El jazz es música verdaderamente americana. Una breve historia del jazz para principiantes Cómo se desarrolló el jazz

El jazz es un movimiento musical que se fundó en Estados Unidos en el estado de Nueva Orleans y luego se extendió gradualmente por todo el mundo. Esta música disfrutó de la mayor popularidad en los años 30; fue durante esta época cuando cayó el apogeo de este género, que combinaba la cultura europea y africana. Ahora puedes escuchar muchos subgéneros del jazz, como: bebop, jazz de vanguardia, soul jazz, cool, swing, free jazz, jazz clásico y muchos otros.

El jazz combinó varias culturas musicales y, por supuesto, nos llegó desde tierras africanas, esto se puede entender por el complejo ritmo y estilo de interpretación, pero este estilo recordaba más al ragtime, eventualmente combinando ragtime y blues, los músicos recibieron un nuevo sonido, al que llamaron jazz. Gracias a la fusión del ritmo africano y la melodía europea, ahora podemos disfrutar del jazz, y la interpretación virtuosa y la improvisación hacen que este estilo sea único e inmortal, a medida que constantemente se introducen e inventan nuevos modelos rítmicos. nuevo estilo ejecución.

El jazz siempre ha sido popular entre todos los segmentos de la población y las nacionalidades y sigue siendo de interés para músicos y oyentes de todo el mundo. Pero el pionero en la fusión del blues y el ritmo africano fue el Chicago Art Ensemble; fueron estos muchachos quienes agregaron formas de jazz a los motivos africanos, lo que despertó un extraordinario éxito e interés entre los oyentes.

En la URSS la gira de Jazz comenzó a surgir en los años 20 (al igual que en USA) y el primer creador de una orquesta de jazz en Moscú fue el poeta y figura teatral Valentin Parnakh, el concierto de este grupo tuvo lugar el 1 de octubre de 1922. , que se considera el cumpleaños del jazz en la URSS. Por supuesto, la actitud de las autoridades soviéticas hacia el jazz fue bilateral, por un lado, no prohibieron este género musical, pero por otro lado, el jazz fue objeto de duras críticas, después de todo, adoptamos este estilo de Occidente, y todo es nuevo y ajeno en todo momento, fue duramente criticado por las autoridades. Hoy en día, los festivales de música jazz se llevan a cabo anualmente en Moscú, hay clubes donde están invitados bandas de jazz, intérpretes de blues y cantantes de soul de fama mundial, es decir, para los fanáticos de este tipo de música siempre hay tiempo y lugar para disfrutar del jazz con sonido vivo y único

Por supuesto, el mundo moderno está cambiando, y la música también está cambiando, los gustos, los estilos y las técnicas de interpretación están cambiando. Sin embargo, podemos decir con confianza que el jazz es un clásico del género, sí, la influencia de los sonidos modernos no ha pasado por alto el jazz, pero sin embargo nunca confundirás estas notas con otras, porque esto es jazz, un ritmo que no tiene análogos, ritmo que tiene sus propias tradiciones y se ha convertido en World Music.

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JAZZ(Jazz inglés), un concepto genérico que define varios tipos de arte musical que se diferencian entre sí en estilo, objetivos artísticos y función en vida pública. El término jazz (originalmente jass) no apareció hasta principios del siglo XIX y XX; puede provenir del francés jaser (con el significado de "charlar", que se conserva en la jerga estadounidense: jazz - "mentiras", “tonterías”), y de donde - una palabra en una de las lenguas africanas que tenía un cierto significado erótico, especialmente porque en la frase natural danza jazz (“danza jazz”) el mismo significado lo tenía la palabra danza desde la época de Shakespeare. En los círculos más altos del Nuevo y del Viejo Mundo, la palabra, que luego se convirtió en un término puramente musical, se asociaba con algo ruidoso, grosero y sucio. El escritor inglés Richard Aldington en el prefacio de la novela. Muerte de un héroe, en el que describe la “verdad de las trincheras” y perdidas morales personalidad después de la Primera Guerra Mundial, llama a su novela “jazz”.

Orígenes.

El jazz surgió como resultado de una larga interacción entre varias capas de la cultura musical en toda América del Norte, dondequiera que los esclavos negros de África (principalmente occidentales) tuvieran que dominar la cultura de sus amos blancos. Estos incluyen himnos religiosos, espirituales y la forma más común de música cotidiana (banda de música) y folclore rural (entre los negros, skiffle) y, lo más importante, música de salón. música de piano ragtime – ragtime (literalmente “ritmo irregular”).

Espectáculo de juglar.

Esta música se difundió mediante los “teatros de juglares” ambulantes (que no deben confundirse con el término europeo medieval): espectáculos de juglares, descritos de manera colorida por Mark Twain en Las aventuras de Huckleberry Finn y el musical de Jerome Kern Barco con teatro a bordo. Los grupos de juglares que caricaturizaban la vida de los negros estaban formados por blancos (la primera película sonora también pertenece a este género). cantante de jazz, en la que el papel de un hombre negro era interpretado por el judío lituano Al Jolson, y la película en sí no tenía nada que ver con el jazz como arte), y de músicos negros, en este caso obligados a parodiarse a sí mismos.

Rag-time.

Gracias al espectáculo de juglares, el público de origen europeo conoció lo que luego sería el jazz y aceptó el ragtime de piano como un arte propio. No es casualidad que el escritor E. Doctorow y el director de cine M. Forman convirtieran el actual concepto musical El “ritmo irregular” en el “tiempo desgarrado” es un símbolo de aquellos cambios que en el Viejo Mundo fueron designados como “el fin del siglo”. Por cierto, el carácter de tambor del ragtime (procedente del pianismo romántico tardío típico europeo) es muy exagerado debido al hecho de que el principal medio de su difusión fue el piano mecánico, que no transmitía las sutilezas de la técnica pianística. Entre los cantautores negros de ragtime también se encontraban compositores serios, como Scott Joplin. Pero se interesaron sólo setenta años después, tras el éxito de la película de acción. Picadura(1973), cuya banda sonora se basó en las composiciones de Joplin.

