Lista de pinturas del artista Pierre Auguste Renoir. Las Musas de Renoir, o Himno a la Belleza Femenina: cuyos retratos pintó el artista a lo largo de su vida. La influencia de Monet en la obra de Renoir

Falleció el 3 de diciembre de 1919. pintor francés, uno de los principales representantes del impresionismo, Auguste Renoir. Sus pinturas tenían exitazo de los parisinos. Decidimos recordar lo más. pinturas famosas Renoir.

"Piscina infantil"

Auguste Renoir pintó este cuadro en 1869. Se conserva en el Museo Nacional de Suecia, en Estocolmo. “La piscina infantil” es un café sobre el agua, situado en un pontón amarrado a la orilla del Sena, en un pequeño brazo del río y conectado a la isla por un puente tirado sobre una pequeña isla. Aquí chicas de fácil. virtud, las llamadas “ranas”, reunidas aquí, acompañadas de pequeños matones y delincuentes de los suburbios. Este cuadro Puede llamarse impresionista en el pleno sentido de la palabra. lo tiene todo rasgos característicos movimientos: estudio del agua y luces, sombras coloreadas, transparencia, parpadeo de color, división de trazos, uso de una paleta de luz limitada a tres colores primarios y tres adicionales. Claude Monet tiene una pintura similar. También se la llama “La Piscina Infantil”. Durante ese período, Renoir y Monet trabajaron lado a lado, utilizando temas idénticos y en estilos muy cercanos entre sí.

"Balancearse"

Auguste Renoir pintó este cuadro para la tercera exposición de los impresionistas en 1877. El artista representó un rincón de uno de los jardines parisinos. chica en vestido blanco y azul, adornada con numerosos lazos, coqueteando con dos jóvenes con canotiers de paja, estaba de pie en el tablero de un columpio suspendido debajo de un árbol. Este motivo de equilibrio, de inmovilidad móvil, puede considerarse como una metáfora de las pinturas impresionistas en general. Después de todo, lo principal en él es la variabilidad, el movimiento y, al mismo tiempo, el artista impresionista siempre captura el momento de cierta estática, equilibrio de formas. Pintó a la mujer columpiándose en un columpio, al parecer, de Marguerite Legrand, una modelo a la que conoció en 1875, y que también posó para el cuadro “Baile en el Moulin de la Galette”. Desde 1877, el cuadro "Swing" estuvo en la colección del marchand y artista francés Gustave Caillebotte. En 1986, el cuadro fue trasladado al Museo de Orsay, donde permanece hasta el día de hoy.

"Baile en el Moulin de la Galette"

Auguste Renoir pintó este cuadro en 1876. Se considera no solo la obra principal del artista, sino también la más cara. En la subasta de Sotheby's en Nueva York en 1990, se vendió por 78 millones de dólares y sigue estando entre las más pinturas caras vendido alguna vez en una subasta. Pierre Auguste Renoir es "el único gran artista“que no ha pintado un solo cuadro triste en su vida”, decía el escritor Octave Mirbeau en 1913. "Baile en el Moulin de la Galette" - el más ejemplo brillante Arte "solar" del pintor. Auguste Renoir vivía en el barrio parisino de Montmartre. Y encontró el argumento de su cuadro allí, en el restaurante del mismo nombre “Moulin de la Galette”. En el marco están representados los conocidos y amigos del artista. El cuadro se encuentra en el Museo de Orsay de París.

"Retrato de la actriz Jeanne Samari"

En este lienzo, Renoir pintó el retrato de una joven actriz del teatro Comedie Française. Pintura de 1877. Almacenado en Moscú, en Museo Pushkin. Renoir pintó cuatro retratos de Jeanne Samary, cada uno de los cuales es significativamente diferente de los demás en tamaño, composición y color. Antes de casarse, Jeanne Samary vivía no lejos del estudio de Renoir en la calle Frochot y venía a menudo a sentarse con él. Este retrato se considera uno de los más impresionistas de toda la obra de Renoir. EN última foto Zhanna Samary se presenta en altura completa con un hermoso vestido de noche con una cola enorme, escote profundo y brazos desnudos, cubiertos casi hasta los codos con guantes blancos. Renoir pintó a Jeanne Samary como una belleza sorprendente. Renoir logró transmitir en la expresión de su rostro esa atractiva alegría, picardía y espontaneidad en la expresión de pensamientos y sentimientos que la caracterizaban. apariencia mental y su talento escénico.

