EntradaPresentación de arte de ópera. Creatividad de ópera
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Diapositivas de presentación
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La formación de la ópera.
Interpretada por Svetlana Kutyaeva.
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Ópera (ópera italiana, literalmente - composición, del latín ópera - obra, producto, obra), un género de arte musical y dramático. La base literaria de la ópera (libreto) se materializa mediante la dramaturgia musical y, ante todo, en las formas de la música vocal. El teatro es un género sintético que combina varios tipos de artes en una sola acción teatral: teatro, música, artes visuales (escenografía, vestuario), coreografía (ballet). Históricamente, se han desarrollado ciertas formas de música operística. Si bien existen algunos principios generales de la dramaturgia operística, todos sus componentes se interpretan de manera diferente según los tipos de ópera. Las formas vocales de la música clásica son variadas. Los personajes de los personajes se revelan más plenamente en números solistas (aria, arioso, arietta, cavatina, monólogo, balada, canción).
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). El recitativo (reproducción musical, de entonación y rítmica del habla humana) tiene varias funciones en el habla. A menudo conecta (en términos argumentales y musicales) números individuales completos; suele ser un factor eficaz en la dramaturgia musical. En algunos géneros de poesía, principalmente la comedia, se utiliza el habla coloquial en lugar del recitativo, normalmente en los diálogos. El diálogo escénico y el escenario de una representación dramática en teatro corresponden a un conjunto musical (dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc.), cuya especificidad permite crear situaciones conflictivas y mostrar no solo el desarrollo de la acción, sino también el choque de personajes e ideas. Por lo tanto, los conjuntos aparecen a menudo en los momentos culminantes o finales de la acción operística. El coro se interpreta de manera diferente en O.
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En la dramaturgia musical de O., se asigna un papel importante a la orquesta; los medios de expresión sinfónicos sirven para revelar más plenamente las imágenes. La orquesta también incluye episodios orquestales independientes: una obertura, un intermedio (introducción a actos individuales). Otro componente de una representación de ópera es el ballet, escenas coreográficas donde se combinan imágenes plásticas con musicales. La historia de O. está estrechamente relacionada con el desarrollo de la cultura y la historia de la sociedad humana. A menudo, O. actuó como una especie de puesto de avanzada ideológico del arte musical, reflejando los problemas agudos de nuestro tiempo: la desigualdad social, la lucha por la independencia nacional, el patriotismo.
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Los orígenes del teatro musical se encuentran en las fiestas y juegos folclóricos. Ya en los antiguos juegos dionisíacos griegos y en la tragedia griega, el papel de la música era grande. También tuvo un lugar importante en las representaciones de culto popular medieval (“sagrado”). Como género independiente, el arte se formó a finales de los siglos XVI y XVII. A lo largo de varios siglos de su existencia, han surgido muchas escuelas de ópera, estilos y tipos de producción de ópera nacionales. En muchas culturas nacionales europeas, de acuerdo con las ideas humanistas del Renacimiento, se desarrollaron los principios de un nuevo tipo de interpretación musical y dramática. Estas búsquedas anteriormente se vieron coronadas por el éxito en el país clásico del Renacimiento: Italia. Un grupo de filósofos, poetas, músicos y artistas (la llamada “Camerata florentina”, 1580) predicaron el resurgimiento de la tragedia antigua. El ideal de los florentinos en la música era la sencillez, la naturalidad de expresión; Subordinaron la música a la poesía en sus actuaciones. La primera O. - "Daphne" (1597-98) y "Eurydice" (1600), música de J. Peri, texto de O. Rinuccini - fueron escritas con este espíritu. El siguiente hito en la historia de O. es "Orfeo" de C. Monteverdi (1607).
