EntradaElementos del jazz. Estilos y direcciones del jazz moderno. Evangelio contemporáneo de la película "Joyful Noise"
El jazz es una dirección musical caracterizada por una combinación de ritmicidad y melodía. Una característica separada del jazz es la improvisación. La dirección musical ganó popularidad debido a su sonido inusual y la combinación de varias culturas completamente diferentes.
La historia del jazz comenzó a principios del siglo XX en Estados Unidos. El jazz tradicional se formó en Nueva Orleans. Posteriormente, comenzaron a surgir nuevas variedades de jazz en muchas otras ciudades. A pesar de toda la variedad de sonidos de diferentes estilos, la música jazz se puede distinguir inmediatamente de otro género por sus rasgos característicos.
Improvisación
La improvisación musical es una de las principales características del jazz, que está presente en todas sus variedades. Los intérpretes crean música de forma espontánea, sin pensar en el futuro ni ensayar. Tocar jazz e improvisar requiere experiencia y habilidad en esta área de la creación musical. Además, un intérprete de jazz debe recordar el ritmo y la tonalidad. La relación entre los músicos del grupo es de gran importancia, porque el éxito de la melodía resultante depende de la comprensión del estado de ánimo de cada uno.
La improvisación en el jazz te permite crear algo nuevo cada vez. El sonido de la música depende únicamente de la inspiración del músico al momento de tocar.
No se puede decir que si no hay improvisación en una interpretación, entonces ya no es jazz. Este tipo de creación musical fue heredado de los pueblos africanos. Como los africanos no tenían idea de las notas ni del ensayo, la música se transmitía entre sí sólo memorizando su melodía y su tema. Y cada nuevo músico ya podía tocar la misma música de una forma nueva.
Ritmo y melodía
La segunda característica importante del estilo jazz es el ritmo. Los músicos tienen la oportunidad de crear sonido de forma espontánea, ya que la pulsación constante crea el efecto de vivacidad, juego y emoción. El ritmo también limita la improvisación, ya que requiere que los sonidos se produzcan de acuerdo con un ritmo determinado.
Al igual que la improvisación, el ritmo llegó al jazz desde las culturas africanas. Pero es precisamente este rasgo el que constituye la principal característica del movimiento musical. Los primeros artistas de free jazz abandonaron completamente el ritmo para poder crear música con total libertad. Debido a esto, la nueva dirección del jazz no fue reconocida durante mucho tiempo. El ritmo lo proporcionan los instrumentos de percusión.
El jazz heredó la melodía de la música de la cultura europea. Es la combinación de ritmo e improvisación con música suave y armoniosa lo que le da al jazz su sonido inusual.
Qué es el jazz, historia del jazz
¿Qué es el jazz? Estos ritmos emocionantes, música en vivo agradable que se desarrolla y se mueve continuamente. Esta dirección, tal vez, no se puede comparar con ninguna otra, y es imposible, incluso para un principiante, confundirla con cualquier otro género. Además, aquí hay una paradoja: es fácil escucharlo y reconocerlo, pero no es tan fácil describirlo con palabras, porque el jazz está en constante desarrollo y los conceptos y características que se utilizan hoy en día quedarán obsoletos en uno o dos años.
Jazz: ¿qué es?
El jazz es una dirección musical que surgió a principios del siglo XX. Entrelaza estrechamente ritmos africanos, cantos rituales, canciones de trabajo y seculares y música estadounidense de siglos pasados. En otras palabras, es un género semi-improvisado que surgió de la mezcla de música de Europa occidental y África occidental.
¿De dónde vino el jazz?
Generalmente se acepta que es originario de África, como lo demuestran sus complejos ritmos. Si a esto le añadimos bailes, todo tipo de patadas, palmas, ya tenemos ragtime. Los ritmos claros de este género, combinados con melodías de blues, dieron lugar a una nueva dirección, que llamamos jazz. Cuando te preguntes de dónde surgió esta nueva música, cualquier fuente te dará la respuesta que de los cantos de los esclavos negros que fueron traídos a América a principios del siglo XVII. Sólo encontraron consuelo en la música.
Al principio, estos eran motivos puramente africanos, pero después de varias décadas comenzaron a ser de naturaleza más improvisada y a estar cubiertos de nuevas melodías estadounidenses, principalmente melodías religiosas y espirituales. Más tarde, a esto se le agregaron canciones de lamento: blues y pequeñas bandas de música. Y así surgió una nueva dirección: el jazz.
¿Cuáles son las características de la música jazz?
La primera y más importante característica es la improvisación. Los músicos deben poder improvisar tanto en orquesta como en solitario. Otra característica igualmente significativa es el polirritmo. La libertad rítmica es quizás la característica más importante de la música jazz. Es esta libertad la que da a los músicos una sensación de ligereza y movimiento continuo hacia adelante. ¿Recuerdas alguna composición de jazz? Parece que los intérpretes tocan fácilmente una melodía maravillosa y agradable al oído, sin un marco estricto, como en la música clásica, solo una ligereza y relajación asombrosas. Por supuesto, las obras de jazz, como las clásicas, tienen su propio ritmo, métrica, etc., pero gracias a un ritmo especial llamado swing (del swing inglés) surge esa sensación de libertad. ¿Qué más es importante para esta dirección? Por supuesto, un latido o una pulsación regular.
Desarrollo del jazz
Originario de Nueva Orleans, el jazz se está extendiendo rápidamente y volviéndose cada vez más popular. Los grupos de aficionados, formados principalmente por africanos y criollos, comienzan a actuar no sólo en restaurantes, sino que también realizan giras por otras ciudades. Así, en el norte del país está surgiendo otro centro de jazz: Chicago, donde las actuaciones nocturnas de grupos musicales tienen una gran demanda. Las composiciones interpretadas se complican por los arreglos. Entre los artistas de ese período, los más notables Luis Armstrong , quien se mudó a Chicago desde la ciudad donde nació el jazz. Los estilos de estas ciudades se combinaron más tarde en Dixieland, que se caracterizó por la improvisación colectiva.