Blues.

Finalmente, no habría jazz sin el blues (blues – originalmente un colectivo plural, denotando un estado de tristeza, melancolía, abatimiento; El concepto de “sufrimiento” adquiere en nuestro país el mismo doble significado, aunque denota un género musical de naturaleza completamente distinta). El blues es una canción en solitario (rara vez a dúo), cuya peculiaridad no reside sólo en su forma musical específica, sino también en su carácter vocal e instrumental. El principio formativo heredado de África - una breve pregunta del solista y la misma breve respuesta del coro (llamada y respuesta, en forma coral aparece en los himnos espirituales: la "pregunta" del predicador - la "respuesta" de los feligreses ) - en el blues se ha convertido en un principio vocal-instrumental: el autor - el intérprete hace una pregunta (y la repite en la segunda línea) y responde él mismo, la mayoría de las veces con la guitarra (con menos frecuencia con el banjo o el piano). El blues es la piedra angular de la música pop moderna, desde el Rhythm and Blues negro hasta la música rock.

Jazz arcaico.

En el jazz, sus orígenes se fusionaron en un solo canal, lo que ocurrió en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. A menudo, las corrientes separadas estaban conectadas arbitrariamente entre sí: por ejemplo, según una de las tradiciones africanas, las bandas de música tocaban marchas fúnebres en el camino al cementerio y en el camino de regreso. baile divertido. En los pequeños pubs, cantautores de blues ambulantes cantaban con el acompañamiento de un piano (la forma de interpretar blues en el piano a finales de los años 20 se convertiría en un género musical independiente, el boogie-woogie), las típicas orquestas de salón europeas incluían canciones y bailes. de sus espectáculos de juglar en su repertorio, cakewalk (o cakewalk, cake-walk - bailar con música ragtime). Europa aprendió el ragtime precisamente como acompañamiento de este último (el famoso Paseo de marionetas Claude Debussy). Y las artes plásticas característicamente afroamericanas se produjeron a finales del siglo XIX y XX. nada menos, si no más, impresionante que la música de salón sincopada). Por cierto, los registros han sobrevivido. banda de música uno de los regimientos imperiales rusos con un paseo fácil El sueño del negro. Todas estas combinaciones se denominan convencionalmente jazz arcaico.

Si era necesario, los pianistas de ragtime, junto con bandas de música, acompañaban a los cantantes y vocalistas de blues, que, a su vez, incluían repertorio de entretenimiento y de salón en sus programas. Esta música ya puede considerarse jazz, incluso si los primeros grupos se llamaban a sí mismos, como en canción famosa Y luego la película musical de Irvine Berlin: “Ragtime Orchestras”.

Nueva Orleáns.

Se cree que las circunstancias más favorables acompañaron la formación del jazz en la ciudad portuaria de Nueva Orleans. Pero debemos tener en cuenta que el jazz nació allí donde hubo una interpenetración de las culturas afroamericana y europea.

En Nueva Orleans convivían dos culturas afroamericanas: los criollos (negros francófonos, generalmente católicos) que disfrutaban de relativa libertad y los esclavos protestantes anglosajones liberados después de la Guerra Civil estadounidense. Aunque las libertades civiles de los criollos de habla francesa también eran relativas, todavía tenían acceso a la cultura clásica de origen europeo, de la que, por ejemplo, en la puritana Nueva Inglaterra se veían privados incluso los inmigrantes de Europa. La ópera, por ejemplo, se inauguró en Nueva Orleans mucho antes que en las ciudades puritanas del norte de Estados Unidos. En Nueva Orleans, se permitían espectáculos públicos durante los días festivos: bailes, carnavales. Un papel no menos importante lo desempeñó la presencia en Nueva Orleans del distrito de “luces rojas”, Storyville, que es obligatorio en una ciudad portuaria.

Las bandas de música de Nueva Orleans, como en Europa, formaban una parte integral de la vida de la ciudad. Pero en la comunidad afroamericana, la banda de música ha experimentado una transformación radical. Desde un punto de vista rítmico, su música era tan primitiva como bailes europeos y marchas, y no tenía nada que ver con el jazz del futuro. El material melódico principal se distribuyó de manera racional y compacta entre tres instrumentos: los tres tocaron el mismo tema: la corneta (trompeta) lo acercó más o menos al original, el clarinete móvil parecía serpentear alrededor de la línea melódica principal y el trombón. De vez en cuando intercalaba comentarios raros pero convincentes. Los líderes de los conjuntos más famosos no solo en Nueva Orleans, sino también en todo el estado de Luisiana fueron Bunk Johnson, Freddie Keppard y Charles "Buddy" Bolden. Sin embargo, los registros originales de esa época no han sobrevivido y ya no es posible verificar la autenticidad de los recuerdos nostálgicos de los veteranos de Nueva Orleans (incluido Louis Armstrong).

Incluso antes del estallido de la Primera Guerra Mundial, aparecieron conjuntos de músicos "blancos" que llamaban a su música "jass" ("ss" pronto fue reemplazada por "zz", ya que la palabra "jass" fácilmente se volvía no muy decente, fue suficiente borrar la primera letra "j"). El hecho de que Nueva Orleans gozara de fama como centro de entretenimiento "resort" lo demuestra el hecho de que el conjunto New Orleans Rhythm Kings con el popular pianista y compositor Elmer Shebel era popular en Chicago, pero no había ni un solo neoorleano en él. . Con el tiempo, las “orquestas blancas” empezaron a llamarse a sí mismas, a diferencia de las negras, Dixieland, es decir. simplemente "sureño". Uno de esos conjuntos, la “Original Dixieland Jass Band”, se estableció en Nueva York a principios de 1917 e hizo las primeras grabaciones de lo que definitivamente podría considerarse jazz, no sólo de nombre. Se lanzó un disco con dos cosas: Librea estable blues Y Dixieland Jass Band de un solo paso.