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Obra de ópera de un estudiante de la clase 10A Mitrokhin Sergei Supervisora: Timoshkova Tatyana Nikolaevna 2009Diapositiva 2
Contenidos: Historia de las obras operísticas Figuras operísticas Obras operísticas
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Creatividad operística El teatro musical tiene una larga historia. Sus orígenes se encuentran en las fiestas y juegos folclóricos que combinaban canto, baile, pantomima, acción y música instrumental. Las representaciones dramáticas de la antigüedad tampoco podían prescindir de la música. Su papel es importante tanto en la tragedia antigua como en las representaciones folclóricas y de culto medievales ("sagradas"). Sin embargo, como un tipo especial de arte dramático en el que la música sirve como base para la acción, la ópera surgió a finales de los siglos XVI y XVII. En muchas culturas nacionales de Europa, bajo la influencia de las ideas humanistas del Renacimiento, se buscaron formas de crear un nuevo tipo de representación musical y teatral. Estas búsquedas se vieron coronadas por los primeros y más significativos resultados ideológicos y artísticos en el país clásico del Renacimiento: Italia. Inicialmente, las representaciones no tenían una designación precisa y se llamaban favola in musica (cuento de hadas musical), luego dramma in musica (drama musical), luego, finalmente, opera in musica (obra musical) o, en resumen, ópera. (ópera, literalmente - acción, trabajo; en latín ópera significa trabajo, creación). Las representaciones de ópera del primer tercio del siglo XVII estaban destinadas principalmente a la nobleza de la corte. Pero, a partir de 1637, se abrieron teatros musicales públicos en varios países europeos, accesibles a sectores más amplios de la población urbana. Poco a poco, la ópera ocupó un lugar importante en la vida de la sociedad y se convirtió en una parte integral de la cultura mundial.
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En el siglo XVII surgieron varios compositores importantes: los fundadores de las escuelas de ópera nacionales. Se trata de C. Monteverdi en Italia, J. B. Lully en Francia, G. Purcell en Inglaterra. El contenido de las óperas eran temas mitológicos o histórico-legendarios. Las mejores obras reflejaron las ideas humanistas de nuestro tiempo y revelaron conexiones con la música popular, pero sus autores no pudieron evitar por completo la influencia de la ideología feudal-absolutista, los gustos estéticos y las opiniones del entorno aristocrático. Estas representaciones se denominaron ópera seria (literalmente, ópera seria); estuvieron marcados por una gran pompa y solemne júbilo. En Francia, las obras de este tipo se denominaban tragedia lírica o musical. En el siglo XVIII, la ópera seria italiana decayó gradualmente en los escenarios de los teatros musicales europeos; su contenido se empobreció cada vez más. La tragedia lírica francesa también se ha osificado en sus formas convencionales. La ópera de la corte española, la llamada zarzuela, también atravesó una crisis. En relación con el crecimiento del movimiento democrático antifeudal, la ópera cómica surgió en todas partes y adquirió un gran significado social, realista en su orientación, utilizando temas cotidianos extraídos de la vida circundante y en sus orígenes asociados con la música y el teatro folclóricos. En Italia, donde se la llamó ópera buffa, los compositores G. B. Pergolesi, G. Paisiello, D. Cimarosa se convirtieron en autores populares de representaciones cómicas; en Francia: F. Philidor, P. Monsigny, A. Grétry; en Austria y Alemania, este nuevo género musical y teatral se llamó singspiel (literalmente, un juego de canto), en Inglaterra, balada u ópera canción (también llamada "ópera de los mendigos")
