Arte de la escultura de la antigua Grecia. Escultura griega clásica. Chitones y mantos con hermosos diseños de

La escultura griega antigua es el estándar líder en el arte escultórico mundial, que continúa inspirando a los escultores modernos a crear obras maestras artísticas. Los temas frecuentes de las esculturas y composiciones de estuco de los antiguos escultores griegos eran las batallas de grandes héroes, mitologías y leyendas, gobernantes y dioses griegos antiguos.

La escultura griega recibió un desarrollo especial en el período comprendido entre el 800 y el 300 a.C. mi. Esta área de creatividad escultórica se inspiró tempranamente en el arte monumental egipcio y de Oriente Medio y evolucionó a lo largo de los siglos hasta convertirse en una visión exclusivamente griega de la forma y la dinámica del cuerpo humano.

Los pintores y escultores griegos alcanzaron un pináculo de excelencia artística que capturó rasgos humanos sutiles y los mostró de una manera que nadie más había podido mostrar. Los escultores griegos estaban particularmente interesados ​​en la proporción, el equilibrio y la perfección idealizada del cuerpo humano, y sus figuras de piedra y bronce se convirtieron en algunas de las obras de arte más reconocibles jamás producidas por cualquier civilización.

El origen de la escultura en la antigua Grecia

A partir del siglo VIII a. C., la Grecia arcaica vio un aumento en la producción de pequeñas figuras sólidas hechas de arcilla, marfil y bronce. Por supuesto, la madera también era un material muy utilizado, pero su susceptibilidad a la erosión impedía la producción en masa de productos de madera, ya que no presentaban la durabilidad necesaria. Figuras de bronce, cabezas humanas, monstruos míticos y, en particular, grifos, se utilizaban como decoración y mangos para vasijas, calderos y cuencos de bronce.

En cuanto al estilo, las figuras humanas griegas tienen líneas geométricas expresivas, que a menudo se pueden encontrar en la cerámica de la época. Los cuerpos de guerreros y dioses están representados con extremidades alargadas y un torso triangular. Además, las creaciones griegas antiguas suelen estar decoradas con figuras de animales. Muchos de ellos se han encontrado en toda Grecia en sitios de refugio como Olimpia y Delfos, lo que indica su función general como amuletos y objetos de culto.

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Las esculturas griegas de piedra caliza más antiguas datan de mediados del siglo VII a. C. y se encontraron en Thera. Durante este período, las figuras de bronce aparecieron cada vez con más frecuencia. Desde el punto de vista del plan del autor, los temas de las composiciones escultóricas se volvieron cada vez más complejos y ambiciosos y ya podían representar guerreros, escenas de batallas, atletas, carros e incluso músicos con instrumentos de esa época.

La escultura de mármol aparece a principios del siglo VI a.C. Las primeras estatuas monumentales de mármol de tamaño natural sirvieron como monumentos dedicados a héroes y nobles, o estaban ubicadas en santuarios donde se llevaba a cabo el culto simbólico a los dioses.

Las primeras grandes figuras de piedra encontradas en Grecia representaban a hombres jóvenes vestidos con ropas de mujer, acompañados por una vaca. Las esculturas eran estáticas y toscas, como en las estatuas monumentales egipcias, los brazos estaban colocados rectos a los lados, las piernas casi juntas y los ojos miraban al frente sin ninguna expresión facial especial. Estas figuras bastante estáticas evolucionaron lentamente a través del detalle de la imagen. Los talentosos artesanos enfatizaron los detalles más pequeños de la imagen, como el cabello y los músculos, gracias a los cuales las figuras comenzaron a cobrar vida.

Una postura característica de las estatuas griegas era una posición en la que los brazos estaban ligeramente doblados, lo que les daba tensión en los músculos y las venas, y una pierna (generalmente la derecha) estaba ligeramente adelantada, dando una sensación de movimiento dinámico de la estatua. Así aparecieron las primeras imágenes realistas del cuerpo humano en dinámica.

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Pintura y tinción de esculturas griegas antiguas.

A principios del siglo XIX, las excavaciones sistemáticas de yacimientos griegos antiguos habían revelado muchas esculturas con rastros de superficies multicolores, algunas de las cuales aún eran visibles. A pesar de esto, influyentes historiadores del arte como Johann Joachim Winckelmann se opusieron tan fuertemente a la idea de la escultura griega pintada que los defensores de las estatuas pintadas fueron tachados de excéntricos y sus puntos de vista fueron en gran medida suprimidos durante más de un siglo.

Sólo los artículos científicos publicados por el arqueólogo alemán Windzenik Brinkmann a finales del siglo XX y principios del XXI describen el descubrimiento de varias esculturas griegas antiguas famosas. Utilizando lámparas de alta intensidad, luz ultravioleta, cámaras especialmente diseñadas, moldes de yeso y algunos minerales en polvo, Brinkmann demostró que todo el Partenón, incluida la parte principal, así como las estatuas, estaban pintados de diferentes colores. Luego analizó química y físicamente los pigmentos de la pintura original para determinar su composición.

Brinkmann creó varias réplicas multicolores de estatuas griegas que viajaron por todo el mundo. La colección incluía copias de muchas obras de escultura griega y romana, lo que demuestra que la práctica de pintar escultura era la norma y no la excepción en el arte griego y romano.

Los museos en los que se exhibieron las exhibiciones notaron el gran éxito de la exposición entre los visitantes, que se debe a cierta discrepancia entre los habituales atletas griegos blancos como la nieve y las estatuas de colores brillantes que realmente eran. Los lugares de exposición incluyen el Museo Glyptothek de Múnich, el Museo Vaticano y el Museo Arqueológico Nacional de Atenas. La colección hizo su debut americano en la Universidad de Harvard en el otoño de 2007.

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Etapas de la formación de la escultura griega.

El desarrollo del arte escultórico en Grecia pasó por varias etapas importantes. Cada uno de ellos se reflejó en la escultura con sus propios rasgos característicos, perceptibles incluso para los no profesionales.

escenario geométrico

Se cree que la primera encarnación de la escultura griega fueron las estatuas de culto de madera, descritas por primera vez por Pausanias. No hay evidencia de esto y las descripciones de ellos son vagas, a pesar de que probablemente fueron objetos de veneración durante cientos de años.

La primera evidencia real de escultura griega se encontró en la isla de Eubea y se remonta al 920 a.C. Era una estatua de un centauro lefkandi realizada por una escultura de terracota desconocida. La estatua fue recogida en partes, rota deliberadamente y enterrada en dos tumbas separadas. El centauro tiene una marca (herida) distintiva en la rodilla. Esto permitió a los investigadores sugerir que la estatua podría representar a Quirón herido por la flecha de Hércules. Si esto es realmente cierto, puede considerarse la descripción más antigua conocida del mito en la historia de la escultura griega.

Las esculturas del período geométrico (aproximadamente 900 a 700 a. C.) eran pequeñas figurillas realizadas en terracota, bronce y marfil. Las obras escultóricas típicas de esta época están representadas por muchos ejemplos de estatuas ecuestres. Sin embargo, el repertorio temático no se limita a hombres y caballos, ya que algunos ejemplos encontrados de estatuas y estucos de la época representan imágenes de ciervos, pájaros, escarabajos, liebres, grifos y leones.

No hay inscripciones en esculturas geométricas del período temprano hasta la estatua de Mantiklos "Apolo" de principios del siglo VII a. C. encontrada en Tebas. La escultura representa la figura de un hombre de pie con una inscripción a sus pies. Esta inscripción es una especie de instrucción para ayudarnos unos a otros y devolver el bien por el bien.

periodo arcaico

Inspirándose en las monumentales esculturas de piedra de Egipto y Mesopotamia, los griegos comenzaron a tallar en piedra nuevamente. Las figuras individuales comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia. Ejemplos de esculturas de este período son las estatuas de Lady Auxerre y el torso de Hera (período arcaico temprano: 660-580 a. C., exhibido en el Louvre, París).

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Estas figuras tenían un rasgo característico en su expresión facial: una sonrisa arcaica. Esta expresión, que no tiene ninguna relevancia específica para la persona o situación representada, puede haber sido la herramienta del artista para dar a las figuras una cualidad animada y "viva".