Chicago.

Al mismo tiempo, se estaba formando un ambiente de jazz en Chicago, donde muchos habitantes de Nueva Orleans se establecieron después de que Estados Unidos entrara en la Primera Guerra Mundial en 1917 y se introdujera la ley marcial en Nueva Orleans. La Creole Jazz Band del trompetista Joe "King" Oliver era especialmente famosa (aunque sólo había un verdadero criollo entre sus miembros). La Creole Jazz Band se hizo famosa gracias a la interpretación coordinada de dos cornetas a la vez: el propio Oliver y su joven alumno Louis Armstrong. Los primeros discos de Oliver-Armstrong, grabados en 1923 con los famosos "pausas" de dos cornetas, se convirtieron en clásicos del jazz.

"La era del jazz".

En la década de 1920 comenzó la “Era del Jazz”. Louis Armstrong afirma la prioridad del solista improvisador con sus conjuntos “Hot Five” y “Hot Seven”; el pianista y compositor Jelly Roll Morton gana fama en Nueva Orleans; Otro clarinetista y saxofonista criollo de Nueva Orleans, Sidney Bechet, difundió la fama del jazz en el Viejo Mundo (realizó una gira, incluida la Rusia soviética, en 1926). El famoso director de orquesta suizo Ernest Ansermet quedó impresionado por Bechet precisamente con esa vibración característicamente “francesa” que más tarde todo el mundo reconocería en la voz de Edith Piaf. Quizás no sea coincidencia que el primer jazzista del Viejo Mundo que influyó en los estadounidenses fuera el gitano belga Django Reinhardt, un guitarrista que vivía en Francia.

Nueva York está empezando a estar orgullosa de sus propias fuerzas de jazz: las orquestas de Harlem de Fletcher Henderson, Louis Russell (el propio Armstrong trabajó con ambos) y Duke Ellington, que se mudó aquí en 1926 desde Washington y rápidamente obtuvo una posición de liderazgo en el famoso Club del Algodón.

Improvisación.

Fue en la década de 1920 cuando se fue formando gradualmente el principio fundamental del jazz: no el dogma, ni la forma, sino la improvisación. En el jazz/Dixieland de Nueva Orleans se cree que es de naturaleza colectiva, aunque esto no es del todo exacto, ya que de hecho el material fuente (el tema) aún no está separado de su desarrollo. En esencia, los músicos de Nueva Orleans repetían de oído las formas más simples de canciones, bailes y blues negro europeos.

En los conjuntos de Armstrong, con la participación, en primer lugar, del destacado pianista Earl Hines, se inició la formación de la forma jazzística del tema con variaciones (tema - improvisaciones solistas - tema), donde la “unidad de improvisación” es el coro. (en terminología rusa “cuadrado”), como si fuera una variante de los temas originales de exactamente la misma (o, en el futuro, relacionada) construcción armónica. Escuelas enteras de músicos blancos y negros aprovecharon los descubrimientos de Armstrong durante el período de Chicago; El blanco Bix Beiderbeck compuso composiciones en el espíritu de Armstrong, pero resultaron estar sorprendentemente cerca del impresionismo musical (y tenían nombres característicos como en una niebla – En una neblina de niebla). El virtuoso pianista Art Tatum se basó más en el esquema armónico de la plaza que en la melodía del tema original. Los saxofonistas Columen Hawkins, Lester Young y Benny Carter trasladaron sus logros a la voz única instrumentos de viento.

La orquesta de Fletcher Henderson fue la primera en desarrollar un sistema de "apoyo" para un improvisador solista: la orquesta se dividió en tres secciones: rítmica (piano, guitarra, contrabajo y batería), saxofón y metales (trompetas, trombones). En el contexto de la pulsación constante de la sección rítmica, los saxofones y trompetas con trombones intercambiaban “fórmulas” cortas y repetidas: riffs desarrollados en la práctica del folk blues. El riff era de naturaleza armónica y rítmica.

Década de 1930.

Esta fórmula fue adoptada por prácticamente todos los grandes grupos que se formaron ya en la década de 1930, después de la crisis económica de 1929. De hecho, la carrera del "rey del swing", Benny Goodman, comenzó con varios arreglos de Fletcher Henderson. Pero incluso los historiadores negros del jazz admiten que la orquesta de Goodman, originalmente compuesta por músicos blancos, tocaba mejor que la propia orquesta de Henderson. De una forma u otra, la interacción entre las orquestas de swing negras de Andy Kirk, Jimmy Lunsford, Count Basie, Duke Ellington y las orquestas blancas fue mejorando: Goodman tocó el repertorio de Count Basie, Charlie Barnett copió a Ellington y la banda del clarinetista Woody Herman fue incluso llamada "una orquesta tocando blues". También estaban las orquestas muy populares de los hermanos Dorsey (el negro Cy Oliver trabajó allí como arreglista), Artie Shaw (presentó por primera vez un cuarto grupo: cuerdas), Glenn Miller (con el famoso "crystal chord" - coro de cristal, cuando un el clarinete toca junto con los saxofones, por ejemplo, en los famosos; Serenata lunar- el leitmotiv de la segunda película con Miller, Esposas de los miembros de la orquesta.). Primera película - Serenata del Valle del Sol- fue filmada antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial y estuvo entre los trofeos de guerra obtenidos por el Ejército Rojo en Alemania. Por tanto, fue esta comedia musical la que estaba destinada a personificar casi todo el arte del jazz durante dos o tres generaciones de jóvenes soviéticos de la posguerra. El hecho de que la combinación completamente natural de clarinetes y saxofones sonara revolucionaria demuestra cuán estandarizados estaban los productos de los arreglistas de la era del swing. No es casualidad que al final de la década anterior a la guerra, incluso el propio "Rey del Swing" Goodman tuviera claro que la creatividad en las grandes orquestas (big bands) estaba dando paso a una rutina estandarizada. Goodman redujo el número de sus músicos a seis y comenzó a invitar regularmente a su sexteto a músicos negros: el trompetista Cootie Williams de la orquesta de Ellington y el joven guitarrista eléctrico Charlie Criscian, lo que fue un paso muy audaz en ese momento. Baste decir que el colega de Goodman, el pianista y compositor Raymond Scott, incluso compuso una pieza llamada Cuando Kuti dejó Duke.