"El desayuno de los remeros"

Esta imagen resultó ser un hito en la obra de Renoir. En esta época, entre 1880 y 1881, el artista realiza sus primeros viajes largos a Argelia e Italia, resumiendo su actividad creativa y ya en Italia está decepcionado con algunas cosas, pero quiere cambiar activamente algo en su arte. Se acerca un período de nuevas búsquedas, de nuevas dudas, de una nueva manera pictórica. “El desayuno de los remeros” parecía estar en el centro de su creatividad y camino de la vida. El cuadro fue pintado en el restaurante Fournaise de París. En realidad, se trata de un retrato grupal de una reunión de amigos. Una vez más, Renoir pintó retratos de sus verdaderos amigos. En febrero de 1881, el famoso marchand Paul Durand-Ruel compró el cuadro a Renoir por 15.000 francos, cantidad suficiente. a un precio alto para ese tiempo. Después de su muerte, los hijos de Durand-Ruel vendieron el cuadro por 125.000 dólares al famoso coleccionista estadounidense Duncan Phillips. Desde 1930, esta colección se ha trasladado a un edificio en el área de Dupont Circle en Washington, que desde entonces se ha utilizado como museo de arte- Colección Phillips.

"Paraguas"

Esta pintura se inició en 1880-1881 y se completó en 1885-1886. Renoir comenzó a pintar como un impresionista “puro”, pero pronto comenzó a decepcionarse con este estilo. El pintor estuvo fuertemente influenciado por su viaje a Italia, por lo que recurrió a mayores métodos artísticos. En la imagen apareció un contorno claro de las figuras. Calle parisina ruidosa y concurrida. Lluvia. Muchos paraguas. Una idea original: transmitir el bullicio y al mismo tiempo el encanto y el encanto puramente parisinos a través del racimo y aglomeración de... paraguas. La imagen encarna el ideal de las aspiraciones de dos artes: la pintura y la fotografía: de la primera, la espiritualidad de la percepción, de la segunda, la “instantánea” (el artista incluso corta las figuras en los bordes, como ocurre en las fotografías). La técnica era popular entre los impresionistas de la época. El cuadro "Paraguas" se conserva en la Galería Nacional de Londres.

Excelente El artista impresionista francés Auguste Renoir dijo: “Aún no sabía caminar, pero ya amaba a las mujeres”. Las mujeres eran para él la encarnación de la armonía y la belleza, una fuente de inspiración y tema principal creatividad. Tuvo muchos amantes, pero sólo Lisa Treo, Margarita Legrand y Alina Sharigo Se convirtieron en sus musas durante muchos años.

Renoir fue llamado el cantante de la alegría de vivir. Dijo: “Para mí, una imagen... siempre debe ser agradable, alegre y hermosa, sí, ¡hermosa! Hay suficientes cosas aburridas en la vida... Sé que es difícil admitirlo. gran arte puede ser alegre."

Durante 7 años, la musa de Renoir fue Lisa Treo. Se conocieron cuando la chica tenía 18 años y el artista 24. La representó en las pinturas "Lisa con paraguas", "Verano", "Dama en un barco", "Mujer con un loro", "Odalisca" y otras (unas 20 obras en total). La iniciadora de su ruptura fue Lisa después de que Pierre Auguste se negara a casarse con ella, incluso después de que fue aceptado en la casa de sus padres como yerno.

Durante todo el verano de 1876, Renoir trabajó en el cuadro “El baile en el Moulin de la Galette”. Siguiendo su costumbre, no representó en el lienzo a modelos profesionales, sino a sus amigos y conocidos. En el lado izquierdo de la imagen se muestra chica bailando. En esta imagen, el artista inmortalizó a su joven musa, la costurera Margarita Legrand, de 16 años, apodada Baby Margot en Montmartre.

El artista la conoció en 1875. Margot se convirtió en su amante y musa durante 4 años. No le avergonzó el hecho de que sus conocidos la describieran como una chica callejera descarada que trababa amistad con personas sospechosas. Le gustaba su carácter vivaz y su alegría desenfrenada. Posó para películas como "Swing", "Girl in a Boat", "After the Concert" y "Cup of Chocolate". Y en 1879 murió de viruela. Para Renoir esto fue un gran shock.

La actriz Jeanne Samary, cuyos retratos fueron pintados por Renoir, argumentó: “Renoir no fue creado para el matrimonio. Se casa con todas las mujeres que pinta con el toque de su pincel”. Sin embargo, el amoroso artista aún se casó. Alina Sharigo se ganó su corazón.