Durante este período, la escultura estuvo dominada por tres tipos de figuras: un joven desnudo de pie, una niña de pie vestida con el traje tradicional griego y una mujer sentada. Destacan y resumen las principales características de la figura humana y muestran una comprensión y conocimiento cada vez más preciso de la anatomía humana.

Las estatuas griegas antiguas de jóvenes desnudos, en particular el famoso Apolo, a menudo se presentaban en tamaños enormes, lo que debía mostrar poder y fuerza masculina. Estas estatuas muestran muchos más detalles de la musculatura y la estructura esquelética que las primeras obras geométricas. Las muchachas vestidas tienen una amplia gama de expresiones faciales y poses, como en las esculturas de la Acrópolis de Atenas. Sus ropajes están tallados y pintados con la delicadeza y cuidado característicos de los detalles escultóricos de esta época.

Los griegos decidieron desde muy temprano que la figura humana era el tema más importante del esfuerzo artístico. Basta recordar que sus dioses tienen apariencia humana, lo que significa que no había diferencia entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era al mismo tiempo secular y sagrado. Un desnudo masculino sin referencias a un personaje podría fácilmente convertirse en Apolo o Hércules, o representar a un poderoso olímpico.

Al igual que con la cerámica, los griegos no produjeron esculturas sólo para una exhibición artística. Las estatuas fueron creadas por encargo, ya sea por aristócratas y nobles, o por el estado, y se utilizaron para monumentos públicos, para decorar templos, oráculos y santuarios (como lo demuestran a menudo las antiguas inscripciones en las estatuas). Los griegos también utilizaron esculturas como lápidas. Las estatuas del período Arcaico no estaban destinadas a representar a personas específicas. Eran imágenes de belleza, piedad, honor o sacrificio ideales. Es por eso que los escultores siempre han creado esculturas de jóvenes, desde la adolescencia hasta la edad adulta temprana, incluso cuando fueron colocadas en las tumbas de (presumiblemente) ciudadanos mayores.

Periodo clasico

El período clásico trajo una revolución en la escultura griega, a veces asociada por los historiadores con cambios radicales en la vida sociopolítica: la introducción de la democracia y el fin de la era aristocrática. El período clásico trajo consigo cambios en el estilo y la función de la escultura, así como un aumento espectacular en la habilidad técnica de los escultores griegos para representar formas humanas realistas.

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Las poses también se volvieron más naturales y dinámicas, especialmente al comienzo del período. Fue durante esta época que las estatuas griegas comenzaron a representar cada vez más a personas reales, en lugar de vagas interpretaciones de mitos o personajes completamente ficticios. Aunque el estilo en el que fueron presentados aún no se había convertido en un retrato realista. Las estatuas de Harmodio y Aristogeiton, creadas en Atenas, simbolizan el derrocamiento de la tiranía aristocrática y, según los historiadores, se convierten en los primeros monumentos públicos que muestran figuras de personas reales.

El período clásico también vio el florecimiento del arte del estuco y el uso de esculturas como decoración de edificios. Los templos característicos de la época clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, utilizaban molduras en relieve para frisos decorativos y decoración de paredes y techos. Los complejos desafíos estéticos y técnicos que enfrentaron los escultores de ese período contribuyeron a la creación de innovaciones escultóricas. La mayoría de las obras de aquella época se han conservado sólo en forma de fragmentos individuales; por ejemplo, la decoración de estuco del Partenón se encuentra hoy en parte en el Museo Británico.

La escultura funeraria dio un gran salto durante este período, desde las estatuas rígidas e impersonales del período Arcaico hasta los grupos familiares muy personales de la época clásica. Estos monumentos se encuentran habitualmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos de personas "ideales" (una madre anhelante, un hijo obediente), cada vez más se convierten en la personificación de personas reales y, por regla general, muestran que el difunto deja este mundo con dignidad, dejando a su familia. Se trata de un aumento notable en el nivel de emociones en relación con las eras arcaica y geométrica.

Otro cambio notable es el florecimiento de la creatividad de talentosos escultores, cuyos nombres han pasado a la historia. Toda la información que se conoce sobre las esculturas de los períodos Arcaico y Geométrico se centra en las obras mismas y rara vez se presta atención a sus autores.

período helenístico

La transición del período clásico al helenístico (o griego) se produjo en el siglo IV a.C. El arte griego se volvió cada vez más diverso bajo la influencia de las culturas de los pueblos involucrados en la órbita griega y las conquistas de Alejandro Magno (336-332 a. C.). Según algunos historiadores del arte, esto provocó una disminución en la calidad y originalidad de la escultura, aunque es posible que la gente de la época no compartiera esta opinión.

Se sabe que muchas esculturas que antes se consideraban genios de la época clásica, en realidad fueron creadas durante el período helenístico. La habilidad técnica y el talento de los escultores helenísticos son evidentes en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo. Se desarrollaron nuevos centros de cultura griega, especialmente en escultura, en Alejandría, Antioquía, Pérgamo y otras ciudades. En el siglo II a. C., el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega.

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Durante este período, la escultura volvió a experimentar un giro hacia el naturalismo. Los héroes de la creación de esculturas ahora se convirtieron en personas comunes y corrientes: hombres, mujeres con niños, animales y escenas domésticas. Muchas de las creaciones de esta época fueron encargadas por familias adineradas para decorar sus casas y jardines. Se crearon figuras realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sentían obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física.

Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgieron en Egipto, Siria y Anatolia necesitaban estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto llevó a que la escultura, al igual que la cerámica, se convirtiera en una industria, con la consiguiente estandarización y cierta disminución de la calidad. Es por eso que hasta el día de hoy han sobrevivido muchas más creaciones helenísticas que la era del período clásico.

Junto con el cambio natural hacia el naturalismo, también hubo un cambio en la expresión y encarnación emocional de las esculturas. Los héroes de las estatuas comenzaron a expresar más energía, coraje y fuerza. Una forma sencilla de apreciar este cambio de expresión es comparar las obras más famosas creadas durante el período helenístico con las esculturas de la fase clásica. Una de las obras maestras más famosas del período clásico es la escultura "El barquero de Delfos", que expresa humildad y sumisión. Al mismo tiempo, las esculturas del período helenístico reflejan fuerza y ​​​​energía, que se expresa especialmente en la obra "Jockey de Artemisia".

Las esculturas helenísticas más famosas del mundo son la Victoria Alada de Samotracia (siglo I a.C.) y la estatua de Afrodita de la isla de Melos, más conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a.C.). Estas estatuas representan temas y temas clásicos, pero su ejecución es mucho más sensual y emocional de lo que permitía el espíritu severo del período clásico y sus habilidades técnicas.

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La escultura helenística también experimentó un aumento de escala, que culminó con el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que los historiadores creen que era comparable en tamaño a la Estatua de la Libertad. Una serie de terremotos y robos destruyeron este patrimonio de la Antigua Grecia, como muchas otras obras importantes de este período, cuya existencia se describe en las obras literarias de los contemporáneos.

Después de las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se extendió a la India, como lo demuestran las excavaciones de Ai-Khanum en el este de Afganistán. El arte greco-budista representó una etapa intermedia entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX sobre la antigua ciudad egipcia de Heracles han revelado los restos de una estatua de Isis que data del siglo IV a.C.

La estatua representa a la diosa egipcia de una manera inusualmente sensual y sutil. Esto no es característico de los escultores de esa zona, porque la imagen es detallada y femenina, y simboliza la combinación de formas egipcias y helenísticas durante la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno.

¡La escultura griega antigua es la progenitora de todo el arte mundial! Hasta ahora, las obras maestras de la Antigua Grecia atraen a millones de turistas y conocedores del arte que buscan tocar su belleza y talento atemporales.

La cultura y el arte de los helenos siempre han atraído la atención de pueblos para los que ya eran historia. En la Edad Media, durante el Renacimiento y en los siglos de la modernidad, los artistas vieron en el arte de los antiguos griegos un maravilloso ejemplo, una fuente inagotable de sentimientos, pensamientos e inspiración. En todo momento, el hombre, con su característica curiosidad, buscó penetrar el misterio de la perfección del arte griego antiguo, intentando con razón y sentimiento comprender la esencia de los monumentos helénicos.