Formalmente, incluso Duke Ellington estuvo de acuerdo con la división generalmente aceptada de la orquesta en tres grupos, pero en su instrumentación se basó no tanto en el esquema como en las capacidades de los propios músicos (dijeron de él: en una partitura de jazz, en lugar de los nombres de los instrumentos, hay nombres de músicos, incluso sus piezas virtuosas de tres minutos que Ellington llamó; Concierto para Cootie, mencionado por Cootie Williams). Fue en la obra de Ellington donde quedó claro que la improvisación es un principio artístico.

La década de 1930 también fue el apogeo del musical de Broadway, que proporcionó al jazz el llamado. evergreens (literalmente "evergreen"): números individuales que se convirtieron en el repertorio de jazz estándar. Por cierto, el concepto de “estándar” en el jazz no contiene nada reprensible; es el nombre de una melodía popular o de un tema especialmente escrito para la improvisación. El estándar es, por así decirlo, un análogo del concepto filarmónico de “clásicos del repertorio”.

Además, la década de 1930 es el único período en el que la mayor parte de la música popular, si no el jazz (o el swing, como decían entonces), al menos se creó bajo su influencia.

Naturalmente, el potencial creativo formado dentro de las orquestas de swing de los músicos improvisadores, por definición, no podría realizarse en orquestas de swing entretenidas, como la orquesta de Cab Calloway. No es casualidad que las improvisaciones desempeñen un papel tan importante en el jazz: reuniones de músicos en un círculo reducido, generalmente a altas horas de la noche, después del trabajo, especialmente con motivo de giras de colegas de otros lugares.

Be-bop - bop.

En tales reuniones, a principios de la década de 1940, jóvenes solistas de varios grupos, incluido Charlie Christian, el guitarrista del sexteto de Benny Goodman, el baterista Kenny Clark, el pianista Thelonious Monk y el trompetista Dizzy Gillespie, se reunían en un club de Harlem. Al final de la Segunda Guerra Mundial, quedó claro que había nacido un nuevo estilo de jazz. Desde un punto de vista puramente musical, no se diferenciaba en nada de lo que tocaban las big bands de swing. La forma exterior era completamente nueva: era "música para músicos"; en la nueva música no había "instrucciones" para los bailarines en forma de un ritmo claro, acordes fuertes al principio y al final, ni melodías simples y reconocibles. Los músicos tocaron canciones populares de Broadway y blues, pero en lugar de las melodías familiares de estas canciones utilizaron deliberadamente improvisaciones. Se cree que el trompetista Gillespie fue el primero en llamar a lo que él y sus colegas hacían “reebop” o “bebop”, o “bop” para abreviar. Al mismo tiempo, el jazzista comenzó a pasar de ser un músico de entretenimiento a una figura de importancia social, lo que coincidió con el nacimiento del movimiento beatnik. Gillespie puso de moda gafas con monturas enormes (al principio incluso con lentes sin dioptrías), boinas en lugar de sombreros, una jerga especial, en particular la palabra todavía de moda cool en lugar de hot. Pero los jóvenes neoyorquinos recibieron su principal impulso cuando el saxofonista alto Charlie Parker de Kansas City (tocaba en la big band de Jay McShann) se unió a la compañía de boppers. Parker, brillantemente dotado, fue mucho más lejos que sus colegas y contemporáneos. A finales de la década de 1950, incluso innovadores como Monk y Gillespie regresaron a sus raíces: la música negra, mientras que los descubrimientos de Parker y algunos de sus asociados (el baterista Max Roach, el pianista Bud Powell, el trompetista Fats Navarro) todavía atraen la atención. de músicos.

Fresco.

En la década de 1940 en Estados Unidos, debido a disputas sobre derechos de autor, el sindicato de músicos prohibió a los instrumentistas grabar discos; En realidad, sólo se publicaron grabaciones de vocalistas acompañados por un piano o un conjunto vocal. Cuando se levantó la prohibición (1944), quedó claro que el cantante de micrófono (por ejemplo, Frank Sinatra) se estaba convirtiendo en la figura central de la música pop. El bebop llamó la atención como música de "club", pero pronto perdió audiencia. Pero de forma suavizada y ya bajo el nombre de “cool”, la nueva música echó raíces en los clubes de élite. Los boppers de ayer, como por ejemplo el joven trompetista negro Miles Davis, contaron con la ayuda de músicos respetables, en particular Gil Evans, pianista y arreglista de la orquesta de swing de Claude Thornhill. En "Capitol-Nonet" de Miles Davis (llamado así por la compañía "Capitol", que grabó este nonet, luego reeditado con el título Nacimiento de lo genial) "practicaron" juntos músicos blancos y negros: los saxofonistas Lee Konitz y Gerry Mulligan, así como el pianista y compositor negro John Lewis, que tocó con Charlie Parker y más tarde fundó el Modern Jazz Quartet.