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en España - tonadilla. En el último cuarto del siglo XVIII, se formó en Rusia un teatro musical democrático y distintivo a nivel nacional (óperas cómicas de los compositores M. M. Sokolovsky, V. A. Pashkevich, M. A. Matinsky, E. I. Fomin). De destacada importancia en el siglo XVIII fue la obra del compositor alemán K. V. Gluck (originario de la República Checa) y del compositor austriaco W. A. Mozart, quienes reflejaron en sus obras las ideas avanzadas de la Ilustración. Estos son dos de los mayores reformadores del arte de la ópera. Uno de ellos, que se oponía activamente a la estética y las prácticas del teatro de ópera aristocrático y cortesano, creó una heroica tragedia musical imbuida de patetismo cívico y sentimientos sublimes. El otro, basándose en los logros de la ópera buffa y el singspiel, dio ejemplos muy realistas de comedia, drama y cuentos de hadas filosóficos, notables por su plenitud de vida y perfección de las características musicales y dramáticas, y el rápido y contrastante desarrollo de la acción. Las actividades de Gluck y Mozart tuvieron lugar en vísperas de las revoluciones francesas de finales del siglo XVIII, el punto de inflexión más importante en la historia de Europa. Durante el período turbulento de ruptura de viejas relaciones feudales y maduración de relaciones nuevas y burguesas, el papel del teatro musical como portavoz de las ideas sociales progresistas aumentó considerablemente. A partir de ahora, en su desarrollo, se vincula más estrechamente con la evolución general de la cultura musical, las artes escénicas y la literatura. En la historia de la ópera, la lucha de diversas corrientes ideológicas y creativas, los cambios en los estilos artísticos, determinados por las leyes del desarrollo sociopolítico y las características de las culturas nacionales, se reflejan cada vez más y más directamente que antes. En condiciones de lucha ideológica, los artistas avanzados defienden los fundamentos progresistas y democráticos de la cultura nacional.
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Su creatividad innovadora captura las contradicciones de la realidad moderna, las ideas de liberación social y nacional de la época y la diversidad de las relaciones humanas. La ópera, que abarca amplias capas de oyentes democráticos, contribuye a la formación de la autoconciencia del pueblo y sirve como una de las más altas manifestaciones de su cultura nacional. El papel sociopolítico del teatro musical se intensificó durante el período de la revolución burguesa francesa, que provocó grandes cambios en el contenido y las formas de la ópera. El tema heroico-patriótico, planteado durante los años del levantamiento revolucionario, recibió un gran desarrollo en la ópera del siglo XIX y, en primer lugar, en la obra de L. Beethoven, quien tuvo una gran influencia en la música de las generaciones posteriores. de compositores. El siglo XIX estuvo marcado por la aparición de muchas obras de ópera clásica, en las que se glorifica al pueblo, las nobles acciones humanas, la lucha por la libertad, la felicidad y la justicia. Los grandes compositores del pasado crearon una gran variedad de tipos de obras musicales y teatrales, entre las cuales las más comunes son las óperas heroico-patrióticas, épicas, lírico-dramáticas y cómicas. El desarrollo de estos tipos está marcado en diferentes países por sus características específicas, dependiendo de las condiciones sociales, culturales e históricas específicas del desarrollo de cada escuela de ópera nacional. Sin embargo, la tendencia general fue la afirmación y ampliación de las posibilidades ideológicas y artísticas del realismo. Al mismo tiempo, en algunas escuelas de ópera de la primera mitad del siglo XIX, junto con las realistas, también se hacían evidentes tendencias románticas. En la determinación del contenido nacional y las formas del arte operístico alemán desempeñó un papel importante K. M. Weber, en cuyas obras se encuentran elementos folclóricos del Singspiel.