La pasión masiva por el jazz en las décadas de 1930 y 1940 llevó a la demanda de orquestas más grandes que pudieran interpretar una variedad de melodías de baile. Gracias a esto apareció el swing, que representa algunas desviaciones del patrón rítmico. Se convirtió en la dirección principal de esta época y empujó a un segundo plano la improvisación colectiva. Los grupos que tocaban swing comenzaron a llamarse big bands.
Por supuesto, tal desviación del swing de las características inherentes al jazz temprano, de las melodías nacionales, causó descontento entre los verdaderos conocedores de la música. Por eso las big bands y los intérpretes de swing empiezan a oponerse a la actuación de pequeños conjuntos en los que hay músicos negros. Así, en la década de 1940 surgió un nuevo estilo de bebop, destacándose claramente entre otros estilos de música. Se caracterizaba por melodías increíblemente rápidas, largas improvisaciones y patrones rítmicos complejos. Entre los intérpretes de esta época destacan figuras. charlie parker y Dizzy Gillespie.
Desde 1950, el jazz se ha desarrollado en dos direcciones diferentes. Por un lado, los seguidores de los clásicos volvieron a la música académica, dejando de lado el bebop. El cool jazz resultante se volvió más sobrio y seco. Por otro lado, la segunda línea siguió desarrollándose bebop. En este contexto, surgió el hard bop, que devolvió entonaciones folclóricas tradicionales, un patrón rítmico claro y la improvisación. Este estilo se desarrolló junto con tendencias como el soul-jazz y el jazz-funk. Trajeron la música más cercana al blues.
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En la década de 1960 se llevaron a cabo diversos experimentos y búsquedas de nuevas formas. Como resultado, aparecen el jazz-rock y el jazz-pop, que combinan dos direcciones diferentes, así como el free jazz, en el que los intérpretes abandonan por completo la regulación del patrón rítmico y del tono. Entre los músicos de esta época se hicieron famosos Ornette Coleman, Wayne Shorter y Pat Metheny.
jazz soviético
Al principio, las orquestas de jazz soviéticas interpretaban principalmente bailes de moda como el foxtrot y el charlestón. En la década de 1930, una nueva dirección comenzó a ganar popularidad. A pesar de que la actitud de las autoridades soviéticas hacia la música jazz era ambigua, no fue prohibida, pero al mismo tiempo fue duramente criticada por pertenecer a la cultura occidental. A finales de los años 40, los grupos de jazz fueron completamente perseguidos. En los años 50 y 60 se reanudaron las actividades de las orquestas de Oleg Lundstrem y Eddie Rosner y cada vez más músicos se interesaron por la nueva dirección.
Incluso hoy en día, el jazz se desarrolla constante y dinámicamente, están surgiendo muchas direcciones y estilos. Esta música continúa absorbiendo sonidos y melodías de todos los rincones de nuestro planeta, saturándolo con cada vez más colores, ritmos y melodías nuevos.
Entender quién es quién en el jazz no es tan fácil. La dirección tiene éxito comercial y, por lo tanto, a menudo gritan desde todos los lados sobre "el único concierto del legendario Vasya Pupkin", y las figuras realmente importantes pasan a las sombras. Bajo la presión de los ganadores del Grammy y la publicidad de la radio Jazz, es fácil perder el rumbo y permanecer indiferente al estilo. Si quieres aprender a entender este tipo de música, y tal vez incluso amarla, aprende la regla más importante: no confíes en nadie.
Hay que juzgar con cautela los nuevos fenómenos, o como Hugues Panasier, el famoso musicólogo que trazó una línea y tachó todo el jazz después de los años 50, calificándolo de “irreal”. Al final se demostró que estaba equivocado, pero esto no afectó la popularidad de su libro, La historia del jazz auténtico.
Es mejor tratar un fenómeno nuevo con sospecha silenciosa, para que definitivamente pases como uno de los nuestros: el esnobismo y la adherencia a lo antiguo son una de las características más llamativas de la subcultura.
Cuando se habla de jazz, a menudo se recuerda a Louis Armstrong y Ella Fitzgerald; parece que no te puedes equivocar aquí. Pero tales comentarios revelan a un neófito. Se trata de figuras emblemáticas, y si todavía se puede hablar de Fitzgerald en un contexto adecuado, entonces Armstrong es el Charlie Chaplin del jazz. No vas a hablar con un cinéfilo de autor sobre Charlie Chaplin, ¿verdad? Y si lo haces, al menos no en primer lugar. Mencionar ambos nombres ilustres es posible en determinados casos, pero si no tienes nada en el bolsillo más que estos dos ases, guárdalos y espera la situación adecuada.
En muchas direcciones hay fenómenos que están de moda y no muy de moda, pero esto es en gran medida característico del jazz. Un hipster maduro, acostumbrado a buscar cosas raras y extrañas, no entenderá por qué el jazz checo de los años 40 no es interesante. No podrá encontrar algo convencionalmente "inusual" y mostrar su "profunda erudición" aquí. Para imaginar el estilo en términos generales, conviene enumerar sus principales direcciones a partir de finales del siglo XIX.
El ragtime y el blues a veces se denominan protojazz, y si el primero, al no ser una forma completamente desarrollada desde un punto de vista moderno, es interesante simplemente como un hecho de la historia de la música, entonces el blues sigue siendo relevante.
Ragtimes de Scott Joplin
Y aunque los investigadores citan el estado psicológico de los rusos y un sentimiento total de desesperanza como motivo de tal aumento del amor por el blues en los años 90, en realidad todo puede ser mucho más sencillo.
Una selección de 100 canciones populares de blues.
boogie-woogie clásico
Como en la cultura europea, los afroamericanos dividieron la música en secular y espiritual, y si el blues pertenecía al primer grupo, entonces la espiritual y el gospel pertenecían al segundo.
Las canciones espirituales son más austeras que las canciones gospel, cantadas por un coro de creyentes, a menudo acompañadas de palmas en ritmos uniformes, una característica importante de todos los estilos de jazz y un problema para muchos oyentes europeos que aplauden fuera de lugar. La música del Viejo Mundo a menudo nos hace asentir a ritmos extraños. En el jazz es al revés. Por lo tanto, si no está seguro de sentir estos segundos y cuartos latidos inusuales para un europeo, es mejor abstenerse de aplaudir. O observe cómo lo hacen los propios artistas y luego intente repetirlo.
