EntradaGustave Moreau Diomedes devorado por sus caballos. Mitos sobre Hércules. La octava hazaña: los caballos del rey Diomedes (cuento para niños). Heinrich Fussli "Pesadilla"
Por el bien del arte Gustave MoreauSe aisló voluntariamente de la sociedad. El misterio que rodeó su vida se convirtió en una leyenda sobre el propio artista.
Vida de Gustave Moreau (1826 - 1898), al igual que su obra, parece completamente divorciada de la realidad vida francesa siglo 19 Habiendo limitado su círculo social a familiares y amigos cercanos, el artista se dedicó por completo a la pintura. Al tener buenos ingresos gracias a sus pinturas, no le interesaban los cambios de moda en el mercado del arte. El famoso escritor simbolista francés Huysmans llamó con mucha precisión a Moreau "un ermitaño que se instaló en el mismo corazón de París".
Edipo y la Esfinge (1864)
Moreau nació el 6 de abril de 1826 en París. Su padre, Louis Moreau, era un arquitecto cuyas funciones incluían mantener el edificio de la ciudad. edificios publicos y monumentos. La muerte de la única hermana de Moreau, Camille, unió a la familia. La madre del artista, Polina, estaba muy apegada a su hijo y, al quedarse viuda, no se separó de él hasta su muerte en 1884.
CON primera infancia Los padres alentaron el interés del niño por el dibujo y le presentaron arte clasico. Gustave leía mucho, le encantaba mirar álbumes con reproducciones de obras maestras de la colección del Louvre y en 1844, después de graduarse de la escuela, recibió una licenciatura, un logro poco común para los jóvenes burgueses. Satisfecho por el éxito de su hijo, Louis Moreau lo asignó al estudio del artista neoclásico François-Edouard Picot (1786-1868), donde el joven Moreau recibió la formación necesaria para ingresar en la Escuela. bellas artes, donde aprobó con éxito los exámenes en 1846
San Jorge y el Dragón (1890)
Grifo (1865)
La formación aquí fue extremadamente conservadora y se redujo principalmente a copiar moldes de yeso de estatuas antiguas, dibujar desnudos masculinos, estudiar anatomía, perspectiva e historia de la pintura. Mientras tanto, Moreau quedó cada vez más fascinado por las coloridas pinturas de Delacroix y especialmente de su seguidor Theodore Chasserio. Al no haber podido ganar el prestigioso Premio de Roma (la escuela envió a los ganadores de este concurso a estudiar a Roma por su propia cuenta), Moro abandonó la escuela en 1849.
El joven artista centró su atención en el Salón, una exposición oficial anual a la que todo principiante buscaba asistir con la esperanza de llamar la atención de la crítica. Las pinturas presentadas por Moreau en el Salón de la década de 1850, por ejemplo, "El Cantar de los Cantares" (1853), revelaron una fuerte influencia de Chasserio: ejecutadas de manera romántica, se distinguían por un color penetrante y un erotismo frenético.
Moreau nunca negó que le debía gran parte de su trabajo a Chasserio, su amigo que murió prematuramente (a los 37 años). Conmocionado por su muerte, Moreau dedicó el cuadro “Juventud y muerte” a su memoria.
Salomé bailando ante Herodes (1876)
Sin embargo, los admiradores de la obra de Moreau percibieron sus nuevas obras como un llamado a la liberación de la imaginación. Se convirtió en el ídolo de los escritores simbolistas, entre ellos Huysmans, Lorrain y Péladan. Sin embargo, Moreau no estaba de acuerdo con el hecho de que fuera clasificado como simbolista, cuando en 1892 Péladan pidió a Moreau que escribiera una reseña elogiosa del salón simbolista de la Rosa y la Cruz, el artista se negó resueltamente;
Mientras tanto, la fama poco halagadora de Moro no le privó de clientes privados, que siguieron comprando sus pequeños lienzos, normalmente pintados sobre temas mitológicos y religiosos. Entre 1879 y 1883 creó cuatro veces más fotos que en los 18 años anteriores (la más rentable para él fue una serie de 64 acuarelas creadas a partir de las fábulas de La Fontaine para el rico de Marsella Anthony Roy; por cada acuarela, Moreau recibió de 1000 a 1500 francos). Y la carrera del artista despegó.