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combinado con signos de un drama romántico. El sucesor de Weber fue R. Wagner; su obra marca un hito importante en la historia del teatro musical de la segunda mitad del siglo XIX. Wagner enriqueció el arte operístico mundial con creaciones extraordinarias, aunque algunas de ellas tienen características contradictorias. Luchando por el alto contenido del arte contra el entretenimiento externo y las convenciones teatrales obsoletas, esforzándose por encarnar grandes ideas ideológicas, Wagner no evitó cierta vaguedad, vaguedad y, a veces, excesiva complejidad de expresión, que se hizo más evidente en el último período de su obra. . Los rasgos típicos de la ópera cómica italiana encontraron brillante expresión en la obra de G. Rossini, cuyos logros fueron significativos también en el campo de la ópera heroico-patriótica. El mayor clásico de la ópera italiana fue G. Verdi, uno de los maestros más notables del arte realista mundial. A lo largo de muchas décadas de actividad creativa, creó varios tipos de obras operísticas. Al principio, Verdi estaba más preocupado por temas heroicos y patrióticos, encarnados en un sentido romántico. Desde mediados de siglo, escribió principalmente óperas lírico-dramáticas: dramas psicológicos, marcados por un profundo realismo y que en ocasiones alcanzan el nivel de auténticas tragedias. Hacia el final de su vida, en la última década del siglo XIX y principios del XX, se manifestaron activamente los talentosos compositores P. Mascagni, R. Leoncavallo y especialmente G. Puccini. La base de su búsqueda ideológica y artística fue el movimiento literario de la década de 1880, llamado verismo (vero - significa sincero, veraz). Los veristas intentaron crear obras dramáticamente intensas sobre temas tomados de la vida de la gente corriente, principalmente de las clases sociales más bajas y desfavorecidas.
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En este esfuerzo progresista, sin embargo, a veces pecaron de naturalismo. Las características nacionales del teatro musical francés de las primeras décadas del siglo XIX están más asociadas con el género de la ópera cómica, que fue desarrollado fructíferamente por D. F. Aubert. En el segundo tercio del siglo, surgió y se generalizó el tipo de la llamada "gran ópera" ("gran ópera"): una actuación monumental, rica en momentos escénicos espectaculares y románticamente colorida sobre temas históricos. Este tipo operístico se encarnó más vívidamente en la obra de J. Meyerbeer. En la segunda mitad del siglo XIX, la "gran ópera" se oponía a la "ópera lírica". Sus autores, primero C. Gounod, luego L. Delibes y J. Massenet, describieron la vida cotidiana de una persona común y corriente. la vida cotidiana que lo rodea, sentimientos íntimos y sinceros. La formación de la ópera lírica significó el fortalecimiento y fortalecimiento de los rasgos realistas en la ópera francesa. El pináculo del realismo en la escuela nacional de Francia es la obra de J. Bizet, vitalmente vivaz y rica, brillantemente imaginativa e impregnada de optimismo. Los movimientos de liberación del siglo XIX impulsaron una serie de escuelas de ópera nacionales nuevas y profundamente independientes. En la lucha del pueblo checo por la independencia nacional tuvieron una importancia destacada las óperas de B. Smetana, que representó en la segunda mitad del siglo. Smetana, fundador de los clásicos musicales checos, desarrolló tipos especiales de ópera heroico-patriótica y cómica, correspondientes a las tradiciones populares y nacionales. También es significativa la contribución al teatro musical de la República Checa por parte de A. Dvorak, especialmente en el campo de la ópera fantástica, y de L. Janáček. A mediados del siglo XIX se determinaron caminos de desarrollo específicos a nivel nacional para la escuela de ópera polaca, dirigida por S. Moniuszko, y la húngara, dirigida por F. Erkel.