Escena de la película "12 años de esclavitud" con la interpretación de un clásico espiritual.
Espiritual contemporáneo realizado por Take 6
Las canciones gospel a menudo eran interpretadas por un solo cantante y tenían más libertad que las espirituales, por lo que se hicieron populares como género de concierto.
Evangelio clásico interpretado por Mahalia Jackson
Evangelio contemporáneo de la película "Joyful Noise"
En la década de 1910 se formó el jazz tradicional, o de Nueva Orleans. La música de la que surgió fue interpretada por orquestas callejeras, muy populares en aquella época. La importancia de los instrumentos está creciendo considerablemente; un acontecimiento importante de la época es la aparición de las bandas de jazz, pequeñas orquestas de 9 a 15 personas. El éxito de los grupos negros motivó a los estadounidenses blancos que crearon las llamadas Dixielands.
El jazz tradicional se asocia con películas sobre gánsteres estadounidenses. Esto se debe a que su apogeo se produjo durante la Prohibición y la Gran Depresión. Uno de los representantes destacados del estilo es el ya mencionado Louis Armstrong.
Las características distintivas de una banda de jazz tradicional son la posición estable del banjo, la posición principal de la trompeta y la plena participación del clarinete. Los dos últimos instrumentos serán reemplazados con el tiempo por el saxofón, que se convertirá en el director permanente de dicha orquesta. Por la naturaleza de la música, el jazz tradicional es más estático.
Jelly Roll Morton Jazz Band
Dixieland Jazz Band moderna de Dixieland Marshall
¿Qué tiene de malo el jazz y por qué es común decir que nadie sabe tocar esta música?
Se trata de su origen africano. A pesar de que a mediados del siglo XX los blancos defendieron su derecho a este estilo, todavía se cree ampliamente que los afroamericanos tienen un sentido especial del ritmo que les permite crear una sensación de balanceo, que se llama "swing" ( del inglés to swing - “to swing”) "). Discutir esto es arriesgado: la mayoría de los grandes pianistas blancos desde la década de 1950 hasta la actualidad se hicieron famosos por su estilo o sus improvisaciones intelectuales que delatan una profunda erudición musical.
Por lo tanto, si en una conversación mencionas a un músico de jazz blanco, no debes decir algo como "qué bien hace el swing"; después de todo, hace swing normalmente o no hace swing, eso es racismo inverso.
Y la palabra "swing" en sí está demasiado gastada; es mejor pronunciarla en el último momento, cuando probablemente sea apropiado.
Todo jazzista debe poder interpretar "estándares de jazz" (melodías principales o, en caso contrario, siempre vigentes), que, sin embargo, se dividen en orquestales y de conjunto. Por ejemplo, es más probable que In the Mood sea uno de los primeros.
De humor. Interpretada por la Orquesta Glenn Miller
Al mismo tiempo, aparecieron las famosas obras de George Gershwin, consideradas jazzísticas y académicas al mismo tiempo. Se trata de Rapsodia en azul (o Rapsodia en azul), escrita en 1924, y la ópera Porgy and Bess (1935), famosa por su aria Summertime. Antes de Gershwin, las armonías de jazz fueron utilizadas por compositores como Charles Ives y Antonin Dvorak (sinfonía “From the New World”).
George Gershwin. Porgy y Bess. Aria Verano. Realizada académicamente por María Callas.
George Gershwin. Porgy y Bess. Aria Verano. Actuación de jazz de Frank Sinatra
George Gershwin. Porgy y Bess. Aria Verano. Versión rockera. Interpretada por Janis Joplin.
George Gershwin. Rapsodia al estilo blues. Interpretada por Leonard Bernstein y su orquesta.
Uno de los compositores rusos más famosos, como Gershwin, que escribe en estilo jazz es Nikolai Kapustin. .
Ambos bandos miran con recelo estos experimentos: los jazzistas están convencidos de que una pieza escrita sin improvisación ya no es jazz “por definición”, y los compositores académicos consideran que los medios de expresión del jazz son demasiado triviales para trabajar con ellos en serio.
Sin embargo, los intérpretes clásicos interpretan a Kapustin con gusto e incluso intentan improvisar, mientras que sus "contrapartes" actúan con mayor sabiduría y no invaden el territorio de otra persona. Los pianistas académicos que exhiben sus improvisaciones se han convertido desde hace mucho tiempo en un meme en los círculos del jazz.
Desde los años 20, el número de figuras icónicas y de culto en la historia del movimiento ha ido creciendo y cada vez es más difícil memorizar estos numerosos nombres. Sin embargo, algunos pueden ser reconocidos por su timbre característico o forma de interpretación. Una de estas cantantes memorables fue Billie Holiday.
Todo de Mí. Realizada por Billie Holiday
En los años 50 se inició una nueva era llamada “jazz moderno”. Esto fue lo que el musicólogo antes mencionado Hugues Panassier repudió. Esta dirección se abre con el estilo bebop: su rasgo característico es la alta velocidad y los frecuentes cambios de armonía, por lo que requiere habilidades interpretativas excepcionales, que poseían personalidades tan destacadas como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y John Coltrane.
Bebop nació como un género elitista. Cualquier músico de la calle siempre podía asistir a una jam session, una velada de improvisación, por eso los pioneros del bebop introdujeron tempos rápidos para deshacerse de los aficionados y los profesionales débiles. Este esnobismo es en parte inherente a los fanáticos de esta música, que consideran que su dirección favorita es el pináculo del desarrollo del jazz. Es común tratar al bebop con respeto, incluso si no sabes nada al respecto.
Pasos gigantes. Interpretada por John Coltrane
Es especialmente elegante admirar la manera impactante y deliberadamente grosera de actuar de Thelonious Monk, quien, según los chismes, interpretó magníficamente trabajos académicos complejos, pero lo ocultó cuidadosamente.
