Música inhumana Dedicada al centenario de la Revolución de Octubre. "Persimfance" como expresión de libertad y revolucionismo Foto ira polar

El programa “¿Quién quiere ser millonario?”

Preguntas y respuestas.

Dmitri Ulyanov y Alexander Rappoport

Cantidad ignífuga: 200.000 rublos.

1. 500 rublos

¿Cómo se llama a una persona que no hace nada?

un festivo

B. inactivo

C. aniversario

D. solemne

2. 1000 rublos

¿Qué dicen de una persona con malas intenciones: “Sigue…?”

A. boca cerrada

B. piedra en el seno

C. pólvora seca

D. nariz en tabaco

3. 2000 rublos

¿Qué dicen sobre la avería de un dispositivo?

A. corrió

B. gateó

C. sufrió

D. se fue volando

4. 3000 rublos

¿Cómo termina el título de la canción del cuarteto beat “Secret”: “Wandering Blues...”?

D. perros

¿En qué república de la antigua URSS la moneda no es el euro?

5. 5000 rublos

DO. Kazajstán

D. Estonia

6. 10.000 rublos

¿Qué obra de teatro escribió Lope de Vega?

A. “Tutor de retórica”

B. "Profesora de danza"

C. "Profesor de canto"

D. "Profesor de educación física"

7. 15.000 rublos

En la película “Operación Y” y otras aventuras de Shurik, ¿cómo llamaban los estudiantes al profesor?

A. Bardana

B. hogweed

D. cardo

8. 25.000 rublos

¿A quién está el monumento frente al Teatro? ejército ruso en Moscú?

A. Kutúzov

DO. Suvorov

9. 50.000 rublos

¿Cómo se llamaba la cañonera que luchó junto al crucero Varyag contra la escuadra japonesa?

A. "japonés"

B. "Coreano"

C. "chino"

D. "ruso"

10. 100.000 rublos

¿Qué no recomendó hacer Joseph Brodsky en uno de sus poemas?

A. abre la ventana

B. poner la tetera a hervir

DO. salir de la habitación

11. 200.000 rublos

¿Qué vestía constantemente el centurión como símbolo de su poder?

A. pulsera de caparazón de tortuga

B. cinturón negro ancho

DO. palo de vid

D. lanza con bandera

12. 400.000 rublos

¿En qué ciudad la selección de la URSS se proclamó campeona de Europa de fútbol en 1960?

A. en París

B. en Madrid

D. en Londres

Ganar: 200.000 rublos.

Vitaly Eliseev y Sergei Puskepalis

Cantidad ignífuga: 200.000 rublos

1. 500 rublos

¿Cómo terminar el proverbio: “El carrete es pequeño…”?

A. si eliminado

B. si fuerte

DO. si caro

D. si apesta

2. 1000 rublos

¿Qué plantó Matthias Rust cerca del Kremlin?

B. mancha en la gorra

DO. avión

D. patatas

3. 2000 rublos

¿Cómo se llama la película de Georgy Danelia?

A. “Biatlón de invierno”

B. "Maratón de Otoño"

C. “Triatlón de primavera”

D. “Regata de Verano”

4. 3000 rublos

¿Cuál de estos no es un producto de confitería?

A. merengues

B. mantarrayas

C. chuk-chak

D. kozinaki

5. 5000 rublos

¿Qué apodo irrespetuoso se les daba anteriormente a los policías?

B. patricios

DO. faraones

6. 10.000 rublos

¿Quién no tiene cuernos?

A. ocelote

B. en el ciervo

C. en jirafa

D. gacela bocio

7. 15.000 rublos

¿Qué edificio de Moscú mide más de cien metros?

Campanario de A. Iván el Grande

B. monumento a Pedro I

C. Torre de la Trinidad del Kremlin

D. Catedral de Cristo Salvador

8. 25.000 rublos

¿La selección de qué país nunca ha tenido el título de campeona de Europa de fútbol?

B. Bélgica

Portugal

9. 50.000 rublos

¿Qué nombre se le ocurrió al velero a Veniamin Kaverin y no a Julio Verne?

A. "Adelante"

B. "Duncan"

DO. "Santa María"

D. "Peregrino"

10. 100.000 rublos

¿A qué se refiere el firth en la antigua expresión "caminar con un firth"?

A. rango del ejército

B. antiguo nombre reina

DO. letra del alfabeto

D. apellido del alcalde

11. 200.000 rublos

¿Cuál era el apellido del general ruso en la película de Bond Panorama para matar?

B. Gógol

S. Dostoievski

Ganar - 0 rublos.

Sati Casanova y Andrey Grigoriev-Apollonov

Cantidad ignífuga: 400.000 rublos.

1. 500 rublos

¿Qué, según la conocida fraseología, puede causar la rabia?

A. gordo

2. 1000 rublos

¿Cómo se llama la línea de ferrocarril que se aleja de la vía principal?

DO. rama

3, informa el sitio. 2000 rublos

¿De qué es lo que suelen prescindir los invitados a un buffet?

A. sin bocadillos

B. sin sillas

C. sin tenedores

D. sin zapatos

4. 3000 rublos

¿Qué no está hecho para volar?

un helicóptero

B. cuadricóptero

C. ala delta

D. general

5. 5000 rublos

¿Quiénes eran las novias del poema “Tamara y yo” de Agnia Barto?

A. muchachas de las flores

B. cocineros

DO. enfermeras

D. nadadores

6. 10.000 rublos

¿Quién compite en el torneo Torre Blanca?

A. constructores navales

B. jóvenes jugadores de ajedrez

C. navegantes

D. maestros de esculturas de hielo

7. 15.000 rublos

¿Cuál es la jerga de programación para los caracteres incomprensibles que surgen debido a una falla de codificación?

A. gorilas

B. pavos reales

c. cucarachas

D. krakozyabry

8. 25.000 rublos

¿Cómo se llama la unidad principal de la aspiradora?

A. compresor

B. carburador

C. caja de transferencia

D. cámara de combustión

9. 50.000 rublos

¿Cuál de las siguientes criaturas marinas es un pez?

A. langosta espinosa

B. calamar

C. sepia

D. caballito de mar

10. 100.000 rublos

¿Qué había en el medio? Plaza Lubianka¿Antes de la instalación allí de un monumento a Dzerzhinsky?

A. fuente

B. monumento al general Skobelev

C. macizo de flores

D. iglesia

11. 200.000 rublos

¿En qué se diferenciaba el primero? conjunto sinfónico, creado en Moscú en 1922

A. los músicos tocaron de pie

B. tocado sin notas

DO. no habia conductor

D. los músicos fueron autodidactas

Ganar - 0 rublos.

La línea entre ruido y música es subjetiva: las personas a las que les gusta la música clásica llaman ruido a la música pop, y viceversa: aquellos a quienes les gusta musica ligera, perciben los trabajos académicos como ruido incomprensible.

Si imaginamos ambos tipos de sonidos en un plano, entonces el sonido musical, el tono, parecerá una oscilación estrictamente periódica y el ruido, caótico. En la naturaleza el ruido y el sonido conviven entre sí; sólo el hombre los clasifica.