El artista quedó fascinado con la aprendiz de modista de 20 años y la invitó a trabajar con él como modelo. Alina estuvo de acuerdo, aunque estaba lejos de pintar: “No entendía nada, pero me gustaba verlo pintar”, les dijo Alina más tarde a sus hijos. “Sólo sabía que Auguste fue creado para escribir, como un viñedo fue creado para dar vino”.

Renoir resistió durante mucho tiempo el sentimiento que le surgió y no quiso tomárselo en serio. Incluso intentó romper con Alina y se fue de viaje, pero a su regreso se quedó con ella. Su vida juntos Estaba sorprendentemente tranquilo y feliz, pero no tenía prisa por casarse. La boda tuvo lugar cuando su hijo ya tenía cinco años. Gracias a la sabiduría y la paciencia de Alina Sharigo, su matrimonio resultó duradero: durante 35 años la mujer hizo la vista gorda ante las infidelidades de su marido, creyendo que los artistas nunca lo hacen de otra manera.

Renoir escribió y bastante representantes famosos Bohemia parisina.

Renoir Pierre Auguste, pintor, artista gráfico y escultor francés. En su juventud trabajó como pintor de porcelana, pintando cortinas y abanicos. En 1862-1864 Renoir estudió en París en la Escuela bellas artes, donde se hizo cercano a sus futuros colegas del impresionismo Claude Monet y Alfred Sisley. Renoir trabajó en París, visitó Argelia, Italia, España, Holanda, Gran Bretaña y Alemania. EN primeros trabajos Renoir está influenciado por Gustave Courbet y las obras del joven Edouard Manet (“La taberna de la Madre Antonio”, 1866, Museo Nacional, Estocolmo).

A principios de la década de 1860-1870, Renoir pasó a pintar al aire libre, incluyendo orgánicamente figuras humanas en un ambiente cambiante y luminoso (“Bañarse en el Sena”, 1869, Museo Pushkin, Moscú). La paleta de Renoir se ilumina, la pincelada ligera y dinámica se vuelve transparente y vibrante, el color se satura con reflejos plateados perlados (“Lodge”, 1874, Corthold Institute, Londres). Representando episodios arrancados de la corriente de la vida, al azar. situaciones de la vida, Renoir prefirió escenas festivas vida de la ciudad: bailes, bailes, paseos, como si intentaran encarnar en ellos la plenitud sensual y la alegría del ser (“Moulin de la Galette”, 1876, Museo de Orsay, París).

Un lugar especial en la obra de Renoir lo ocupa lo poético y encantador. Imágenes de mujer: internamente diferentes, pero externamente ligeramente similares entre sí, parecen estar marcados por el sello común de la época (“After Dinner”, 1879, Städel Institute of Art, “Umbrellas”, 1876, National Gallery, Londres; retrato de actriz Jeanne Samari, 1878, Hermitage, San Petersburgo). En la representación de desnudos, Renoir logra una rara sofisticación de los claveles, construida sobre una combinación de cálidos tonos de piel con reflejos deslizantes de color verdoso claro y gris azulado, dando una superficie suave y mate al lienzo (“Mujer desnuda sentada en un sofá” , 1876). Renoir, un colorista notable, a menudo logra la impresión de una pintura monocromática con la ayuda de sutiles combinaciones de tonos similares en color (“Chicas de negro”, 1883, Museo de Bellas Artes, Moscú).

Desde la década de 1880, Renoir se ha inclinado cada vez más hacia la claridad clásica y la generalización de las formas en su pintura, los rasgos decorativos y el idilismo sereno han ido creciendo ("Grandes bañistas", 1884-1887, colección Tyson, Filadelfia). El laconismo, la ligereza y la ligereza del trazo se distinguen por numerosos dibujos y grabados (“Bañistas”, 1895) de Renoir.

“Estoy convencido de que un cuadro debe ser agradable, alegre, atractivo, sí, atractivo. ¡Ya hay demasiadas cosas aburridas en el mundo, y no tiene sentido aumentarlas con tus cuadros”...

Augusto Renoir

Pierre Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en la localidad de Limoges, en el sur de Francia, y fue el sexto hijo del pobre sastre Leonard y su esposa Marguerite. En 1844, la familia se trasladó a París, donde Auguste entró en la coro de la iglesia en la Catedral de Saint-Eustache. El niño causa una agradable impresión al director del coro, el propio Charles Gounod, y convence a sus padres para que envíen a su hijo a estudiar música.