Medianoche redonda. Realizado por Thelonious Monk
Por cierto, hablar de chismes sobre intérpretes de jazz no se considera vergonzoso; al contrario, indica una profunda implicación y da a entender una larga experiencia auditiva. Por lo tanto, debes saber que la adicción a las drogas de Miles Davis afectó su comportamiento escénico, Frank Sinatra tenía conexiones con la mafia y hay una iglesia que lleva el nombre de John Coltrane en San Francisco.
Mural "Santos Danzantes" de una iglesia de San Francisco.
Junto con el bebop surgió otro estilo en la misma dirección: jazz genial(cool jazz), que se distingue por un sonido "frío", carácter moderado y ritmo pausado. Uno de sus fundadores fue Lester joven, pero también hay muchos músicos blancos en este nicho: David Brubeck , Bill Evans(no confundir con Gil Evans), Stan Getz etc.
Toma cinco. Interpretada por el conjunto Dave Brubeck
Si los años 50, a pesar de los reproches de los conservadores, abrieron el camino a los experimentos, en los años 60 se convirtieron en la norma. En esta época, Bill Evans grabó dos álbumes de arreglos de obras clásicas con una orquesta sinfónica, Stan Kenton, representante jazz progresivo, crea ricas orquestaciones, cuya armonía se compara con la de Rachmaninov, y en Brasil surge su propia versión del jazz, completamente diferente de otros estilos: bossa-nova .
Granados. Arreglo de jazz de la obra “Mach and the Nightingale” del compositor español Granados. Interpretada por Bill Evans acompañado de una orquesta sinfónica.
Malagueña. Interpretada por la Orquesta Stan Kenton
Chica de Ipanema. Interpretada por Astrud Gilberto y Stan Getz.
Amar la bossa nova es tan fácil como amar minimalismo en la música académica moderna.
Gracias a su sonido discreto y “neutral”, el jazz brasileño llegó a los ascensores y vestíbulos de hoteles como música de fondo, aunque esto no resta importancia al estilo como tal. Vale la pena decir que amas la bossa nova sólo si realmente conoces bien a sus representantes.
Se estaba produciendo un giro importante en el estilo orquestal popular: el jazz sinfónico. En los años 40, el jazz empolvado con un sonido sinfónico académico se convirtió en un fenómeno de moda y en el estándar de equilibrio entre dos estilos con orígenes completamente diferentes.
Suerte, sé una dama. Interpretada por Frank Sinatra con una orquesta sinfónica de jazz.
En los años 60, el sonido de la orquesta sinfónica de jazz perdió su novedad, lo que dio lugar a experimentos con la armonía de Stan Kenton, arreglos de Bill Evans y álbumes temáticos de Gil Evans, como Sketches of Spain y Miles Ahead.
Bocetos de España. Interpretada por Miles Davis con la orquesta Gil Evans
Los experimentos en el campo del jazz sinfónico siguen siendo relevantes; los proyectos más interesantes de los últimos años en este nicho han sido Metropole Orkest, The Cinematic Orchestra y Snarky Puppy.
Respirar. Interpretada por la Orquesta Cinematográfica
Gretel. Interpretada por Snarky Puppy y Metropole Orkest (Premio Grammy, 2014)
Las tradiciones del bebop y el cool jazz se fusionaron en una dirección llamada hard bop, una versión mejorada del bebop, aunque es bastante difícil distinguir uno del otro de oído. Los Jazz Messengers, Sonny Rollins, Art Blakey y algunos otros músicos que originalmente tocaban bebop se consideran destacados intérpretes de este estilo.
Bop duro. Interpretada por la orquesta Jazz Messengers.
Gimiendo. Interpretada por Art Blakey y The Jazz Messengers
Las intensas improvisaciones a ritmos rápidos requirieron ingenio, lo que llevó a búsquedas en el campo. Lada. Así nació jazz modal. A menudo se aísla como un estilo independiente, aunque también se encuentran improvisaciones similares en otros géneros. La pieza modal más popular fue la composición "¿Y qué?" Miles Davis.
¿Así que lo que? Interpretada por Miles Davis
Mientras los grandes músicos de jazz descubrían cómo complicar aún más una música ya compleja, los autores e intérpretes ciegos Carlos Ray y recorrieron el camino del corazón, combinando jazz, soul, gospel y ritmo y blues en su trabajo.
Yemas de los dedos. Realizado por Stevie Wonder
¿Qué dije? Realizado por Ray Charles
Al mismo tiempo, los organistas de jazz se dieron a conocer en voz alta, tocando música en un órgano eléctrico Hammond.
Jimmy Smith
A mediados de los años 60 apareció el soul jazz, que combinaba la democracia del soul con el intelectualismo del bebop, pero históricamente se le suele asociar con este último, guardando silencio sobre el significado del primero. La figura más popular del soul jazz fue Ramsey Lewis.
La multitud 'in'. Interpretada por el Ramsey Lewis Trio
Si desde principios de los años 50 la división del jazz en dos ramas sólo se dejaba sentir, en los años 70 ya se podía hablar de esto como un hecho irrefutable. El pináculo de la tendencia de élite fue
Cómo se desarrolló un tipo de música a finales del siglo XIX y XX. como resultado de la síntesis de elementos de dos culturas musicales: la europea y la africana. De los elementos africanos, se puede observar la polirritmicidad, la repetición repetida del motivo principal, la expresividad vocal, la improvisación, que penetró en el jazz junto con las formas comunes del folclore musical negro: danzas rituales, canciones de trabajo, espirituales y blues.
Palabra "jazz", originalmente "banda de jazz", comenzó a utilizarse a mediados de la primera década del siglo XX. en los estados del sur para referirse a la música creada por pequeños conjuntos de Nueva Orleans (compuestos por trompeta, clarinete, trombón, banjo, tuba o contrabajo, batería y piano) en procesos de improvisación colectiva sobre temas de blues, ragtime y música popular europea. canciones y bailes.
Para familiarizarse, puede escuchar y Cesaria Évora, y, y muchos otros.
Entonces, ¿qué es? Jazz ácido? Este es un estilo musical funky con elementos incorporados de jazz, funk de los 70, hip-hop, soul y otros estilos. Se puede samplear, puede ser en vivo y puede ser una mezcla de los dos últimos.