Más cerca de siglo 19, en la era del romanticismo, los sonidos ruidosos comienzan a introducirse en la música clásica europea como colores musicales. A principios del siglo XX, cuando el lenguaje musical existente llegó a un callejón sin salida, los artistas innovadores vieron en el ruido una oportunidad para comunicarse con el mundo exterior por hombre moderno. Entre el futurismo ruso surgieron ideas para introducir, por un lado, la música en la producción (de tal manera que tuviera un efecto estimulante sobre los trabajadores) y, por el otro, las máquinas en la música (creando, por ejemplo, sinfonías basadas en los sonidos de las fábricas). Desde mediados de la década de 1920, incluso entre los escolares y los pioneros, se hicieron muy populares las orquestas de ruido, donde sonaba toda la vida que los rodeaba.

A principios de la década de 1930, con la llegada del cine sonoro, aparecieron en el cine experimentos con ruido. Al mismo tiempo, en Occidente está surgiendo música experimental, asociada principalmente a los nombres de John Cage, Pierre Schaeffer, Edgard Varèse, lo que reflexiona mucho sobre el tema del ruido. Estos experimentos, que continuaron después de la guerra en la Meca de los artistas modernos de vanguardia, Darmstadt en Alemania, incluso llevaron a una especie de tabú sobre los sonidos musicales tradicionales (en el sentido cotidiano): comenzaron a extraer cualquier sonido de instrumentos distintos de los reales. los musicales. Por lo tanto, el movimiento del arco a través de la cuerda se reemplaza por el movimiento del arco a lo largo de la cuerda, o el arco mismo se reemplaza por un trozo de espuma plástica; Se utilizan diferentes partes del instrumento para extraer diferentes tipos de ruido, etc.

La distinción entre instrumentos y no instrumentos comenzó a desaparecer y el mundo entero se convirtió en una especie de instrumento. Para un músico, cualquier sonido (incluido el ruido) se ha convertido simplemente en un medio de expresión. 

Abstracto

Nos encontramos con muchas ideas estereotipadas sobre la música clásica.

Mito #1: Los clásicos son la cima de la música. Según este mito, la música clásica europea es el pináculo de la evolución. arte musical. De hecho, además de la europea, existen en paralelo otras grandes tradiciones musicales clásicas: clásicos iraníes, árabes y chinos, que no han cambiado en mucho tiempo.

Mito No. 2: Los clásicos se graban de una vez por todas. La existencia de notación musical parece implicar que la música está definitivamente fijada y puede reproducirse fácilmente en cualquier momento. De hecho, la notación musical sólo proporciona instrucciones condicionales, y sólo comprendiendo a fondo las muchas otras circunstancias de la creación musical puede un músico reproducirla adecuadamente. Por lo tanto oyentes música clásica Van a escuchar no la obra en sí, sino su interpretación. De lo contrario no habría diferencia entre un estudiante de escuela y un maestro de renombre.

Mito número 3: los clásicos deben escucharse en una sala de conciertos. Esta tradición tiene sólo unos doscientos años, pero ya está muriendo. Cuando ella estaba realmente viva, la gente tocaba la mayor parte de la música por sí misma. Posteriormente, los amantes de la música empezaron a formar sociedades, contratar orquestas y construir salas de conciertos. Así surgieron las sociedades filarmónicas  Filarmónico- (del griego phileo - "amor" y harmonia - "armonía, música")..

Mito #4: Los clásicos son difíciles de entender. La división de la música en “seria” y “ligera” a mediados del siglo XX llevó a la idea de que la música académica no puede ser frívola y que el oyente debe estar de humor para escuchar algo sublime. De hecho, la música académica también contiene cosas frívolas.

Mito #5: Necesitas habilidades especiales para escuchar música clásica. Se entiende que los intérpretes no permiten ni una sola nota falsa, y los oyentes deben tener alguna tono absoluto. De hecho, el tono absoluto es sólo un tipo de memoria, la capacidad de recordar el tono de los sonidos. otra variedad oído musical- audición relativa, cuando una persona recuerda los intervalos entre notas; es simplemente una habilidad que se desarrolla a través de la práctica.

Mito No. 6: Todos los clásicos son obras maestras de grandes compositores. En realidad, sucede que una obra maestra no pertenece en absoluto a un gran compositor, y la obra de un gran compositor, por el contrario, es bastante débil. A los compositores que se hicieron grandes se les suele atribuir todo lo más destacado e innovador. Por ejemplo, a Bach se le atribuye haber inventado e introducido el llamado temperamento igual y la digitación moderna del instrumento. teclados. En realidad, este no es el caso, y en su época Bach era considerado un compositor pasado de moda. Si nos limitamos en música solo a obras maestras, entonces será imposible entender en qué se diferencia una obra maestra de una que no es maestra y por qué es una obra maestra. Es poco probable que un simple oyente moderno distinga a Mozart de Salieri. 

Abstracto

La idea de reconstruir la música olvidada y la cultura olvidada en general es una idea modernista. EN Siglos XVI-XVII No existía la música antigua. Así, una ópera solía tener varias representaciones, tras las cuales se escribía una nueva. Es cierto que si profundizas en los documentos del pasado, puedes encontrar indicios de que algunos músicos pensaban que era posible tocar música escrita antes en instrumentos contemporáneos a estas obras. Pero, en general, la historia del descubrimiento de la música antigua comenzó en 1901, cuando se fundó la primera Sociedad de Conciertos de Instrumentos Musicales Antiguos.

En el siglo XX incluso estuvo de moda la falsificación de la música barroca. Esta música misma se fue revelando gradualmente. Así, Vivaldi se hizo famoso sólo
en los años 20 del siglo XX.

En la década de 1960, comenzó a desarrollarse el movimiento de interpretación auténtica: sus líderes -Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt, los hermanos Kuyken- propusieron la tesis de que la música debería interpretarse con los instrumentos para los que fue escrita y de acuerdo con las reglas. de esa época, cuando se compuso la música. Comenzaron a estudiar trabajos teóricos, tratados, manuscritos de autor con rasgos característicos archivos. Y entonces se toma el texto, se toma el instrumento que, digamos, tocaba Mozart, y el lenguaje del compositor comienza a cobrar vida: el instrumento mismo dicta cómo pronunciar el texto de Mozart.

Poco a poco, el movimiento auténtico se extiende a casi toda la música, no tanto a la música antigua, sino también a la música clásica: Beethoven, Tchaikovsky, Mahler. Para no alterar el equilibrio interno de la música, comenzó a interpretarse con tales composiciones y en aquellos instrumentos para los que fue creada, alejando así gradualmente el repertorio del tradicional. orquesta sinfónica. 

Abstracto

Parece que una orquesta debe tener un director, del mismo modo que un coche debe tener un conductor. Sin embargo, el director de orquesta apareció recién en el siglo XIX. Se puede considerar que sólo con la música sinfónica de Beethoven comenzó la era de la dirección como profesión independiente.

Naturalmente, en cualquier conjunto siempre había un director o varios (normalmente el primer violinista o el clavecinista), y por el momento no era necesario un director separado. hombre de pie, armado con un instrumento inaudible en forma de palo. Pero poco a poco las orquestas empezaron a crecer: el número de participantes en los conciertos empezó a ascender a cientos. Al mismo tiempo, en la era del romanticismo, apareció el culto al héroe, que se eleva por encima de la multitud. De este modo, la figura a la que inicialmente se le asignó una función técnica recibió el derecho exclusivo de interpretación. En general, toda la música sinfónica del romanticismo está organizada de tal manera que esta forma de hacer música resulta conveniente y lógica.

