un cortador de naturaleza más compleja y sofisticada. .

Aguatinta Un tipo especial de grabado es el aguatinta. Se considera que su inventor es el artista francés Jean-Baptiste Leprince (1765). El efecto que logró con su invento es muy similar a los medios tonos de una pintura aguada con tinta. La técnica del aguatinta es una de las más difíciles. Primero, se graba el contorno del dibujo en la tabla de la forma habitual. Luego se vuelve a aplicar la imprimación decapante. En aquellos lugares que deberían estar oscuros en la impresión, se lava la tierra con una solución y estos lugares se espolvorean con polvo de asfalto. Cuando se calienta, el polvo se funde de tal manera que los granos individuales se adhieren a la tabla. El ácido corroe los poros entre los granos, dando como resultado una superficie rugosa que da un tono uniforme en la impresión. El grabado repetido proporciona sombras más profundas y transiciones tonales (mientras, por supuesto, las áreas brillantes se cubren con barniz ácido). Además de la técnica de Leprince descrita aquí, existen otros métodos de aguatinta. en aguatinta, las transiciones de tonos de la luz a la sombra no ocurren en suaves afluencias, sino en saltos, en capas separadas. El método de aguatinta se utilizaba a menudo en combinación con aguafuerte o grabado y, a veces, en combinación con impresión en color. En el siglo XVIII, la aguatinta se utilizaba principalmente con fines reproductivos. Pero también hubo destacados maestros originales que lograron resultados notables en aguatinta. Entre ellos, en primer lugar hay que poner a F. Goya, que extrajo del aguatinta, a menudo en combinación con aguafuerte, expresivos contrastes de tonos oscuros y golpes repentinos de puntos claros, y al artista francés L. Debucourt, cuyas aguatintas coloreadas atraen con la profundidad y suavidad de los tonos y los matices sutiles de los colores. Después de un interés menguante por la aguatinta en el siglo XIX, experimentó un nuevo resurgimiento en el siglo XX.

Una mujer suiza escotada del siglo XVI sostiene con confianza una jarra de cerveza, posiblemente un florero. Aguatinta basada en un dibujo de Hans Holbein el Joven, conservado en la biblioteca pública de la ciudad de Basilea. Basilea. 1790

Noble suizo del siglo XVI, armado con una espada a dos manos (aguatinta, realizada a partir de un dibujo de Hans Holbein el Joven, conservado en la biblioteca pública de la ciudad de Basilea. Basilea. 1790

La combinación de grabado con aguafuerte dio lugar a dos tipos más de grabado en profundidad en el siglo XVIII. El estilo del lápiz recuerda un poco al barniz suave. En esta técnica se realiza un grabado sobre base de aguafuerte, procesado con diversas cintas métricas y el llamado matuar (una especie de mortero con dientes). Después del grabado, las líneas se profundizan con un cúter y punta seca directamente sobre el tablero. El efecto del estampado recuerda mucho a las líneas anchas de un lápiz italiano o de una sanguina. El estilo del lápiz, destinado exclusivamente a fines de reproducción, se generalizó especialmente en Francia. Demarteau y Bonnet reprodujeron magistralmente los dibujos de Watteau y Boucher, imprimiendo sus grabados en sanguina o en dos tonos, y Bonnet, imitando al pastel, utilizó en ocasiones también el blanco (para obtener un tono aún más claro que el papel). La línea de puntos, o estilo de puntos, es una técnica conocida ya en el siglo XVI y tomada de los joyeros: se utilizaba para decorar armas y utensilios de metal. La línea de puntos está estrechamente relacionada con el estilo del lápiz, pero al mismo tiempo es estilísticamente cercana a la mezzotinta, ya que opera con amplias manchas y transiciones tonales. La técnica de la línea de puntos es una combinación de grabado con aguafuerte: grupos frecuentes de puntos, como si se fusionaran en un tono, se aplican con varias agujas, ruedas y cintas métricas en el suelo de grabado y luego se graban. Los puntos delicados en la cara y el cuerpo desnudo se aplican directamente al tablero utilizando un bolígrafo o una aguja de puntos curvos. La técnica del punto fue especialmente apreciada en las impresiones en color a partir de una sola tabla, pintada con blocs, repitiendo la coloración para cada nueva impresión. Esta técnica estuvo más extendida en Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVIII. Los grabados con líneas de puntos eran casi exclusivamente de naturaleza reproductiva.