“Es necesario trasladarse a la época de Homero, convertirse en su contemporáneo, convivir con héroes y reyes pastores para comprenderlos bien. Luego Aquiles, que canta a los héroes con la lira y él mismo asa carneros, que se enfurece por el muerto Héctor. y su padre, Príamo, que tan generosamente le ofrece una cena y una noche en su bosque, no nos parecerá una figura fantástica, una imaginación exagerada, sino un hijo real, un perfecto representante de los grandes siglos heroicos, cuando la voluntad y la fuerza de la humanidad se desarrolló con toda libertad... Entonces el mundo, que existió durante tres mil años, no estará muerto y será ajeno a nosotros en todos los aspectos."

Tras la conquista por los dorios de las tribus aqueas, debilitadas en la guerra de Troya, sigue el período homérico en la historia del arte griego antiguo (siglos XI-VIII a. C.), caracterizado por un modo de vida patriarcal, la fragmentación de las pequeñas granjas y el primitivismo de la cultura que comenzaba a gestarse. De esta época casi no quedan monumentos arquitectónicos, ya que los materiales utilizados eran principalmente madera y sin cocer, pero sólo ladrillo en bruto secado al sol. Una idea de la arquitectura en sus orígenes sólo puede darnos los restos de cimientos mal conservados, dibujos en jarrones, urnas funerarias de terracota asemejadas a casas y templos, y algunas líneas de poemas de Homero:

"Amigo, ciertamente hemos llegado a la gloriosa casa de Odiseo,

Se puede reconocer fácilmente entre todas las demás casas:

Una larga fila de habitaciones, espaciosas, amplias y limpiamente pavimentadas.

Patio rodeado de almenas, puertas dobles.

Con un candado fuerte, a nadie se le ocurriría forzarlo”.

En esa época también se crearon esculturas raras, de forma simple y tamaño pequeño. Se generalizó especialmente la decoración de vasijas, que los antiguos griegos trataban no solo como objetos necesarios en la vida cotidiana. En una variedad de formas cerámicas, a veces extrañas, simples pero expresivas.

En las formas y diseños de jarrones que surgieron antes del siglo IX a.C. e., apareció la sencillez de expresar los sentimientos de las personas que los crearon. Las vasijas solían estar cubiertas con adornos en forma de figuras simples: círculos, triángulos, cuadrados, rombos. Con el tiempo, los patrones de las vasijas se volvieron más complejos y sus formas se volvieron más diversas. A finales del siglo IX - principios del VIII a.C. mi. Aparecieron jarrones con la superficie completamente llena de adornos. El cuerpo del ánfora del Museo de Artes Aplicadas de Múnich está dividido en finos cinturones: frisos pintados con figuras geométricas, como encajes sobre una vasija. El antiguo artista decidió mostrar en la superficie de esta ánfora, además de patrones, animales y pájaros, para lo cual destacó frisos especiales, ubicados uno en la parte superior de la garganta, otro al comienzo del cuerpo y el tercero. cerca del fondo. El principio de repetición, característico de las primeras etapas del desarrollo del arte de diferentes pueblos, también aparece entre los griegos en las pinturas cerámicas, el pintor de vasijas utilizó aquí, en particular, la repetición en la representación de animales y pájaros. Sin embargo, incluso en composiciones simples, las diferencias se notan en la garganta, el cuerpo y el trasero. En la corola los ciervos están tranquilos; pastan pacíficamente, mordisqueando la hierba. En el lugar del cuerpo donde los brazos comienzan a elevarse y la forma del vaso cambia bruscamente, los animales se muestran de manera diferente, como alarmados, volvieron la cabeza hacia atrás y se animaron. La alteración del suave ritmo de la línea de contorno del barco se refleja en la imagen del gamo.

El ánfora Dipylon data del siglo VIII y sirvió como lápida en el cementerio de Atenas. Sus formas monumentales son expresivas; El cuerpo es ancho y macizo, y la garganta alta se eleva con orgullo. No parece menos majestuoso que la esbelta columna de un templo o la estatua de un poderoso atleta. Toda su superficie está dividida en frisos, cada uno de los cuales tiene su propio patrón, con un meandro de varios tipos que se repite con frecuencia. La representación de animales en los frisos sigue el mismo principio que en el ánfora de Múnich. En el punto más amplio hay una escena de despedida del difunto. A derecha e izquierda del difunto hay dolientes con las manos entrelazadas sobre la cabeza. La tristeza de los dibujos de los jarrones que sirvieron de lápidas es sumamente contenida. Los sentimientos aquí presentados parecen duros, cercanos a los que experimentó Odiseo al escuchar la apasionante historia de Penélope, que lloraba y aún no lo había reconocido:

"Pero como cuernos o hierro, los ojos permanecían inmóviles.

Durante siglos. ¡Y no soltó lágrimas, teniendo cuidado!

En el laconismo de las pinturas de los siglos X-VIII se formaron cualidades que luego se desarrollaron en las formas plásticamente ricas del arte griego. Esta época fue una escuela para los artistas griegos: la estricta claridad de los dibujos de estilo geométrico se debe a la armonía sobria de las imágenes arcaicas y clásicas.

El estilo geométrico manifestaba los sentimientos estéticos de las personas que iniciaban su viaje hacia la cima de la civilización y que posteriormente crearon monumentos que eclipsaron la gloria de las pirámides egipcias y los palacios de Babilonia. La determinación y la compostura interior de los helenos en ese momento encontraron eco en el extremo laconismo de las pinturas con un ritmo inexorable, claridad y nitidez de líneas. El carácter convencional de las imágenes y la sencillez de las formas son resultado no de la sofisticación, sino del deseo de expresar con un signo gráfico el concepto general de algún objeto muy concreto del mundo real. La limitación de este principio de imagen reside en la ausencia de características específicas e individuales de la imagen. Su valor radica en el hecho de que una persona en una etapa temprana de desarrollo comienza a introducir un elemento de sistema y orden en un mundo que todavía parece incomprensible y caótico. Las imágenes esquemáticas de la geometría se saturarán en el futuro con una concreción cada vez mayor, pero los artistas griegos no perderán el principio de generalización logrado en este arte. En este sentido, las pinturas del período homérico son los primeros pasos en el desarrollo del pensamiento artístico antiguo.

El arte ático, representado por los jarrones de Dipilonia, combina felizmente formas desarrolladas durante siglos en diversas regiones de Grecia: en las islas, en los centros dóricos y en Beocia. En el Ática se crean vasijas especialmente hermosas con pinturas elocuentes y vivaces. En Argos las composiciones son extremadamente lacónicas, en Beocia son expresivas y en las islas del mar Egeo son elegantes. Pero todas las escuelas de arte, cuya originalidad ya era evidente en el período homérico, y especialmente en el ático, se caracterizan por cualidades comunes: un aumento del interés por la imagen humana, el deseo de una correspondencia armoniosa de las formas y la claridad de la composición. .

La escultura de estilo geométrico no tiene menos originalidad que la pintura de jarrones. Pequeñas decoraciones de plástico decoraban la cerámica, cuando se colocaban figuras de animales hechas de arcilla o bronce en las tapas de los recipientes y servían como asas. También había figuras de culto no asociadas con vasijas, que estaban dedicadas a deidades, colocadas en templos o destinadas a tumbas. En la mayoría de los casos se trataba de figuras hechas de arcilla cocida con solo rasgos faciales y extremidades delineados. Sólo ocasionalmente los escultores asumieron tareas complejas y las resolvieron utilizando métodos bastante originales de su estilo. En su mayor parte, las figuras geométricas están destinadas a verse de perfil y parecen planas, similares a las imágenes de los jarrones. La silueta es de gran importancia en ellos; sólo más tarde comenzará a despertar el interés del maestro por el volumen. Los elementos de la comprensión plástica del mundo por parte del artista sólo se esbozan.

En la escultura de estilo geométrico, todavía son raras las obras de carácter narrativo, como la imagen de bronce de un centauro y un hombre, conservada en el Museo Metropolitano de Nueva York, diseñada para ser vista de lado. Sin embargo, ya aquí se puede observar claramente lo que aparecerá más tarde en el arcaico griego: la desnudez de la figura masculina, los músculos acentuados de las caderas y los hombros.

