Sinfónica de Leningrado de Dmitry Shostakovich. Análisis de la música de la Séptima Sinfonía de Shostakovich, descripción de las partes.

Un verdadero milagro de la cultura soviética en tiempos de guerra es la famosa Séptima Sinfonía. Dmitri Dmítrievich Shostakóvich(1906-1975), nombrado "Leningrado". La mayor parte fue escrita en el Leningrado sitiado durante el año de guerra más difícil: 1941.

Siendo un compositor famoso y ya un hombre anciano, D. D. Shostakovich participó en los trabajos para fortalecer la ciudad sitiada. Junto con sus alumnos cavó trincheras, montó guardia en el tejado del conservatorio durante los ataques aéreos y en su tiempo libre compuso una nueva sinfonía. Posteriormente, el director de la Casa de Artistas de Moscú, Boris Filippov, expresó sus dudas sobre si el compositor, que creó una obra tan grande y necesaria para la gente, debería haber arriesgado su vida. Shostakovich respondió: “Quizás, de lo contrario, esta sinfonía no habría existido. Todo esto había que sentirlo y experimentarlo”. El compositor terminó el trabajo de la Sinfónica de Leningrado en Kuibyshev. Se representó allí por primera vez a principios de marzo de 1942. A finales del mismo mes, la obra de Shostakovich se representó en Moscú, desde donde se transmitió a todo el país. Entonces surgió la idea de realizarlo en la sitiada Leningrado.

Esta idea, sin embargo, no fue tan fácil de implementar. Los habitantes de Leningrado literalmente morían de hambre. Debido al agua congelada y a las tuberías de alcantarillado, el agua no llegaba a las casas; sólo se podía tomar del Neva. En las casas no había luz ni calefacción.

Se necesitaban cien músicos para interpretar la sinfonía y sólo quince personas permanecían en la orquesta del Comité de Radio de Leningrado. Luego la radio anunció el registro de todos los músicos supervivientes de la Filarmónica. Veintiocho personas respondieron a este anuncio. A algunos de ellos, completamente debilitados por el hambre, los llevaban bajo los brazos; También había quienes eran traídos en trineos. El director K.I. Eliasberg, aturdido por su debilidad, recorrió los hospitales en busca de músicos que allí estaban siendo tratados. Otro número de artistas necesarios fueron enviados por el ejército que luchó cerca de Leningrado.

En el primer ensayo se reunieron ochenta miembros de la orquesta exhaustos, orgullosos de haber sobrevivido al bloqueo invernal y haber podido subir al escenario y tocar. El ensayo duró sólo quince minutos, porque simplemente no había fuerzas para más. Pero estaba claro: el concierto se llevaría a cabo. Material del sitio

Tuvo lugar el 9 de agosto de 1942. La cola para llegar a la sala de conciertos era más larga que la de las panaderías. Durante los 80 minutos de interpretación de la sinfonía no hubo ni una sola señal de ataque aéreo: de esto se encargó la artillería, que durante todo el día llevó a cabo intensos bombardeos contra las baterías enemigas, impidiendo a los alemanes levantar la cabeza. Y en la sala sonó una música poderosa que hablaba de la avalancha enemiga que arrasó la tierra natal, de la resistencia desinteresada a los invasores, del dolor por los héroes caídos pero no derrotados y del amor por la tierra natal. La Sinfónica de Leningrado de Shostakovich derramó fuerzas vivificantes en los corazones de los habitantes de Leningrado agotados por el bloqueo y en este sentido justificó una vez más su nombre.

Este trabajo ha recibido reconocimiento mundial. Sólo durante 1942-1943. ¡Y sólo en el continente americano se jugó sesenta y dos veces! Muchos años después de la guerra, dos turistas alemanes se acercaron a K.I. Eliasberg, que dirigía el estreno de la sinfonía, y le dijeron: “Estábamos entonces en las trincheras, al otro lado. Escuchamos su concierto y dijimos entre nosotros: si sobrevivimos, definitivamente nos preguntaremos cómo lograron crear una orquesta tan magnífica en una ciudad hambrienta y asediada”.

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Séptima sinfonía de Shostakovich

¿Sabes qué tipo de sinfonía es esta?

El año de su creación es 1941. El lugar donde fue escrito es la ciudad de Leningrado.

Sí, esos “datos personales” hablan por sí solos, porque no se trata sólo del nombre de la ciudad.

El cuadragésimo primero en Leningrado es el bloqueo. Esto es frío y oscuridad, esto es bombardeos y bombardeos, esto es un pedacito de pan que cabe en la palma de tu mano durante todo el día. Estos son los terraplenes helados del Neva y los agujeros de hielo, hacia los que se extienden interminables filas de personas exhaustas y hambrientas en busca de agua.

Pero el cuadragésimo primero en Leningrado no es sólo horror y muerte. Ésta es la voluntad indestructible del pueblo soviético, la fe en la victoria, esto es trabajo, trabajo duro y persistente en nombre de la victoria.

El compositor soviético Dmitry Dmitrievich Shostakovich está de servicio durante las redadas en el tejado de una casa, y en su tiempo libre se sienta en su oficina sin calefacción, tan cansado y hambriento como todos los habitantes de Leningrado, y escribe, escribe, escribe... compone una nueva sinfonía.

"Nuestra lucha contra el fascismo,
nuestra próxima victoria sobre el enemigo,
mi ciudad natal - Leningrado
Dedico mi Séptima Sinfonía"
(Dmitri Shostakóvich)

Y los violines empezaron a cantar de nuevo. Están acompañados de violas y violonchelos. La hermosa melodía de la parte lateral fluye ampliamente. El sonido de la orquesta se vuelve ligero y transparente.

Esta es también una imagen de la Patria, es una canción sobre su hermosa naturaleza, sobre los espacios abiertos de nuestro país, una canción sobre el trabajo pacífico y la vida feliz del pueblo soviético.

¡Escuchar! Aquí está, el ritmo de un pequeño tambor, un ritmo apenas audible y claramente medido. “Tra-ta-ta-ta, tra-ta-ta-ta”, el tambor suena silenciosamente, y esta dispersión desapasionada y mesurada hiela el corazón.

El ritmo del acero se repite obstinadamente y estúpidamente. Breve, bruscamente, como si temblaran, las notas agudas de las cuerdas caen en este inquietante silencio. Y la voz tranquila, silbante y corrosiva de la flauta inicia una sencilla melodía danzante. Su descuido vacío, algo mecánico y primitivo lo hace aún más aterrador. Todo lo humano, todo lo viviente es ajeno a esta música...

La vil canción terminó y comenzó de nuevo. Ahora lo silban dos voces, dos flautas. Uno de ellos es la misma flautita que acaba de cantar un suave dúo con el violín. Pero ahora su voz es aún más enojada y corrosiva que la voz de la gran flauta.