Odiseo vence a los pretendientes (detalle)
El propio Moreau no quiso admitir que era único, fuera de contacto con los tiempos y, además, incomprensible. Se veía a sí mismo como un artista-pensador, pero al mismo tiempo, lo que enfatizó especialmente, antepuso el color, la línea y la forma, y no las imágenes verbales. Queriendo protegerse de interpretaciones no deseadas, acompañaba a menudo sus cuadros comentarios detallados y lamentó sinceramente que “hasta ahora no ha habido una sola persona que pudiera hablar en serio de mi cuadro”.
Hércules y la hidra de Lerna (1876)
Moreau siempre prestó especial atención a las obras de los viejos maestros, esos mismos “odres viejos” en los que, según la definición de Redon, quería verter su “vino nuevo”. Durante muchos años, Moreau estudió las obras maestras de artistas de Europa occidental y, en primer lugar, representantes Renacimiento italiano Sin embargo, los aspectos heroicos y monumentales le interesaron mucho menos que el lado espiritual y místico de la obra de sus grandes predecesores.
Moro sentía el más profundo respeto por Leonardo da Vinci, quien en el siglo XIX. considerado el precursor del romanticismo europeo. En la casa de Moreau se guardaban reproducciones de todas las pinturas de Leonardo presentadas en el Louvre, y el artista recurría a ellas a menudo, especialmente cuando necesitaba representar un paisaje rocoso (como, por ejemplo, en las pinturas "Orfeo" y "Prometeo") o hombres afeminados. que se parecían a las creadas por Leonardo con la imagen de San Juan. “Nunca habría aprendido a expresarme”, dirá Moreau, ya un artista maduro, “sin una meditación constante ante las obras de los genios:” Virgen Sixtina"y algunas de las creaciones de Leonardo".
Niña tracia con la cabeza de Orfeo en su lira (1864)
La admiración de Moreau por los maestros del Renacimiento fue característica de muchos artistas del siglo XIX. En ese momento, incluso artistas tan clásicos como Ingres buscaban algo nuevo, no típico. pintura clasica Las tramas y el rápido crecimiento del imperio colonial francés despertaron el interés de los espectadores, especialmente de las personas creativas, por todo lo exótico.
Pavo real quejándose con Juno (1881)
Los archivos del Museo Gustave Moreau permiten juzgar la increíble amplitud de los intereses del artista: desde tapices medievales hasta jarrones antiguos, desde Estampados japoneses sobre madera hasta la escultura erótica india. A diferencia de Ingres, que se limitó exclusivamente fuentes historicas, Moreau combinó audazmente sobre lienzo imágenes tomadas de diferentes culturas y épocas. Su"unicornios", por ejemplo, parecen sacados de una galería de pinturas medievales, y el cuadro “Aparición” es una auténtica colección de exotismo oriental.
Unicornios (1887-88)
Moreau buscó deliberadamente saturar sus pinturas con detalles sorprendentes tanto como fuera posible; esta fue su estrategia, a la que llamó "la necesidad del lujo". Moreau trabajó en sus cuadros durante mucho tiempo, a veces durante varios años, añadiendo constantemente más y más detalles nuevos que se multiplicaban en el lienzo, como reflejos en los espejos. Cuando el artista ya no tenía suficiente espacio en el lienzo, hizo dobladillos adicionales. Esto sucedió, por ejemplo, con el cuadro “Júpiter y Sémele” y con el cuadro inacabado “Jasón y los argonautas”.
Diomedes devorado por sus caballos (1865)
Sin embargo, las conexiones de Moreau con el modernismo son mucho más complejas y sutiles de lo que les parecían a los decadentes que adoraban su obra. Los alumnos de Moreau en la Escuela de Bellas Artes, Matisse y Rouault, siempre hablaron de su maestro con gran calidez y gratitud, y su taller fue a menudo llamado la "cuna del modernismo". Para Redon, el modernismo de Moreau radicaba en "seguir su propia naturaleza". Fue esta cualidad, combinada con la capacidad de autoexpresión, la que Moreau intentó de todas las formas posibles desarrollar en sus alumnos. Les enseñó no sólo los fundamentos tradicionales de la artesanía y la copia de las obras maestras del Louvre, sino también la independencia creativa, y las lecciones del maestro no fueron en vano. Matisse y Rouault estuvieron entre los fundadores del fauvismo, el primer movimiento artístico influyente del siglo XX basado en ideas clásicas sobre el color y la forma. Así, Moreau, que parecía un conservador empedernido, se convirtió en el padrino de un movimiento que abrió nuevos horizontes en la pintura del siglo XX.