Otro pianista cuyo nombre está asociado con lo genial, el ciego Lenny Tristano, fue el primero en utilizar las capacidades del estudio de grabación (acelerar la película, sobregrabar una grabación sobre otra). Tristano fue el primero en registrar sus improvisaciones espontáneas, no limitadas por la forma cuadrada. Obras de concierto porque las big bands (de varios estilos, desde el neoclasicismo hasta el serialismo) bajo el nombre general de "progresistas" no pudieron prolongar la agonía del swing y no tuvieron resonancia pública (aunque entre los autores se encontraban los jóvenes compositores estadounidenses Milton Babbitt, Pete Rugolo, Bob Graettinger). Al menos una de las orquestas "progresistas", dirigida por el pianista Stan Kenton, ciertamente sobrevivió a su época y gozó de cierta popularidad.

Costa Oeste.

Muchos de los miembros de la orquesta de Kenton sirvieron a Hollywood, por lo que la dirección más europeizada del estilo "cool" (con instrumentos académicos: trompa, oboe, fagot y la forma correspondiente de producción de sonido, y hasta cierto punto el uso de formas imitativas polifónicas) fue llamada "Costa Oeste" (Costa Oeste). El Shorty Rogers Octet (del que Igor Stravinsky habló muy bien), los conjuntos de Shelley Mann y Bud Shank, los cuartetos de Dave Brubeck (con el saxofonista Paul Desmond) y Gerry Mulligan (con el trompetista blanco Chet Baker y el trompetista negro Art Farmer).

Allá por la década de 1920, los vínculos históricos de la población afroamericana de Estados Unidos con la población negra afectaban América Latina Sin embargo, sólo después de la Segunda Guerra Mundial los jazzistas (principalmente Dizzy Gillespie) comenzaron a utilizar conscientemente ritmos latinoamericanos e incluso hablaron de una dirección independiente: el jazz afrocubano.

A finales de la década de 1930, se intentó restaurar el antiguo jazz de Nueva Orleans bajo los nombres de New Orleans Renaissance y Dixieland Revival. El jazz tradicional, como se conocieron más tarde todas las variedades del estilo de Nueva Orleans y Dixieland (e incluso el swing), se generalizó en Europa y casi se fusionó con la música urbana cotidiana del Viejo Mundo: las famosas tres "B" en Gran Bretaña - Acker Bilk , Chris Barber y Kenny Ball (este último se hizo famoso por la versión Dixieland Tardes de Moscú a principios de los años 1960). A raíz del resurgimiento de Dixieland en Gran Bretaña, surgió la moda de los conjuntos arcaicos de instrumentos caseros: los skiffles, con los que los miembros del cuarteto de los Beatles comenzaron sus carreras.

En Estados Unidos, los empresarios George Wayne (organizador del famoso festival de jazz de la década de 1950 en Newport, Rhode Island) y Norman Granz apoyaron (y de hecho dieron forma) a la idea de la corriente principal: jazz clasico, construido según un esquema probado (tema interpretado colectivamente - improvisación solista - repetición del tema) y basado en los medios expresivos de la década de 1930 con técnicas individuales y cuidadosamente seleccionadas de estilos posteriores. En este sentido, la corriente principal incluye, por ejemplo, a los músicos de la empresa de Granz “Jazz at the Philharmonic”. En un sentido más amplio, la corriente principal es esencialmente todo el jazz anterior a principios de la década de 1960, incluido el bebop y sus variedades posteriores.

Finales de 1950 - principios de 1960

– uno de los períodos más fructíferos de la historia del jazz. Con la llegada del rock and roll, la improvisación instrumental finalmente quedó al margen de la música pop, y el jazz en su conjunto comenzó a ganar su lugar en la cultura: aparecieron clubes en los que se acostumbraba escuchar más que bailar (uno de ellos incluso se llamó "Birdland" , apodado Charlie Parker), festivales (a menudo al aire libre), las compañías discográficas crearon departamentos especiales para el jazz - "sellos" y surgió una industria discográfica independiente (por ejemplo, la compañía Riverside, que comenzó con un brillantemente compilado antología sobre la historia del jazz). Incluso antes, en los años 30, comenzaron a surgir revistas especializadas (“Down Beat” en Estados Unidos, varias revistas mensuales ilustradas en Suecia, Francia y, en los años 50, en Polonia). El jazz parece bifurcarse en música ligera, de club, y música seria, de concierto. Una continuación del movimiento "progresista" fue el "tercer movimiento", un intento de combinar la improvisación del jazz con las formas y recursos interpretativos de la música sinfónica y de cámara. Todas las tendencias convergieron en el “Modern Jazz Quartet”, el principal laboratorio experimental para la síntesis del jazz y los “clásicos”. Sin embargo, los entusiastas del “tercer movimiento” tenían prisa; eran ilusiones, creían que ya había aparecido una generación de músicos de orquesta sinfónica que estaban suficientemente familiarizados con la práctica del jazz. El “tercer movimiento”, como cualquier otra dirección del jazz, todavía tiene sus adeptos, y en algunas escuelas de música de Estados Unidos y Europa de vez en cuando se crean grupos (“Orchestra USA”, “American Philharmonic” "Jack Elliott) e incluso impartir cursos relevantes (en particular, del pianista Ran Blake). La “Tercera Corriente” encontró apologistas en Europa, especialmente después de la actuación del “Cuarteto de Jazz Moderno” en el centro de la vanguardia musical mundial en Donaueschingen (Alemania) en 1954.