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Las mejores obras de los clásicos de la ópera mundial se caracterizan por el nacionalismo y el realismo, la unidad de contenido profundo y forma artística perfecta, la especificidad nacional de la música, la conexión con el arte popular y el pensamiento social avanzado. Estas cualidades son muy inherentes a la ópera clásica rusa, cuyo fundador fue M. I. Glinka. La base de la canción popular de la ópera clásica rusa le confiere características de originalidad única; sus medios artísticos y formas de expresión musical son variados; la seguridad y la prominencia típicas de las imágenes individuales se combinan con imágenes ampliamente representadas de la vida popular, con el trasfondo histórico y social de la acción. En las primeras décadas del siglo XIX, la creatividad operística rusa estuvo representada por los nombres de los compositores S. I. Davydov, K. A. Kavos y luego A. N. Verstovsky. Las óperas de Glinka, brillantes epopeyas de la vida del pueblo, marcaron el comienzo de un nuevo período en la historia del teatro musical ruso y fueron el mayor logro del arte operístico realista mundial. Los compositores clásicos rusos, siguiendo a Glinka, crearon obras de ópera altamente patrióticas que reflejaban los destinos históricos de su tierra natal, la relación entre el pueblo y el Estado, la lucha contra la opresión social y la protesta contra la violencia contra el individuo. A. S. Dargomyzhsky fue el autor del primer drama musical social y cotidiano ruso, “Rusalka”, que planteaba el tema de la desigualdad de clases. El surgimiento del movimiento democrático revolucionario de la década de 1860 determinó la dirección de la actividad de los compositores del "Mighty Handful", una asociación creativa dirigida por M. A. Balakirev, que incluía a A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky - Korsakov, Ts.A. Cuí.
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Durante las siguientes décadas, aparecen una tras otra obras maestras de los clásicos de la ópera rusa y mundial. En sus dramas musicales populares “Boris Godunov” y “Khovanshchina”, M. P. Mussorgsky ofreció imágenes insuperables en fuerza y profundidad del pasado de Rusia durante períodos críticos de su desarrollo histórico. La monumental ópera épica "Príncipe Igor" de A.P. Borodin glorifica el alto patriotismo del pueblo ruso y describe claramente los personajes nacionales. Las óperas de N. A. Rimsky-Korsakov son diversas en tipos, ricas en contenido y versátiles en los medios de encarnación artística. El drama musical sociohistórico “La mujer de Pskov” coexiste con la ópera lírico-cómica “Noche de mayo”; el maravilloso "cuento de hadas de primavera" "La doncella de las nieves" - con la ópera épica "Sadko"; ópera histórica y cotidiana "La novia del zar" - con la leyenda de la ópera "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia" y la ópera sátira "El gallo de oro". Uno de los mayores fenómenos en la historia del teatro musical mundial es la obra operística de P. I. Tchaikovsky, que se distingue por su excepcional profundidad de características psicológicas, su expresión veraz del mundo espiritual de las personas y sus conflictos dramáticos. La naturaleza lírico-dramática de la obra operística de Tchaikovsky, que a veces adquiere connotaciones trágicas, recibió su expresión más clara en obras como "Eugene Onegin", "La hechicera", "La dama de espadas". La amplia obra del brillante compositor abarca también temas históricos (“Mazeppa”, “Maid of Orleans”) y folklóricos (“Cherevichki”).
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Junto con estas luminarias de la ópera rusa, A. G. Rubinshtein (“El demonio”), A. N. Serov (“Enemy Power”), E. F. Napravnik (“Dubrovsky”), S. V. Rachmaninov (“Aleko”), hicieron importantes contribuciones a su desarrollo, S. I. Taneyev (“Oresteia”). En la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX también se formaron escuelas de ópera realistas de otras nacionalidades que habitaban Rusia. Están representados por: en Ucrania S. Gulak-Artemovsky y especialmente N.V. Lysenko; en Georgia: M. A. Balanchivadze, D. I. Arakishvili, Z. P. Paliashvili; en Armenia: A. Tigranyan, A. A. Spendiarov; en Azerbaiyán - U. Hajibeyov. El desarrollo de estas escuelas nacionales se basó en la implementación de las tradiciones de la música folclórica y la experiencia de las músicas del mundo, principalmente los clásicos rusos. La heredera de los mejores logros de los clásicos de la ópera nacional y extranjera fue la ópera soviética en toda su diversidad ideológica y artística. Desarrollando las grandes tradiciones clásicas, estudiando de cerca la realidad, los compositores de ópera soviéticos se esfuerzan por lograr un reflejo veraz y artísticamente perfecto de la vida en su constante avance, por revelar la belleza y la riqueza del mundo espiritual del pueblo soviético, por una encarnación fiel y versátil de temas relevantes de nuestro tiempo y del pasado histórico. Logros importantes en este camino fueron las óperas de I. I. Dzerzhinsky, D. B. Kabalevsky, S. S. Prokofiev, T. N. Khrennikov, Yu. A. Shaporin, V. Ya. Shebalin y otros. La cultura musical y teatral soviética, de contenido socialista, se distingue por una variedad. de formas nacionales. Entre los compositores de ópera de las repúblicas hermanas se encuentran K. F. Dankevich, Yu. S. Meitus, G. I. Mayboroda, E. K. Tikotsky, N. G. Zhiganov, E. A. Kapp, G. G. Ernesaks, M. O. Zarin, E. G. Brusilovsky y muchos otros.