Desde un punto de vista práctico, el grabado en metal satisfacía dos necesidades importantes en su época: 1. Proporcionaba muestras y motivos para composiciones decorativas. 2. Era la técnica más adecuada para la reproducción: dibujos, pinturas, estatuas, edificios. 3. Además, a diferencia de la xilografía, algunas épocas (siglos XVII-XVIII) cultivaron el grabado en profundidad y en muy gran formato, enmarcándolo y utilizándolo para decorar las paredes. 4. Por último, las xilografías suelen ser anónimas; el grabado en metal ha sido la historia de los artistas desde el principio; aunque no sepamos el nombre del autor del grabado, siempre tiene signos de cierta individualidad. Los grabados en madera y en metal son igualmente diferentes en su origen. - La xilografía se asocia a un libro, a unas letras, a una máquina de imprimir. - El grabado en profundidad, por su origen, no tiene nada que ver ni con la imprenta ni con la escritura en general - se distingue por su carácter decorativo, nació en el taller de un joyero (es curioso que los grabadores de cobre se educaran en el taller de orfebres, donde decoraban las empuñaduras de espadas, platos, copas talladas y cinceladas). En este sentido, el grabado con cincel tiene raíces muy antiguas: ya a los joyeros antiguos se les puede llamar artistas gráficos, ya que se puede obtener una huella de cualquier superficie metálica (por ejemplo, de un espejo etrusco). Y en el grabado posterior, en su brillo y esplendor y al mismo tiempo precisión, se conservaron vestigios del arte de la joyería.

litografía La siguiente "revolución" ocurrió en 1796, cuando Aloysius Senefelder inventó la litografía: la impresión plana a partir de piedra. Esta técnica liberó al artista de la mediación de un reproduccionista: ahora él mismo podía aplicar un diseño a la superficie de la piedra e imprimirlo, sin recurrir a los servicios de un grabador. La litografía, o impresión plana, se imprime sobre una piedra de un tipo especial de piedra caliza, de color azulado, gris o amarillento (las mejores variedades se encuentran en Baviera y cerca de Novorossiysk). La técnica de la litografía se basa en la observación de que la superficie húmeda de una piedra no acepta sustancias grasas y la grasa no deja pasar el líquido; en una palabra, en la reacción mutua de la grasa y el líquido (o ácido). El artista dibuja sobre la piedra con un lápiz grasiento; después de esto, se graba ligeramente la superficie de la piedra (con una solución de goma arábiga y ácido nítrico). Donde la grasa toca la piedra, el ácido no actúa; donde actúa el ácido, la tinta de impresión grasosa no se pega a la superficie de la piedra. Si, después del grabado, se aplica pintura sobre la superficie de la piedra, solo se aceptará en aquellos lugares que fueron tocados por el lápiz grasiento del artista; en otras palabras, el dibujo del artista se reproducirá completamente durante el proceso de impresión.

Del segundo cuarto del siglo XIX. , con la creciente popularidad de la litografía, comenzó la era de los gráficos impresos en masa, y esto se asoció, en primer lugar, con la publicación de libros. Los grabados se utilizaron para ilustrar revistas de moda, revistas satíricas, álbumes de artistas y viajeros, libros de texto y manuales. Todo estaba grabado: atlas botánicos, libros de estudios regionales, “folletos” con atracciones de la ciudad, paisajes, colecciones de poesía y novelas. Y cuando en el siglo XIX la actitud hacia el arte cambió: los artistas finalmente dejaron de ser considerados artesanos y la gráfica surgió del papel de sirvientes de la pintura, comenzó el resurgimiento del grabado original, que era valioso por sus propias características artísticas y técnicas de grabado. Aquí desempeñaron su papel representantes del romanticismo: E. Delacroix, T. Gericault, paisajistas franceses: C. Corot, J. F. Millet y C. F. Daubigny, impresionistas: Auguste Renoir, Edgar Degas y Pizarro. En 1866, se creó en París una sociedad de aquafortistas, cuyos miembros eran E. Manet, E. Degas, J. M. Whistler, J. B. Jongkind. Se dedicaban a publicar álbumes de grabados con derechos de autor. Así, por primera vez se creó una asociación de artistas que asumieron los problemas reales del arte del grabado, la búsqueda de nuevas formas y designaron sus actividades como un tipo especial de actividad artística. En 1871, se fundó una sociedad de este tipo en San Petersburgo con la participación de N. Ge, I. Kramskoy y. Shishkina.