El último romántico del siglo XIX, Gustave Moreau, llamó a su arte “silencio apasionado”. En sus obras, una combinación de colores nítida se combina armoniosamente con la expresión de elementos mitológicos y imágenes bíblicas. “Nunca busqué los sueños en la realidad ni la realidad en los sueños. Le di libertad a la imaginación”, le gustaba repetir a Moreau, considerando la fantasía como una de las fuerzas más importantes del alma. Los críticos lo vieron como un representante del simbolismo, aunque el propio artista rechazó repetida y decididamente esta etiqueta. Y no importa cuánto confió Moreau en el juego de su imaginación, siempre pensó cuidadosa y profundamente en el color y la composición de los lienzos, todas las características de las líneas y formas y nunca tuvo miedo de los experimentos más atrevidos.
Autorretrato (1850)
Por lo general, los pintores crean cuadros que uno quiere mirar una y otra vez, admirando la belleza transmitida por el lienzo. Pero no todos los lienzos artistas destacados evocar sólo emociones positivas. En las colecciones de los museos también hay cuadros, después de verlos se te hiela la sangre y te queda una desagradable sensación de ansiedad. Esta reseña contiene obras maestras de la pintura mundial que es imposible mirar sin estremecerse.
Artemisia Gentileschi "Judit decapitando a Holofernes"
El cuadro “Judit decapitando a Holofernes” transmite historia bíblica, en el que una viuda que sedujo al comandante invasor asirio lo mata después de acostarse. Para la artista italiana Artemisia Gentileschi, este cuadro fue el resultado de experiencias personales. A los 18 años fue deshonrada por el artista Agostino Tassi, que trabajaba en el estudio de su padre. La niña tuvo que soportar una prueba humillante de 7 meses, tras lo cual se vio obligada a trasladarse de Roma a Florencia, donde pronto pintó su famoso cuadro.
Heinrich Fussli "Pesadilla"
Casi todas las pinturas del artista suizo Heinrich Fussli contienen un componente erótico. En el cuadro "Pesadilla", el artista representó a un demonio íncubo que se acercó a una mujer para seducirla. Según las creencias medievales, los reprimidos deseos sexuales Se manifestaron en las personas en forma de pesadillas.
Gustav Moreau "Diomedes devorado por sus caballos"
artista francés Gustav Moreau a menudo recurrió a temas mitológicos en su obra. Su cuadro "Diomedes devorado por sus caballos" es una referencia a los 12 trabajos de Hércules. El héroe tuvo que acudir al rey Diomedes en Tracia para conseguir los feroces caballos, que el dueño alimentaba con carne humana. Hércules trató brutalmente al rey y lo arrojó para que los animales lo despedazaran.
Hieronymus Bosch "El jardín de las delicias"
Tríptico "Jardín" placeres terrenales"Es considerada la pintura más famosa de Hieronymus Bosch. Su parte central está dedicada al pecado de la voluptuosidad. bastante imagenes extrañas Abruma la imagen, como advirtiendo al espectador sobre lo que puede pasar si uno sucumbe a la tentación.
Peter Paul Rubens "Saturno devorando a su hijo"
La espeluznante pintura de Peter Paul Rubens transmite una historia mitológica sobre el dios Saturno (en mitología griega- Kronos), a quien se le profetizó que uno de sus hijos destruiría a su padre. Por eso Saturno devoró a cada uno de sus descendientes.
Hans Memling "Vanidad terrenal"
El panel izquierdo del tríptico "Vanidades terrenales" no evoca las impresiones más agradables. En él, el autor representó su visión del infierno. Al mirar la espeluznante pintura, una persona que vivió hace varios siglos tuvo que pensar en una vida más justa para no caer en el caldero infernal después de la muerte.