Sin embargo, todavía es posible una orquesta sinfónica sin director. Este fue el Primer Conjunto Sinfónico, o Persimfans. Se formó en Moscú en 1922 y existió durante más de diez años. El autor de la idea fue Lev Moiseevich Tseitlin, un destacado violinista, músicos de varias orquestas y teatros se reunieron bajo su dirección y dieron su primer concierto.

Persimfans desarrolló un sistema para que un grupo sin líder pueda tocar una partitura juntos: primero, manera especial Los miembros de la orquesta se sientan en el escenario en círculo, en parte de espaldas al espectador. En segundo lugar, simbolos, que quedaron marcados en las puntuaciones lugares clave. En el primer concierto se realizaron dieciséis ensayos y luego, a medida que mejoró el método de trabajo, hubo cada vez menos ensayos y gradualmente hubo alrededor de seis para cada programa.

Caquis sacados musica sinfonica fuera de las salas filarmónicas y lo interpretó, por ejemplo, en los talleres de las fábricas: fue una idea innovadora en el espíritu de esa época. Trabajó según el principio conjunto de cámara: todos los participantes en el proceso tenían los mismos derechos, aunque existía un activo responsable de la selección de la obra, estudio preliminar de la partitura y desarrollo del concepto de actuación.

Persimfans publicó su propia revista con detalles sobre musica interpretada, distribuyó cuestionarios en los que pedía la opinión de la audiencia: era todo un organización musical con filosofía y estilo propios. En 1927, fueron los persimfans quienes llevaron a Prokofiev a la Unión Soviética. Lunacharsky otorgó al conjunto el título de Conjunto de Honor de la República y el gobierno asignó un premio en efectivo, el primer y último apoyo del estado.

En 1929, cuando Lunacharsky fue destituido, los patrocinadores del conjunto comenzaron a perder sus puestos uno tras otro: resultó que los miembros del partido que simpatizaban con los persimfans resultaron ser opositores de Stalin en la cuestión de la tierra. En 1930, todas estas personas fueron destituidas del liderazgo, luego comenzaron los famosos juicios y quedó claro que el fin de los Persimfans no estaba lejos.

Además, las condiciones de trabajo de los músicos en sus lugares principales se volvieron tales que simplemente no tuvieron tiempo para ensayar y finalmente decidieron dispersarse.

En 2008, las actividades de Persimfans se reanudaron en Moscú. 

Portada de CD de vinilo con composiciones de jazz.

Historia jazz soviético Comienza a principios de los años 20, más precisamente en 1922, cuando se organizó en Moscú el primer conjunto de jazz soviético o, como se llamaba entonces, una "banda de jazz". La primera actuación del conjunto tuvo lugar en octubre de 1922 en Gran Salón del Instituto Estatal de Artes Teatrales y tuvo mucho éxito. Poco antes, el poeta Valentin Parnakh Publicó varios artículos sobre jazz y, de hecho, fue el primero en atraer la atención del público sobre él.

Se ha hecho mucho para popularizar el jazz en estos años. Leonid Varpakhovsky(en Moscú) y Julio Meito(en Jarkov), que organizó conjuntos de jazz.

El jazz en nuestro país dio sus primeros pasos en esos años. Y por tanto, no es de extrañar que el repertorio de estos conjuntos fuera de carácter aleatorio y se centrara principalmente en la música escuchada de los conjuntos estadounidenses que realizaron una gira por la URSS en 1926 bajo la dirección de Frank Withers (con Bechet y Smith), y el opereta negra “The Chocolate Boys” bajo la dirección de Sam Wooding. El conjunto de Sam Wooding era uno de los conjuntos más populares de Harlem en esos años y a menudo realizaba giras por Europa; La actuación despertó un gran interés entre los oyentes soviéticos. Comenzó un acalorado debate sobre el jazz, que continuó durante mucho tiempo.

Orquesta dirigida por Leopold Teplitsky. Póster La creación de una orquesta en 1927 bajo la dirección de (Alexandra Tsfasman"AMA-jazz" ) en Moscú y casi simultáneamente con él la orquesta dirigida por Leopoldo Teplitsky

en Leningrado, marcó el comienzo del jazz profesional en la URSS. El repertorio de estas orquestas estaba compuesto principalmente por obras de autores extranjeros, transcripciones de jazz de obras de compositores clásicos, blues y espirituales. Teplitsky, enviado por el Comisariado del Pueblo para la Educación a Nueva York y Filadelfia para estudiar música para películas mudas, regresó a Leningrado muy impresionado por la orquesta de Paul Whiteman. El estilo de la orquesta de P. Whiteman, aparentemente brillante y pulido, aunque no era un auténtico jazz, jugó un papel importante en su desarrollo. El estilo de esta orquesta pasó a la historia con el nombre de “jazz sinfónico”. En 1929 se creó otra orquesta de jazz en Leningrado bajo la dirección de Georgy Landsberg Boris Krupyshev ("Capilla de Jazz de Leningrado"), que incluye en el programa de conciertos, además de obras de teatro extranjeras, obras de jóvenes autores soviéticos que trabajan en el campo del jazz: Alexey Zhivotov, Genrikh Terpilovsky, Nikolai Minkha etc. Su estilo se distinguía por la seriedad de las aspiraciones estéticas y un cierto academicismo. "Jazz Capella" Existió hasta 1935 e hizo una contribución significativa al desarrollo del jazz soviético.

El estreno tuvo lugar en marzo de 1929. "TEA-jazz", organizado por un actor del Teatro Sátira de Leningrado Leonid Utesov y un trompetista Yákov Skomorovsky. "TEA-jazz", es decir, el jazz teatral, construyó sus representaciones según un escenario específico, incluyendo en el programa números variados, canciones, bailes, sketches, etc. Fue para este grupo que comenzó a escribir música. Isaac Dunaevsky. Aunque el repertorio de esta orquesta se basaba en la canción, sus programas incluían a menudo jazz. obras instrumentales. Nuevas orquestas que han aparecido - J. Skomorovsky, G. Landsberg, A. Tsfasman, y también A. Varlamova, (creado en 1933 y realizado durante algún tiempo con la cantante negra Celestina Kool) - interpretó predominantemente música instrumental cercana al jazz. El lugar principal en el repertorio de la orquesta de A. Varlamov lo ocuparon sus propios arreglos, realizados con gran habilidad. La orquesta comenzó a grabar en discos. En aquella época, la orquesta de A. Varlamov era la orquesta de jazz que más se acercaba a comprender el verdadero estilo del jazz.