El mayor desarrollo del grabado avanzó en consonancia con la búsqueda de su idioma original. En el siglo XX, la historia de las técnicas del grabado y de este arte en sí parecía haber cerrado el ciclo: de la sencillez, el grabado pasó a la complejidad, y una vez alcanzada, volvió a buscar la agudeza expresiva de un trazo lacónico y la generalización a un firmar. Y, si durante cuatro siglos intentó evitar exponer su material, ahora ha vuelto a interesarse por sus posibilidades. Un fenómeno significativo en la historia de los gráficos impresos de finales del siglo XIX y principios del XX fue el florecimiento de la escuela de grabado rusa y soviética, representada por un gran número de artistas talentosos y varios fenómenos importantes de la vida artística a escala europea, como como la asociación "Mundo del Arte" de San Petersburgo, los movimientos de vanguardia de los primeros años del siglo XX, las búsquedas creativas de gráficos del círculo Favorsky y el arte no oficial de los años 1960-80.

El fotograbado o heliografía es el método más avanzado técnica y artísticamente para preparar tableros en profundidad similar al grabado en cobre mediante la fotografía. Las placas se producen mediante grabado directo del metal o acumulación de cobre sobre una imagen positiva. Heliografía. Niepce. 1824

Los tipos de gráficos se clasifican según el método de creación de la imagen, su finalidad y como manifestación de la cultura de masas.

Según el método de creación de la imagen, los gráficos pueden ser impreso(circulación) y único.

Gráficos impresos y sus tipos.

Los gráficos impresos se crean utilizando formularios impresos con derechos de autor. Los gráficos impresos permiten distribuir obras gráficas en numerosos ejemplares equivalentes.
Anteriormente, los gráficos impresos (impresiones) se utilizaban para reproducciones repetidas (ilustraciones, reproducciones de pinturas, carteles, etc.), porque de hecho, era la única manera de producir imágenes en masa.
Actualmente, la tecnología de duplicación se ha desarrollado, por lo que los gráficos impresos se han convertido en una forma de arte independiente.

Tipos de gráficos impresos

Imprimir

Una impresión (estampe francesa) es una impresión sobre papel a partir de una plancha de impresión (matriz). Se consideran impresiones originales las realizadas por el propio artista o con su participación.
La estampa se conoce en Europa desde el siglo XV. Al principio, el grabado no era una rama independiente de las bellas artes, sino sólo un método técnico de reproducción de imágenes.

Tipos de grabado

Los tipos de grabado difieren en la forma en que se crea la forma de impresión y el método de impresión. Así, existen 4 técnicas principales de grabado.

tipografía: grabado en madera; linograbado; grabado sobre cartón.

Xilografía

La xilografía es un grabado sobre madera o una impresión sobre papel hecha a partir de dicho grabado. La xilografía es la técnica de grabado en madera más antigua. Se originó y se generalizó en los países del Lejano Oriente (siglos VI-VIII). Los primeros ejemplos de grabado de Europa occidental realizados con esta técnica aparecieron a finales de los siglos XIV y XV.
Los maestros de la imprenta en madera fueron Hokusai, A. Durero, A. Ostroumova-Lebedeva, V. Favorsky, G. Epifanov, Y. Gnezdovsky, V. Mate y muchos otros. otro.

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Linograbado

Linograbado es un método de grabado sobre linóleo. Este método surgió a finales de los siglos XIX y XX. con la invención del linóleo. El linóleo es un buen material para impresiones grandes. Para el grabado se utiliza linóleo con un espesor de 2,5 a 5 mm. Las herramientas para linograbado son las mismas que para el grabado longitudinal: cinceles angulares y longitudinales, así como un cuchillo para cortar con precisión piezas pequeñas. En Rusia, el primero en utilizar esta técnica fue N. Sheverdyaev, alumno de Vasily Mate. Posteriormente, esta técnica se utilizó para la producción de grabados de caballete y especialmente en la ilustración de libros por Elizaveta Kruglikova, Boris Kustodiev, Vadim Falileev, Vladimir Favorsky, Alexander Deineka, Konstantin Kostenko, Lidiya Ilyina y otros.

B. Kustodiev "Retrato de una dama". Linograbado
En el extranjero, Henri Matisse, Pablo Picasso, France Maserel, expresionistas alemanes y artistas estadounidenses trabajaron en la técnica del linograbado.
Entre los artistas contemporáneos, Georg Baselitz, Stanley Donwood y Bill Fike utilizan activamente el linograbado.
Se utilizan linograbados en blanco y negro y en color.