En la segunda mitad del siglo VIII a.C. mi. En el estilo geométrico aparecen rasgos que indican un rechazo de sus estrictas reglas. Existe el deseo de mostrar la figura de una persona, un animal, varios objetos, no de forma esquemática, sino más vívida. Esto puede verse como el comienzo de un alejamiento de las convenciones de pinturas y esculturas. Poco a poco, los maestros griegos pasan a imágenes más vivas y vitalmente concretas. Ya en el declive del estilo geométrico, surgieron los primeros signos de un proceso que conduciría desde la convencionalidad de las formas de la antigüedad temprana en el estilo geométrico a la máxima concreción de la reproducción del mundo en los monumentos de la Antigüedad tardía. Con el surgimiento de ideas humanas más maduras sobre el mundo, aparece la necesidad de una imagen no esquemática, sino detallada, lo que lleva a una crisis en el estilo geométrico y al surgimiento de nuevas formas en los monumentos del período arcaico del siglo VII. Siglos VI a.C. mi.

La masividad de los volúmenes plásticos en la escultura arcaica suele verse suavizada por detalles decorativos y coloridos. Los rizos del cabello de Medusa, los giros de sus serpientes, las trenzas, los rizos que descienden sobre el pecho del monstruo están todos diseñados de forma ornamental. Las serpientes que rodean a Medusa forman un patrón intrincado y complejo. Panteras depredadoras pero no aterradoras, cuya piel estaba cubierta con círculos de colores brillantes, tienen la espalda tocando el techo y se perciben como sus soportes. Aquí, como en otras composiciones de frontones arcaicos, se nota la fuerte subordinación de la escultura a la arquitectura. Los personajes de las esquinas suelen ser de menor tamaño que los centrales; Hay una preferencia por la simetría con énfasis en la figura del medio ubicada debajo de la cresta del frontón. Se han conservado algunas composiciones de frontones de templos que en tiempos arcaicos se encontraban en la Acrópolis de Atenas. Se considera que una de las más antiguas es la imagen de Hércules derrotando a la hidra de Lerna. Hércules, luchando contra el monstruo marino Tritón, en otro templo de la Acrópolis, el Hekatompedon, aparece inclinándose e inmovilizando al enemigo en el suelo. A este templo también se le atribuye la estatua de un tritopator, un demonio bueno con tres torsos humanos. Los rostros pacíficos y acogedores del demonio tienen un color bien conservado, el cabello de la cabeza y la barba son azules, sus ojos son verdes, sus orejas, labios y mejillas son rojos. Gruesas capas de pintura ocultaban la rugosidad de la piedra caliza (porosidad).

El tema principal del arte griego es, ante todo, el hombre, representado como un dios, un héroe, un atleta. Ya al ​​comienzo del período arcaico se produjo un breve estallido de gigantismo en la representación del hombre a finales del siglo VII a.C. mi. en Fazos, Naxos, Delos. En los monumentos escultóricos arcaicos, la plasticidad está aumentando, reemplazando el esquematismo inherente a las imágenes geométricas. Este rasgo aparece en la figura de bronce de Apolo de Tebas, donde se notan la redondez de los hombros, las caderas y la sobria ornamentación del cabello.

A mediados del siglo VII a.C. mi. Los escultores recurren al mármol, el material más adecuado para representar el cuerpo humano, ligeramente transparente en la superficie, a veces blanco, a veces cremoso y con una hermosa pátina, que evoca una sensación de realidad corporal. Los artesanos están empezando a alejarse de las convenciones que se reforzaron con el uso de piedra caliza coloreada.

Una de las primeras estatuas de mármol encontradas en el principal centro religioso de los griegos, Delos, la estatua de Artemisa, está llena de un enorme poder de influencia. La imagen es sencilla y al mismo tiempo monumental y solemne. La simetría aparece en todo: el cabello se divide en cuatro hileras de rizos a izquierda y derecha, los brazos están apretados contra el cuerpo. Con el mayor laconismo de formas, el maestro logra la impresión de la tranquila autoridad de la deidad.

El deseo de mostrar en escultura a una persona bella y perfecta, ya sea victoriosa en una competición, ya sea valientemente muerta en la batalla por su ciudad natal, o con la fuerza y ​​​​la belleza de una deidad, llevó a la aparición a finales del siglo VII del mármol. esculturas de hombres jóvenes desnudos - kouros. Kleobis y Biton están representados por Polimedes de Argos como musculosos, fuertes y seguros de sí mismos. Los escultores comienzan a representar la figura en movimiento y los jóvenes dan un paso adelante con el pie izquierdo.

Los maestros arcaicos desean transmitir el movimiento de los sentimientos, una sonrisa en el rostro de una persona o deidad. Una sonrisa ingenua y arcaica toca los rasgos de Hera, cuya gran cabeza tallada en piedra caliza fue encontrada en Olimpia. La maestra mostró la curva de sus labios, tal vez porque al mirar la alta estatua desde abajo, sus contornos parecían estrictos.

Los maestros del Arcaico tardío recurren a tareas plásticas complejas, tratando de mostrar a una persona en acción: galopar sobre un caballo o llevar un animal al altar.

La estatua de mármol de Moschophorus representa a un griego con un becerro obedientemente acostado sobre sus hombros. El rostro del ateniense se ilumina con un resplandor de alegría. Parece que no está sacrificando un becerro, sino dedicando sus sentimientos más preciados a la deidad.

Artistas de los siglos VII-VI a.C. mi. Se utilizaron diversos materiales. Crearon sus composiciones sobre metopas de arcilla, tablas de madera (escena del sacrificio de Sikyon), pequeñas tablillas de arcilla dedicadas a los dioses (Atenas), paredes de sarcófagos de arcilla pintada (Clazomenae), sobre lápidas de piedra caliza y mármol (Estela de Lisias, estela de Sounion). ). Pero no han sobrevivido muchos de estos monumentos, donde la pintura se aplicó sobre una superficie plana, y los dibujos en las superficies esféricas de jarrones cocidos, que contribuyeron a la durabilidad de la pintura, sobrevivieron mejor.

A finales del siglo VIII a.C. mi. Se formaron nuevos gustos e intereses en la sociedad griega. Las imágenes geométricas convencionales y simplificadas ya no son satisfactorias; en dibujos sobre jarrones de artistas del siglo VII a.C. mi. Comenzó a introducir abundantemente motivos vegetales y escenas argumentales. La proximidad del Asia Menor Oriental se expresó en composiciones decorativas y coloridas, que dieron nombre al estilo de pintura de vasijas del siglo VII a.C. mi. orientalizante o alfombra. Se fabricaron vasijas artísticamente perfectas en Creta, las islas de Delos, Melos, Rodas y en las ciudades de Asia Menor. Un importante centro para la producción de jarrones en el siglo VII y principios del VI fue la ciudad de Corinto, y en el siglo VI, Atenas.

En el siglo VII, las formas de los jarrones se volvieron más diversas, pero hubo una notable tendencia hacia los contornos redondeados. Un aumento similar en la riqueza de los volúmenes se produjo en la escultura y la arquitectura. Los finos soportes de madera dieron paso a regordetas columnas de piedra con éntasis. La técnica de aplicar diseños a los jarrones del siglo VII también se volvió más compleja y la paleta del artista se enriqueció. Además del barniz negro, se utilizó pintura blanca, violeta de distintos tonos y rayados para indicar detalles.

Apolo con las musas y Artemisa representados en la vasija de Melian no se muestran de forma tan esquemática como en las composiciones geométricas. En las pinturas de esta época se nota la admiración de los maestros por los colores brillantes del mundo. Los dibujos son tan decorativos y ricos en adornos, como los himnos homéricos de esa época, llenos de llamativos epítetos. Hay menos masculinidad en ellas que en las escenas geométricas, pero el principio lírico es más fuerte. La naturaleza de las composiciones sobre jarrones de esta época está en sintonía con la poesía de Safo.

En la gracia de los patrones de palmetas, círculos, cuadrados, meandros, zarcillos en espiral, aparece el aroma de la naturaleza estilizada, transmitido por el sentido del decorador-pintor de jarrones. La ornamentalidad, que constituye un rasgo distintivo de los dibujos de este período, impregna las imágenes figuradas y las absorbe, disolviéndolas en los ritmos melodiosos de sus motivos. Los contornos de personas y animales son ornamentales, y los espacios entre figuras y objetos están cuidadosamente llenos de patrones.