William Bouguereau "Dante y Virgilio en el infierno"
Comenzando a crear su obra “Dante y Virgilio en el infierno”, pintor francés William Bouguereau se inspiró en el poema "La Divina Comedia". La acción de la imagen tiene lugar en el octavo círculo del infierno, donde los falsificadores y falsificadores cumplen sus condenas. Las almas condenadas no pueden calmarse ni siquiera después de la muerte, mordiéndose unas a otras. Las poses exageradas de los pecadores, la tensión de los músculos: todo esto tiene como objetivo transmitir al espectador el miedo y el horror de lo que está sucediendo.
Francisco Goya "Desastres de la guerra"
Entre las décadas de 1810 y 1820, Francisco Goya creó 82 grabados que más tarde se conocieron como Los desastres de la guerra. En sus obras, el artista no se centró en el heroísmo de los comandantes, sino en el sufrimiento. gente común. Goya pintó deliberadamente la obra en blanco y negro para no "distraer" al espectador de la idea principal de que no hay justificación para la guerra.
El mundo de la pintura está lleno de lienzos verdaderamente hermosos, al mirarlos quieres vivir y disfrutar del mundo que te rodea. Grandes artistas sabían mucho sobre la belleza y trataron de transmitirla a todos. formas accesibles. Es aún más sorprendente encontrar imágenes de este tipo que te hielan la sangre y te dan ganas de mirar constantemente alarmado a tu alrededor. No puedes evitar preguntarte qué estaba pasando por la cabeza del creador cuando estuvo creando esto durante muchos meses. ¿Por qué decidió transmitir en su obra no el triunfo de la vida, sino los horrores de la muerte, la guerra y los vicios? Hay varias pinturas que, una vez que las veas, no podrás deshacerte del horror helado durante algún tiempo.
Johann Heinrich Fussli "Pesadilla"
Probablemente "Pesadilla" sea el nombre más exacto para lo que se muestra en la imagen. La figura demoníaca en el pecho de una mujer dormida transmite muy bien la sensación de cuando te despiertas en medio de la noche de un sueño terrible y no puedes recobrar el sentido durante mucho tiempo.
Hieronymus Bosch "El jardín de las delicias"
La imagen en sí es aterradora y el hecho de que nos advierte sobre lo terrible y desconocido que puede suceder si sucumbimos a la tentación del pecado. Bosch fue un gran maestro en asustar a su espectador, pero esta obra maestra de la pintura no solo asusta, sino que amenaza directamente a todos los que dudan de la existencia del infierno.
Gustav Moreau "Diomedes devorado por sus caballos"
Todos recordamos mitos y leyendas. Grecia antigua, entonces, esta imagen no es más que una ilustración de uno de los 12 trabajos de Hércules. Los caballos que devoran a su amo son animales formidables e incontrolables que Hércules necesitaba para realizar su próxima hazaña.
Rubens "Saturno devorando a su hijo"
Esta es otra representación de un tema popular en la mitología griega y romana. Saturno, debido a una profecía de que sus hijos derrocarían su poder, simplemente devoró a cada uno de sus hijos después del nacimiento. Curiosamente, no solo a Rubens le encantó esta trama y la describió en una de sus obras.
Artemisia Gentileschi "Judit decapitando a Holofernes"
Esta pintura en realidad celebra el heroísmo, no la automutilación. Una viuda valiente llamada Judit mata a Holofernes, el general asirio que amenazó con destruirla. ciudad natal. A juzgar por la trama representada, Judith no tenía las habilidades para cortar cabezas porque su víctima se despertó en medio del proceso.
Hans Memling "Infierno, panel izquierdo del tríptico "Vanidades terrenales"
Esta pintura es sólo una parte de un gran tríptico que nos advierte contra los pecados y las tentaciones. Si expresamos brevemente la idea principal del artista, tal vez podamos decir "Recuerda la muerte". ¿Te olvidarás de esto después de ver el cuadro de Memling?