Sin embargo, el don del artista lo venció. A los 13 años, Auguste comienza a ayudar a la familia, trabaja en un taller de pintura en porcelana y por las noches asiste a la escuela de pintura.

Autorretrato. Pierre Auguste Renoir, 1876

1910 En 1858, el taller de porcelana donde trabajaba Renoir cerró, pero siguió ganando dinero pintando abanicos y cortinas.

A la edad de 19 años, Auguste recibió permiso para copiar pinturas en el Louvre, y en 1861 logró reunir suficiente dinero para pagar sus estudios de pintura con Charles Gleyre, cuyo estudio era en ese momento una sucursal de la Escuela de Bellas Artes.

Pronto, Renoir, de 21 años, aprobará los exámenes en este institución educativa. Al mismo tiempo, Renoir, junto con sus amigos del estudio de Gleyre, F. Basile, C. Monet y A. Sisley, viajan al bosque de Fontainebleau, donde pintan en la naturaleza.

Posteriormente el trabajo al aire libre se convirtió característica distintiva Impresionistas, una sociedad de artistas, cuyas figuras centrales eran las personas antes mencionadas.

Danza campestre de Auguste Renoir 1882-1883

El primer éxito aguardó a Renoir en 1864, cuando una de sus obras fue seleccionada y exhibida en la exposición estatal anual del Salón.

Al año siguiente, Renoir recibió dos cuadros más y comenzó a recibir pedidos regulares de retratos. Y aunque en el fondo no le gustaba este género de pintura, fueron los retratos los que le ayudaron a sobrevivir a la crisis años después de la derrota de Francia en la guerra franco-prusiana de 1870-1871.

En 1865, Auguste Renoir conoció a una joven de 16 años, Lisa Treo, que se convirtió en su amante y modelo. Su romance duró siete años, tras los cuales Lisa dejó a Renoir y se casó con otra persona.

Después de la guerra, en 1874, Renoir, junto con sus amigos artistas, organizó una exposición de sus pinturas, que más tarde sería conocida como la primera exposición de los impresionistas.

Fue entonces cuando surgió el término “impresionismo”, acuñado por un ingenioso crítico. Como saben, la mayoría de las obras presentadas fueron condenadas, pero "Lodge" de Renoir fue recibida de manera bastante positiva por el público.

Auguste Renoir En el palco del teatro.

1874 cuadros foto Auguste Renoir, “En el palco”, 1881-1886 En 1890, Renoir se casó con Alina Charigot, en ese momento ya tenían hijo común. Después de la boda, tuvieron dos hijos más: Jean y Claude (conocida como Coco, la niñera favorita de su padre).

En ese momento, Renoir ya había logrado un gran éxito y recibió del estado el título de Caballero de la Legión de Honor. En 1912, tras un ataque de parálisis, Renoir fue confinado a silla de ruedas, pero siguió pintando con un pincel que la enfermera le puso entre los dedos.

Renoir, de 70 años, incluso intentó esculpir, dando instrucciones a su asistente Richard Guino. Juntos crearon más de veinte obras.

En 1968, Gino ganó ensayo de los herederos de Renoir, habiendo logrado el derecho a ser llamado coautor de estas esculturas. Es de destacar que en trabajo independiente Gino no logró el éxito. A pesar de sufrimiento físico, Renoir nunca se desanimaba y le encantaba repetir: “Digas lo que digas, yo soy el afortunado”.

Al final de su larga vida, el artista ganó fama. En 1917, sus “Paraguas” se presentaron en la Galería Nacional de Londres y más tarde en el Louvre.

Auguste Renoir, “Paraguas”, 1881-1886 Galería Nacional de Londres.

Renoir trabajó en este cuadro durante varios años, justo en el momento en que se produjeron cambios dramáticos en su estilo pictórico. Comenzó este cuadro poco antes de partir hacia Italia, donde estuvo en 1881-1882, pero la obra permaneció inacabada durante al menos otros cinco años.

La composición de la pintura se asemeja a una fotografía, en particular, con figuras de personas recortadas e incompletas a lo largo de los bordes del lienzo. Esta técnica fue popular entre los impresionistas de la época.

Renoir fue un artista increíblemente trabajador y productivo.