Las pinturas de los barcos isleños parecen una alfombra de colores. La superficie de la jugosa y regordeta jarra Odos (oinochoi) está dividida en frisos, franjas sobre las que sobresalen regularmente animales. Los jarrones Odos representan especialmente a menudo animales y pájaros pastando o persiguiéndose tranquilamente, a veces reales, pero a menudo fantásticos: esfinges, sirenas con hermosas líneas dinámicas de contornos elásticos.

Las ciudades del mundo antiguo generalmente aparecían cerca de una roca alta, y sobre ella se construía una ciudadela, para que hubiera un lugar donde esconderse si el enemigo penetraba en la ciudad. Esta ciudadela se llamaba acrópolis. Del mismo modo, sobre una roca que se elevaba casi 150 metros sobre Atenas y que durante mucho tiempo había servido como estructura defensiva natural, poco a poco se fue formando una ciudad alta en forma de fortaleza (acrópolis) con diversas estructuras defensivas, públicas y religiosas.
La Acrópolis de Atenas comenzó a construirse en el segundo milenio antes de Cristo. Durante las Guerras Greco-Persas (480-479 a.C.) fue completamente destruido, posteriormente, bajo la dirección del escultor y arquitecto Fidias, se inició su restauración y reconstrucción;
La Acrópolis es uno de esos lugares “sobre los cuales todo el mundo insiste en que son magníficos y únicos. Pero no preguntes por qué. Nadie puede responderte…” Se puede medir, incluso se pueden contar todas sus piedras. No es gran cosa recorrerlo de principio a fin: sólo lleva unos minutos. Los muros de la Acrópolis son empinados y escarpados. En esta colina rocosa aún se conservan cuatro grandes creaciones. Un amplio camino en zigzag discurre desde la base de la colina hasta la única entrada. Se trata de los Propileos, una puerta monumental con columnas de estilo dórico y una amplia escalera. Fueron construidos por el arquitecto Mnesicles en el 437-432 a.C. Pero antes de entrar por estas majestuosas puertas de mármol, todos giraron involuntariamente hacia la derecha. Allí, sobre el alto pedestal del bastión que una vez protegió la entrada a la acrópolis, se encuentra el templo de la diosa de la victoria Nike Apteros, decorado con columnas jónicas. Se trata de obra del arquitecto Calícrates (segunda mitad del siglo V a.C.). El templo, luminoso, aireado e inusualmente hermoso, destacaba por su blancura sobre el fondo azul del cielo. Este frágil edificio, que parece un elegante juguete de mármol, parece sonreír y hace sonreír afectuosamente a los transeúntes.
Los dioses inquietos, ardientes y activos de Grecia se parecían a los propios griegos. Es cierto que eran más altos, podían volar por el aire, adoptar cualquier forma y convertirse en animales y plantas. Pero en todo lo demás se comportaban como gente corriente: se casaban, se engañaban unos a otros, se peleaban, hacían las paces, castigaban a los niños...

Templo de Deméter, constructores desconocidos, siglo VI. ANTES DE CRISTO Olimpia

Templo de Nike Apteros, arquitecto Kallikrates, 449-421 a.C. Atenas

Propileos, arquitecto Mnesical, 437-432 a.C. Atenas

La diosa de la victoria Nike fue representada como una mujer hermosa con grandes alas: la victoria es voluble y vuela de un oponente a otro. Los atenienses la representaron sin alas para que no abandonara la ciudad que recientemente había obtenido una gran victoria sobre los persas. Privada de alas, la diosa ya no podía volar y tuvo que permanecer en Atenas para siempre.
El templo de Nika se encuentra sobre un saliente rocoso. Está ligeramente girado hacia los Propileos y cumple la función de faro para las procesiones que rodean la roca.
Inmediatamente más allá de los Propileos, estaba orgullosa Atenea la Guerrera, cuya lanza saludó al viajero desde lejos y sirvió como faro para los marineros. La inscripción en el pedestal de piedra decía: "Los atenienses se dedicaron a la victoria sobre los persas". Esto significaba que la estatua estaba hecha de armas de bronce tomadas a los persas como resultado de sus victorias.
En la Acrópolis también se encontraba el conjunto del templo del Erecteión, que (según el plan de sus creadores) debía conectar varios santuarios ubicados en diferentes niveles; la roca aquí es muy desigual. El pórtico norte del Erecteion conducía al santuario de Atenea, donde se guardaba una estatua de madera de la diosa, supuestamente caída del cielo. La puerta del santuario daba a un pequeño patio donde crecía el único olivo sagrado de toda la Acrópolis, que se levantó cuando Atenea tocó con su espada la roca en ese lugar. A través del pórtico oriental se podía acceder al santuario de Poseidón, donde éste, tras golpear la roca con su tridente, dejó tres surcos con agua borboteante. Aquí también se encontraba el santuario de Erecteo, venerado a la par de Poseidón.
La parte central del templo es una sala rectangular (24,1x13,1 metros). El templo también contenía la tumba y el santuario del primer rey legendario de Ática, Cecrops. En el lado sur del Erecteion se encuentra el famoso pórtico de las cariátides: en el borde de la pared, seis muchachas talladas en mármol sostienen el techo. Algunos estudiosos sugieren que el pórtico servía como tribuna para ciudadanos respetables o que los sacerdotes se reunían aquí para ceremonias religiosas. Pero el propósito exacto del pórtico aún no está claro, porque “pórtico” significa vestíbulo, y en este caso el pórtico no tenía puertas y desde aquí es imposible entrar al templo. Las figuras del pórtico de las cariátides son esencialmente soportes que sustituyen a un pilar o columna y transmiten también a la perfección la ligereza y flexibilidad de las figuras infantiles. Los turcos, que alguna vez capturaron Atenas y, debido a sus creencias musulmanas, no permitían imágenes de personas, no destruyeron estas estatuas. Se limitaron a cortarles la cara a las niñas.

Erecteion, constructores desconocidos, 421-407 a.C. Atenas

Partenón, arquitectos Ictinus, Calícrates, 447-432 a.C. Atenas

En 1803, Lord Elgin, embajador inglés en Constantinopla y coleccionista, con el permiso del sultán turco, rompió una de las cariátides del templo y la llevó a Inglaterra, donde la ofreció al Museo Británico. Interpretando demasiado ampliamente el firman del sultán turco, también se llevó consigo muchas de las esculturas de Fidias y las vendió por 35.000 libras esterlinas. Firman afirmó que “nadie debería impedirle que se lleve de la Acrópolis algunas piedras con inscripciones o figuras”. Elgin llenó 201 cajas con esas “piedras”. Como él mismo afirmó, tomó sólo aquellas esculturas que ya habían caído o estaban en peligro de caerse, aparentemente para salvarlas de la destrucción final. Pero Byron también lo llamó ladrón. Posteriormente (durante la restauración del pórtico de las cariátides en 1845-1847), el Museo Británico envió a Atenas un molde en yeso de la estatua que se llevó Lord Elgin. Posteriormente, el molde fue reemplazado por una copia más duradera hecha de piedra artificial, fabricada en Inglaterra.
A finales del siglo pasado, el gobierno griego exigió a Inglaterra que le devolviera sus tesoros, pero recibió la respuesta de que el clima de Londres era más favorable para ellos.
A principios de nuestro milenio, cuando Grecia fue transferida a Bizancio durante la división del Imperio Romano, el Erecteion se convirtió en un templo cristiano. Más tarde, los cruzados, que capturaron Atenas, convirtieron el templo en un palacio ducal, y durante la conquista turca de Atenas en 1458, se instaló un harén del comandante de la fortaleza en el Erecteion. Durante la guerra de liberación de 1821-1827, griegos y turcos se turnaron para asediar la Acrópolis y bombardear sus estructuras, incluido el Erecteion.
En 1830 (después de la proclamación de la independencia griega), en el lugar del Erecteion sólo se podían encontrar cimientos, así como decoraciones arquitectónicas tiradas en el suelo. Heinrich Schliemann proporcionó los fondos para la restauración de este conjunto de templos (así como para la restauración de muchas otras estructuras de la Acrópolis). Su colaborador más cercano, V. Derpfeld, midió y comparó cuidadosamente los fragmentos antiguos; a finales de los años 70 del siglo pasado ya estaba planeando restaurar el Erecteion. Pero esta reconstrucción fue objeto de duras críticas y el templo fue desmantelado. El edificio fue reconstruido bajo la dirección del famoso científico griego P. Kavadias en 1906 y finalmente restaurado en 1922.