Principalmente, Jazz ácido pone énfasis en la música en lugar del texto/palabras. Esta es música de club que tiene como objetivo ponerte en movimiento.
Primer sencillo con estilo Jazz ácido era "Frederick todavía miente", autor galiano. Esta fue una versión de la obra. Curtis Mayfield "Freddie está muerto" de la película "Supermosca".
Gran contribución a la promoción y apoyo del estilo. Jazz ácido contribuido Gilles Peterson, quien era DJ en KISS FM. Fue uno de los primeros en fundar Jazz ácido etiqueta A finales de los 80 y principios de los 90, aparecieron muchos artistas. Jazz ácido, que eran como equipos “en vivo” - , Galliano, Jamiroquai, Don Cereza y proyectos de estudio - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Afuera, Y Organización Futuro Unido.
Por supuesto, este no es un estilo de jazz, sino una especie de conjunto instrumental de jazz, pero aún así se incluyó en la tabla, porque cualquier jazz interpretado por una "big band" se destaca mucho del fondo de los intérpretes de jazz individuales y grupos pequeños.
El número de músicos de las big bands suele oscilar entre diez y diecisiete personas.
Formada a finales de la década de 1920, consta de tres grupos de orquesta: saxofones - clarinetes(Bobinas) instrumentos de metal(Latones, posteriormente surgieron grupos de trompetas y trombones), sección rítmica(Sección rítmica - piano, contrabajo, guitarra, instrumentos de percusión). El auge de la música grandes bandas, que comenzó en los EE. UU. en la década de 1930, se asocia con un período de entusiasmo masivo por el swing.
Posteriormente, hasta la actualidad, las big bands actuaron y siguen interpretando música de los más diversos estilos. Sin embargo, en esencia, la era de las big bands comienza mucho antes y se remonta a la época de los teatros de juglares estadounidenses de la segunda mitad del siglo XIX, que a menudo aumentaban el personal de actuación a varios cientos de actores y músicos. Escuchar The Original Dixieland Jazz Band, King Oliver's Creole Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra y su orquesta y apreciarás todo el encanto del jazz interpretado por big bands.
Estilo de jazz que se desarrolló entre principios y mediados de los años 40 del siglo XX y marcó el comienzo de la era del jazz moderno. Se caracteriza por un tempo rápido e improvisaciones complejas basadas en cambios de armonía más que de melodía.
Parker y Gillespie introdujeron el ritmo ultrarrápido de la interpretación para mantener a los no profesionales alejados de sus nuevas improvisaciones. Entre otras cosas, una característica distintiva de todos los bebopistas era su comportamiento impactante. La trompeta curva de "Dizzy" Gillespie, el comportamiento de Parker y Gillespie, los ridículos sombreros de Monk, etc.
Habiendo surgido como una reacción a la difusión generalizada del swing, el bebop continuó desarrollando sus principios en el uso de medios expresivos, pero al mismo tiempo reveló una serie de tendencias opuestas.
A diferencia del swing, que es principalmente música de grandes orquestas de danza comerciales, el bebop es un movimiento creativo experimental en el jazz, asociado principalmente con la práctica de pequeños conjuntos (combos) y de orientación anticomercial.
La fase bebop marcó un cambio significativo en el énfasis del jazz, desde la música de baile popular hacia una “música para músicos” más artística e intelectual, pero menos producida en masa. Los músicos de bop preferían improvisaciones complejas basadas en rasgueos de acordes en lugar de melodías.
Los principales instigadores del nacimiento fueron: saxofonista, trompetista, pianistas. Bud Powell Y Monje Thelonious, baterista Max Roach. Si quieres ser bop, escuchar , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.
Uno de los estilos del jazz moderno, formado a finales de los años 40 y 50 del siglo XX a partir del desarrollo de los logros del swing y el bop. El origen de este estilo se asocia principalmente con el nombre del saxofonista swing negro. L. joven, quien desarrolló un estilo de producción de sonido “frío” opuesto al ideal sonoro del hot jazz (el llamado sonido Lester); Fue él quien introdujo por primera vez el término "kul" en el uso cotidiano. Además, las premisas del cool jazz se encuentran en el trabajo de muchos músicos de bebop, como por ejemplo C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson y otros.
Al mismo tiempo jazz genial tiene diferencias significativas con bopa. Esto se manifestó en un alejamiento de las tradiciones del hot jazz que siguió al bop, en un rechazo de la expresividad rítmica excesiva y la inestabilidad de la entonación, y en un énfasis deliberado en el sabor específicamente negro. Jugado en este estilo: , Stan Getz, Cuarteto de Jazz Moderno, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.
Con el declive gradual de la actividad de la música rock a partir de principios de los años 70, con la disminución del flujo de ideas del mundo del rock, la música fusión se volvió más sencilla. Al mismo tiempo, muchos comenzaron a darse cuenta de que el jazz eléctrico podría volverse más comercial, los productores y algunos músicos comenzaron a buscar combinaciones de estilos para aumentar las ventas. Realmente crearon con éxito un tipo de jazz que era más accesible para el oyente promedio. En las últimas dos décadas han surgido muchas combinaciones diferentes, para las que a los promotores y publicistas les gusta utilizar la frase "Jazz moderno", utilizada para describir las "fusiones" del jazz con elementos del pop, el ritmo y el blues y la "música del mundo".
Sin embargo, la palabra "cruce" describe con mayor precisión la esencia del asunto. El crossover y la fusión lograron su objetivo de incrementar la audiencia del jazz, especialmente entre aquellos que estaban hartos de otros estilos. En algunos casos, esta música es digna de atención, aunque en general el contenido de jazz que contiene se reduce a cero. Los ejemplos del estilo cruzado van desde (Al Jarreau) y grabaciones vocales (George Benson) hasta (Kenny G), "Spiro Gyra" Y " " . En todo esto hay influencia del jazz, pero, sin embargo, esta música encaja en el campo del arte pop, que está representado por Gerald Albright, George Duque, saxofonista Bill Evans, Dave Grusin,.