Durante casi 60 años vida creativa Creó alrededor de 6 mil cuadros, es decir, en promedio, dos obras por semana. En los albores de su creatividad, Renoir a menudo no podía permitirse el lujo de comprar pinturas, razón por la cual edad madura Habiendo ganado lo suficiente, los admiraba desinteresadamente, su color e incluso su olor. La alegría que experimentaba el artista mientras pintaba era uno de los placeres más poderosos de su vida, y esto no podía dejar de afectar el estado de ánimo de sus pinturas.

El artista prefería las alegrías y el entretenimiento cotidianos a los temas heroicos y trágicos. Le encantaba dibujar gente bailando, hermosas flores, niños, pero era más sensible a las mujeres jóvenes, curvilíneas y hermosas.

Renoir expresó su actitud hacia la pintura de la siguiente manera: “Estoy convencido de que un cuadro debe ser agradable, alegre, atractivo - ¡sí, atractivo! Ya hay demasiadas cosas aburridas en el mundo y no tiene sentido aumentarlas con tus pinturas”.

Además, no sorprende la actitud desdeñosa de Renoir hacia las discusiones altamente intelectuales sobre pintura. "Nunca participo en ese tipo de conversaciones", dijo.

En su juventud, Auguste Renoir era amigo cercano de Claude Monet; juntos trabajaron en la llamada "Splash Pool", el lugar de vacaciones favorito de los parisinos a orillas del Sena.

Fue aquí donde crearon pinturas que luego se convirtieron en programáticas para los impresionistas en general.

Auguste Renoir, “La piscina infantil”, 1869

Después de un viaje a Italia en 1881-1882 y de conocer allí obras maestras del arte antiguo y renacentista, Auguste Renoir recurrió a más temas eternos, escribe desnudos. El artista abandona el uso de trazos amplios y discontinuos y contornos vagos, característicos de todos los impresionistas, y comienza a buscar un estilo propio, donde predominan las formas más definidas y las líneas claras.

También interesante método creativo Augusto Renoir. Convencido de que la pintura es “ante todo trabajo manual, y por ello el artista debe ser un buen trabajador”, mantuvo en su taller una sorprendente persona creativa orden. "La paleta, los pinceles, los tubos de pintura, todo esto fue cuidadosamente ensamblado con una pulcritud puramente femenina", recordó A. Vollard, quien una vez posó para Renoir.

Muchos artistas pintaron niños, pero Renoir logró transmitir brillantemente el encanto que emana de los niños, sin ceder al sentimentalismo lloroso. Un ejemplo es su obra “Paraguas”, donde en la esquina inferior derecha podemos ver a una pequeña señorita que, con picardía y espontaneidad, mira aparentemente directamente al artista.

Auguste Renoir, “Después del baño”, 1869

Renoir también es considerado, con razón, uno de los mayores maestros del género del desnudo. Amaba y sabía pintar el cuerpo desnudo. Uno de los chistes famosos de Renoir: “Sigo trabajando en desnudo hasta que quiero pellizcar el lienzo”.

"Retrato de la actriz Jeanne Samary" 1878, Hermitage, San Petersburgo

"Juana Samary" 1877, Museo que lleva el nombre A. S. Pushkin, Moscú

Dos de los tres conocidos retratos de Juana de Samaria realizados por Auguste Renoir se exhiben en tres museos de todo el mundo.

El Teatro de la Comedia Francesa alberga en el Museo el primer y más pequeño retrato, en el que la actriz aparece con una chaqueta informal oscura (1877). bellas artes a ellos. A.S. Pushkin - exquisito retrato de medio cuerpo (1877),

y en la Ermita - retrato ceremonial longitud completa (1878).

Y a los ojos de todos ella es femenina, encantadora y se comporta con sencillez y naturalidad.

Jeanne es la mejor intérprete del país en las obras de Molière y Musset, y en vida era tan sencilla, brillante, hermosa y amigable, como si hubiera cobrado vida bajo el pincel del propio Renoir.

Ojos azules brillantes, cabello dorado rojo, cuerpo fluido: estaba llena de encanto y atractivo.

De cada lienzo no se asoma un modelo, sino un agradable interlocutor, dispuesto a continuar la conversación.
Retrato de la colección del Museo Pushkin. A.S. Pushkin es reconocido como uno de los mejores retratos de Renoir.

En él, el rostro de la actriz, sus brazos y hombros desnudos son luminosos y cálidos, brillan suavemente sobre un fondo rosa, no se fusionan con él, separados por los rizos rojos y los tintes verdes del vestido.