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El florecimiento del arte musical y teatral de las naciones socialistas es uno de los logros más importantes de la cultura soviética, logrado como resultado de la implementación de la política nacional de Lenin. Estos logros son especialmente dignos de mención si tenemos en cuenta que en varias repúblicas unidas y autónomas (Uzbekistán, Kazajstán, Kirguistán, Bielorrusia, Tartaristán, Bashkiria, etc.) las óperas nacionales se crearon por primera vez sólo durante los años del poder soviético. Las obras de los clásicos de la ópera brindan un gran placer estético a las masas más amplias de oyentes. El principal medio de su influencia artística es la melodía vocal. La expresividad y la belleza del canto, las brillantes imágenes melódicas y la accesibilidad son cualidades integrales de la ópera realista. Sin embargo, para una revelación integral del conflicto dramático, las posiciones escénicas y los sentimientos de los personajes, se requiere un uso magistral de todas las posibilidades expresivas de la música. En la ópera, que N. G. Chernyshevsky llamó “la forma más completa de música como arte”, se combinan los principios vocales (solista, conjunto y coral) e instrumentales (sinfónicos). Su estrecha relación es una condición indispensable para una obra operística en toda regla. De acuerdo con el concepto ideológico, la naturaleza de la trama y el texto del libreto, el compositor utiliza creativamente formas históricamente establecidas de música de ópera: vocal (aria, arioso, recitativo, conjunto, escena coral) y sinfónica (obertura, intermedio, bailes). Estas formas se distinguen por una libertad significativa y cada compositor importante recibe una refracción individualmente única. Sin embargo, es posible señalar algunos patrones dramáticos generales. Los personajes de los héroes de la ópera se revelan más plenamente en números extensos de canto en solitario (aria, arioso, canción, monólogo).
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El recitativo a menudo está destinado a una trama y una conexión musical entre formas vocales sólidas y redondeadas (aria, conjunto, coro). Pero en su forma melódicamente desarrollada, también juega un papel importante en la caracterización figurativa y sirve como un factor eficaz en el desarrollo musical (en algunos géneros de ópera, principalmente la comedia, se utiliza el diálogo hablado en lugar del recitativo musical). En conjuntos (dúos, terzettos, cuartetos y grandes escenas finales (a menudo con coro), las situaciones dramáticas se generalizan por medio de la música, se combinan imágenes similares o contrastantes, se revelan claramente las contradicciones de intereses, personajes y pasiones. Por lo tanto, los conjuntos aparecen a menudo en los momentos culminantes o finales del desarrollo dramático. Las posibilidades artísticas de la música permiten al compositor crear imágenes a gran escala de la vida popular en escenas corales masivas, para revelar de manera integral las conexiones del héroe con el entorno social. En el desarrollo musical de la ópera, el papel de la orquesta es grande. que suele concentrar el principal contenido dramático de la escena; Los medios de expresión sinfónicos complementan y profundizan significativamente la representación musical de situaciones escénicas, el escenario de la acción y las experiencias de los personajes. Estos son, en términos generales, los medios artísticos de la ópera, mediante los cuales el compositor puede mostrar de manera integral y vívida fenómenos significativos de la vida, las relaciones entre personas, diversos grupos sociales, encarnar personajes típicos y reflejar el mundo espiritual de una persona. Al vincular orgánicamente la música (vocal e instrumental) en una sola acción teatral, que ocupa un lugar destacado en la interpretación, el habla, el movimiento escénico, las artes visuales y, a menudo, la coreografía, la ópera adquiere las más amplias posibilidades para representar la vida.