Y el ritmo del tambor se hace cada vez más audible.

En diferentes registros, con diferentes instrumentos, la canción-marcha se repite, cada vez más fuerte... más fuerte... más fuerte... Y el golpe fraccionado del tambor sigue siendo inexorablemente cruel, y también más fuerte... más fuerte. .más fuerte..

Ahora, en las voces agudas, ásperas y triunfalmente insolentes del cobre, resuena una melodía danzante... Se ha vuelto aún más feo, aún más terrible. Un monstruo sin alma, la guerra, alcanza su altura gigantesca.

La orquesta truena y ruge. Y sobre todo este caos de sonidos reina el golpe mortal de un tambor militar. Parece no haber escapatoria de la fuerza del mal. ¿Qué puede ahogar, detener este trueno estridente, este latido terrible y mesurado?

Y de repente, en el intenso sonido de la orquesta, aparece el tema de la Patria. Trágicamente afligida, sigue siendo bella con su belleza valiente y amarga. Ya no hay en ella una grandeza silenciosa, pero su noble fuerza permanece. Y creemos en este poder. La profunda humanidad y nobleza de esta música es más fuerte que el rugido más terrible del tema de la “invasión”.

El tema del juego paralelo suena ahora como un lúgubre réquiem a la memoria de los caídos. Sus entonaciones son contenidas y severas.

Una vez más, el tema de la Patria, inalterado como al principio, pasa como un recuerdo luminoso. Los violines altos interpretan la poética melodía de la parte lateral... Y de nuevo el monótono redoble del tambor. La guerra aún no ha terminado.

La sinfonía se interpretó el 9 de agosto de 1942, durante el bloqueo en curso. Se dio la orden de declarar alerta aérea y de artillería sólo como último recurso, con el fin de garantizar el silencio durante la interpretación de la sinfonía. Cabe destacar que todos los altavoces de la ciudad transmiten la obra a los ciudadanos. Fue una demostración única de la fortaleza de los habitantes de Leningrado.

Una breve pausa y comenzó la segunda parte. Recuerde, cuando escuchábamos las sinfonías de Beethoven y Tchaikovsky, hablábamos de que el segundo movimiento suele ser un descanso después del intenso y dramático primer movimiento.

Los violines cantan pensativos y tristes. La tranquila melodía está cuidadosamente respaldada por las notas cortas de las cuerdas restantes. Entonces una persona, cansada de un estrés increíble y doloroso, intenta calmarse y descansar. Sus sentimientos y pensamientos todavía están limitados, está demasiado agotado para disfrutar del breve e infiel descanso que le ha sobrevenido.

Poco a poco la melodía se va haciendo más amplia. Se vuelve más fácil respirar, los pensamientos pesados ​​y aterradores desaparecen...

Pero el mismo susurro silencioso y cauteloso de las cuerdas reemplaza la música ligera y nuevamente la orquesta suena contenida. El cansancio es demasiado fuerte, todo lo que sucede a nuestro alrededor da demasiado miedo para que una persona se sienta complacida con estos recuerdos y esperanzas.

La música sonaba aguda y burlona. El tema serpenteante de los fagotes y del clarinete bajo empezó a sonar de manera burlonamente corrosiva, como si hiciera una mueca.

¿Saben, amigos míos, cómo suena este tema musical? En él se pueden escuchar claramente las entonaciones de la sonata "Claro de luna" de Beethoven. Quienes habéis escuchado esta sonata, por supuesto, recordáis su primer movimiento, una de las creaciones más poéticas de los clásicos musicales. Un tema tierno, triste, hermoso... ¿Pero por qué está aquí, y con una apariencia tan distorsionada y fea?

Este tipo de música nos evoca pensamientos amargos. Después de todo, fue el pueblo alemán quien dio al mundo al gran humanista Beethoven.

¿Cómo pudo suceder que en el mismo país, entre la misma gente, apareciera lo más terrible e inhumano del mundo: el fascismo?

Y la música sigue burlándose. Parece que toda la orquesta ríe maliciosa y triunfalmente.

Poco a poco va calmando, se calma y de nuevo escuchamos la misma melodía cautelosa y sobria que cantaron los violines al comienzo del segundo movimiento.

Acordes lentos y majestuosos: tranquilos, fuertes, confiados. La orquesta suena como un órgano. Parece que ante nosotros se encuentra el hermoso Leningrado, exhausto, cubierto de nieve, herido, pero que no se rinde. Música valiente, estricta y al mismo tiempo heroicamente alegre. O suena como la voz de un orador, un hombre fuerte y sabio, o estalla en una canción amplia y solemne. Ella nuevamente, como al comienzo de la primera parte, habla de nuestra hermosa y orgullosa Patria. Sólo ahora la Patria se encuentra en días de pruebas difíciles.

Un tema enérgico y tormentoso irrumpe decisivamente en la calma segura. De nuevo hay una lucha, de nuevo escuchamos el ritmo seco y claro de un pequeño tambor. Pero ya no contiene la dureza anterior y el horror escalofriante, solo recuerda la terrible música de la "invasión".

“… sí, así era en aquellos… días, de hecho… así es exactamente como la ansiedad mental y la fuerza de voluntad se alternaban en el corazón… cuando el cuerpo juntaba todas sus fuerzas para repeler la muerte. La música aquí hablaba el idioma de Shostakovich, pero con el sentimiento de toda la gente de la ciudad yendo hacia la hazaña”. Estas palabras pertenecen al musicólogo soviético Asafiev.

La música corre en una corriente imparable, con un aliento, un impulso... El tema inicial de "órgano" de esta parte pasó como un relámpago, pero aquí lo tocan las trompetas, y suena como una orden militar.

Poco a poco, el enérgico movimiento se ralentiza, se detiene y, como al principio de la parte, vuelve a aparecer ante nosotros la bella, estricta y valiente ciudad-héroe. Entendemos que el compositor habla de la fe inquebrantable del pueblo soviético en la victoria sobre el enemigo. En cada ritmo de esta música se siente una fuerza noble, una alta pureza moral.

Tres golpes silenciosos. Está ahí. Es como si nos estuviera preparando para algo, dándonos una señal. E inmediatamente, sin interrupción, con el trueno lejano pero amenazador de los timbales, comienza la última parte de la sinfonía: el final, conocido como “Victoria”.

El tema musical principal estalla rápidamente en un “trueno silencioso”. De nuevo una lucha, de nuevo una batalla desesperada, ¡pero cuán marcadamente diferente es del trágico y terrible episodio de la “invasión”! La música enérgica y decidida no habla más bien de la batalla en sí, sino que transmite su gran patetismo, el éxtasis de la batalla.