Renoir era un verdadero cantante de colores disonantes (verde activo y rosa) y pudo, con la ayuda de plástico ancho y pequeños trazos vibrantes, transmitir varias docenas de tonos del mismo color a la superficie pictórica, eliminando la posibilidad de disonancia cromática.

De esta manera hizo que los objetos emitieran luz, y cuerpo humano- calidez y movimiento.

No hay una sola línea clara en la imagen de la figura; todo es móvil, esquivo e inestable.

Pero este sorprendente equilibrio de color y contrastes sorprendentes que el maestro dominó solo sorprendieron a los críticos y al público en ese momento.
En el retrato de la colección Hermitage, la actriz aparece con un magnífico vestido de noche con un escote profundo y una cola larga y ondulada en el contexto de un lujoso interior de teatro.

Ricas alfombras y una enorme palma de bronce parecen "arrojar" la figura de Jeanne al primer plano.

Parece que se quedó congelada en movimiento sólo por un breve momento (la figura está inclinada hacia adelante) y ahora dará el siguiente paso.

Al pintar este retrato, Renoir utilizó una pincelada más suave.

Los colores ya no parpadean ni se mezclan como en el retrato anterior.

Pero independientemente de la forma, el rostro de Jeanne, sus brazos y hombros desnudos, toda su figura lucen hermosas y naturales, y lo más importante, la artista logró transmitir no solo características externas, sino también el carácter de la niña y rendir homenaje a su talento escénico.

"El almuerzo de los remeros" 1881, Phillips Gallery, Washington

"Bal en el Moulin de la Galette" 1876, Museo de Orsay, París

Columpio - Renoir.1876. Óleo sobre lienzo.Museo de Orsay París

El cuadro "Swing" fue pintado casi simultáneamente con "Ball". Ambas películas tienen mucho en común: en el estado de ánimo, el color y la técnica de ejecución. Tanto aquí como aquí vemos el bello rostro de Jeanne Samary. Aquí se encuentra la misma vivacidad de las poses de las figuras representadas y la franca admiración por el juego de los reflejos del sol en todo: en los árboles, las flores, en el cabello y el vestido de Jeanne, en la ropa de sus compañeros y en el encantador bebé.

Con este cuadro, Renoir consolida el descubrimiento sobre el lienzo: la sombra como tal no existe, sólo el mismo color cuando luz del sol adquiere un matiz diferente. Al perder intensidad con la luz, el color transferido a la superficie del lienzo forma áreas más claras, a menudo incluso simplemente blancas.

"Julia Manet"

Misia Cert.1904 óleo sobre lienzo

Para Misia Godebska incluso en mundo moderno Es casi imposible encontrar el puesto profesional adecuado.

Ella no creó uno obra de arte, creó una obra maestra de propia vida y más inspirado artistas brillantes y escritores de su época.

Misia era amiga de Toulouse-Lautrec, Debussy, Mallarmé, Renoir, Stravinsky, Picasso, sin ella el estreno de "Petrushka" no habría tenido lugar; fue ella quien ayudó a Diaghilev con dinero cuando la producción estaba en peligro.

Cuando Misia era esposa de Thode Nathanson, editor de la revista de arte La Revue blanche, solía ser la asesora editorial a la hora de elegir temas y personalidades.

Hablaba todos los idiomas europeos y era la más amigo íntimo Coco Chanel, una de las fragancias de la casa de moda, Misia, lleva su nombre.

Misia Godebska estuvo casada tres veces y, para gran decepción de muchos fans apasionadamente enamorados, nunca tuvo aventuras paralelas. En el momento en que Renoir pintó su retrato, era Misia Edwards.

Pero para Alfred Edwards, el marido de Mizi, ya entonces su papel profesional estaba claramente definido: un criador multimillonario.

Era propietario de una docena de empresas y fue uno de los primeros en extraer bauxita para producir un nuevo metal con un gran futuro: el aluminio. “Para conquistar a una mujer así y casarse con ella, se le ocurrió el siguiente método: todas las noches invitaba a cenar a todos sus amigos. Para no quedarse sola, se vio obligada a incorporarse a la empresa.

Edwards la sentó derecha y cada vez debajo de la servilleta descubría un estuche con un diamante excelentes precios“Renoir recordó y añadió que ni una sola mujer podría resistirse a tal cosa.