Francis Bacon "Estudio para un retrato de Inocencio X"
Para ser justos, el artista tenía una actitud normal hacia el Papa Inocencio. Solo que en el boceto intentó probar colores y repensar la famosa trama de Diego Velázquez, quien también representó a este famoso. figura histórica. Sin embargo, en Bacon, según él propia opinión, no funcionó. Más tarde calificó de estúpidos los intentos de pintar un retrato del Papa.
Tiziano "El castigo de Marsias"
El detalle más terrible de esta imagen ni siquiera es el proceso de desollar al sátiro llamado Marsias, quien fue castigado por Apolo por perder una discusión. Mirad a este perrito, que lame la sangre que mana del infortunado vencido, que, por cierto, sigue vivo y soporta estos tormentos estando consciente.
William Bouguereau "Dante y Virgilio en el infierno"
Y nuevamente ante nosotros está el infierno, amado por artistas de todos los tiempos y pueblos. Esta vez, el octavo círculo de " divina comedia»Dante. El escritor, acompañado por el antiguo poeta romano Virgilio, observa a dos pecadores castigados.
Francisco Goya "Saturno devorando a su hijo"
Aquí hay otra imagen de Saturno comiéndose a sus hijos. Escrito por el famoso amante de los temas oscuros, Goya, parece aún más aterrador y evoca un verdadero horror animal. Todas las películas de terror famosas no son nada comparadas con las pinturas de Goya, esto se sabe desde hace mucho tiempo. Pero este complot superó todos los peores temores.
Salvator Rosa "Las Tentaciones de San Antonio"
Este es uno de muchos pinturas, que se inspiraron en la leyenda de San Antonio. Este monje se fue a vivir al desierto para estar más cerca de Dios. Sin embargo, ni siquiera allí pudo evitar todo tipo de tentaciones y maquinaciones del diablo. Salvator Rosa lo vio a su manera.
Francisco Goya "Desastres de la guerra"
De nuevo Goya, cuyos cuadros, por supuesto, hay que dosificar, porque se corre el riesgo de volverse loco. "Desastres de la guerra" es sólo una de las 82 ilustraciones sobre el tema. Si miras esta pesadilla, puedes ver que se trata de cadáveres de hombres castrados, la cabeza de uno de los cuales está colgada de un árbol. Goya intentó demostrar que la guerra es lo más inhumano que le puede pasar a una persona.
Theodore Géricault "Cabezas cortadas"
A Géricault simplemente le encantaba dibujar muertos. Incluso colaboró con hospitales y morgues para poder estudiar los procesos que suceden a las personas después de la muerte. En su estudio observó la descomposición. varias partes cuerpo y lo dibujó todo para que ahora pudiéramos mirar y quedarnos horrorizados.
Hans Rudi Giger "Necron IV"
artista giger durante muchos años Sufría pesadillas y su pintura era la única manera de repensar y sobrevivir a esto. El guionista Dan O'Brannon, después de ver las pinturas de Giger, se inspiró para crear la película "Alien" e incluso contrató al artista para crear bocetos.
Salvador Dalí "El rostro de la guerra"
Otra variación del tema de los horrores de la guerra, con la ayuda de la cual los artistas intentan convencer a la humanidad de que no hay nada peor. Y al mirar esta imagen, entendemos que realmente es así. Salvador Dalí pintó este cuadro después de que terminó la Guerra Civil Española.
Diomedes se echó a reír, no esperando tal descaro por parte del recién llegado, y habiéndose reído bastante, gritó a sus soldados:
¡Aliméntalo a los caballos!
No se sabe por qué Hércules acudió personalmente a Diomedes, quizás sólo para comprobar la crueldad del rey tracio, y ahora recibió esta confirmación de primera mano. Ni siquiera cien guerreros tracios lograron herir al semidiós; él los mató a todos. Y Diomedes, temblando de miedo, fue agarrado por el cuello y arrastrado a los establos.
¡Ahora tú también sabrás el destino de todos los que sentenciaste!
Con estas palabras, el hijo de Zeus, experimentado una justa ira, arrojó al rey Biston sobre sus bestias. Los caballos destrozaron a Diomedes, como a todos los demás con los que se topaban, porque no reconocían a ningún amo. Después de esto, Hércules llevó los caballos al barco de su amigo, donde confió su guardia a su amigo Abdera.