Pero entonces el movimiento torbellino y tormentoso de la música desaparece y escuchamos un tema lento, majestuosamente lúgubre. Este es un réquiem. La música fúnebre, sin embargo, no evoca en nosotros esos sentimientos amargos que surgieron cuando escuchamos la marcha fúnebre en el primer movimiento. Era como si estuviéramos presenciando allí la muerte. Aquí recordamos a los héroes caídos.

Allí, en la primera parte, escuchamos el ritmo lúgubre de una marcha fúnebre. Aquí está el ritmo de la antigua danza lenta de la zarabanda.

El tema final principal aparece nuevamente. Ahora es más amplio, más lento. Parece que el duro ritmo de la zarabanda la frena y está tratando de superar este ritmo, de salir de su marco claro. La tensión se intensifica... Paso a paso, como si subiera a una cima enorme y más alta, la música suena urgente, enérgica... El último esfuerzo... ¿Lo oyes? Este es el comienzo de la primera parte, el tema de la Patria, ¡una vida feliz y creativa! Se toca solemne y orgullosamente con trompetas y trombones. ¡Victoria! Una vez más hay paz y tranquilidad en nuestra tierra. ¡Solo piensa! En los terribles días del bloqueo, una persona hambrienta y congelada crea música con un poder victorioso tan confiado. Él cree en la victoria como creía entonces todo el pueblo soviético, y su música en los días más difíciles de la guerra habló al mundo entero sobre la futura victoria sobre el fascismo.

¡La victoria fue para el pueblo ruso a un precio muy alto!

Así termina la Séptima Sinfonía de Shostakovich. La hermosa ciudad vive una vida tranquila y pacífica. Y el ritmo acompasado del tambor aún vive en mi memoria... ¡No, es imposible que todo esto vuelva a suceder! ¡Escuchen, gente del mundo entero! ¡Está prohibido!

Estoy seguro de que cada uno de ustedes está pensando en esto ahora mismo. Pero tú y yo sólo estábamos escuchando música. Esa misma sinfonía en la que, como a muchos les parece, nada se puede entender.

Escúchenla de nuevo, queridos amigos, escuchen la sinfonía completa y piensen de nuevo si necesitan aprender a amar y comprender la música.

Texto de Galina Levasheva.

Presentación

Incluido:
1. Presentación - 13 diapositivas, ppsx;
2. Sonidos de la música:
Shostakóvich. Sinfonía n.º 7, op. 60:
Parte I. Allegretto:
“Tema de la Patria”, mp3;
“Tema de invasión”, mp3;
“Tema de Patria y Resistencia”, mp3;
Parte II. Moderado, mp3;
Parte III. Adagio, mp3;
Parte IV. Allegro non troppo, mp3;
3. Artículo adjunto, docx.

Sinfonía nº 7 “Leningrado”

Las 15 sinfonías de Shostakovich constituyen uno de los mayores fenómenos de la literatura musical del siglo XX. Varios de ellos llevan un “programa” específico relacionado con la historia o la guerra. La idea de “Leningradskaya” surgió de una experiencia personal.

“Nuestra victoria sobre el fascismo, nuestra futura victoria sobre el enemigo,
a mi querida ciudad Leningrado, dedico mi séptima sinfonía"
(D. Shostakóvich)

Hablo por todos los que murieron aquí.
En mis líneas están sus pasos apagados,
Su aliento eterno y caliente.
Hablo por todos los que viven aquí.
Quien atravesó el fuego, la muerte y el hielo.
Hablo como vuestra carne, gente,
Por el derecho al sufrimiento compartido...
(Olga Berggolts)

En junio de 1941, la Alemania nazi invadió la Unión Soviética y Leningrado pronto se encontró bajo un asedio que duró 18 meses y provocó innumerables penurias y muertes. Además de los muertos en el bombardeo, más de 600.000 ciudadanos soviéticos murieron de hambre. Muchos se congelaron o murieron por falta de atención médica; el número de víctimas del asedio se estima en casi un millón. En una ciudad sitiada, soportando terribles dificultades junto con miles de personas más, Shostakovich comenzó a trabajar en su Sinfonía n.° 7. Nunca antes había dedicado sus obras principales a nadie, pero esta sinfonía se convirtió en una ofrenda a Leningrado y sus habitantes. El compositor estaba impulsado por el amor a su ciudad natal y a estos tiempos de lucha verdaderamente heroicos.
El trabajo en esta sinfonía comenzó al comienzo de la guerra. Desde los primeros días de la guerra, Shostakovich, como muchos de sus compatriotas, comenzó a trabajar para las necesidades del frente. Cavó trincheras y estuvo de servicio por la noche durante los ataques aéreos.

Hizo arreglos para que brigadas de conciertos fueran al frente. Pero, como siempre, este singular músico-publicista ya tenía madurando en su cabeza un gran plan sinfónico, dedicado a todo lo que estaba sucediendo. Comenzó a escribir la Séptima Sinfonía. La primera parte se completó en verano. El segundo lo escribió en septiembre, ya en el Leningrado sitiado.

En octubre, Shostakovich y su familia fueron evacuados a Kuibyshev. A diferencia de las tres primeras partes, que fueron creadas literalmente de una vez, el trabajo en el final avanzó mal. No es de extrañar que la última parte no haya funcionado durante mucho tiempo. El compositor entendió que se esperaría un final solemne y victorioso de una sinfonía dedicada a la guerra. Pero todavía no había ningún motivo para ello y escribió según le dictaba el corazón.

El 27 de diciembre de 1941 se completó la sinfonía. A partir de la Quinta Sinfonía, casi todas las obras del compositor en este género fueron interpretadas por su orquesta favorita: la Orquesta Filarmónica de Leningrado dirigida por E. Mravinsky.

Pero, lamentablemente, la orquesta de Mravinsky estaba lejos, en Novosibirsk, y las autoridades insistieron en un estreno urgente. Después de todo, el autor dedicó la sinfonía a la hazaña de su ciudad natal. Se le dio importancia política. El estreno tuvo lugar en Kuibyshev, interpretado por la Orquesta del Teatro Bolshoi bajo la dirección de S. Samosud. Después de esto, la sinfonía se presentó en Moscú y Novosibirsk. Pero el estreno más notable tuvo lugar en la sitiada Leningrado. Se reunieron músicos de todas partes para interpretarlo. Muchos de ellos estaban agotados. Antes de empezar los ensayos, tuvimos que internarlos en el hospital, alimentarlos y tratarlos. El día de la interpretación de la sinfonía, todas las fuerzas de artillería fueron enviadas para suprimir los puestos de tiro enemigos. Nada debería haber interferido con este estreno.

La sala Filarmónica estaba llena. El público era muy diverso. Al concierto asistieron marineros, soldados de infantería armados, soldados de la defensa aérea vestidos con sudaderas y demacrados clientes habituales de la Filarmónica. La interpretación de la sinfonía duró 80 minutos. Durante todo este tiempo, los cañones enemigos guardaron silencio: los artilleros que defendían la ciudad recibieron órdenes de sofocar el fuego de los cañones alemanes a toda costa.