Para Auguste Renoir, entonces ya confinado en una silla de ruedas, se construyó un ascensor en la casa de Misi y Alfred para que el artista pudiera subir a la habitación de la anfitriona para las sesiones de pose.

Cuando terminó el trabajo, Misia le dio a Auguste un cheque en blanco y le pidió que evaluara el cuadro él mismo.

Renoir, en opinión de Madame Edwards (recibiría el apellido Sert de su próximo marido), resultó demasiado modesto en la valoración de su obra.

Para el artista, esta fue la época en la que habló su lenguaje pictórico, en la que se hizo famoso y finalmente no pudo preocuparse por el dinero.

Los críticos de arte llaman a este último período "rojo": Renoir no teme a los colores brillantes y apasionados y crea magistralmente soluciones de color complejas. Su paleta se vuelve extremadamente lacónica.

“Los medios pobres dan resultados ricos”: el artista se propone una tarea desconcertante y la afronta de manera brillante.

Es difícil creer que este año Auguste ya no pudiera hacer malabarismos y reemplazó este ejercicio para pacientes con manos paralizadas por el reumatismo por uno más simple: lanzar troncos. Pronto tampoco podrá sostenerlo en sus manos.

Chicas en el prado

Dos chicas al piano

Joven bañista 1872

Danza en la ciudad 1883

Auguste Renoir se comparó una vez con un corcho arrastrado por las olas.

Así es exactamente como se sintió mientras creaba su siguiente trabajo.

Con seductora pasión y ternura, se entregó por completo a las furiosas "olas" que lo llevaron a través de las inquebrantables extensiones del mundo artístico.

Bajo tal inspiración, las pinturas de Renoir nacieron siempre con un encanto especial.

Nunca saturaron los pensamientos de sus espectadores.

Al contrario, mirando las obras autor francés, los fanáticos de su talento finalmente pudieron simplemente disfrutar de los ricos colores, formas correctas y temas de pinturas cercanos a uno mismo.

Niña, 1885

Mujer en una silla, 1874

Bailarina, 1874
El cuadro “Bailarina” nos muestra a una joven bailarina con un vestido azul vaporoso.

Se encuentra en la posición IV libre, recordándonos un poco las obras de Edgar Degas, quien creó numerosos lienzos sobre su tema favorito del teatro.

Sin embargo, todas las heroínas de Degas son capturadas bailando o haciendo reverencias y nunca posaron para él.

Degas los pintó, como ahora los fotografían los paparazzi, los capturó en un momento inesperado en una perspectiva aparentemente aleatoria, sin centrarse en la psicología.

Auguste Renoir trabajó de manera diferente.

En su lienzo, la bailarina no está representada en un baile o en un papel escénico, sino como en el papel de ella misma.

Un papel importante en el retrato lo juegan los ojos ligeramente tristes y el atractivo de la joven, su inquietud y ternura. La pintura se distingue por los colores pastel y los contornos suaves, en contraste con las obras claramente definidas de Degas, quien siempre utilizó la línea como principal herramienta expresiva.

Mujer parisina, 1874
Cuando se trata del cuadro del maestro "La mujer de París", muchos historiadores del arte citan las líneas de Alexander Blok, que escribió más de treinta años después de la creación del lienzo:

“Y todas las tardes, a la hora señalada,
(¿O simplemente estoy soñando?)
La figura de la niña, capturada por las sedas,
Una ventana se mueve a través de una ventana empañada.
Y lentamente, caminando entre los borrachos,
Siempre sin compañeros, solo,
Respirando espíritus y nieblas,
Ella se sienta junto a la ventana...”

La parte superior del cuerpo de la joven está claramente definida, mientras que la ligera falda de su vestido parece estar hecha de una tela vaporosa.

De esta manera el artista logra el efecto favorito de la figura que se encuentra en un ambiente especial de luz y aire, gracias al cual la heroína parece emerger de una neblina.

El delicioso atractivo de la imagen se logra por el hecho de que esta elusiva y brumosa mademoiselle está completamente abierta al diálogo con el espectador.

Señora Víctor Ciocquet. 1875

Mujer joven con velo 1875-77

Nini López, 1876

Cabeza de una mujer joven con un pañuelo azul 1876.