R. Guseva. Linograbado de colores. Naturaleza muerta "Huevo frito"

Grabado sobre cartón

Un tipo de impresión. Es un tipo de grabado tecnológicamente sencillo y se utiliza incluso en las clases de bellas artes.
Pero en el siglo XX. Algunos artistas gráficos importantes han utilizado el grabado en cartón en su práctica profesional. Una impresión en relieve para imprimir se realiza mediante un aplique formado por elementos de cartón individuales. El espesor del cartón debe ser de al menos 2 mm.

Grabado sobre cartón

Impresión calcográfica: técnicas de grabado (grabado con aguja, aguatinta, lavis, línea de puntos, estilo lápiz, punta seca; barniz suave; mezzotinta, grabado).

Aguafuerte

El grabado es un tipo de grabado sobre metal, una técnica que permite obtener impresiones a partir de planchas de impresión (“tableros”), en el proceso de creación de una imagen sobre la cual se graba la superficie con ácidos. El grabado se conoce desde principios del siglo XVI. Albrecht Durer, Jacques Callot, Rembrandt y muchos otros artistas trabajaron en la técnica del grabado.

Rembrandt "La predicación de Cristo" (1648). Aguafuerte, punta seca, buril

Grabado mezzotinto

La mezzotinta (“manera negra”) es un tipo de grabado sobre metal. La principal diferencia con otros estilos de grabado no es la creación de un sistema de hendiduras (trazos y puntos), sino el suavizado de áreas claras en una tabla granulada. Los efectos de Mezzotint no se pueden lograr por otros medios. La imagen aquí se crea mediante diferentes gradaciones de áreas claras sobre un fondo negro.

técnica de mezzotinta

Impresión plana: litografía, monotipo.

Litografía

La litografía es un método de impresión en el que la tinta se transfiere bajo presión desde una plancha de impresión plana al papel. La litografía se basa en un principio físico y químico, que consiste en obtener una impresión de una superficie completamente lisa (piedra) que, gracias a un procesamiento adecuado, adquiere la capacidad de aceptar pintura litográfica especial en sus zonas individuales.

Terraplén de la Universidad, siglo XIX, litografía de Müller basada en un dibujo de I. Charlemagne

monotipia

El término proviene del mono... y del griego. τυπος – huella. Se trata de un tipo de gráfico impreso que consiste en aplicar pintura a mano sobre una superficie perfectamente lisa de una plancha de impresión y luego imprimirla en una máquina; La impresión obtenida sobre el papel es siempre única, única. En psicología y pedagogía, la técnica del monotipo se utiliza para desarrollar la imaginación en niños en edad preescolar superior.

Monotipia
Cualquiera puede dominar la técnica del monotipo. Debe aplicar pinturas al azar (acuarelas, gouache) sobre una superficie lisa y luego presionar este lado contra el papel. Al arrancar la hoja se mezclan los colores, que posteriormente forman un hermoso y armonioso cuadro. Entonces tu imaginación comienza a funcionar y, basándose en esta imagen, creas tu obra maestra.
Los colores de la siguiente composición se eligen de forma intuitiva. Depende del estado en el que te encuentres. Puedes crear un monotipo con ciertos colores.
Serigrafía: técnicas de serigrafía; plantilla recortada.

Serigrafía

Método de reproducción de textos e inscripciones, así como imágenes (monocromáticas o en color) mediante una plancha de serigrafía a través de la cual la tinta penetra en el material impreso.

I. Sh. Elgurt “Vezhraksala” (1967). Serigrafía

Gráficos únicos

Los gráficos únicos se crean en una sola copia (dibujo, aplique, etc.).

Tipos de gráficos por finalidad

Gráficos de caballete

Dibujo- la base de todo tipo de bellas artes. Sin el conocimiento de los conceptos básicos del dibujo académico, un artista no puede trabajar de manera competente en una obra de arte.