"Venus de Milo" Agessander(?), 120 a.C. Louvre, París

"Laocoonte" Agessander, Polydorus, Athenodorus, c.40 a.C. Grecia, Olimpia

"Hércules de Farnesio" ca. 200 aC e., Nat. museo, Nápoles

"Amazona herida" Policleto, 440 a.C. Nacional museo roma

El Partenón, el templo de la diosa Atenea, es la estructura más grande de la Acrópolis y la creación más bella de la arquitectura griega. No se encuentra en el centro de la plaza, sino un poco a un lado, de modo que se pueden contemplar inmediatamente las fachadas frontal y lateral y comprender la belleza del templo en su conjunto. Los antiguos griegos creían que el templo con la estatua principal de culto en el centro representaba la casa de la deidad. El Partenón es el templo de Atenea la Virgen (Partenos), por lo que en su centro había una estatua crisoelefantina (hecha de placas de marfil y oro sobre una base de madera) de la diosa.
El Partenón fue erigido entre el 447 y el 432 a.C. arquitectos Ictinus y Callicrates del mármol pentélico. Estaba ubicado en una terraza de cuatro niveles, el tamaño de su base era de 69,5 x 30,9 metros. El Partenón está rodeado por cuatro lados por esbeltas columnatas; entre sus troncos de mármol blanco se ven huecos de cielo azul. Totalmente impregnado de luz, parece aireado y luminoso. No hay diseños brillantes en las columnas blancas, como se encuentra en los templos egipcios. Sólo las ranuras longitudinales (flautas) los cubren de arriba a abajo, lo que hace que la sien parezca más alta e incluso más delgada. Las columnas deben su esbeltez y ligereza a que se estrechan ligeramente hacia arriba. En la parte media del tronco, nada perceptibles a la vista, se espesan y esto les hace parecer elásticos, más capaces de soportar el peso de los bloques de piedra. Iktin y Calícrates, habiendo pensado en cada detalle, crearon un edificio que sorprende por su asombrosa proporcionalidad, extrema simplicidad y pureza de todas las líneas. Situado en la plataforma superior de la Acrópolis, a una altitud de unos 150 metros sobre el nivel del mar, el Partenón era visible no sólo desde cualquier punto de la ciudad, sino también desde numerosos barcos que navegaban hacia Atenas. El templo era un perímetro dórico rodeado por una columnata de 46 columnas.

"Afrodita y Pan" 100 a.C., Delfos, Grecia

"Diana la Cazadora" Leochard, c.340 a.C., Louvre, París, Francia

"Hermes descansando" Lisipo, siglo IV. ANTES DE CRISTO BC, Museo Nacional, Nápoles

"Hércules luchando contra el león" Lisipo, c. 330 aC Ermita, San Petersburgo

"Atlas Farnesio" c.200 a.C., Nat. museo, Nápoles

Los maestros más famosos participaron en el diseño escultórico del Partenón. El director artístico de la construcción y decoración del Partenón fue Fidias, uno de los más grandes escultores de todos los tiempos. Es responsable de la composición general y del desarrollo de toda la decoración escultórica, parte de la cual realizó él mismo. La parte organizativa de la construcción estuvo a cargo de Pericles, el estadista más grande de Atenas.
Todo el diseño escultórico del Partenón tenía como objetivo glorificar a la diosa Atenea y su ciudad: Atenas. El tema del frontón oriental es el nacimiento de la amada hija de Zeus. En el frontón occidental, el maestro representó una escena de una disputa entre Atenea y Poseidón por el dominio sobre el Ática. Según el mito, Atenea ganó la disputa y regaló un olivo a los habitantes de este país.
Los dioses de Grecia se reunieron en los frontones del Partenón: el trueno Zeus, el poderoso gobernante de los mares Poseidón, la sabia guerrera Atenea, la alada Nike. La decoración escultórica del Partenón se completaba con un friso que representaba una procesión solemne durante la festividad de las Grandes Panateneas. Este friso está considerado uno de los pináculos del arte clásico. A pesar de toda su unidad compositiva, asombró por su diversidad. De las más de 500 figuras de jóvenes, ancianos y muchachas, a pie y a caballo, ninguna repetía los movimientos de personas y animales con un dinamismo asombroso.
Las figuras del relieve escultórico griego no son planas, tienen el volumen y la forma del cuerpo humano. Se diferencian de las estatuas sólo en que no están procesadas por todos lados, sino que parecen fusionarse con el fondo formado por la superficie plana de la piedra. Los colores claros animaron el mármol del Partenón. El fondo rojo enfatizaba la blancura de las figuras, los estrechos salientes verticales que separaban una losa del friso de la otra destacaban claramente en azul y el dorado brillaba intensamente. Detrás de las columnas, sobre una cinta de mármol que rodeaba las cuatro fachadas del edificio, estaba representada una procesión festiva. Aquí casi no hay dioses, y las personas, grabadas para siempre en la piedra, se movían a lo largo de los dos lados longitudinales del edificio y se unían en la fachada oriental, donde tuvo lugar una ceremonia solemne para presentar al sacerdote una túnica tejida por muchachas atenienses para el diosa. Cada figura se caracteriza por su belleza única y todas juntas reflejan fielmente la verdadera vida y costumbres de la antigua ciudad.

De hecho, una vez cada cinco años, en uno de los días calurosos de mediados de verano, se celebraba en Atenas una celebración nacional en honor del nacimiento de la diosa Atenea. Se llamó la Gran Panatenea. En él participaron no sólo los ciudadanos del estado ateniense, sino también muchos invitados. La celebración consistió en una solemne procesión (bomba), la traída de una hecatombe (100 cabezas de ganado) y una comida común, concursos deportivos, ecuestres y musicales. El ganador recibió un ánfora especial llamada Panatenaica, llena de aceite, y una corona hecha con las hojas del olivo sagrado que crece en la Acrópolis.

El momento más solemne de la festividad fue la procesión nacional a la Acrópolis. Se movían jinetes a caballo, estadistas, guerreros con armadura y jóvenes atletas caminaban. Los sacerdotes y los nobles caminaban con largas túnicas blancas, los heraldos alababan en voz alta a la diosa, los músicos llenaban el aire todavía fresco de la mañana con sonidos alegres. A lo largo de la zigzagueante carretera Panatenaica, pisoteada por miles de personas, los animales sacrificados subían a la alta colina de la Acrópolis. Los niños y niñas llevaban consigo un modelo del barco sagrado Panatenaico con un peplos (velo) atado a su mástil. Una ligera brisa agitaba la tela brillante de la túnica amarillo violeta, que las muchachas nobles de la ciudad llevaban como regalo a la diosa Atenea. Durante todo un año lo tejieron y bordaron. Otras muchachas levantaban por encima de sus cabezas vasijas sagradas para los sacrificios. Poco a poco la procesión se acercó al Partenón. La entrada al templo no se hizo desde los Propileos, sino desde el otro, como para que todos primero caminaran, examinaran y apreciaran la belleza de todas las partes del hermoso edificio. A diferencia de las iglesias cristianas, las antiguas griegas no estaban destinadas al culto dentro de ellas; la gente permanecía fuera del templo durante las actividades religiosas. En las profundidades del templo, rodeado por tres lados por columnatas de dos niveles, se alzaba orgullosa la famosa estatua de la Virgen Atenea, creada por el famoso Fidias. Su ropa, casco y escudo estaban hechos de oro puro y resplandeciente, y su rostro y manos brillaban con la blancura del marfil.

Se han escrito muchos volúmenes de libros sobre el Partenón, entre ellos hay monografías sobre cada una de sus esculturas y sobre cada paso de decadencia gradual desde el momento en que, tras el decreto de Teodosio I, se convirtió en templo cristiano. En el siglo XV, los turcos la convirtieron en mezquita y en el siglo XVII en almacén de pólvora. La guerra turco-veneciana de 1687 la convirtió en ruinas definitivas, cuando un proyectil de artillería la alcanzó y en un momento hizo lo que el tiempo que todo lo consumía no pudo hacer en 2000 años.