Quizás no hubiera ocurrido ninguna tragedia si no fuera por los guerreros tracios que persiguieron a Hércules, queriendo vengar al rey. La batalla con los tracios no duró mucho; Hércules y sus compañeros repelieron fácilmente el ataque, pero durante este tiempo Abder sin darse cuenta se acercó a las monstruosas criaturas y lo destrozaron.
Después de llorar a su amigo y enterrarlo con honores, el equipo regresó a Argos. Euristeo, al ver los hocicos de los caballos manchados de sangre humana, se horrorizó y ordenó que los liberaran inmediatamente en algún lugar alejado de la ciudad, en las montañas. Dicen que allí fueron despedazados por depredadores salvajes.
Y cerca del lugar donde Hércules enterró a Abdera, se fundó una ciudad que lleva su nombre.
En los mitos sobre los trabajos de Hércules, la octava tarea que debe completar el héroe es robar las yeguas de Diomedes, rey de Tracia. Parecería que robar caballos debería ser un asunto sencillo para el hijo de un dios, pero eran caballos que se comían a las personas. Sin saber que estos caballos están locos, Hércules los deja con sus compañeros, a quienes los animales sedientos de sangre mataron y se comieron.
"Diomedes devorado por los caballos". Gustave MoreauComo castigo a Diomedes por criar tales monstruos, Hércules lo alimentó con sus propios caballos. Esta trama formó la base del cuadro de Moreau, en el que se puede ver a Hércules mirando despreocupadamente la “venganza” de los caballos contra Diomedes. Moreau es famoso por sus pinturas simbólicas de temas bíblicos y historias mitologicas, pero ninguno de ellos es tan sangriento como este.
2. "Pesadilla". Henry Fuseli
Tan pronto como Fuseli presentó esta pintura al público, se hizo famosa por demostrar “el efecto aterrador de las maldiciones en los sueños de las personas”. La pintura se hizo tan popular que Fuseli pintó varias versiones. La trama principal es una demostración del sueño de una persona y las pesadillas que ve en él.
"Pesadilla." Henry Fuseli En este lienzo se puede ver un íncubo, un demonio masculino que seduce a las mujeres durante el sueño. Se sienta sobre el pecho de una mujer dormida y le provoca sueños abiertamente sexuales. Sin embargo, la popularidad de la pintura provocó muchas contradicciones (después de todo, la época no era tan "libre" en términos de expresar los propios deseos). Como resultado, el lienzo se utilizó en muchos Imágenes satíricas Eras georgiana y victoriana.
"Fantasma del agua" Alfred Kubín. Desafortunadamente, hoy en día pocas personas conocen al ilustrador austriaco Alfred Kubin. Trabajó principalmente en el estilo de los gráficos simbolistas e impresionistas, y también fue famoso por sus acuarelas y dibujos a tinta y lápiz. Tiene poco trabajo hecho pinturas al óleo, pero este ejemplo transmite perfectamente el estilo lúgubre del cubano. De hecho, pocos cuadros transmiten tan bien un estado de ánimo lúgubre y depresivo. Curiosamente, los nazis calificaron el trabajo de Kubin de "degenerado".
4. “Judit decapitando a Holofernes”. Artemisia Gentileschi
esta foto Recuerda mucho a la obra de Caravaggio, pero menos conocida. La propia Artemisia Gentileschi dirigió vida emocionante, y algunos de los rasgos del carácter de la Judith bíblica se pueden ver en la propia artista.
"Judit decapitando a Holofernes". Artemisia Gentileschi La pintura, cuyo estilo coincide en gran medida con el naturalismo y la violencia de Caravaggio, presenta una escena de decapitación aún más realista. En el caso cuando en Las pinturas de Caravaggio. hay que buscar algunos significado oculto, en Gentileschi se ve claramente a primera vista. El rostro de Holofernes en esta versión sugiere que claramente cayó en un estupor en estado de ebriedad, sin comprender lo que estaba sucediendo.
5. “Las manos se le resisten”. Bill Stoneham
La pintura se convirtió en una sensación en Internet en el año 2000 cuando se puso a la venta en eBay. Los vendedores afirmaron que los niños del cuadro se movían por la noche y en ocasiones salían del cuadro. Internet incluso empezó a aparecer. dedicado a la pintura Sitios web donde se mostraron algunas de las fotos. de cerca, enfatizando historias espeluznantes asociado con el lienzo.