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Anastasia Ilyukhina y Tatyana Egorova, grado 9a, escuela AOU nº 9, Dolgoprudny
¿Qué es la ópera? Predecesores de la ópera. Historia del género. Variedades de ópera. Elementos de la ópera.
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Títulos de diapositivas:
Ópera Orígenes Historia Elementos básicos de la ópera moderna
¿Qué es la ópera? Predecesores de la ópera moderna Historia del género Variedades de ópera Elementos de la ópera Contenidos
Ópera La ópera es un arte asombroso. Es al mismo tiempo muy antiguo, muy relevante, masivo, íntimo, simple y extremadamente complejo. Y todo porque puede ser propio, querido por cualquier persona, ya que utiliza lo que casi todo el mundo tiene: una VOZ. “La ópera, y sólo la ópera, te acerca a la gente, acerca tu música al público real, te convierte en un activo no sólo para los círculos individuales, sino, en condiciones favorables, para todo el pueblo”. Estas palabras pertenecen a Pyotr Ilyich Tchaikovsky, el gran compositor ruso.
Al aire libre, al pie de la montaña, cuyas laderas, cortadas en forma de escalones, servían de lugar para los espectadores, en la antigua Grecia se celebraban representaciones teatrales festivas. Actores enmascarados, cantando, representaron tragedias que glorificaban la fuerza del espíritu humano. El canto coral ocupó un lugar importante: fue el coro el que expresó la idea principal de la obra. Los orígenes de la ópera china también se remontan a siglos atrás: se remontan a mediados del primer milenio antes de Cristo. mi. En la era Song (siglos X-XIII), se hicieron populares varios tipos de obras musicales y poéticas de gran formato: surgieron los estilos Nanxi (lila) y Yuanben, que se caracterizaban por una combinación de diálogo prosaico con arias poéticas, el uso de imágenes de máscara y ciertos patrones de melodía alterna. Predecesores de la ópera moderna
La ópera en nuestra comprensión moderna de la palabra surgió a finales de los siglos XVI y XVII en Italia. Los creadores de este nuevo género fueron poetas y músicos que admiraban el arte antiguo y buscaban revivir la tragedia griega antigua. Pero aunque en sus experimentos musicales y escénicos utilizaron tramas de la mitología griega antigua, no revivieron la tragedia, sino que crearon una forma de arte completamente nueva: la ópera. Los orígenes de la ópera moderna La antigua ópera
La palabra "orega" traducida del italiano significa literalmente trabajo, composición. Este género musical combina en un todo la poesía y el arte dramático, la música vocal e instrumental, las expresiones faciales, el baile, la pintura, la escenografía y el vestuario. ¿Qué es la ópera?
La primera ópera se inauguró en 1637 en Venecia; Anteriormente, la ópera sólo servía para el entretenimiento de la corte. La primera ópera importante puede considerarse Eurídice de Jacopo Peri, representada en 1597. Los pioneros de la ópera fueron: en Alemania - Heinrich Schütz, en Francia - Camber, en Inglaterra - Purcell; En España las primeras óperas aparecieron a principios del siglo XVIII. En Rusia, Araya fue el primero en escribir una ópera (“Mullet and Procris”) basada en un texto ruso independiente (1755). La primera ópera rusa escrita según las costumbres rusas es “Tanyusha, o Happy Meeting”, música de F. G. Volkov (1756). Historia del género Jacopo Peri
Históricamente, se han desarrollado ciertas formas de música operística. Si bien existen algunos patrones generales de dramaturgia operística, todos sus componentes se interpretan de manera diferente según los tipos de ópera: gran ópera (ópera seria - italiana, tragédie lyrique, más tarde grand-opéra - francesa), semi-comic (semiseria), cómica ópera (opera-buffa - italiano, opéra-comique - francés, Spieloper - alemán), ópera romántica, con una trama romántica. Tipos de ópera balada ópera semiópera, mitad ópera, mitad ópera (mitad semi latina): una forma de ópera barroca inglesa que combina drama oral (género), drama, puesta en escena vocal, danza y obras sinfónicas. Uno de los partidarios de la semiópera es el compositor inglés Henry Purcell, ópera-ballet.