El nuevo trabajo de Shostakovich sorprendió al público: muchos de ellos lloraron sin ocultar sus lágrimas. La buena música supo expresar lo que unía a la gente en ese momento difícil: la fe en la victoria, el sacrificio, el amor ilimitado por su ciudad y su país.

Durante su actuación, la sinfonía fue retransmitida por radio, así como por los altavoces de la red de la ciudad. Fue escuchado no solo por los residentes de la ciudad, sino también por las tropas alemanas que asediaban Leningrado.

El 19 de julio de 1942, la sinfonía se presentó en Nueva York, y luego comenzó su marcha victoriosa alrededor del mundo.

El primer movimiento comienza con una melodía épica amplia y cantarina. Se desarrolla, crece y se llena de cada vez más poder. Recordando el proceso de creación de la sinfonía, Shostakovich dijo: "Mientras trabajaba en la sinfonía, pensé en la grandeza de nuestro pueblo, en su heroísmo, en los mejores ideales de la humanidad, en las maravillosas cualidades del hombre..." Todo esto está plasmado en el tema de la parte principal, que está relacionado con los temas heroicos rusos de entonaciones amplias, movimientos melódicos amplios y atrevidos y unísonos pesados.

La parte lateral también parece una canción. Es como una canción de cuna tranquila. Su melodía parece disolverse en el silencio. Todo respira la calma de la vida pacífica.

Pero entonces, desde algún lugar lejano, se escucha el ritmo de un tambor y luego aparece una melodía: primitiva, similar a las coplas, una expresión de la vida cotidiana y la vulgaridad. Son como marionetas moviéndose. Así comienza el “episodio de invasión”, una imagen impresionante de la invasión de una fuerza destructiva.

Al principio el sonido parece inofensivo. Pero el tema se repite 11 veces, volviéndose cada vez más fuerte. Su melodía no cambia, solo gradualmente adquiere el sonido de cada vez más instrumentos nuevos, convirtiéndose en poderosos complejos de acordes. Entonces, este tema, que al principio no parecía amenazador, sino estúpido y vulgar, se convierte en un monstruo colosal: una máquina trituradora de destrucción. Parece que aplastará a todos los seres vivos a su paso.

El escritor A. Tolstoi llamó a esta música "la danza de las ratas eruditas al son del flautista de Hamelín". Parece que las ratas eruditas, obedientes a la voluntad del cazador de ratas, entran en la batalla.

El episodio de la invasión está escrito en forma de variaciones sobre un tema constante: la pasacalle.

Incluso antes del comienzo de la Gran Guerra Patria, Shostakovich escribió variaciones sobre un tema constante, similar en concepto al Bolero de Ravel. Se lo mostró a sus alumnos. El tema es sencillo, como si fuera un baile, que se acompaña al ritmo de un tambor. Creció hasta alcanzar un poder enorme. Al principio parecía inofensivo, incluso frívolo, pero se convirtió en un terrible símbolo de represión. El compositor dejó de lado esta obra sin interpretarla ni publicarla. Resulta que este episodio fue escrito antes. Entonces, ¿qué quería retratar el compositor con ellos? ¿La terrible marcha del fascismo por Europa o el ataque del totalitarismo al individuo? (Nota: Totalitario es un régimen en el que el Estado domina todos los aspectos de la sociedad, en el que hay violencia, destrucción de las libertades democráticas y los derechos humanos).

En ese momento, cuando parece que el coloso de hierro se mueve con un rugido directo hacia el oyente, sucede lo inesperado. Comienza la oposición. Aparece un motivo dramático, que suele denominarse motivo de resistencia. En la música se pueden escuchar gemidos y gritos. Es como si se estuviera librando una gran batalla sinfónica.

Después de un poderoso clímax, la repetición suena oscura y lúgubre. El tema de la parte principal suena como un discurso apasionado dirigido a toda la humanidad, lleno de un gran poder de protesta contra el mal. Particularmente expresiva es la melodía de la parte lateral, que se ha vuelto melancólica y solitaria. Aquí aparece un expresivo solo de fagot.

Ya no es una canción de cuna, sino un llanto puntuado por espasmos dolorosos. Sólo en la coda la parte principal suena en tono mayor, como afirmando la superación de las fuerzas del mal. Pero desde lejos se oye el redoble de un tambor. La guerra aún continúa.

Las dos partes siguientes están diseñadas para mostrar la riqueza espiritual de una persona, la fuerza de su voluntad.

El segundo movimiento es un scherzo en tonos suaves. Muchos críticos vieron en esta música una imagen de Leningrado con noches blancas y transparentes. Esta música combina sonrisa y tristeza, humor ligero y ensimismamiento, creando una imagen atractiva y brillante.

El tercer movimiento es un adagio majestuoso y conmovedor. Se abre con un coral, una especie de réquiem por los muertos. A esto le sigue una patética declaración de los violines. El segundo tema, según el compositor, transmite “éxtasis por la vida, admiración por la naturaleza”. La dramática mitad de la parte se percibe como un recuerdo del pasado, una reacción a los trágicos acontecimientos de la primera parte.

El final comienza con un trémolo de timbales apenas audible. Es como si la fuerza fuera ganando poco a poco. Esto prepara el tema principal, lleno de energía indomable. Esta es una imagen de lucha, de ira popular. Lo reemplaza un episodio al ritmo de una zarabanda, nuevamente un recuerdo de los caídos. Y luego comienza un lento ascenso hacia el triunfo de la finalización de la sinfonía, donde el tema principal del primer movimiento es escuchado por trompetas y trombones como símbolo de paz y victoria futura.

No importa cuán amplia sea la variedad de géneros en la obra de Shostakovich, en términos de talento es, ante todo, un compositor-sinfonista. Su obra se caracteriza por una enorme escala de contenidos, una tendencia al pensamiento generalizado, la gravedad de los conflictos, el dinamismo y una estricta lógica de desarrollo. Estos rasgos fueron especialmente evidentes en sus sinfonías. Shostakovich escribió quince sinfonías. Cada uno de ellos es una página en la historia de la vida del pueblo. No en vano el compositor fue llamado el cronista musical de su época. Y no como un observador desapasionado, como si observara todo lo que sucede desde arriba, sino como una persona que reacciona sutilmente a los trastornos de su época, viviendo la vida de sus contemporáneos, involucrado en todo lo que sucede a su alrededor. Podría decir de sí mismo con palabras del gran Goethe:

- No soy un extraño,
¡Y participante en los asuntos terrenales!