Por otro lado, las mejores big bands de swing compitieron con la música pop en el campo de la música dance. También aparecieron nuevas direcciones en la música jazz ligera. Así, el guitarrista brasileño Lorindo Almeida, que se mudó a Estados Unidos a principios de los años 50, intentó convencer a sus compañeros de que era posible improvisar basándose en el ritmo de la samba brasileña. Sin embargo, sólo después de la gira del Stan Getz Quartet en Brasil apareció la “jazz samba”, que en Brasil recibió el nombre de “bossa nova”. La bossa nova se convirtió en realidad en el primer signo de la futura música del Nuevo Mundo.

El bebop siguió siendo la corriente principal del jazz de las décadas de 1950 y 1960, ya bajo el nombre de hard bop (bop pesado y enérgico; en un momento intentaron introducir el concepto de "neo-bop"), actualizado por los descubrimientos de improvisación y composición del músico. Frío. Durante este mismo período ocurrió un hecho que tuvo consecuencias estéticas muy graves, incluso para el jazz. El cantante, organista y saxofonista Ray Charles es el primero en conectar las estructuras incompatibles (en música vocal(también contenido lírico) del blues y la microestructura de preguntas y respuestas asociada únicamente al patetismo de los cantos espirituales. Esta dirección recibe el nombre de “alma” en la cultura negra (concepto que en los radicales años 60 se convirtió en sinónimo de las palabras “negro”, “negro”, “afroamericano”, etc.); el contenido concentrado de todos los rasgos afroamericanos en el jazz y la música pop negra se llamó "funky".

En ese momento, el hard bop y el jazz soul se oponían (a veces incluso dentro del mismo grupo, por ejemplo, los hermanos Adderley; uno, el saxofonista Julian "Cannonball", se consideraba seguidor del hard bop, el otro, el cornetista Nat , se consideraba un seguidor del soul jazz). El grupo central del hard bop, esta academia de la corriente principal moderna, fue (hasta la muerte de su líder, el baterista Art Blakey, en 1990) el quinteto Jazz Messengers.

La serie de discos de la Gil Evans Orchestra, una especie de concierto para trompeta con orquesta de Miles Davis, que se publicó a finales de los años 50 y principios de los 60, correspondía plenamente a la estética fresca de los años 40, y las grabaciones de Miles Davis de mediados de los 60 (en en particular, el álbum Millas Sonríe), es decir. La apoteosis del bebop actualizado, el hard bop, apareció cuando la vanguardia del jazz, la llamada, ya estaba de moda. jazz libre.

Jazz libre.

Ya trabajando en uno de los álbumes orquestales del trompetista Davis ( Porgy y Bess, 1960) el arreglista Evans sugirió que el trompetista improvisara basándose no en una secuencia armónica de cierta duración - un cuadrado, sino en una cierta escala - un modo, tampoco aleatorio, pero extraído del mismo tema, pero no del acompañamiento de acordes, sino más bien la melodía misma. El principio de modalidad, perdido por la música europea en el Renacimiento, pero que aún subyace a toda la música profesional en Asia (mugam, raga, dastan, etc.), abrió oportunidades verdaderamente ilimitadas para enriquecer el jazz con la experiencia de la cultura musical mundial. Y Davis y Evans no dejaron de utilizarlo, y en el material flamenco español (es decir, esencialmente euroasiático) que era ideal para este propósito.

El colega de Davis, el saxofonista John Coltrane, se dirigió a la India. El colega de Coltrane, el fallecido y brillantemente talentoso saxofonista y flautista Eric Dolphy, se dirigió a la vanguardia musical europea (el título de su obra es digno de mención). Gazzeloni- en honor al flautista e intérprete musical italiano Luigi Nono y Pierre Boulez).

Al mismo tiempo, en la misma década de 1960, dos cuartetos, Eric Dolphy y el saxofonista alto Ornette Coleman (con los trompetistas Don Cherry y Freddie Hubbard, los contrabajistas Charlie Haden y Scott La Faro), grabaron un álbum. jazz libre (Jazz libre), ostentosamente decorado con la reproducción de un cuadro luz blanca famoso artista abstracto Jackson Pollock. El flujo de conciencia colectiva de aproximadamente 40 minutos fue una improvisación espontánea, demostrativamente sin ensayar (aunque se grabaron dos versiones) de ocho músicos, y solo en el medio todos convergieron brevemente al unísono preescrito por Coleman. Después de "resumir" el soul jazz modal y el hard bop en un álbum que tuvo mucho éxito en todos los sentidos. Un amor supremo(incluso comercialmente: se vendieron 250 mil discos), John Coltrane, sin embargo, siguió los pasos de Coleman y grabó el programa. Ascensión (Ascensión) con un equipo de vanguardia negra (incluido, por cierto, el saxofonista negro de Copenhague John Chikai). En el Reino Unido, el saxofonista alto negro antillano Joe Herriot también se convirtió en un promotor del free jazz. Además de Gran Bretaña, se ha desarrollado una escuela independiente de free jazz en los Países Bajos, Alemania e Italia. En otros países, la improvisación colectiva espontánea resultó ser una moda pasajera, una moda de la vanguardia (década de 1960 - último periodo música experimental de vanguardia y académica); Al mismo tiempo, hubo una transición de la estética de la innovación a cualquier precio a un diálogo posmoderno con el pasado. Podemos decir que el free jazz (junto con otros movimientos de la vanguardia del jazz) es el primer fenómeno del jazz mundial en el que el Viejo Mundo no era en modo alguno inferior al Nuevo. No es casualidad que muchos artistas de vanguardia estadounidenses, en particular Sun Ra y su big band, estuvieran “escondidos” en Europa durante mucho tiempo (casi hasta finales de los años 60). En 1968, un equipo de artistas de vanguardia europeos grabó un proyecto muy adelantado a su tiempo. Ametralladora, surgió el “Spontaneous Music Ensemble” en el Reino Unido y por primera vez se formularon teóricamente los principios de la improvisación espontánea (por el guitarrista y líder del proyecto en curso Compañía Derek Bailey). La asociación Instant Composers Pool operó en los Países Bajos, la Alexander von Schlippenbach Globe Unity Orchestra operó en Alemania y la primera ópera de jazz se grabó gracias a esfuerzos internacionales. Escalera mecánica sobre la colina Carla Bley.