En la ópera cómica, alemana y francesa, se permite el diálogo entre números musicales. También hay óperas serias en las que se inserta el diálogo, por ejemplo. "Fidelio" de Beethoven, "Medea" de Cherubini, "El tirador mágico" de Weber. La descendencia de la ópera cómica debe considerarse la opereta, que se generalizó especialmente en la segunda mitad del siglo XIX. Óperas para niños (por ejemplo, las óperas de Benjamin Britten - "El pequeño deshollinador", "El arca de Noé", las óperas de Lev Konov - "El rey Matt el primero", "Asgard", "El patito feo", "Kokinwakashu"). Variedades de ópera.
Una obra operística se divide en actos, cuadros, escenas y números. Antes de los actos hay un prólogo, al final de la ópera hay un epílogo. El conjunto de ópera incluye: solista, coro, orquesta, banda militar, órgano. Una de las partes principales de la ópera es el aria. El significado de esta palabra es “canción”, “canto”. Otras partes de una obra operística son recitativos, arioso, canciones, dúos, tríos, cuartetos, conjuntos, etc. Las voces operísticas tienen sus propias designaciones. Mujer: soprano, mezzosoprano, contralto; masculino: contratenor, tenor, barítono, bajo. Elementos de la ópera
Los personajes de los personajes se revelan más plenamente en los números solistas (aria, arioso, arietta, cavatina, monólogo, balada, canción). El recitativo tiene varias funciones en la ópera: musical, entonación y reproducción rítmica del habla humana. A menudo conecta (en términos argumentales y musicales) números individuales completos; suele ser un factor eficaz en la dramaturgia musical. En algunos géneros de ópera, se utiliza el lenguaje hablado en lugar del recitativo. Elementos de la ópera
El diálogo escénico, escenario de una representación dramática en una ópera, corresponde a un conjunto musical (dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc.), cuya especificidad permite crear situaciones conflictivas, mostrar no solo el desarrollo de la acción, pero también el choque de personajes e ideas. Por lo tanto, los conjuntos aparecen a menudo en los momentos culminantes o finales de la acción operística. Elementos de la ópera
El coro en la ópera se interpreta de diferentes maneras. Puede ser un trasfondo, sin relación con la historia principal; a veces una especie de comentarista de lo que está pasando; sus capacidades artísticas permiten mostrar imágenes monumentales de la vida popular, revelar la relación entre el héroe y las masas (por ejemplo, el papel del coro en los dramas musicales populares de M. P. Mussorgsky "Boris Godunov" y "Khovanshchina") . Elementos de la ópera Ópera "Boris Godunov"
En la dramaturgia musical de la ópera, se asigna un papel importante a la orquesta; los medios de expresión sinfónicos sirven para revelar más plenamente las imágenes. La ópera también incluye episodios orquestales independientes: obertura, intermedio (introducción a actos individuales). Otro componente de una representación de ópera es el ballet, escenas coreográficas donde se combinan imágenes plásticas con musicales. Elementos de la ópera
La presentación fue preparada por los estudiantes de noveno grado Ilyukhina Anastasia y Egorova Tatyana de la escuela AOU No. 9 en Dolgoprudny Teacher Teplykh T.N. ¡Gracias por su atención!