Como nadie, se distinguió por su capacidad de respuesta a todo lo que sucedía con su país natal y su gente, y aún más ampliamente, con toda la humanidad. Gracias a esta sensibilidad supo captar los rasgos característicos de esa época y reproducirlos en imágenes altamente artísticas. Y en este sentido, las sinfonías del compositor son un monumento único a la historia de la humanidad.

9 de agosto de 1942. Ese día, en la sitiada Leningrado, tuvo lugar la famosa interpretación de la Séptima Sinfonía (“Leningrado”) de Dmitry Shostakovich.

El organizador y director fue Karl Ilyich Eliasberg, director titular de la Orquesta de Radio de Leningrado. Mientras se interpretaba la sinfonía, ni un solo proyectil enemigo cayó sobre la ciudad: por orden del comandante del Frente de Leningrado, el mariscal Govorov, todos los puntos enemigos fueron suprimidos de antemano. Los cañones callaron mientras sonaba la música de Shostakovich. Fue escuchado no solo por los residentes de la ciudad, sino también por las tropas alemanas que asediaban Leningrado. Muchos años después de la guerra, los alemanes dijeron: “Entonces, el 9 de agosto de 1942, nos dimos cuenta de que perderíamos la guerra. Sentimos tu fuerza, capaz de vencer el hambre, el miedo y hasta la muerte..."

A partir de su actuación en la sitiada Leningrado, la sinfonía tuvo una enorme importancia propagandística y política para las autoridades soviéticas y rusas.

El 21 de agosto de 2008, la Orquesta del Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev interpretó un fragmento de la primera parte de la sinfonía en la ciudad de Tskhinvali, en Osetia del Sur, destruida por las tropas georgianas.

“Esta sinfonía es un recordatorio para el mundo de que el horror del asedio y bombardeo de Leningrado no debe repetirse...”
(V. A. Gergiev)

Presentación

Incluido:
1. Presentación 18 diapositivas, ppsx;
2. Sonidos de la música:
Sinfonía n.° 7 “Leningradoskaya”, op. 60, parte 1, mp3;
3. Artículo, docx.

La armonía de Shostakóvich
Shostakóvich. Quinteto op.57, Preludio (1940). Forma compleja de 3 partes
Shostakóvich. Sinfonía n.º 8, tercer movimiento Allegro non troppo (1943). Forma compleja de 3 partes.

El “Episodio de Invasión” consta de un tema y once variaciones, con una melodía ostinato retenida. La forma del tema y variaciones es un período de tres frases (4 + 8 + 6 compases) y un complemento de tres compases. Este último, desde el principio, se opone a todo lo que le precedió, gracias a su presentación acorde y compacta (la forma del tema y las variaciones también se pueden definir como un período de dos frases (4+8) con dos añadidos. (6+3).
La melodía del tema y las variaciones del "episodio de invasión", en contraste con la melodía del "Bolero", es deliberada y demostrativamente (especialmente desde el punto de vista del estilo de Shostakovich) simple y elemental. Además, parece esforzarse por dar la impresión de primitivismo y monotonía. Sin embargo, esto se logra por medios sutiles. En esta melodía todo está encaminado a que, contrariamente a la naturaleza misma del melodicismo, sea lo menos melódica posible, es decir, menos melodiosa. La construcción de la melodía finaliza con cesuras - pausas. Los sonidos de la melodía también están separados entre sí por pausas.
Sin embargo, este mundo sonoro deliberadamente empobrecido tiene su propio desarrollo. Así, la división establecida en dos compases se sustituye en la tercera frase por una nueva fórmula más compleja (4 + 1 + 1). Una figura rítmica notable, la repetición de dos sonidos al final de las formaciones, se desplaza métricamente una vez y cae de un tiempo fuerte a uno relativamente fuerte (en un complemento de tres compases). El desarrollo de la entonación alterna entre saltos homogéneos y movimientos lineales. El movimiento descendente tipo gamma en la segunda cláusula se puede contrastar con el movimiento ascendente tipo gamma en el complemento. Los saltos, aunque homogéneos, no son idénticos.
Predominan las quintas, pero también hay cuartos saltos; y la segunda frase comienza con una frase con sexto salto (Asociación con la culminación en la tercera de la subdominante en el período clásico).

En la primera frase, un salto hacia arriba se responde con un salto hacia abajo. Esta repetición de entonación enfatiza el significado expositivo inicial de la primera oración.
Las carreras en cuestión, por su carácter precipitado, se parecen a un “equipo militar”. Y es curioso que en la tercera frase, donde cambia el ritmo-desarrollo sintáctico establecido, estas señales de “órdenes militares” se aíslan y se repiten varias veces seguidas.
La melodía del “episodio de invasión” se desarrolla mediante el uso de diversas técnicas. En la segunda frase, hay una implementación secuencial de un motivo en forma de escala (dos eslabones), que indica un cierto desarrollo de este momento. La tercera frase generalizadora comienza con un compás de cuatro (el único continuo), fusionando la entonación principal y los aspectos rítmicos del tema. Aquí se combinan las entonaciones de un salto transformado y un movimiento en forma de escala. En el tercer y cuarto compás de este cuatro compases, se restablece la apariencia normal.
salto - "equipo militar". La entonación del movimiento descendente en forma de escala terminó en el tercer compás del sonido c; la entonación del salto comienza con el mismo sonido. Por tanto, se produce una fusión de momentos previamente separados.
La estructura modo-funcional de la melodía analizada, a pesar de su simplicidad, permite muchas variaciones armónicas. Se ven facilitados por el desmembramiento y énfasis de cada sonido. Pero Shostakovich usa
sólo unas pocas opciones, lo que probablemente corresponde a la intención de este episodio de la sinfonía: crear una imagen de constancia, inmutabilidad, perseverancia encadenada.

La obstinación de esta música se percibe más directamente en el ritmo (en el libro de Danilevich sobre Shostakovich, se da un esquema rítmico y se cuenta el número de repeticiones de la combinación rítmica principal (redoble de tambores); un total de 175 repeticiones. Ver L. Danilevich, D. Shostakóvich, pág.