El dibujo puede realizarse como una obra gráfica independiente o servir como etapa inicial para la creación de diseños pictóricos, gráficos, escultóricos o arquitectónicos.
En la mayoría de los casos, los dibujos se crean en papel. En el dibujo de caballete se utiliza toda la gama de materiales gráficos: una variedad de crayones, pinturas aplicadas con pincel y bolígrafo (tinta, tinta), lápices, lápiz de grafito y carboncillo.

gráficos de libros

Esto incluye ilustraciones de libros, viñetas, cintas para la cabeza, capitulares, portadas, sobrecubiertas, etc. Los gráficos de libros también pueden incluir gráficos de revistas y periódicos.
Ilustración– un dibujo, fotografía, grabado u otra imagen que explique el texto. Las ilustraciones para textos se han utilizado desde la antigüedad.
Los antiguos libros rusos escritos a mano utilizaban miniaturas dibujadas a mano. Con la llegada de la imprenta, las ilustraciones dibujadas a mano fueron sustituidas por el grabado.
Algunos artistas famosos, además de su ocupación principal, también recurrieron a la ilustración (S. V. Ivanov, A. M. Vasnetsov, V. M. Vasnetsov, B. M. Kustodiev, A. N. Benois, D. N. Kardovsky, E. E. Lansere, V. A. Serov, M. V. Dobuzhinsky, V. Ya. Chambers.
Para otros, la ilustración fue la base de su creatividad (Evgeny Kibrik, Lydia Ilyina, Vladimir Suteev, Boris Dekhterev, Nikolai Radlov, Viktor Chizhikov, Vladimir Konashevich, Boris Diodorov, Evgeny Rachev, etc.).

(viñeta francesa) – decoración en un libro o manuscrito: un pequeño dibujo u ornamento al principio o al final del texto.
Normalmente, los temas de las viñetas son motivos vegetales, imágenes abstractas o imágenes de personas y animales. El propósito de la viñeta es darle al libro una apariencia artística, es decir. Este es el diseño de un libro.

Viñetas
En Rusia, decorar textos con viñetas estuvo de moda durante la era Art Nouveau (se conocen las viñetas de Konstantin Somov, Alexandre Benois y Evgeniy Lanceray).

Sobrecubierta

gráficos aplicados

Henri de Toulouse-Lautrec "Moulin Rouge, La Goulue" (1891)
Póster– el tipo principal de gráficos aplicados. En sus formas modernas, el cartel surgió en el siglo XIX. como publicidad comercial y teatral (carteles), y luego comenzó a realizar tareas de propaganda política (carteles de V.V. Mayakovsky, D.S. Moor, A.A. Deineka, etc.).

Carteles de V. Mayakovsky

gráficos por computadora

En los gráficos por computadora, las computadoras se utilizan como herramienta para crear imágenes y procesar información visual obtenida del mundo real.
Los gráficos por computadora se dividen en científicos, comerciales, de diseño, ilustrativos, artísticos, publicitarios, de animación por computadora y multimedia.

Yutaka Kagaya "Canción eterna". gráficos por computadora

Otros tipos de gráficos

Entablillar

Un tipo de gráfico, una imagen con título, que se caracteriza por la sencillez y accesibilidad de las imágenes. Originalmente un tipo de arte popular. Fue realizado mediante la técnica de xilografía, grabado en cobre, litografía y complementado con coloración a mano.
Los estampados populares se caracterizan por la simplicidad de la técnica y el laconismo de los medios gráficos (trazos ásperos, colores brillantes). A menudo, la impresión popular contiene una narración detallada con inscripciones explicativas e imágenes adicionales (explicativas, complementarias) a la principal.

Entablillar

gráficos de letras

Los gráficos de letras forman un área de gráficos especial e independiente.

Caligrafía(Griego kalligraphia - escritura hermosa) - el arte de escribir. La caligrafía acerca la escritura al arte. Los pueblos de Oriente, especialmente los árabes, son considerados maestros insuperables en el arte de la caligrafía. El Corán prohibió a los artistas representar seres vivos, por lo que los artistas mejoraron en ornamentos y caligrafía. Para los chinos, japoneses y coreanos, el jeroglífico no era sólo un signo escrito, sino también una obra de arte. Un texto mal escrito no puede considerarse perfecto en contenido.

El arte del sumi-e.(sumi-e) es una adaptación japonesa de la técnica de pintura con tinta china. Esta técnica es lo más expresiva posible debido a su brevedad. Cada pincelada es expresiva y significativa. Sumi-e demuestra claramente la combinación de simple y elegante. El artista no pinta un objeto concreto, sino que representa una imagen, la esencia de ese objeto. Las obras que utilizan la técnica sumi-e carecen de detalles excesivos y dan al espectador espacio para la imaginación.