"Las manos se le resisten." Bill Stoneham. A ambos niños les faltan ojos, pero quizás la característica más inquietante de la pintura son las pequeñas manos presionadas contra el cristal de la puerta detrás de los niños. El artista recibió el encargo de pintar una continuación de este cuadro, mostrando los mismos personajes varias décadas después.
6. “El retrato de Dorian Gray”. Iván Albright
Ivan Albright pintó al estilo del "realismo mágico", pero no todas sus pinturas están llenas de caprichos fantásticos. El realismo mágico en el arte puede describirse mejor como realismo estilístico, cuyo objetivo es transmitir la "verdad interior" de un objeto al espectador.
"El retrato de Dorian Gray". Iván Albright Este estilo es perfecto para la trama de esta imagen. En la novela de Oscar Wilde El retrato de Dorian Gray, los pecados joven se reflejaban en su imagen, pero no en su carácter. Esta imagen fue encargada para la película MGM en 1945 basada en el libro de Wilde. A lo largo de la película, el retrato se desgasta, al igual que el alma del joven, por lo que contrataron a Albright para realizar cambios en su pintura durante el rodaje.
7. "Pogo el payaso" John Wayne Gacy
John Wayne Gacy fue uno de los asesinos en serie más famosos de la historia. historia americana, en el que murieron al menos 33 jóvenes y adolescentes. Tras su arresto por estos crímenes, Gacy se dedicó al arte y pintó en prisión hasta su ejecución. Esta imagen muestra al propio Gacy en la imagen de su alter ego: el payaso Pogo.
"Pogo el payaso" John Wayne Gacy. Gacy solía entretener a los niños en la naturaleza vestido como Pogo. Ciertamente este no es un ejemplo. gran arte, Y mayoría El horror de esta imagen se basa en realidad en el conocimiento de los crímenes de Gacy. Vale la pena prestar atención a las comisuras puntiagudas del maquillaje de la boca de Gacy. La mayoría de los payasos evitan esto porque tiende a aumentar la coulrofobia (miedo a los payasos) latente de cualquier persona.
"Pogo el payaso" John Wayne Gacy "El grito" de Edvard Munch es probablemente una de las obras más pinturas famosas en el género expresionista, y también es una de las pinturas más inquietantes. Su figura central es vista como una expresión de angustia existencial que todos deben aceptar. Teniendo en cuenta la popularidad de esta imagen, tal vez ni siquiera valga la pena describirla en detalle.
9. “Tres estudios para las figuras al pie de la crucifixión”. Francisco Bacon
Bacon es famoso por su arte depresivo y sus trípticos. El tríptico de 1944 “Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión” se considera el primer gran trabajo artístico Tocino. Estas figuras simbolizan muchas fuentes, como las furias de Mitos griegos, personajes del tríptico de Grunewald e incluso la película “El acorazado Potemkin”.
"Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión". Francisco Bacon. La expresión demacrada de sus rostros hace pensar que la multitud se burla de Jesús en el camino a su ejecución. A diferencia de muchas de las obras de Bacon, robadas y compradas en secreto por multimillonarios, este tríptico se puede ver en galería británica Tate. Más tarde, Bacon volvió a esta obra y pintó una copia grande.
10. "Guernica" Pablo Picasso
El 26 de abril de 1937, la Legión Cóndor alemana, una unidad voluntaria de la Luftwaffe, al mando de nacionalistas españoles, bombardeó la ciudad de Guernica, destruyéndola por completo. La historia de los alemanes rompiendo su pacto de no intervención guerra civil en España, fue publicado en la prensa casi de inmediato.
"Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión". Francisco Bacon Los republicanos españoles encargaron a Picasso pintar un mural del bombardeo de la ciudad para la Exposición Universal de París. Desde su primera exposición, la pintura se ha convertido en un símbolo de la crueldad y el sufrimiento de la guerra. Quizás la parte más llamativa de la obra sea la figura del extremo izquierdo: una mujer que grita cargando a un niño muerto.