Retrato de una mujer, 1877

Mujer joven vestida de azul brillante del invernadero 1877

Niña en un barco, 1877

Colección "Coco" López Argelia

La vida de un artista es diversa y de múltiples capas. todo el camino creativo está claramente dividido en ciertos períodos, y en Japón, incluso en general, cada siete años un verdadero maestro cambia de nombre, ya que su manera y su visión del mundo cambian radicalmente. Así, en la vida de Renoir, los historiadores del arte ven tres períodos muy diferentes en contenido.

Coco es un retrato infantil que pertenece a la época llamada “roja”. En este momento, el artista se aleja cada vez más de los cánones del impresionismo, intenta encontrar nuevos caminos en la creatividad, experimenta con el color y la perspectiva. En este momento, la principal fuente de inspiración y energía creativa del artista son los numerosos tonos de rojo.

La obra es muy tierna, escrita con amor. El maestro destaca la tierna edad de su modelo, el ávido estudio del mundo y la energía incontenible. Los tonos de rojo en este caso son perfectos.

El programa estético del impresionismo todavía se siente en la obra, pero esta influencia se está desvaneciendo. El maestro parece estar al borde de un nuevo avance creativo. Sus líneas, distorsionando el espacio y rompiendo abiertamente la perspectiva, son el resultado de un conflicto creativo interno que gran maestro Nunca logró superarlo, quedando en la historia de la pintura mundial como un gran artista del impresionismo.

EN retrato de niños La habilidad del artista se manifiesta con especial claridad y confianza: el sol se pierde en los rizos del niño, la piel delicada y pálida actúa como un excelente fondo para los labios brillantes y enérgicos del héroe.

Meditación, 1877

Taza de chocolate 1878

Niña con un ramo de tulipanes, 1878

"Retrato de Madame Charpentier con niños", 1878 Museo Metropolitano de Arte de EE. UU.

Probablemente el más alegre y alegre de todos los impresionistas, Pierre Auguste Renoir (1841-1919) pintó este cuadro a petición de Madame Charpentier, esposa de un importante editor. literatura francesa y uno de los primeros coleccionistas de pinturas impresionistas. Renoir fue incluida en su salón, donde se reunían escritores, artistas y músicos famosos.

Señora Charpentier está representada sentada en el salón de su casa con sus hijos -su hija Georgette y su hijo Paul- y perro grande. El lienzo tiene alguna huella de pintura de salón, y la pose de la mujer es algo deliberada y formal, pero el estilo pictórico de Renoir eclipsa esta artificialidad de la pose. No sólo los colores azul, blanco y amarillo dorado llenan de aire al artista, sino también su “negro” favorito, más precisamente el azul de Prusia, con el que pinta el vestido de Madame Charpentier, lleno de reflejos y matices. La vivacidad y espontaneidad que caracterizan las imágenes de los niños aquí añaden un ambiente de diversión lúdica a la atmósfera de la imagen.
El retrato fue tan favorablemente recibido por el público que comenzaron a llegar pedidos para Renoir y resultó ser uno de los retratistas más solicitados.

Chica con una regadera 1876 Galería Nacional de Arte, Washington, EE.UU.

Durante su carrera creativa, Renoir pintó muchos cuadros en los que papel principal Estaba reservado para las niñas. Baste recordar los retratos de Romain Lacaux y Mademoiselle Legrand, los cuadros "Caminar", "La muchacha saltando la cuerda", "Rosa y azul", etc. Sin embargo este trabajo Llama la atención por su espontaneidad y la ausencia de cualquier postconstrucción que, sin duda, le robaría esta espontaneidad y el encanto de la inmediatez.

La imagen parece una fotografía cualquiera: la niña ni siquiera mira al espectador, mira con entusiasmo algo en la distancia y sostiene una regadera en sus manos, que casi se fusiona con su traje brillante.
Hoy es imposible decir con certeza qué tipo de heroína es. Lo más probable es que el propio Renoir no supiera su nombre, ya que de lo contrario lo habría indicado en el título del cuadro, como hizo en obras anteriores. Los historiadores del arte generalmente creen que se trata de una chica cualquiera, arrebatada por la atenta mirada del pintor, quizás su vecino.

La técnica en la que se ejecutó la pintura indica el período tardío del impresionismo. Pequeños trazos transforman el espacio en una textura intrincadamente tejida a partir de los tonos más pequeños, brillante y expresiva. Las transiciones suaves de medios tonos eliminan por completo cualquier indicio de contorno o línea clara del dibujo. Renoir consideraba el color como una herramienta autosuficiente para crear pinturas, y "La muchacha de la regadera" es otra confirmación de ello.