• Etapas de desarrollo de la escultura griega antigua:

• Arcaico

• Clásico

• helenismo

LADRAR(del griego kore - niña),

• LADRAR(del griego kore - niña),

• 1) entre los antiguos griegos el nombre de culto de la diosa Perséfone.

• 2) En el arte griego antiguo hay una estatua de una niña erguida que lleva una túnica larga.

• KUROS- en el arte del arcaísmo griego antiguo

• - una estatua de un joven deportista (normalmente desnudo).

Kurós

Esculturas de Kouros

• La altura de la estatua es de hasta 3 metros;

• Encarnaban el ideal de la belleza masculina,

• fuerza y ​​​​salud;

• La figura de un joven erguido con

• pie adelante, manos apretadas

• en puños y extendidos a lo largo del cuerpo.

• Los rostros carecen de individualidad;

• Expuesto en lugares públicos, en

• cerca de templos;

Ladrar

Esculturas

• Encarnaban la sofisticación y la sofisticación;

• Las poses son monótonas y estáticas;

• Chitones y mantos con hermosos diseños de

• líneas onduladas paralelas y un borde a lo largo

• bordes;

• El cabello está rizado y recogido

• tiaras.

• Hay una sonrisa misteriosa en tu cara

• 1. Himno a la grandeza y poder espiritual del Hombre;

• 2. Imagen favorita: un joven esbelto de constitución atlética;

• 3. La apariencia espiritual y física son armoniosas, no hay nada superfluo, “nada en exceso”.

Escultor Policleto. Doríforo (siglo V a.C.)

• quiasmo,

• en las artes visuales

• imagen de arte

• valor humano

• figura apoyada en

• una pierna: en este caso, si

• se levanta el hombro derecho, luego

• la cadera derecha se deja caer y

• viceversa.

Proporciones ideales del cuerpo humano:

• La cabeza constituye 1/7 de la altura total;

• Cara y manos 1/10 parte

• Pie – 1/6 parte

Escultor Mirón. Lanzador de disco. (Siglo V a.C.)

• El primer intento de la escultura griega de romper el cautiverio de la inmovilidad. El movimiento se transmite sólo cuando se mira la figura de frente. Visto de lado, la postura del atleta se percibe algo extraña y la expresión del movimiento es difícil de discernir.

siglo IV ANTES DE CRISTO

• siglo IV ANTES DE CRISTO

• 1. Nos esforzamos por transmitir acciones enérgicas;

• 2. Transmitió los sentimientos y vivencias de una persona:

• - pasión

• - tristeza

• - soñar despierto

• - enamorarse

• - furia

• - desesperación

• - sufrimiento

• - dolor

Escopas (420-355 a.C.)

• Skópas.

• Ménade. siglo IV ANTES DE CRISTO Skópas.

• Cabeza de un guerrero herido.

Skópas.

• Skópas.

• Batalla de los griegos y las amazonas .

• Detalle en relieve del mausoleo de Halicarnaso.

Praxíteles (390 -330 a.C.)

• Entró en la historia de la escultura como

• una cantante inspirada de la belleza femenina.

• Según la leyenda, Praxíteles creó dos

• estatuas de Afrodita, representadas en una

• en uno de ellos hay una diosa vestida, y en el otro -

• desnudo. Afrodita en túnica

• adquirido por los habitantes de la isla de Kos, y

• desnudo fue instalado en

• una de las plazas principales de la isla

• Knidos, de toda Grecia

• los fans empezaron a llegar

• la famosa creación del escultor,

• aumentando la gloria de la ciudad.

Lisipo.

• Lisipo.

• la cabeza de alejandro

• Macedonia alrededor del 330 a.C.

Lisipo.

• Lisipo.

• "Hermes descansando"

• Segunda mitad del siglo IV. ANTES DE CRISTO mi.

Leohar

• Leohar.

• "Apolo Belvedere".

• Mediados del siglo IV ANTES DE CRISTO mi.

HELENISMO

• HELENISMO, período de la historia de los países del Mediterráneo oriental desde la época de las campañas de Alejandro Magno (334-323 a. C.) hasta la conquista de estos países por Roma, que finalizó en el 30 a. mi. sometimiento de Egipto.

• En escultura:

• 1. Emoción y tensión en los rostros;

• 2. Un torbellino de sentimientos y vivencias en imágenes;

• 3. Ensoñación de imágenes;

• 4. Perfección armónica y solemnidad

Nike de Samotracia. Principios del siglo II ANTES DE CRISTO Louvre, París

• A la hora de mi delirio nocturno

• Apareces ante mis ojos.

• Victoria de Samotracia

• Con los brazos extendidos hacia adelante.

• Ahuyentando el silencio de la noche,

• Da a luz a mareos.

• Tu alado, ciego,

• Deseo imparable.

• En tu increíblemente brillante

• mirada

• Algo se ríe, arde,

• Y nuestras sombras corren detrás de nosotros,

• No puedo seguirles el ritmo.

Agessandr. Venus (Afrodita) de Milo. 120 aC Mármol.

Agessandr. "La muerte de Laocoonte y sus hijos". Mármol. Alrededor del 50 a.C. mi.

Crucigrama

Horizontal : 1. La persona al frente de la monarquía (nombre general de reyes, reyes, emperadores, etc.). 2. En la mitología griega: un titán que sostiene la bóveda del cielo sobre sus hombros como castigo por luchar contra los dioses. 3. Nombre propio de un griego. 4. Escultor griego antiguo, autor de la “Cabeza de Atenea”, la estatua de Atenea en el Partenón. 5. Un diseño o patrón hecho de guijarros multicolores o trozos de vidrio unidos entre sí. 6. En la mitología griega: dios del fuego, patrón de los herreros. 7..Plaza del Mercado de Atenas. 8. En la mitología griega: dios de la viticultura y la elaboración del vino. 9. Poeta griego antiguo, autor de los poemas “Ilíada” y “Odisea”. 10. “Lugar de espectáculos”, donde se representaban tragedias y comedias.

Vertical : 11. Una persona que tiene el don de la palabra. 12. Península en el sureste de Grecia central, territorio del estado ateniense. 13. En la mitología griega: criaturas marinas con forma de pájaro con cabeza de mujer que atraen a los marineros con su canto. 14. La obra principal de Heródoto. 15. En la mitología griega antigua: un gigante tuerto. 16. Dibujar sobre yeso húmedo con pinturas. 17. Dios griego antiguo del comercio. 18. ¿El autor de la escultura “Venus de Milo”? 19. Autor de la escultura “Apolo Belvedere”.

La escultura de la antigua Grecia, como todo el arte antiguo, es un ejemplo especial, una artesanía estándar y un ideal único. El arte griego antiguo, y especialmente la escultura de la Antigua Grecia, tuvo una influencia muy significativa en el desarrollo de la cultura mundial. Fue la base sobre la que posteriormente creció la civilización europea. Las hermosas estatuas de los escultores griegos estaban hechas de piedra, piedra caliza, bronce, mármol, madera y decoradas con magníficas piezas de metales y piedras preciosas. Fueron instalados en las plazas principales de las ciudades, en las tumbas de griegos famosos, en templos e incluso en ricas casas griegas. El principio fundamental de la escultura en la Antigua Grecia era la combinación de belleza y fuerza, la idealización del hombre y su cuerpo. Los antiguos griegos creían que sólo un alma perfecta podía residir en un cuerpo perfecto e ideal.

El desarrollo de la escultura en la Antigua Grecia se puede dividir en tres etapas importantes. Esto es arcaico: siglos VI-VII antes de Cristo. Clásicos, que a su vez se pueden dividir en los períodos tempranos (principios del siglo V a. C.), grandes clásicos (finales del siglo V a. C.) y finales (del siglo VI a. C.). Y la última etapa es el helenismo. Además, a partir de las descripciones de los historiadores antiguos, se puede entender que existían esculturas de la Grecia homérica, pero hasta nuestros días solo han sobrevivido pequeñas figurillas y vasijas decoradas con pinturas. Cada una de estas etapas de la cultura griega tiene sus propias características únicas.

periodo arcaico
Durante este período, los artistas griegos antiguos buscaron crear una imagen ideal de un hombre y una mujer. La escultura estaba dominada por figuras de jóvenes guerreros desnudos llamados kouros. Debían mostrar el valor, la salud física y la fuerza de una persona, que se adquirían en las competiciones deportivas de la época. El segundo ejemplo de arte de este período fueron los ladridos. Se trata de chicas vestidas con ropa larga, que expresaban el ideal de feminidad y pureza prístina. En esta época apareció la llamada “sonrisa arcaica”, que espiritualizaba los rostros de las estatuas.