Durante estos años, el repertorio de las orquestas de jazz se fue ampliando gradualmente hasta incluir obras de compositores soviéticos. Las suites de jazz serán interpretadas por orquestas D. Shostakovich, A. Zhivotov, rapsodias de jazz de I. Dunaevsky, obras de G. Terpilovsky, G. Landsberg, N. Minha, Y. Khait, A. Varlamov, L. Schwartz, A. Tsfasman, L. Diederichs, Dm . y Dan. Pokrasov y otros. En 1938 en Se crea la Orquesta Estatal de Jazz en Moscú(director artístico M. Blanter, director titular V. Knushevitsky). Al mismo tiempo, se organizó la orquesta del Comité de Radio de toda la Unión, que inicialmente estuvo dirigida por A. Varlamov y luego A. Tsfasman. La música de jazz soviética comenzó a escucharse regularmente en la radio. En 1940 se creó un equipo similar. N. Minhom en la radio de Leningrado. Durante el mismo período aparecieron grupos de jazz en las repúblicas de la Unión. Se conservan grabaciones de algunas orquestas de esta época, de las que podemos juzgar el nivel artístico e interpretativo de los principales. Orquestas de jazz soviéticas(contener L. Utesov, A. Varlamov, Y. Skomorovsky, A. Tsfasman, V. Knushevitsky etc.). Este nivel es bastante alto y ahora podemos apreciar el ingenio y la frescura del pensamiento de los compositores y arreglistas, y el virtuosismo de los solistas.

A finales de los años 30 aparecieron orquestas de jazz en las repúblicas de la Unión: G Orquesta Estatal de Jazz de Azerbaiyán (dirigida por T. Kuliev), Orquesta Estatal de Jazz de Armenia (dirigida por A. Ayvazyan), Orquesta Estatal de Jazz de Georgia (dirigida por R. Gabichvadze).

Capilla de Jazz de Leningrado. Póster

Entre los temas instrumentales de esta sección se presentan algunas de las melodías más populares e interpretadas de los años 30 por grupos de jazz. Lamentablemente, mucho de lo creado en los años 20 no pudo ser descubierto por falta de material musical. registros soviéticos musica jazz Los discos comenzaron a producirse a finales de los años 20, por lo que sólo puedes hacerte una idea de la música jazz de esa época a partir de relatos de testigos presenciales.

Los primeros ejemplos de temas incluidos en esta sección están tomados del repertorio Capilla de Jazz de Leningrado(p/u G. Landsberg). Este "Brisa del Neva" N. Minha(1929), escrito en la tradición del swing temprano con elementos del estilo Dixieland y "Fiebre del jazz" G. Terpilovsky(1929) es una obra cuyo carácter y secuencia de secciones formales están influenciados por el estilo ragtime.

Las tradiciones del jazz soviético de los años 30 se reflejan en gran medida en la música. A. Tsfasman Georgy Landsberg A. Varlamova. Es importante destacar que los entonces jóvenes autores, junto con un sentido preciso de la estilística del género y siguiendo lo más valioso que en ese momento se había acumulado en la música jazz en general, manifestaron claramente aquellos rasgos individuales que contribuyeron a la formación y Desarrollo del jazz soviético temprano. Sus piezas instrumentales parecen ejemplos típicos de la música de jazz soviética de los años 20 y 30, aunque, por supuesto, no son exhaustivas.

La fuente del material de canciones para esta sección fueron los clavijeros y las colecciones de canciones. Si recordamos la historia del jazz en los años 30, no solo en nuestro país, sino también en otros países, el material temático de las composiciones de jazz era principalmente la música vocal. Basta recordar los temas. George Gershwin, Jerome Kern y Kurt Weill - fueron canciones y la base de muchos arreglos e improvisaciones de jazz instrumental. En nuestro país incluso apareció el término “song jazz”, con el que se asociaba. Las canciones populares de Dunaevsky pronto fueron recogidas por las orquestas de jazz soviéticas: aparecieron muchas paráfrasis, fantasías y arreglos instrumentales; En los conjuntos de jazz, los músicos improvisaban sobre estos temas. Son precisamente estos temas los que recogen las melodías incluidas en esta colección. Melodías de canciones igualmente conocidas en la música de jazz instrumental son temas L. Knnpera, M. Blanter, Y. Khait, V. Pushkov y canciones ya escritas especialmente para jazz A. Tsfasman y A. Varlamov.

Actuación del Jazz Estatal de la RSFSR bajo la dirección de Leonid Utesov en la Plaza Sverdlov de Moscú el 9 de mayo de 1945.

Durante la Gran Guerra Patria, el arte musical soviético contribuyó activamente a la movilización de las fuerzas espirituales del pueblo para la victoria sobre el fascismo. El jazz y la música pop soviéticos, como parte de la cultura musical soviética, también durante los años de la guerra, con su arte fuerte y vital, inspiraron optimismo, fortalecieron la moral en el frente y en la retaguardia y contribuyeron a una confianza inquebrantable en la derrota de el enemigo.

Desde los primeros días de la guerra, los músicos estuvieron involucrados en la vida del frente. Las orquestas de jazz preparan cuanto antes sus nuevos programas y pasan al frente. pop y orquestas de jazz de Alexander Varlamov, Alexander Tsfasman, Viktor Knushevitsky, Boris Karamyshev, Klavdiya Shulzhenko, Dmitry Pokrass, Leonid Utesov, Isaac Dunaevsky, Boris Rensky, Yuri Lavrentiev, Yakov Skomorovsky, Nikolai Minkha y muchos otros. ¡Y cuántos conjuntos y orquestas de aficionados se organizaron en unidades militares! Durante la Gran Guerra Patria, el jazz soviético se inclinó más hacia los géneros de canciones. Durante este período se crearon muchas canciones maravillosas. Nacidos durante los años de la guerra, todavía viven. El elevado estado de ánimo espiritual de estas canciones les proporcionó larga vida « y después del final victorioso de la guerra. Canciones como» noche oscura, N. Bogoslovsky "Tarde en la rada" V. Soloviev-Sedogo

Vivimos hoy no solo como obras del género de la canción, sino también como composiciones instrumentales de jazz. Durante la guerra se crearon obras orquestales para jazz., A. Tsfasman, A. Varlamov A. Ostrovsky y otros. También es interesante que algunas composiciones de jazz estadounidenses aparecieron en el repertorio de las orquestas de jazz soviéticas durante este período. Entonces, en las grabaciones de 44 - 45. algunas obras están jugando etc. Esto, por supuesto, tuvo un impacto positivo en el trabajo de los compositores y arreglistas soviéticos que trabajan en este género, especialmente en el campo de la instrumentación. Cabe señalar que durante los años de la guerra y jazz americano Se escuchó claramente el “tema ruso”. Orquesta Glenn Miller, por ejemplo, a menudo actúa en conciertos. "Campo Polyushko" Y "Golpe" en un procesamiento realizado con tacto; Orquesta Benny Goodman- procesamiento de fragmentos de un cuento sinfónico "Pedro y el lobo" S. Prokófiev, "Intermezzo para clarinete y orquesta de jazz" A. Tsfasman Y toda una serie otras obras de autores soviéticos.