Dixielandia es la designación más amplia para el estilo musical de los primeros músicos de jazz de Nueva Orleans y Chicago que grabaron discos entre 1917 y 1923. Este concepto también se extiende al período de desarrollo y resurgimiento posterior del jazz de Nueva Orleans: El renacimiento de Nueva Orleans, que continuó después de la década de 1930. Algunos historiadores atribuyen Dixielandia sólo con la música de bandas blancas que tocaban al estilo jazz de Nueva Orleans.
A diferencia de otras formas de jazz, el repertorio de piezas de los músicos Dixielandia permaneció bastante limitado, ofreciendo infinitas variaciones de temas dentro de los mismos temas compuestos a lo largo de la primera década del siglo XX e incluía ragtimes, blues, one-steps, two-steps, marchas y temas populares. Por estilo de actuación Dixielandia Lo característico fue el complejo entrelazamiento de voces individuales en la improvisación colectiva de todo el conjunto. El solista inicial y los demás solistas que continuaron su interpretación parecieron oponerse a los “riffing” del resto de instrumentos de viento, hasta las frases finales, normalmente interpretadas por los tambores en forma de estribillos de cuatro tiempos, a los que los Todo el conjunto respondió por turno.
Los principales representantes de esta época fueron La Original Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver y su famosa orquesta, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke y Jimmy McPartland. Los músicos de Dixieland buscaban esencialmente un renacimiento del jazz clásico de Nueva Orleans de antaño. Estos intentos tuvieron mucho éxito y, gracias a las generaciones posteriores, continúan hasta el día de hoy. El primero de los resurgimientos de Dixieland tuvo lugar en la década de 1940.
Éstos son sólo algunos de los jazzistas que tocaron Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.
Desde principios de los años 70, una compañía alemana ocupa un nicho aparte en la comunidad del estilo jazz. ECM (Edición de Música Contemporánea- Modern Music Publishing House), que poco a poco se convirtió en el centro de una asociación de músicos que profesaban no tanto un apego al origen afroamericano del jazz, sino más bien la capacidad de resolver una amplia variedad de problemas artísticos, sin limitarse a un estilo determinado, pero acorde con el proceso de improvisación creativa.
Con el tiempo, se desarrolló una cierta personalidad de la empresa, lo que llevó a la separación de los artistas de este sello en una dirección estilística a gran escala y claramente definida. El enfoque del fundador del sello, Manfred Eicher, de unir varios modismos del jazz, el folclore mundial y la nueva música académica en un único sonido impresionista hizo posible utilizar estos medios para reclamar una comprensión profunda y filosófica de los valores de la vida.
El principal estudio de grabación de la compañía, situado en Oslo, se correlaciona claramente con el papel dominante en el catálogo de músicos escandinavos. Primero que nada, son noruegos. Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. Sin embargo, la geografía de ECM cubre todo el mundo. Los europeos también están aquí. Dave Holland, Tomasz Stanko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Mikhail Alperin y representantes de culturas no europeas Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem y muchos otros. La Legión Americana no es menos representativa. Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. El impulso revolucionario inicial de las publicaciones de la compañía se convirtió con el tiempo en un sonido meditativo y distante de formas abiertas con capas sonoras cuidadosamente pulidas.
Algunos seguidores de la corriente principal niegan el camino elegido por los músicos de esta corriente; Sin embargo, el jazz, como cultura mundial, se desarrolla a pesar de estas objeciones y produce resultados impresionantes.
En contraste con el refinamiento y la frialdad del estilo cool, la racionalidad del progresivo en la costa este de los Estados Unidos, los jóvenes músicos de principios de los años 50 continuaron el desarrollo del estilo bebop aparentemente agotado. En esta tendencia jugó un papel importante el crecimiento de la autoconciencia de los afroamericanos, característico de los años 50. Hubo un enfoque renovado en mantenerse fiel a las tradiciones de improvisación afroamericanas. Al mismo tiempo, se conservaron todos los logros del bebop, pero se les agregaron muchos desarrollos del cool tanto en el campo de la armonía como en el campo de las estructuras rítmicas. La nueva generación de músicos, por regla general, tenía una buena educación musical. Esta corriente, llamada "hardbop", resultó ser bastante numeroso. Los trompetistas se unieron Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianistas Monje Thelonious, Horace Silver, baterista Arte Blake, saxofonistas Sonny Rollins, Hank Mobley, Cannonball Adderley, contrabajista Pablo Cámaras y muchos otros.
Otra innovación técnica resultó significativa para el desarrollo del nuevo estilo: la aparición de discos de larga duración. Se hizo posible grabar solos largos. Para los músicos, esto se ha convertido en una tentación y una prueba difícil, ya que no todos pueden hablar de manera completa y concisa durante mucho tiempo. Los trompetistas fueron los primeros en aprovechar estas ventajas, modificando el estilo de Dizzy Gillespie hacia una interpretación más tranquila pero más profunda. Los más influyentes fueron Grasas Navarro Y clifford marrón. Estos músicos prestaron mayor atención no a los pasajes virtuosos de alta velocidad en el registro superior, sino a las líneas melódicas reflexivas y lógicas.
Se considera que el hot jazz es la música de los pioneros de la segunda ola de Nueva Orleans, cuya mayor actividad creativa coincidió con el éxodo masivo de músicos de jazz de Nueva Orleans hacia el norte, principalmente a Chicago. Este proceso, que se inició poco después del cierre de Storyville por la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y la declaración de Nueva Orleans como puerto militar por este motivo, marcó la llamada era de Chicago en la historia del jazz. El principal representante de esta escuela fue Louis Armstrong. Mientras todavía actuaba en el conjunto King Oliver, Armstrong realizó cambios revolucionarios en el concepto de improvisación de jazz de la época, pasando de los esquemas tradicionales de improvisación colectiva a la interpretación de partes solistas individuales.