Además, también es muy notable la ostinación melódica, que determina la forma de estas variaciones. Durante un largo período del ciclo de variación, el ostinato de soprano se combina con el ostinato en la capa de bajo de la textura, esencialmente con una variación del ostinato de bajo (a partir de la tercera variación, la número 25). Los principales elementos de la textura del “episodio de invasión” son estos dos ostinatos (superior e inferior), que en ocasiones cambian de lugar. La variación armónica es estimulada por la relativa actividad melódica de la segunda, el bajo ostinato, las técnicas polifónicas, así como por
nuevo acompañamiento (retumbos, “ruidos metálicos”, “aullidos” de tercios mayores paralelos en la décima variación; en primer plano, metales y trompetas “pesados” - número 41).
Es destacable que algunos de los estímulos nombrados que generan variación armónica, a su vez, se utilizan con variantes conocidas y experimentan su propio desarrollo interno.
Tomemos el segundo ostinato de bajo, más bajo. Su forma típica se establece en la tercera variación. Pero ya en la segunda variación hay una anticipación de la forma estándar, sin embargo, en una versión modal mucho más aguda: el número 23. Aquí se entonan los sonidos II y VI.
grados bajos del traste. Cuando la melodía principal “pasa” sobre esta figura de bajo, notamos la “colisión” de los grados VI alto natural y VI bajo.
En la novena variación (número 39), la línea de desarrollo del ostinato bajo inferior alcanza su clímax. Se siente un nuevo matiz en la variación armónica, sobre todo porque todas las armonías emergentes se enfatizan con un volumen forzado.
Otro estímulo para la variación armónica, las propias técnicas polifónicas, también allanan su propio “camino” en el ciclo. En la octava variación (número 37), se utiliza el contrapunto de doble octava en la relación entre el ostinato inferior y superior. Esta técnica, en un sentido más amplio, se retoma en la última, undécima variación, la número 43. La melodía principal del "episodio de invasión" tiene lugar "abajo"; “arriba” se sitúa una nueva figura de acompañamiento, que recuerda el tema de la parte principal del primer movimiento de la sinfonía. Está claro que tal desplazamiento de capas de textura
no puede dejar de dar novedad armónica a los sonidos.

Un recurso polifónico que enriquece y varía la armonía es el canon a dos voces de la quinta variación, la número 31 (los clarinetes comienzan con el tema; canónicamente, una octava más abajo, el tema es retomado por los oboes y el corno inglés). Es curioso que aquí también hubo una anticipación: el “eco” imitativo (oboe y fagot) de la tercera variación, la número 25.
Además de los peculiares estímulos de variación armónica señalados, en el “episodio de invasión” aparecen varias veces las “cintas de acordes” que notamos en “Bolero”.
Algunas diferencias entre “Bolero” y “episodio de invasión” también se encuentran en el uso de estas “cintas de acordes”. En primer lugar, en el camino hacia los acordes (tríadas), "estirados" en una melodía, Shostakovich aparece en una duplicación de dos voces ("cinta de intervalo"). Entonces
El tema del ostinato recorre la segunda variación, la número 23. En segundo lugar, Shostakovich no siempre observa un paralelismo estricto en los flujos melódicos de los acordes de intervalo trazados por la melodía principal. Así, en la segunda variación, que comienza con sextas paralelas, luego aparecen secuencias de otros intervalos, incluidos los no paralelos. En la cuarta variación, la número 29, el tema (trompeta amortiguada y trombones) comienza con una tríada, que en los casos típicos de “cintas de acordes” (lo vemos más adelante en el ciclo de variaciones de Shostakovich) conduce a la formación de un paralelismo de tríadas. Pero en la cuarta variación, siguiendo la tríada
Hay acordes de séptima paralelos. En el desarrollo de la variación también se encuentran otras consonancias más complejas. En tercer lugar, en dos implementaciones similares del tema en tríadas paralelas, con duplicación del tono fundamental, en las variaciones sexta y séptima (números 33 y 35) Shostakovich conserva invariablemente las tríadas mayores. Si lo comparamos con variaciones similares de "Bolero", encontramos que en este momento en Shostakovich el espíritu de obstinada inmutabilidad se manifestó aún más fuerte y más directo. De hecho, en Ravel, en una corriente paralela, también hay tríadas menores, que en su composición sonora están más cerca de las diatónicas de la tonalidad del modo principal.
Comparando entre sí las variaciones del "episodio de invasión", en el que el tema-melodía se mueve con acordes, percibimos en mayor medida variación armónica en el sentido habitual, es decir, diferente revelación armónica de los sonidos de la melodía, sus armonización diferente.
Sería interesante una comparación barra por barra de las variaciones cuarta y sexta (séptima).
Como conclusión del análisis del “episodio de invasión”, observamos que Shostakovich crea grupos de variaciones similares. Decisivamente predomina la agrupación de las variantes en “desgloses”. Sólo una vez, dos variaciones seguidas (sexta y séptima), con sus paralelismos cordales,
formar un grupo. En la sexta variación, el tema se lleva a cabo en acordes de cuerda, mientras que en la séptima variación, más potente, el tema se lleva a cabo en movimientos paralelos tanto de cuerdas como de instrumentos de viento.
En la secuencia de otras variaciones, sus diferencias texturales, polifónicas, armónicas y tímbricas se sienten en mayor medida. La primera variación se acerca al tema.
El acompañamiento de la melodía principal se limita a la quinta entonación para violonchelo, la número 21.
El segundo, cuarto, sexto y séptimo se combinan en un grupo porque los sonidos de la melodía en ellos están duplicados (“cintas de intervalos y acordes”). La agrupación de las variaciones vecinas sexta y séptima se analizó anteriormente. La segunda variación se correlaciona con la novena. Se agrupan según la presencia de sonidos modales agudos (en particular, el sonido ces). La tercera y quinta variaciones se combinan en un grupo basado en la imitación. En la quinta variación hay un canon. La combinación de las variaciones octava y undécima en un grupo se explica por el hecho de que en ellas hay un "intercambio de lugares" de las capas superior e inferior de textura. La décima variación se destaca; se observa
relativamente el acompañamiento más contrastante (terceras mayores paralelas). En ambos ciclos de variación analizados, lo más notable para la percepción, en última instancia, es la combinación de dos características: invariabilidad, ostentación de la melodía principal y variabilidad,
variaciones tímbricas. La variación de la armonía, en comparación con los cambios de timbre, sigue siendo aquí secundaria; pero conserva un gran interés, como muchos personajes secundarios de obras dramáticas.

Composición de la orquesta: 2 flautas, flauta alto, flauta piccolo, 2 oboes, cor inglés, 2 clarinetes, clarinete piccolo, clarinete bajo, 2 fagotes, contrafagot, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, 5 timbales, triángulo, pandereta, caja, platillos, bombo, tom-tom, xilófono, 2 arpas, piano, cuerdas.

Historia de la creación

No se sabe exactamente cuándo, a finales de los años 30 o en 1940, pero en cualquier caso, incluso antes del inicio de la Gran Guerra Patria, Shostakovich escribió variaciones sobre un tema inmutable: la pasacalles, similar en concepto al Bolero de Ravel. Se lo mostró a sus colegas y estudiantes más jóvenes (desde el otoño de 1937, Shostakovich enseñó composición y orquestación en el Conservatorio de Leningrado). El tema, simple, como si estuviera bailando, se desarrolló sobre el fondo del golpe seco de una caja y adquirió un poder enorme. Al principio parecía inofensivo, incluso algo frívolo, pero se convirtió en un terrible símbolo de represión. El compositor dejó de lado esta obra sin interpretarla ni publicarla.