Compositor soviético Alexander Naumovich Tsfasman (1906-1971)

En el período de posguerra, poco a poco se empezaron a determinar nuevos caminos para el desarrollo del jazz en la URSS. La atracción de las orquestas por diversos géneros se ha hecho más notoria. Los músicos de primera línea se convirtieron en miembros destacados de la orquesta pop de All-Union Radio. el fue guiado V. Knushevitsky , Muchas grabaciones de música ligera escritas por D. Shostakovich, V. Solovyov-Sedy, M. Blanter, A. Tsfasman, Yu Milyutin, A. Polonsky, A. Arsky, V. Knushevitsky, A. Ayvazyan

etc. En 1946 Alexander Tsfasman organizó una gran orquesta pop ("Sinfojazz"

) en el Teatro Hermitage. A esta orquesta acudieron muchos jóvenes músicos talentosos, graduados del conservatorio. Posteriormente, se les pudo ver entre los mejores instrumentistas soviéticos. Pero el jazz, como arte de la improvisación, naturalmente necesitaba un "clima" creativo de pequeñas composiciones: "combos". Es por eso músicos de jazz , que trabajó en grandes orquestas sinfónicas pop de radio y teatros, además de su trabajo principal, se asoció con otros músicos para tocar música juntos. En Moscú, uno de estos lugares era un restaurante."Metrópoli"

, donde actuó un conjunto de jazz sorprendentemente bien coordinado (Alexander Rivchun - clarinete, saxofones alto y tenor, Ian Frenkel - violín, Leonid Kaufman y Viktor Andreev - piano, Alexander Rosenwasser - contrabajo y Sergey Sedykh - batería). La orquesta de jazz dirigida por A. Shulman, compuesta principalmente por músicos del Comité de Radio, jugó un papel importante en el desarrollo del jazz soviético en esos años. Otro centro de la música jazz fue el cine. "Arte". En aquella época era interpretada por muchas de nuestras orquestas y cualquier arreglista podía encontrar una opción para orquestar melodías de esta película (entre ellas N. Minkh, A. Tsfasman, E. Geigner etc.).

Aparecieron orquestas y conjuntos que interpretaron el repertorio de jazz en otras ciudades: Leningrado, Riga, Tallin. En 1947, se publicaron varios discos con grabaciones de pequeños conjuntos. Las obras fueron un gran éxito. "Día alegre" A. Tsfasman Georgy Landsberg "Bebé" I. Kliuchinsky. "Blooming May" de A. Polonsky sigue siendo popular.

En 1949 se celebró en Tallin la primera edición de nuestro país. festival de jazz. En Leningrado, en los años 50, comenzó su actividad una orquesta que unía a jóvenes músicos de jazz, entre ellos G. Golshtein, K. Nosov y otros. Los términos "Variety Orchestra" y "Variety Music" propuestos por L. Utesov a finales de los años 40 ayudaron. el proceso de diferenciación en este género.

La familiaridad con la música bebop influyó en el estilo de varios conjuntos y en la naturaleza de las improvisaciones. Este fue un período de transición del pensamiento swing a un nuevo estilo, aunque la música swing (“swing” se refiere a un estilo) continuó viva. También se rindió homenaje a estilos más tradicionales: a mediados de los años 50 Vladimir Rubashevsky organizó Dixieland en Moscú, que interpretó clásicos del jazz y obras de compositores soviéticos.

Las grandes orquestas de aquellos años acompañaban principalmente a cantantes, aunque su repertorio incluía piezas instrumentales virtuosas y líricas, algunas de ellas de corte jazzístico. Durante este período se escucharon por primera vez los nombres de jóvenes compositores, arreglistas y directores: V. Ludvikovsky, K. Orbelyan, P. Saul, A. Kalvarsky. Entre los músicos que participaron en pequeños grupos de jazz de finales de los 40 y principios de los 50, es necesario nombrar a los saxofonistas: Alexander Rivchun, Emil Geigner, Mikhail Yakon, Piro Rustambekov, Vladimir Kudryavtsev, pianistas Leonid Kaufman, Evgeny Rokhlin, Alexander Osnovikov, acordeonistas Evgenia Vystavkina y Vyacheslav Semenov, baterista Boris Matveev.

Jugó un papel importante en la consolidación de las fuerzas creativas en torno al género en los años 50. programas de musica bailable, que fueron creados en All-Union Radio. Fue para estos programas que escribieron sus ensayos. A. Eshpai, A. Babajanyan, Y. Frenkel, A. Ostrovsky. Varios temas de estos programas se han consolidado firmemente en la práctica de los conjuntos de danza y jazz.

Orquesta dirigida por Oleg Lundstrem

A principios de los años 50, una orquesta de jazz realizó una gira por Moscú. O. Lundstrem. Con base en Kazán en ese momento, la orquesta mostró experiencias muy interesantes y prometedoras en la composición e interpretación de piezas de jazz utilizando el folclore ( "Sueños" A. Monasypova, "Samba tártara" A. Klyuchareva). A finales de los años 50, la orquesta se instaló en Moscú y se convirtió en uno de los principales grupos de jazz del país, que en diferentes momentos empleó a muchos talentosos maestros del jazz.

Desde la segunda mitad de los años 50, el papel de grandes orquestas en las repúblicas de Transcaucasia - Orquesta Estatal de Variedades de Azerbaiyán dirigida por R. Hajiyev, Orquesta Estatal de Variedades de Georgia "Rero" dirigida por K. Pevzner, Orquesta Estatal de Armenia dirigida por K. Orbelyan. En los programas de estos grupos, junto con las canciones, se escuchaban constantemente composiciones de jazz. Entre los temas instrumentales de esta sección se encuentran obras A. Tsfasman, A. Polonsky, O. Lundstrem, A. Eshpai, V. Lyudvikovsky, U. Naissoo, A. Monasypov.

Al igual que en los años 30, durante este período hubo muchas canciones que no fueron creadas específicamente para el jazz, sino que a menudo se interpretaban en conjuntos de jazz; Surgieron muchos tratamientos inventivos de estos temas de canciones. Durante este período, las canciones de maestros tan famosos como Georgy Landsberg M. Blanter I. Dunaievski ; el repertorio de los grupos de jazz incluía canciones - melodías de los años de la guerra V. Solovyov-Sedogo, N. Bogoslovsky, B. Mokrousov . Las melodías de canciones de posguerra, líricas y humorísticas, también se utilizaban a menudo para arreglos en grandes composiciones y para improvisaciones en “combos”. Basta recordar aquí temas de canciones T. Khrennikova, A. Babajanyan, A. Eshpaya, V. Muradeli

y otros sonaron particularmente exitosos en Dixieland (N. Budashkin y Yu. Milyutin).