Pero sólo unos pocos, entre ellos el pianista Cecil Taylor, el saxofonista y compositor Anthony Braxton, se mantuvieron fieles a los principios del "sturm und drang" a finales de los años cincuenta y sesenta.

Al mismo tiempo, los artistas negros de vanguardia -radicales políticos y seguidores de John Coltrane (de hecho, el propio Coltrane, que murió en 1967) -Archie Shepp, los hermanos Ayler, Pharoah Sanders- regresaron a formas modales moderadas de improvisación, a menudo de origen oriental (por ejemplo, Joseph Latif, Don Cherry). Les siguieron los radicales de ayer como Carla Bley, Don Ellis, Chick Corea, que cambiaron fácilmente al jazz-rock electrizado.

Jazz-rock.

Simbiosis " primos“Tuvimos que esperar mucho tiempo para que llegara el jazz y el rock. Los primeros intentos de acercamiento no los hicieron ni siquiera los jazzistas, sino los rockeros, músicos de los llamados. brass rock: los grupos estadounidenses "Chicago", músicos de blues británicos liderados por el guitarrista John McLaughlin, abordaron de forma independiente el jazz rock fuera de los países de habla inglesa, por ejemplo, Zbigniew Namyslowsky en Polonia.

Todas las miradas estaban puestas en el trompetista Miles Davis, que una vez más llevó el jazz por un camino arriesgado. Durante la segunda mitad de la década de 1960, Davis avanzó gradualmente hacia la guitarra eléctrica, los teclados sintetizadores y los ritmos de rock. En 1970 lanzó el álbum. cerveza de perras con varios teclistas y McLaughlin en la guitarra eléctrica. A lo largo de la década de 1970, el desarrollo del jazz-rock (también conocido como fusión) estuvo determinado por los músicos que participaron en la grabación de este álbum: el teclista Joe Zawinul y Wayne Shorter crearon el grupo "Weather Report", John McLaughlin, el quinteto "Mahavishnu Orchestra”, el pianista Chick Corea - el conjunto Return to Forever, el baterista Tony Williams y el organista Larry Young - el cuarteto Lifetime, el pianista y teclista Herbie Hancock participaron en varios proyectos. De nuevo el jazz, pero a un nuevo nivel, se acerca al soul y al funky (Hancock y Corea, por ejemplo, participan en las grabaciones del cantante Stevie Wonder). Incluso el gran saxofonista tenor pionero de la década de 1950, Sonny Rollins, pasa por un tiempo a la música pop funky.

Sin embargo, a finales de la década de 1970, también hubo un "contramovimiento" hacia la restauración del jazz "acústico", tanto de vanguardia (el famoso festival "attic" de Sam Rivers en 1977) como de hard bop, en el mismo año. , músicos del conjunto de Miles Davis La década de 1960 se reúne, pero sin el propio Davis, reemplazado por el trompetista Freddie Hubbard.

Con el surgimiento de una figura tan influyente como Wynton Marsalis a principios de la década de 1980, la neocorriente o, como también se la llama, neoclasicismo, de hecho ocupó una posición dominante en el jazz.

Esto no significa que todo se remonta a la primera mitad de los años 60. Por el contrario, a mediados de la década de 1980, los intentos de sintetizar movimientos aparentemente mutuamente excluyentes se hacían cada vez más notorios, por ejemplo, el hard bop y el funky eléctrico en la asociación neoyorquina "M-base", que incluía a la cantante Cassandra Wilson, el saxofonista Steve Coleman, la pianista Jeri Ellen o la ligera fusión eléctrica del guitarrista Pat Metheny, que colabora tanto con Ornette Coleman como con su colega británico Derek Bailey. El propio Coleman reúne inesperadamente un conjunto "eléctrico" con dos guitarristas (incluidos destacados músicos de funk: el guitarrista Vernon Reid y el bajista Jamaladin Takuma). Sin embargo, al mismo tiempo, no abandona su principio de improvisación colectiva según el método de “armonía” que formuló.

El principio de poliestilística subyace en la escuela del centro de Nueva York, dirigida por el saxofonista John Zorn.

Finales del siglo XX

El centrismo americano está dando paso a un nuevo espacio informativo, condicionado, entre otras cosas, por nuevos medios de comunicación de masas (incluido Internet). En el jazz, como en la nueva música pop, el conocimiento se vuelve obligatorio lenguajes musicales"Tercer Mundo" y la búsqueda de un "denominador común". Se trata del folclore indoeuropeo del cuarteto Sync de Ned Rothenberg o de una mezcla ruso-cárpata del Moscú Art Trio.

El interés por las culturas musicales tradicionales lleva al hecho de que los artistas de vanguardia neoyorquinos comienzan a dominar la música cotidiana de la diáspora judía, y el saxofonista francés Louis Sclavis comienza a dominar la música búlgara. música folklórica.