El propio nombre de este tipo de jazz está asociado a la intensidad emocional característica de la forma de interpretar estas partes solistas. El término Hot era originalmente sinónimo de improvisación solista de jazz para resaltar las diferencias en el enfoque de los solos que ocurrieron a principios de la década de 1920. Posteriormente, con la desaparición de la improvisación colectiva, este concepto comenzó a asociarse con la forma de interpretar material de jazz, en particular con un sonido especial que determina el estilo instrumental y vocal de interpretación, la llamada entonación caliente: un conjunto de notas especiales. métodos de ritmización y características de entonación específicas.
Quizás el movimiento más controvertido en la historia del jazz surgió con la llegada del "free jazz". Aunque los elementos "Jazz libre" existió mucho antes de que apareciera el término en sí, en "experimentos" Coleman Hawkins, Pee Wee Russell y Lenny Tristano, pero sólo hacia finales de la década de 1950 gracias a los esfuerzos de pioneros como el saxofonista y el pianista. Cecil Taylor, esta dirección tomó forma como un estilo independiente.
Lo que estos dos músicos crearon junto con otros, incluido John Coltrane, Alberto Euler y comunidades como Orquesta Sun Ra y un grupo llamado The Revolutionary Ensemble, consistió en varios cambios en la estructura y sensación de la música.
Entre las innovaciones que se introdujeron con imaginación y gran musicalidad estuvo el abandono de la progresión de acordes, que permitía que la música se moviera en cualquier dirección. Otro cambio fundamental se encontró en el área del ritmo, donde el "swing" fue revisado o ignorado por completo. En otras palabras, el pulso, el compás y el groove ya no eran elementos esenciales en esta lectura del jazz. Otro componente clave estaba relacionado con la atonalidad. Ahora la expresión musical ya no se basaba en el sistema tonal convencional.
Notas penetrantes, ladrantes y convulsivas llenaron por completo este nuevo mundo sonoro. El free jazz sigue existiendo hoy en día como una forma viable de expresión y, de hecho, ya no es un estilo tan controvertido como lo era en sus inicios.
Quizás el movimiento más controvertido en la historia del jazz surgió con la llegada del "free jazz".
Una dirección de estilo moderno que surgió en la década de 1970 sobre la base del jazz-rock, una síntesis de elementos de la música académica europea y el folclore no europeo.
Las composiciones más interesantes del jazz-rock se caracterizan por la improvisación, combinada con soluciones compositivas, el uso de principios armónicos y rítmicos de la música rock, la encarnación activa de la melodía y el ritmo de Oriente y la introducción de medios electrónicos de procesamiento del sonido. y síntesis en música.
En este estilo, se ha ampliado la gama de aplicaciones de los principios modales y se ha ampliado la gama de modos diferentes, incluidos los exóticos. En los años 70, el jazz-rock se hizo increíblemente popular; El jazz-rock, más desarrollado en cuanto a la síntesis de diversos medios musicales, se denomina “fusión” (fusión, fusión). Un impulso adicional para la “fusión” fue otra inclinación (no la primera en la historia del jazz) hacia la música académica europea.
En muchos casos, la fusión se convierte en realidad en una combinación de jazz con música pop convencional y ritmos y blues ligeros; cruce. Las ambiciones de la música fusión de profundidad y empoderamiento musical siguen sin cumplirse, aunque en raros casos la búsqueda continúa, como en grupos como Tribal Tech y los conjuntos de Chick Corea. Escuchar: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, de la nueva Niacin, Tunnels, CAB.
Moderno canguelo Se refiere a estilos populares de jazz de los años 70 y 80, en los que los acompañantes tocan en un estilo pop-soul negro, mientras que las improvisaciones solistas tienen un carácter más creativo y jazzístico. La mayoría de los saxofonistas de este estilo utilizan su propio conjunto de frases simples que consisten en gritos y gemidos de blues. Se basan en una tradición adoptada de los solos de saxofón en grabaciones vocales de ritmo y blues como las grabaciones de Coasters de King Curtis. caminante junior con grupos vocales del sello Motown, David Sanborn de "Blues Band" de Paul Butterfield. Una figura destacada de este género, que a menudo tocaba solos al estilo Hank Crawford usando acompañamiento tipo funk. Gran parte de la música , y sus estudiantes utilizan este enfoque. , también trabajan al estilo del "funk moderno".
El término tiene dos significados. En primer lugar, es un medio expresivo en el jazz. Un tipo característico de pulsación basado en constantes desviaciones del ritmo de los latidos de apoyo. Gracias a esto, se crea la impresión de una gran energía interna, que se encuentra en un estado de equilibrio inestable. En segundo lugar, el estilo del jazz orquestal, que surgió a finales de los años 1920 y 1930 como resultado de la síntesis de formas estilísticas negras y europeas de la música jazz.
Definición inicial "jazz-rock" Fue el más claro: una combinación de la improvisación del jazz con la energía y los ritmos de la música rock. Hasta 1967, los mundos del jazz y del rock existían prácticamente por separado. Pero en ese momento, el rock se vuelve más creativo y más complejo, surgen el rock psicodélico y la música soul. Al mismo tiempo, algunos músicos de jazz empezaron a cansarse del puro hardbop, pero no querían tocar música de vanguardia difícil. Como resultado, dos modismos diferentes comenzaron a intercambiar ideas y unir fuerzas.
Desde 1967, guitarrista Larry Coryell, vibrafonista Gary Burton, en 1969 baterista Billy Cobham Con el grupo "Dreams", en el que tocaban los hermanos Brecker, comenzaron a explorar nuevos espacios de estilo.
A finales de los años 60, Miles Davis tenía el potencial necesario para hacer la transición al jazz rock. Fue uno de los creadores del jazz modal, a partir del cual, utilizando ritmos 8/8 e instrumentos electrónicos, dio un nuevo paso al grabar los álbumes “Bitches Brew”, “In a Silent Way”. Junto a él en esta época se encuentra una brillante galaxia de músicos, muchos de los cuales luego se convertirán en figuras fundamentales de este movimiento - (John McLaughlin), Joe Zawinul(Joe Zawinul) Herbie Hancock. El ascetismo, la brevedad y la contemplación filosófica característicos de Davis resultaron ser lo ideal en el nuevo estilo.