Saxofonista y compositor soviético Georgy Aramovich Garanyan (1934-2010)

A finales de los 50 y principios de los 60. El jazz soviético alcanzó nuevas fronteras. ¿Qué caracteriza la formación de un nuevo período del jazz soviético en estos años? Considerar el jazz como una forma seria de arte musical, estudiar en profundidad los fundamentos de la música jazz, prestar mucha atención a las tendencias más modernas del jazz, aumentar el interés por el folclore de los pueblos de nuestro país, dominar la habilidad profesional de tocar instrumentos, Comprender el arte de tocar en conjunto en una gran orquesta. Y finalmente, lo más importante: los jóvenes músicos llegaron a descubrir los secretos de

A finales de los años 50, apareció en Moscú un grupo de músicos entonces muy jóvenes, al que llamaron los "Ocho de Oro". Incluía saxofonistas Georgy Garanyan Georgy Landsberg Alexéi Zubov, trompetista Víctor Želchenko, trombonista Konstantin Bakholdin, pianista Yuri Rychkov, baterista Alexander Salganik. Este grupo se convirtió en la base de la orquesta juvenil de la Casa Central de Artistas (al principio estaba dirigida por Borís Figotin, entonces - Yuri Saulsky), que recibió VI en el concurso de jazz Festival Mundial Jóvenes y estudiantes en Moscú, una medalla de plata y el título de laureado. La comunicación con colegas extranjeros se convirtió en un hito muy importante en el desarrollo del jazz soviético. Miembros de la Orquesta de la Casa Central de las Artes, como otros músicos moscovitas, descubrieron nuevos horizontes estilísticos y, probablemente, esta vez pueda considerarse el comienzo de una nueva etapa en el desarrollo de la música jazz soviética. El crecimiento del interés público por el jazz se expresó en la creación. clubes de jazz en Leningrado (1958) y en Moscú (1960) con la asistencia activa de los comités municipales del Komsomol. Pronto comenzaron a abrir clubes de jazz en otras ciudades. unión soviética. Estos clubes tenían como objetivo crear conjuntos de jazz, actuar en conciertos y conferencias y estudiar música de jazz soviética y extranjera.

Trompetista y compositor soviético alemán Konstantinovich Lukyanov (n. 1936)

A principios de los años 60 aparecieron varios grupos de jazz juvenil interesantes: "Siete chicos de Dixieland" Y "Doctor Jazz" tocando jazz tradicional, "Quinteto Experimental" A. Liskovich, cuarteto Yu., quintetos V. Rodionova, R. Vilksa y otros (Leningrado).

Estos conjuntos presentan cada vez más música rusa, arreglos de canciones soviéticas y sus propias composiciones.

A principios de los años 60. Muchos jóvenes interesados ​​en el jazz pasaron de escuchar jazz a tocar música, a veces sin formación musical profesional. Durante este período, nacieron muchos conjuntos de jazz amateur, en los que el nivel de interpretación iba por detrás del nivel del repertorio. Probablemente, este proceso era natural para esa época, pero con el tiempo, los músicos más talentosos y curiosos que decidieron convertirse en profesionales comenzaron a separarse de esta masa general de aficionados. Fue durante este período que el proceso intuitivo de comprender el jazz fue reemplazado por un enfoque centrado y sistemático del tema. Uno de los fenómenos sorprendentes de finales de los años 50 y principios de los 60 fueron las grabaciones del "combo", en el que participaron jóvenes músicos moscovitas de la antigua Orquesta de la Casa Central de Artistas. A ellos se unió un trompetista que vino de Leningrado. alemán Lukyanov y pianista de Moscú Borís Rychkov. Una serie de composiciones interpretadas por esta composición se convirtieron en la primera grabación de estudio profesional. nueva ola Jazz soviético., Es de destacar que los músicos improvisaron no solo sobre temas de jazz clásico, sino también sobre temas de canciones soviéticas conocidas ( etc.).

"Noche oscura" "Acordeón solitario" Aquí no es posible resaltar muchos aspectos y eventos importantes en el desarrollo del jazz soviético durante este período, pero es necesario detenerse en los hitos más importantes en el desarrollo del jazz doméstico moderno. Este es un período de formación, de aprendizaje en el jazz soviético, de comprensión de un nuevo estilo, y es imposible imaginarlo sin estudiar los ejemplos clásicos del jazz de esa época. Un papel importante a la hora de presentar a los músicos soviéticos los mejores ejemplos. arte del jazz - y en todo momento hay muchos ejemplos de bajo grado de este género - los grupos tocaron Benny Goodman, Duke Ellington, Willie Ruff - Dwike Mitchell, Thad Jones - Mel Lewis, Kurt Edelhagen, Michel Legrand , así como varios otros grupos interesantes de países socialistas, entre ellos: Orquesta Gustav Brom (Checoslovaquia), pianista Adam Makovich

, conjunto

Zbigniew Namyslovski (Polonia), etc. Conjunto de jazz de Igor Bril. Disco de vinilo "Mañana de la Tierra". 1978 Cubrir Como material temático para composiciones junto con melodías de jazz clásico y moderno los conocidos continuaron utilizándose Temas de canciones soviéticas

, por supuesto, aquellos que, según su plan armónico y estructura entonación-melódica, podrían encontrar una implementación orgánica en el jazz. Entre ellos, por supuesto, se encuentran aquellas canciones “imperecederas” que alimentaron la imaginación de los músicos de jazz hace muchos años, y esos nuevos temas de canciones que surgieron durante estos años (

En nuestro país, las obras de jazz de este período fueron creadas tanto por compositores profesionales como por músicos de jazz, de los cuales los más dotados creativamente comenzaron a dedicarse cada vez más a componer música en el futuro. Entre los compositores profesionales, en la Unión de Compositores Soviéticos, existe un interés creciente en formas modernas jazz y música pop. Después de una reunión sobre temas de música pop en 1962, celebrada por la Secretaría de la Unión de Compositores de la URSS, aumentó el papel de la comisión de música instrumental pop de la organización de compositores de Moscú, que unía a los compositores que trabajaban en este género. Varias canciones se interpretaron ampliamente en el escenario de conciertos, se grabaron en la radio y en discos. composiciones de jazz y jazz sinfónico B. Trotsyuk, I. Yakushenko, M. Kazhlaev, V. Rubashevsky, V. Terletsky, Y. Saulsky, K. Orbelyan, U. Naissoo, V. Ojakäär. Muchos de estos autores trabajaron con entusiasmo en el estilo "progresivo", "tercera corriente" (sinfonía de jazz de B. Trotsyuk, conciertos para orquesta de jazz de M. Kazhlaev e I. Yakushenko), la creatividad de otros se centró en la combinación de la escritura de jazz con las características de un país nacional particular. tradición musical (K. Orbelyan, U. Naissoo, M. Kazhlaev), otros más se acercaban a formas de jazz más tradicionales. Los temas de algunas de estas composiciones fueron ampliamente utilizados en pequeñas composiciones de improvisación. Fueron incluidos en los temas publicados en esta sección.

Muchos músicos de jazz improvisadores desean su propia creatividad. Este deseo natural en los años 60, y posteriormente en los 70, se hizo realidad en el hecho de que muchos Temas de jazz soviético. Sin embargo, en la antología de temas de jazz nacional publicada en nuestra colección sólo se incluyen temas marcados por rasgos de individualidad creativa (en la forma, en la estructura de entonación armónica o en la estructura rítmica).

En algunos casos, estos son temas que de alguna manera incluyen elementos del folklore, por ejemplo, creado en los años 60. temas A. Tovmasyan, G. Garanyan, G. Lukyanov etc. Entre los temas que se orientan hacia los ejemplos canónicos generales del jazz, pero marcados por la originalidad de la letra del autor, se encuentran temas escritos en los años 60 y 70. G. Golshtein, Yu Markin, A. Kozlov. N. Levinovsky, I. Bril, B. Frumkin, L. Chizhik, A. Kroll etc. La creatividad de los compositores y músicos soviéticos se ha intensificado significativamente gracias a la revitalización de la vida de conciertos y festivales en el jazz soviético.