El 22 de junio de 1941, su vida, como la de todas las personas de nuestro país, cambió drásticamente. Comenzó la guerra, los planes anteriores fueron tachados. Todos empezaron a trabajar para las necesidades del frente. Shostakovich, junto con todos los demás, cavó trincheras y estuvo de servicio durante los ataques aéreos. Hizo arreglos para enviar brigadas de conciertos a unidades activas. Naturalmente, no había pianos en primera línea, y reorganizó acompañamientos para pequeños conjuntos y realizó otros trabajos necesarios, según le pareció. Pero como siempre, en este músico-publicista único, como fue el caso desde la infancia, cuando las impresiones momentáneas de los turbulentos años revolucionarios se transmitían en la música, comenzó a madurar un gran plan sinfónico, dedicado directamente a lo que estaba sucediendo. Comenzó a escribir la Séptima Sinfonía. La primera parte se completó en verano. Logró mostrárselo a su amigo más cercano I. Sollertinsky, quien el 22 de agosto partía hacia Novosibirsk con la Filarmónica, de la que había sido director artístico durante muchos años. En septiembre, ya en el bloqueo de Leningrado, el compositor creó la segunda parte y la mostró a sus compañeros. Empecé a trabajar en la tercera parte.

El 1 de octubre, por orden especial de las autoridades, él, su esposa y sus dos hijos fueron trasladados en avión a Moscú. Desde allí, medio mes después, viajó en tren más al este. Inicialmente se planeó ir a los Urales, pero Shostakovich decidió detenerse en Kuibyshev (como se llamaba Samara en aquellos años). Aquí tenía su sede el Teatro Bolshoi, hubo muchos conocidos que inicialmente acogieron al compositor y su familia en su casa, pero muy rápidamente las autoridades de la ciudad le asignaron una habitación y, a principios de diciembre, un apartamento de dos habitaciones. Estaba equipado con un piano prestado por la escuela de música local. Era posible seguir trabajando.

A diferencia de las tres primeras partes, que se crearon literalmente de una vez, el trabajo en la final avanzó lentamente. Estaba triste y ansioso en el corazón. Madre y hermana permanecieron en la sitiada Leningrado, que vivió los días más terribles, hambrientos y fríos. El dolor para ellos no desapareció ni por un minuto. Fue malo incluso sin Sollertinsky. El compositor estaba acostumbrado al hecho de que siempre había un amigo allí, que uno podía compartir sus pensamientos más íntimos con él, y esto, en aquellos días de denuncia universal, se convirtió en el mayor valor. Shostakovich le escribía con frecuencia. Informó literalmente sobre todo lo que se podía confiar en el correo censurado. En particular, sobre el hecho de que la terminación “no está escrita”. No es de extrañar que la última parte haya tardado mucho en concretarse. Shostakovich entendió que en la sinfonía dedicada a los acontecimientos de la guerra, todos esperaban una solemne apoteosis victoriosa con un coro, una celebración de la próxima victoria. Pero todavía no había ningún motivo para ello y escribió según le dictaba el corazón. No es casualidad que más tarde se difundiera la opinión de que el final era inferior en importancia a la primera parte, que las fuerzas del mal encarnaban mucho más fuerte que el principio humanista que se oponía a ellas.

El 27 de diciembre de 1941 se completó la Séptima Sinfonía. Por supuesto, Shostakovich quería que lo interpretara su orquesta favorita: la Orquesta Filarmónica de Leningrado dirigida por Mravinsky. Pero estaba lejos, en Novosibirsk, y las autoridades insistieron en un estreno urgente: se le dio importancia política a la interpretación de la sinfonía, que el compositor llamó Leningrado y dedicó a la hazaña de su ciudad natal. El estreno tuvo lugar en Kuibyshev el 5 de marzo de 1942. Tocó la Orquesta del Teatro Bolshoi dirigida por Samuil Samosud.

Es muy interesante lo que el “escritor oficial” de esa época, Alexey Tolstoi, escribió sobre la sinfonía: “La séptima sinfonía está dedicada al triunfo de lo humano en el hombre. Intentemos (al menos parcialmente) penetrar en el camino del pensamiento musical de Shostakovich: en las amenazadoras noches oscuras de Leningrado, bajo el rugido de las explosiones, en el resplandor de los incendios, esto lo llevó a escribir esta franca obra.<...>La Séptima Sinfonía surgió de la conciencia del pueblo ruso, que sin dudarlo aceptó el combate a muerte con las fuerzas negras. Escrito en Leningrado, ha alcanzado el tamaño de un gran arte mundial, comprensible en todas las latitudes y meridianos, porque dice la verdad sobre el hombre en una época sin precedentes de sus desgracias y pruebas. La sinfonía es transparente en su enorme complejidad, es a la vez severa y masculinamente lírica, y todo vuela hacia el futuro, revelándose más allá de la victoria del hombre sobre la bestia.

Los violines hablan de felicidad sin tormentas: en ella acechan los problemas, todavía es ciega y limitada, como la de ese pájaro que "camina alegremente por el camino de los desastres"... En este bienestar, desde las oscuras profundidades de las contradicciones no resueltas. , surge el tema de la guerra: breve, seco, claro, similar a un gancho de acero. Hagamos una reserva: el hombre de la Séptima Sinfonía es alguien típico, generalizado y querido por el autor. El propio Shostakovich es nacional en la sinfonía, su conciencia rusa enfurecida es nacional, haciendo caer el séptimo cielo de la sinfonía sobre las cabezas de los destructores.

El tema de la guerra surge de forma remota y al principio parece una especie de danza simple y espeluznante, como ratas eruditas bailando al son del flautista. Como un viento que se levanta, este tema comienza a mecer a la orquesta, ésta se apodera de ella, crece y se fortalece. El flautista, con sus ratas de hierro, surge de detrás de la colina... Esto es guerra en movimiento. Ella triunfa con los timbales y los tambores, los violines responden con un grito de dolor y desesperación. Y te parece, apretando las barandillas de roble con los dedos: ¿de verdad, de verdad, todo ya ha sido aplastado y destrozado? Hay confusión y caos en la orquesta.

No. El hombre es más fuerte que los elementos. Los instrumentos de cuerda empiezan a luchar. La armonía de los violines y las voces humanas de los fagotes es más poderosa que el estruendo de una piel de burro estirada sobre los tambores. Con el latido desesperado de tu corazón ayudas al triunfo de la armonía. Y los violines armonizan el caos de la guerra, silencian su rugido cavernoso.

El maldito cazador de ratas ya no existe, es arrastrado al negro abismo del tiempo. Sólo se oye la voz humana pensativa y severa del fagot, después de tantas pérdidas y desastres. No hay retorno a la felicidad sin tormentas. Ante la mirada de una persona, sabia en el sufrimiento, está el camino recorrido, donde busca la justificación para la vida.