A principios de la década de 1970 jazz-rock Tenía su propia identidad distintiva como estilo de jazz creativo, aunque muchos puristas del jazz lo ridiculizaron. Los principales grupos de la nueva dirección fueron "Regreso a siempre", "Informe meteorológico", "La orquesta Mahavishnu", varios conjuntos Miles Davis. Tocaron jazz-rock de alta calidad que combinaba una amplia gama de técnicas tanto del jazz como del rock. Generación asiática de Kung-Fu, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trío, Andy Summers, Erik Truffaz- Definitivamente deberías escucharlo para comprender cuán diversa es la música progresiva y el jazz-rock.
Estilo jazz-rap fue un intento de unir la música afroamericana de décadas pasadas con una nueva forma dominante del presente, que rendiría homenaje e infundiría nueva vida al primer elemento de esto -la fusión- y al mismo tiempo ampliaría los horizontes del segundo. Los ritmos del jazz-rap fueron tomados completamente del hip-hop, y las muestras y la textura del sonido provenían principalmente de géneros musicales como el cool jazz, el soul-jazz y el hard bop.
El estilo era el más genial y famoso de todos los estilos de hip-hop, y muchos artistas demostraron una conciencia política afrocéntrica, añadiendo autenticidad histórica al estilo. Considerando la inclinación intelectual de esta música, no es sorprendente que el jazz-rap nunca se convirtiera en el favorito de las fiestas callejeras; pero luego nadie pensó en eso.
Los propios representantes del jazz-rap se autodenominaban partidarios de una alternativa más positiva al movimiento hardcore/gangsta, que a principios de los años 90 desplazó al rap de su posición de liderazgo. Buscaban difundir el hip-hop entre oyentes que no podían aceptar o comprender la creciente agresión de la cultura musical urbana. Así, el jazz-rap encontró la mayor parte de sus seguidores en las residencias estudiantiles y también contó con el apoyo de varios críticos y fanáticos del rock alternativo blanco.
Equipo Lenguas nativas (Afrika Bambaataa)- este colectivo neoyorquino formado por grupos de rap afroamericanos se ha convertido en una poderosa fuerza que representa el estilo jazz-rap e incluye grupos como Una tribu llamada Quest, De La Soul y The Jungle Brothers. Pronto comenzó su creatividad. Planetas excavables Y Pandilla Starr también ganó fama. A mediados y finales de los 90, el rap alternativo comenzó a dividirse en una gran cantidad de subestilos, y el jazz-rap ya no se convirtió con frecuencia en un elemento del nuevo sonido.
El jazz como forma de arte musical apareció en los Estados Unidos a finales del siglo XIX y XX, incorporando las tradiciones musicales de los colonos europeos y los patrones melódicos del folclore africano.
La improvisación característica, la polirritmia melódica y la interpretación expresiva se convirtieron en el sello distintivo de los primeros conjuntos de jazz (bandas de jazz) de Nueva Orleans en las primeras décadas del siglo pasado.
Con el tiempo, el jazz pasó por períodos de desarrollo y formación, cambiando su patrón rítmico y dirección estilística: desde el estilo improvisado del ragtime hasta el swing orquestal bailable y el blues suave y pausado.
El período comprendido entre principios de los años 1920 y 1940 vio el surgimiento de las orquestas de jazz (big bands), que consistían en varias secciones orquestales de saxofones, trombones, trompetas y una sección rítmica. El pico de popularidad de las big band se produjo a mediados de la década de 1930. En las pistas de baile y en la radio se escuchó música interpretada por las orquestas de jazz de Duke Ellington, Count Basie y Benny Goodman.
El rico sonido orquestal, las entonaciones brillantes y la improvisación de los grandes solistas Coleman Hawkins, Teddy Wilson, Benny Carter y otros crearon un sonido de big band reconocible y único, que es un clásico de la música jazz.
En los años 40-50. del siglo pasado, ha llegado la hora del jazz moderno; semejante estilos de jazz, como el bebop furioso, el cool jazz lírico, el jazz suave de la costa oeste, el hard bop rítmico y el soul jazz conmovedor han capturado los corazones de los amantes de la música jazz.
A mediados de la década de 1960, apareció una nueva dirección del jazz: el jazz-rock, una combinación peculiar de la energía inherente a la música rock y la improvisación del jazz. Fundadores estilo jazz- Miles Davis, Larry Coryell, Billy Cobham son considerados rock. En los años 70, el jazz-rock se hizo muy popular. El uso del patrón rítmico y la armonía de la música rock, los matices de la armonía melódica y del blues oriental tradicional, el uso de instrumentos eléctricos y sintetizadores, con el tiempo llevaron al surgimiento del término jazz fusión, destacando por su nombre la combinación de varios musicales. tradiciones e influencias.
En los años 70 y 80, la música jazz, aunque mantuvo un énfasis en la melodía y la improvisación, adquirió rasgos de música pop, funk, ritmo y blues (R&B) y jazz cruzado, ampliando significativamente la audiencia de oyentes y adquiriendo éxito comercial.
La música de jazz moderna, que enfatiza la claridad, la melodía y la belleza del sonido, generalmente se caracteriza como jazz suave o jazz contemporáneo. Las líneas rítmicas y melódicas de la guitarra y el bajo, el saxofón y la trompeta, los instrumentos de teclado, en el marco sonoro de los sintetizadores y samplers crean un sonido de jazz suave, colorido, lujoso y fácilmente reconocible.
A pesar de que el smooth jazz y el jazz contemporáneo tienen un estilo musical similar, siguen siendo diferentes. estilos de jazz. Como regla general, se afirma que el jazz suave es música de “fondo”, mientras que el jazz contemporáneo es más individual. estilo jazz y requiere la atención del oyente. Un mayor desarrollo del smooth jazz condujo al surgimiento de la lírica. direcciones del jazz moderno– Jazz urbano contemporáneo para adultos y más rítmico con matices de R&B, funk y hip-hop.
Además, la tendencia emergente hacia la combinación de smooth jazz y sonido electrónico ha llevado al surgimiento de tendencias tan populares en la música moderna como el nu jazz, así como el lounge, el chill y el lo-fi.