Desde los años 60. y actualmente en diferentes ciudades y repúblicas de nuestro país se celebran festivales de jazz. En Moscú, este festival se celebra cada dos años (desde 1978). Las semanas de jazz se organizan en Leningrado, Yaroslavl, Donetsk, Novosibirsk, Tbilisi... En 1967, además de los grupos soviéticos, en el festival de Tallin participaron músicos de Polonia, Suecia, Estados Unidos, Finlandia y Suiza.

En 1962, por primera vez festival de jazz extranjero El conjunto soviético se fue: A. Kozlov, A. Tovmasyan, N. Gromin, A. Bulanov, A. Egorov, cuya actuación en el Festival de Jazz de Varsovia (1962) tuvo lugar con exitazo. A partir de ese momento, nuestros músicos de jazz comenzaron a actuar regularmente en festivales extranjeros, por ejemplo, el grupo de G. Garanyan-N. Gromin (en Praga), “Leningrad Dixieland”, big band dirigida por V. Ludvikovsky, dirigida por O. Lundstrem, K. Orbelyan, A. Kroll (en Varsovia y Praga). Posteriormente, a partir de los años 70. La geografía de las actuaciones de los conjuntos de jazz soviéticos se está ampliando. Además de participar en festivales y conciertos en países socialistas, nuestros músicos de jazz viajan a la India (A. Kuznetsov, T. Kurashvili, N. Levinovsky), Berlín Occidental (Arsenal de A. Kozlov), Inglaterra e Italia (trío de V. Ganelin). ), a Francia (L. Chizhik), a Alemania (I. Bril), a Holanda (G. Lukyanov), a Estados Unidos (orquesta dirigida por K. Orbelyan).

Alexéi Batashev. Libro "Jazz soviético". Cubrir

A partir de los años 60, luego en los 70 y 80. El pensamiento teórico musical busca analizar y generalizar los procesos que ocurren en el género de la música jazz en general y en el jazz soviético en particular. Entre los libros sobre este tema se encuentran: "El nacimiento del jazz", "El blues y el siglo XX" V. Konen, Trabajo A. Batasheva "Jazz soviético", folleto V. Mysovsky y V. Feyertag "Jazz" y varios otros.

Al desarrollo del género también contribuyen diversos artículos en revistas musicales soviéticas, actuaciones en periódicos, programas de radio y televisión y las diversas actividades de varios de los mejores clubes de jazz de nuestro país. La profesionalización de los músicos de jazz se vio enormemente facilitada por la introducción de métodos sistemáticos. educación musical , expresado en la apertura en 1974 de departamentos de pop-jazz en las escuelas de música de la RSFSR y algunas otras repúblicas, y actualmente en varias instituciones de educación superior. Se crearon los primeros libros de texto nacionales en el campo de la música jazz: ("Fundamentos de la improvisación del jazz"), yo bril ("Armonía en el Jazz"), Yu. Chugunov ("Acuerdo"), una serie de manuales sobre cómo tocar instrumentos. Junto con especial instituciones educativas han aparecido estudios que unen a los amantes del jazz; El más famoso de ellos es el “Estudio de improvisación musical” del Centro Cultural Moskvorechye.

Saxofonista y compositor soviético Alexey Semyonovich Kozlov (n. 1935)

Es imposible imaginar este largo período de desarrollo del jazz soviético (desde el año 57 hasta la actualidad) como algo inequívoco. Así, por ejemplo, en los años 70. Se inició un período de búsqueda de nuevos medios de expresión y un nuevo estilo. Muchos músicos de jazz, tanto en la URSS como en todo el mundo, inicialmente no aceptaron la música rock que era popular en esos años, aunque luego no ignoraron sus características más interesantes. Como resultado, algunos seguidores del pensamiento exclusivamente jazzístico comenzaron a trabajar en el campo de las nuevas fusiones de géneros. Este proceso se puede rastrear, en particular, a través de las actividades del conjunto Arsenal y el trabajo de su líder, saxofonista y compositor. Alexéi Kozlov, buscando combinar en sus composiciones elementos de jazz, música de cámara y folklore, y en últimamente atraer elementos de pantomima. Algunos de ellos se presentan en la colección. El deseo de combinar el estilo jazz con las nuevas tendencias. se manifestó a su manera en la creatividad. N. Levinovsky, I. Bril, L. Chizhik, varios temas de los cuales también se incluyen en la colección. Pero algunos músicos conservaron su compromiso con el jazz en su forma más característica y pura, las tendencias del rock y la música fusión les afectaron en mucha menor medida. Aquí podríamos mencionar a algunos de nuestros músicos que todavía interpretan composiciones en los estilos “hard bop”, “cool” y recurriendo al jazz modal. Esto es ante todo G. Lukiánov con su conjunto “Kadans”, siguiendo el estilo que eligió hace muchos años en su trabajo. Este - G. Golshtein, Y. Markin, D. Goloshchekin, A. Kuznetsov, M. Okun, V. Sadykov etc. Varios músicos desarrollan su creatividad y actividades interpretativas. estilo free jazz con elementos aleatorios y teatralidad grotesca D. Shostakovich, V. Solovyov-Sedy, M. Blanter, A. Tsfasman, Yu Milyutin, A. Polonsky, A. Arsky, V. Knushevitsky, A. Ayvazyan

, - estos son músicos de Lituania - V. Ganelin. V. Chekasin, P. Vishniauskas A finales de los 70 y 80. desarrollado muy intensamente escuelas nacionales de jazz soviético resultó ser más orgánico que los intentos de fusionar el folklore con el jazz en tiempos anteriores. estilos de jazz. Músicos de Transcaucasia, Kazajstán, Asia Central, los países bálticos y varios países demostraron búsquedas exitosas en esta dirección. repúblicas autónomas RSFSR. Desafortunadamente, en esta publicación no se pudieron presentar muchos temas de las composiciones creadas por músicos talentosos de nuestras repúblicas.

Durante este período en diferentes años portadores de buena escuela en las tradiciones corriente principal del jazz hubo y siguen habiendo grandes bandas V. Lyudvikovsky, O. Lundstrem, K. Orbelyan, Y. Saulsky, A. Kroll, G. Gachicheladze, A. Kalvarsky, B. Rychkov, G. Rosenberg. Algunos de ellos ( orquestas de O. Lundström, K. Orbelyan, A. Kroll, G. Rosenberg) siguen funcionando con éxito: dan muchos conciertos, participan en festivales de jazz y graban discos. Difícilmente se puede subestimar su papel educativo y divulgador en el jazz. Grandes orquestas atraen especialmente la atención de compositores que se han mantenido fieles a la música jazz durante muchos años: la colección incluye temas A. Eshpaya, M. Kazhlaeva, I. Yakushenko, A. Mazhukova, V. Dolgova.

En los años 70, varios de los conjuntos de jazz más importantes recibieron el estatus de grupos filarmónicos profesionales. Esto permitió promover periódicamente los mejores ejemplos de la música jazz.

La comisión de música instrumental pop y jazz continúa trabajando activamente en la sucursal de Moscú de la Unión de Compositores de la RSFSR. Varios compositores de jazz soviéticos talentosos de los años 70 y 80. Aceptado como miembro de la Unión de Compositores Soviéticos, la mesa de esta comisión participa activamente en la organización de la Unión Soviética. festivales de jazz y conciertos, para promover los mejores ejemplos de música jazz en la Televisión Central y All-Union Radio (por ejemplo, el programa de televisión "Jazz Panorama").