Ejemplos destacados de esculturas del período arcaico que se conservan son el "Kouros del Pireo", que hoy adorna el Museo de Atenas, así como la "Diosa de la granada" y la "Diosa de la liebre", conservadas en el Museo Estatal de Berlín. Muy famosa es la escultura de los hermanos Kleobis y Biton de Argos, que deleitan la vista de los amantes del arte griego en el Museo de Delfos.

En la época arcaica también ocupa un lugar importante la escultura monumental, en la que el relieve juega el papel principal. Se trata de composiciones escultóricas bastante grandes, que a menudo representan eventos descritos en los mitos de la antigua Grecia. Por ejemplo, en el frontón del Templo de Artemisa estaban representadas las acciones que tienen lugar en la historia conocida por todos desde la infancia sobre la Gorgona Medusa y el valiente Perseo.

Clásico temprano
Con la transición al período clásico, la inmovilidad, se podría decir, la naturaleza estática de las esculturas arcaicas, va siendo reemplazada gradualmente por figuras emocionales capturadas en movimiento. Aparece el llamado movimiento espacial. Las poses de las figuras son hasta ahora simples y naturales, por ejemplo, una niña que se desabrocha la sandalia o un corredor que se prepara para salir.
Quizás una de las estatuas más famosas de ese período sea el "Discobolus" de Myron, quien hizo una contribución muy significativa al arte de la Grecia clásica temprana. La figura fue fundida en bronce en el año 470 a. C. y representa a un atleta preparándose para lanzar un disco. Su cuerpo es perfecto y armonioso, y está listo para lanzarse al siguiente segundo.

Otro gran escultor de esa época fue Policleto. Su obra más famosa en la actualidad se llama Doríforo, creada entre 450 y 440 a.C. Este es un lancero, poderoso, reservado y lleno de dignidad. Está lleno de fuerza interior y, por así decirlo, muestra el deseo del pueblo griego de aquella época de sublimidad, armonía y paz. Desafortunadamente, los originales de estas esculturas de la Antigua Grecia, fundidas en bronce, no han sobrevivido hasta el día de hoy. Sólo podemos admirar sus copias realizadas en diversos materiales.

A principios del siglo XX, se encontró una estatua de bronce del dios Poseidón en el fondo del mar, cerca del cabo Artemision. Se le representa majestuoso, formidable, levantando la mano en la que sostenía el tridente. Esta estatua parece marcar la transición del período clásico temprano al período alto.

Alto clásico
La dirección de los grandes clásicos perseguía un doble objetivo. Por un lado, mostrar toda la belleza del movimiento en la escultura y, por otro, combinar la quietud exterior de la figura con el soplo interior de vida. El gran escultor Fidias logró combinar estas dos aspiraciones en su obra. Es famoso, en particular, por decorar el antiguo Partenón con hermosas esculturas de mármol.

También creó la magnífica obra maestra "Atenea Partenos", que, lamentablemente, desapareció en la antigüedad. En el Museo Nacional de Arqueología de Atenas sólo se puede ver una pequeña copia de esta estatua.
El gran artista creó muchas más obras maestras durante su vida creativa. Se trata de la estatua de Atenea Promachos en la Acrópolis, que sorprende por su enorme tamaño y grandeza, y, no menos colosal, la figura de Zeus en el Templo de Olimpia, que luego fue catalogada como una de las siete asombrosas maravillas del mundo. .
Debemos admitir con amargura que nuestra visión de la escultura griega antigua está lejos de la verdad. Es casi imposible ver las estatuas originales de esa época. Muchos de ellos fueron destruidos durante la redistribución del mundo mediterráneo. Y otra razón para la destrucción de estos mayores monumentos de arte fue su destrucción por parte de cristianos creyentes fanáticos. Solo nos quedan copias de ellos de maestros romanos de los siglos I-II d.C. y descripciones de historiadores antiguos.

Clásico tardío
En épocas que se remontan a los clásicos tardíos, la escultura de la Antigua Grecia comenzó a caracterizarse por los movimientos plásticos y la elaboración de los más mínimos detalles. Las figuras comenzaron a distinguirse por su gracia y flexibilidad, y comenzaron a aparecer los primeros cuerpos femeninos desnudos. Uno de los ejemplos sorprendentes de esta magnificencia es la estatua de Afrodita de Cnidos del escultor Praxíteles.

El antiguo escritor romano Plinio dijo que esta estatua era considerada la más bella de aquellos tiempos, y muchos peregrinos acudían a Cnido con ganas de verla. Esta es la primera obra en la que Praxíteles representa un cuerpo femenino desnudo. La historia interesante de esta estatua es que la escultura creó dos figuras: desnuda y vestida. Los habitantes de Kos, que encargaron la estatua de Afrodita, eligieron a la diosa vestida por miedo a correr riesgos, a pesar de toda la belleza de esta obra maestra. Y la escultura desnuda fue adquirida por los habitantes de la ciudad de Knidos, ubicada en Asia Menor, y gracias a ello se hicieron famosos.

Otro destacado representante del movimiento clásico tardío fue Skopas. Buscó expresar pasiones y emociones violentas en sus esculturas. Entre sus obras famosas se encuentran la estatua de Apolo Cifared, también Ares de la Villa Ludovisi, y la escultura llamada Niobides muriendo alrededor de su madre.

período helenístico
La época del helenismo se caracteriza por una influencia bastante poderosa de Oriente en todo el arte de Grecia. La escultura tampoco escapó a este destino. La sensualidad, el temperamento oriental y la emotividad comenzaron a penetrar en las poses majestuosas y la sublimidad de los clásicos. Los artistas comenzaron a complicar las esquinas y a utilizar lujosas cortinas. La belleza femenina desnuda ha dejado de ser algo insólito, blasfemo y provocativo.

En este momento, apareció una gran cantidad de estatuas diferentes de la diosa desnuda Afrodita o Venus. Una de las estatuas más famosas hasta el día de hoy sigue siendo la Venus de Milo, creada por el maestro Alejandro alrededor del año 120 a.C. Todos estamos acostumbrados a ver imágenes de ella sin manos, pero se cree que inicialmente la diosa sostenía con una mano la ropa que caía y en la otra sostenía una manzana. Su imagen combina ternura, fuerza y ​​belleza del cuerpo físico.

También son estatuas muy famosas de este período Afrodita de Cirene y Laocoonte y sus hijos. El último trabajo está lleno de fuertes emociones, drama y un realismo extraordinario.
El tema principal de la creatividad escultórica de la antigua Grecia, aparentemente, fue el hombre. Y, de hecho, en ningún otro lugar una persona era tan valorada como en aquella civilización griega tan antigua.

Con el desarrollo de la cultura, los escultores intentaron transmitir cada vez más sentimientos y emociones humanas a través de sus obras. Todas estas majestuosas obras maestras, creadas hace decenas de cientos de años, todavía atraen la atención de la gente y tienen un efecto fascinante e increíblemente impresionante en los amantes del arte moderno.

Conclusión
Es difícil distinguir un período concreto del desarrollo de la cultura griega antigua y no encontrar en él el rápido florecimiento de la escultura. Este tipo de arte se desarrolló y mejoró constantemente, alcanzando una belleza especial en la época clásica, pero aún después no se desvaneció y sigue siendo líder. Por supuesto, es posible correlacionar la escultura y la arquitectura de la antigua Grecia, pero sólo en comparación, es inaceptable identificarlas. Sí, esto es imposible, porque la escultura no es una estructura monumental, sino una obra maestra hábilmente esculpida. Muy a menudo, los escultores antiguos recurrían a la imagen de una persona.

En sus obras prestaron especial atención a las poses y al movimiento. Intentaron crear imágenes vivas, como si no fuera una piedra frente a nosotros, sino carne y sangre vivas. Y lo hicieron muy bien, principalmente por su enfoque responsable en los negocios. El conocimiento de la anatomía y las ideas generales sobre el carácter humano permitieron a los antiguos maestros griegos lograr lo que muchos escultores modernos aún no pueden comprender.