La sangre se derrama por la belleza del mundo. La belleza no es diversión, ni deleite, ni ropa festiva, la belleza es la recreación y disposición de la naturaleza salvaje con las manos y el genio del hombre. La sinfonía parece tocar con un ligero soplo la gran herencia del camino humano y cobra vida.

Promedio (tercero - L. M.) parte de la sinfonía es un renacimiento, el renacimiento de la belleza a partir del polvo y las cenizas. Es como si las sombras del gran arte, de la gran bondad, fueran evocadas ante los ojos del nuevo Dante por la fuerza de una reflexión severa y lírica.

El movimiento final de la sinfonía vuela hacia el futuro. Un majestuoso mundo de ideas y pasiones se revela a los oyentes. Vale la pena vivir y luchar por esto. El poderoso tema del hombre ya no habla de felicidad, sino de felicidad. Aquí estás atrapado en la luz, estás como en un torbellino de ella... Y nuevamente te balanceas sobre las olas azules del océano del futuro. Con tensión creciente, esperas... hasta que se complete una gran experiencia musical. Los violines te recogen, no puedes respirar, como en las alturas de las montañas, y junto con la tormenta armónica de la orquesta, en una tensión inimaginable, te precipitas hacia un gran avance, hacia el futuro, hacia las ciudades azules de un orden superior. ...” (“Pravda”, 1942, 16 de febrero).

Después del estreno de Kuibyshev, las sinfonías se presentaron en Moscú y Novosibirsk (bajo la batuta de Mravinsky), pero la más notable y verdaderamente heroica tuvo lugar bajo la batuta de Carl Eliasberg en la sitiada Leningrado. Para interpretar la monumental sinfonía con una enorme orquesta, se llamó a músicos de las unidades militares. Antes del inicio de los ensayos, algunos tuvieron que ser ingresados ​​​​en el hospital, alimentados y tratados, ya que todos los residentes comunes de la ciudad se habían vuelto distróficos. El día de la interpretación de la sinfonía, el 9 de agosto de 1942, todas las fuerzas de artillería de la ciudad sitiada fueron enviadas a suprimir los puestos de tiro enemigos: nada debería haber interferido con el importante estreno.

Y la sala de columnas blancas de la Filarmónica estaba llena. Los Leningrados pálidos y exhaustos lo llenaron para escuchar música dedicada a ellos. Los oradores lo llevaron por toda la ciudad.

El público de todo el mundo percibió la actuación de la Séptima como un acontecimiento de gran importancia. Pronto comenzaron a llegar solicitudes del extranjero para enviar la partitura. Estalló la competencia entre las orquestas más grandes del hemisferio occidental por el derecho a interpretar la sinfonía en primer lugar. La elección de Shostakovich recayó en Toscanini. Un avión que transportaba preciosos microfilmes sobrevoló un mundo devastado por la guerra y el 19 de julio de 1942 se interpretó la Séptima Sinfonía en Nueva York. Comenzó su marcha victoriosa por todo el mundo.

Música

Primera parte comienza en un do mayor claro y ligero con una melodía amplia y cantarina de carácter épico, con un pronunciado sabor nacional ruso. Se desarrolla, crece y se llena de cada vez más poder. La parte lateral también parece una canción. Parece una canción de cuna suave y tranquila. El final de la exposición suena tranquilo. Todo respira la calma de la vida pacífica. Pero entonces, desde algún lugar lejano, se escucha el ritmo de un tambor y luego aparece una melodía: primitiva, similar a las coplas banales de una chansonette, la personificación de la vida cotidiana y la vulgaridad. Esto comienza el “episodio de invasión” (por lo tanto, la forma del primer movimiento es una sonata con un episodio en lugar de un desarrollo). Al principio el sonido parece inofensivo. Sin embargo, el tema se repite once veces, intensificándose cada vez más. Melódicamente no cambia, solo la textura se vuelve más densa, se agregan cada vez más instrumentos nuevos, luego el tema se presenta no con una sola voz, sino en complejos de acordes. Y como resultado, se convierte en un monstruo colosal: una máquina de destrucción chirriante que parece borrar toda la vida. Pero comienza la oposición. Después de un poderoso clímax, la repetición llega oscurecida, en colores menores condensados. La melodía de la parte lateral es especialmente expresiva, volviéndose melancólica y solitaria. Se escucha un solo de fagot de lo más expresivo. Ya no es una canción de cuna, sino un llanto puntuado por espasmos dolorosos. Sólo en la coda suena por primera vez la parte principal en tono mayor, afirmando finalmente la superación de las fuerzas del mal, lograda con tanto esfuerzo.

Segunda parte- scherzo - diseñado en colores suaves y de cámara. El primer tema, presentado por las cuerdas, combina una ligera tristeza y una sonrisa, un humor ligeramente perceptible y ensimismamiento. El oboe interpreta expresivamente el segundo tema: un romance ampliado. Luego entran otros instrumentos de metal. Los temas se alternan en un complejo tripartito, creando una imagen atractiva y brillante, en la que muchos críticos ven una imagen musical de Leningrado con noches blancas y transparentes. Sólo en la sección media del scherzo aparecen otros rasgos duros y nace una imagen caricaturizada, distorsionada, llena de excitación febril. La repetición del scherzo suena apagada y triste.

Tercera parte- un adagio majestuoso y conmovedor. Se abre con una introducción coral que suena como un réquiem por los muertos. A esto le sigue una patética declaración de los violines. El segundo tema se acerca al tema del violín, pero el timbre de la flauta y un carácter más parecido a una canción transmiten, en palabras del propio compositor, “éxtasis de la vida, admiración por la naturaleza”. El episodio intermedio del papel se caracteriza por un drama tormentoso y tensión romántica. Puede percibirse como un recuerdo del pasado, una reacción a los trágicos acontecimientos de la primera parte, agravada por la impresión de perdurable belleza de la segunda. La repetición comienza con un recitativo de los violines, vuelve a sonar el coral y todo se desvanece en los ritmos misteriosamente retumbantes del tam-tom y el susurro del trémolo de los timbales. Comienza la transición a la última parte.

al principio finales- el mismo trémolo de timbales apenas audible, el sonido tranquilo de violines apagados, señales apagadas. Hay una acumulación de fuerzas gradual y lenta. En la oscuridad del crepúsculo surge el tema principal, lleno de energía indomable. Su despliegue es de una escala colosal. Esta es una imagen de lucha, de ira popular. Lo reemplaza un episodio al ritmo de una zarabanda, triste y majestuoso, como un recuerdo de los caídos. Y luego comienza un constante ascenso hacia el triunfo de la conclusión de la sinfonía, donde el tema principal del primer movimiento, como símbolo de paz y victoria inminente, suena deslumbrante desde las trompetas y trombones.