Persimfans (Primer Conjunto Sinfónico, una orquesta sin director) se fundó en 1922, en un momento en el que las ideas musicales más sorprendentes flotaban en el aire, una tras otra. El violinista y profesor del Conservatorio de Moscú Lev Tseitlin reunió a músicos con ideas afines de diferentes conjuntos, y la orquesta resultante, cuyos miembros compartían las ideas de colectivismo e igualdad, interpretó una variedad de obras, desde Bach hasta sus contemporáneos. Los persimfans existieron durante once años; en la década de 1930, poco quedaba del espíritu innovador de la década anterior. Sin embargo, en 2009, el pianista Peter Aidu recreó Persimfans como un componente de una reconstrucción del entorno musical de la década de 1920. Sus amigos, entusiastas de diferentes orquestas, a veces estaban dispuestos a ensayar por la noche, el único momento en el que todos se encontraban libres de sus trabajos principales y otros proyectos. La orquesta daba conciertos de forma irregular, la composición era inestable, pero el repertorio se fue reponiendo poco a poco. Una de las primeras obras realizadas por Persimfans fue la más difícil. concierto de piano Alexandra Mosolova. Otras obras incluyen la Tercera Sinfonía de Beethoven, Dumbarton Oaks de Stravinsky, el poco conocido ballet Trapecio de Prokofiev, el Ballet mecánico para cuatro pianos de George Antheil, conjunto de percusión, timbres y hélices, y la obertura de La flauta mágica de Mozart en una redacción especial para cine y clubes. , la radio, las escuelas y el escenario. Realizado nuevos Persimfans y composiciones. compositor moderno— Pavel Karmanova, que actuó con el grupo “Polite Refusal”, realizó una gira por Noruega con músicos de otras ciudades. Esta temporada en la Sala Rachmaninoff, el abono en honor al 90º aniversario de Persimfans se abre con un concierto dedicado al director y contrabajista Sergei Koussevitzky, fundador de la Editorial de Música Rusa, donde se publicaron las partituras de numerosas obras de compositores rusos. publicado por primera vez, un propagandista que emigró en 1921 nueva musica. Los músicos de la primera orquesta sinfónica de Moscú, fundada por él en 1911, formaron la columna vertebral de Persimfans. Se interpretarán obras del repertorio de Koussevitzky: Max Bruch, Wagner en transcripciones de Pablo Casals y Karl Tausig, Tchaikovsky, Medtner, Rachmaninov y el propio Koussevitzky, así como "Misa negra" y "Poema satánico" de Scriabin, así como el Quinteto de Prokofiev, escrito en el material mencionado anteriormente ballet "Trapezoide". En el concierto participarán Piotr Aidu, la violinista Marina Katarzhnova, el violista Alexander Akimov, el contrabajista Grigory Krotenko, la oboísta Olga Tomilova y el clarinetista Evgeny Barkhatov. Aidu y Krotenko siguen jugando instrumentos historicos- un piano de cola de 1900 y un contrabajo de 1624 (que pertenecieron al propio Koussevitzky), respectivamente.

Grigory Durnovo

Para el centenario revolución de octubre Se preparan la Orquesta Persimfans de Moscú y la Orquesta Sinfónica de Dusseldorf programa de conciertos, siguiendo los principios de los históricos Persimfans, un grupo de músicos sin director fundado en 1922. El concierto de conjuntos de las ciudades hermanas de Moscú y Dusseldorf tendrá lugar el 14 de diciembre de 2017 en Sala de conciertos a ellos. P.I. Filarmónica de Moscú Tchaikovsky.

Después de dos conciertos que los dos conjuntos ofrecieron con gran éxito en octubre en el Tonhall de Dusseldorf, está prevista una nueva visita: más de 60 músicos de Moscú y 20 de Dusseldorf actuarán en la Sala de Conciertos de Moscú. PI. Programa Tchaikovsky creado de acuerdo con los principios de los persimfans históricos. Incluía obras interpretadas por los antiguos Persimfans, que tuvieron un impacto influencia notable a la vanguardia rusa durante la revolución. Así, a través de la interpretación conjunta de obras que surgieron de la tradición musical paneuropea, se recreará un aspecto largamente olvidado de la vanguardia europea en el año del aniversario de la Revolución de Octubre. Al mismo tiempo, se sentirá y probará en el contexto actual un nuevo enfoque creativo que rechaza la jerarquía en la música.

En 2008, el músico moscovita Peter Aidu, nieto de uno de los músicos que estuvieron en los orígenes de los históricos Persimfans, dio un renacimiento al conjunto, absolutamente en el espíritu de su predecesor. Músicos composición actual entender sus actividades como el resurgimiento de las utopías de la vanguardia europea, destruidas por las dictaduras del siglo XX. En un proceso de ensayo increíblemente intensivo sin la participación de un director, nacen interpretaciones de obras que no serían posibles dentro del día a día de una orquesta sinfónica convencional. La enorme responsabilidad que conlleva cada músico individual y la necesidad de una comunicación constante entre los músicos conducen a resultados únicos que crean un puente musical con el arte del teatro y la interpretación.
El conjunto se define principalmente como un grupo artístico que, además de conciertos, realiza instalaciones sonoras interactivas y proyectos en el campo del teatro y multimedia. Los proyectos de Persimfans - la instalación sonora interactiva "Reconstrucción del ruido" (2012) y el proyecto escénico teatral y multimedia "Reconstrucción de la utopía" - habían exitazo entre el público y la crítica de Moscú, San Petersburgo, Vladivostok, Perm, Berlín y otras ciudades. Estos proyectos han recibido numerosos premios, en particular el Premio Sergei Kuryokhin en 2014.

Se podrá escuchar y ver arte sonoro experimental en el concierto del 14 de diciembre. Músicos de Alemania y Rusia, siguiendo el principio de Persimfans y tocando sin director, han desarrollado un interesante programa de conciertos para este proyecto conjunto.

Uno de los proyectos más interesantes e innovadores del apogeo. cultura soviética estaba Persimfans, el primer conjunto sinfónico. Fue fundada en Moscú en 1922 y, en sintonía con los ideales de la Revolución Rusa, interpretaba música sin la figura de autoridad del director, interpretada como símbolo de poder absoluto. Durante la actuación, los músicos de la orquesta, cuyo repertorio incluía tanto música clásica como obras modernas, se sentaron en círculo para mantener el contacto visual entre sí, un requisito previo para tocar coordinadamente sin director. Durante su apogeo, el conjunto ofreció más de 70 conciertos por temporada y, aunque todos tuvieron lugar en Moscú, Persimfans ganó fama mundial y fue considerado la mejor orquesta de su época. Las orquestas sin director siguiendo su modelo comenzaron a surgir no sólo en la URSS, sino también en el extranjero, incluida Alemania. En 1932, el proyecto idealista fue víctima de la represión cultural de Stalin.

Y hoy la orquesta revivida sin director ha sido y sigue siendo uno de nuestros grupos musicales más interesantes. Y sus programas son brillantes y "revolucionarios".

Foto de Ira POLARNAYA