Si antes era posible hacerse famoso en el jazz sólo “a través de América” (como, por ejemplo, el austriaco Joe Zawinul, los checos Miroslav Vitous y Jan Hammer, el polaco Michal Urbaniak, el sueco Sven Asmussen, el danés Niels Hennig Ørsted- Pedersen, que emigró de la URSS en 1973 Valery Ponomarev), ahora las principales tendencias del jazz están tomando forma en el Viejo Mundo e incluso subyugan a los líderes del jazz estadounidense, como, por ejemplo, los principios artísticos de la compañía ESM (folclore, compositormente pulido y típicamente europeo en su corriente de conciencia “sonora”), formulados por el productor alemán Manfred Eicher usando el ejemplo de la música del noruego Jan Garbarek, son ahora profesados ​​por Chick Corea, el pianista Keith Jarrett y el saxofonista Charles Lloyd, incluso sin estar asociados a esta empresa mediante contratos de exclusividad. En la URSS también están surgiendo escuelas independientes de folk jazz (jazz mundial) y jazz de vanguardia (la famosa escuela de Vilnius, entre cuyos fundadores, sin embargo, no había ni un solo lituano: Vyacheslav Ganelin, de la región de Moscú, Vladimir Chekasin - de Sverdlovsk, Vladimir Tarasov - de Arkhangelsk, pero entre sus alumnos estaba, en particular, Petras Vishniauskas). El carácter internacional del jazz convencional y el free jazz, la apertura del mundo civilizado conduce al surgimiento, por ejemplo, del influyente grupo polaco-finlandés de Tomasz Stańko - Edward Vesal o del fuerte dúo estonio-ruso Lembit Saarsalu - Leonid Vinckevich "arriba las barreras" de la estadidad y la nacionalidad. Los límites del jazz se están ampliando aún más con la participación de la música cotidiana. diferentes naciones– de country a chanson en el llamado bandas de improvisación.

Literatura:

Sargento W. Jazz. Moscú, 1987.
jazz soviético. Moscú, 1987.
« Escucha lo que te digo» . Jazzmen sobre la historia del jazz.. M., 2000



El jazz nació en Nueva Orleans. La mayoría de las historias del jazz comienzan con una frase similar, generalmente con la aclaración obligatoria de que música similar se desarrolló en muchas ciudades del sur de Estados Unidos: Memphis, St. Louis, Dallas, Kansas City.

Los orígenes musicales del jazz, tanto afroamericanos como europeos, son numerosos y demasiado largos para enumerarlos, pero es imposible no mencionar a sus dos principales predecesores afroamericanos.

Puedes escuchar canciones de jazz.

Ragtime y blues

Durante aproximadamente dos décadas cambio de siglo XIX-XX siglos – era corta el auge del ragtime, que fue la primera forma de música popular. El ragtime se interpretó principalmente en piano. La palabra en sí se traduce como "ritmo irregular", y este género recibió su nombre debido al ritmo sincopado. El autor de las obras más populares fue Scott Joplin, apodado el "Rey del Ragtime".

Ejemplo: Scott Joplin - Trapo de hoja de arce

Otro predecesor igualmente importante del jazz fue el blues. Si el ragtime dio al jazz su ritmo enérgico y sincopado, el blues le dio voz. Y en el sentido literal, dado que el blues es un género vocal, pero principalmente en sentido figurado, ya que el blues se caracteriza por el uso de notas borrosas que están ausentes en el sistema de sonido europeo (tanto mayores como menores), también notas de blues. como una ejecución coloquialmente gritada y rítmicamente libre.

Ejemplo: Blind Lemon Jefferson - Black Snake Moan

El nacimiento del jazz

Posteriormente, los músicos de jazz afroamericanos trasladaron este estilo a la música instrumental, y los instrumentos de viento comenzaron a imitar la voz humana, sus entonaciones e incluso articulaciones. En el jazz aparecieron los llamados sonidos "sucios". Cada sonido debe tener una cualidad picante. Un músico de jazz crea música no sólo con la ayuda de diferentes notas, es decir, sonidos de diferentes alturas, pero también con la ayuda de diferentes timbres e incluso ruidos.

Jelly Roll Morton - Acera Blues

Scott Joplin vivió en Missouri y el primer blues publicado conocido se llamó "Dallas Blues". Sin embargo, la primera estilo jazz llamado "Jazz de Nueva Orleans".

El cornetista Charles "Buddy" Bolden combinó ragtime y blues, tocando de oído e improvisando, y su innovación influyó en muchos de los músicos más famosos de Nueva Orleans que más tarde llevaron la nueva música a todo el país, sobre todo a Chicago, Nueva York y Los Ángeles: Joe "King" Oliver, Bunk Johnson, Jelly Roll Morton, Kid Ory y, por supuesto, el Rey del Jazz, Louis Armstrong. Así fue como el jazz se apoderó de Estados Unidos.

Sin embargo, su nombre historico No recibí esta música de inmediato. Al principio se llamaba simplemente música caliente (hot), luego apareció la palabra jass y solo entonces jazz. El primer disco de jazz fue grabado por un quinteto de intérpretes blancos, la Original Dixieland Jass Band, en 1917.

Ejemplo: Original Dixieland Jass Band - Livery Stable Blues

La era del swing - Dance Fever

El jazz apareció y se extendió como música de baile. Poco a poco, la fiebre del baile se extendió por todo Estados Unidos. Se multiplicaron las salas de baile y las orquestas. Comenzó la era de las big bands, o swing, que duró aproximadamente una década y media, desde mediados de los años 20 hasta finales de los 30. Nunca antes ni después el jazz había sido tan popular.
Un papel especial en la creación del swing pertenece a dos músicos: Fletcher Henderson y Louis Armstrong. Armstrong influyó en un gran número de músicos, enseñándoles libertad y variedad rítmica. Henderson creó el formato de una orquesta de jazz con su posterior división en una sección de saxofón y una sección de viento con un pase de lista entre ellas.

Fletcher Henderson - Reunión del campamento de Down South

La nueva composición se ha generalizado. Había alrededor de 300 grandes bandas en el país. Los líderes de los más populares fueron Benny Goodman, Duke Ellington, Count Basie, Chick Webb, Jimmy Lunsford, Tommy Dorsey, Glenn Miller, Woody Herman. El repertorio de las orquestas incluye melodías populares que se denominan estándares de jazz o, a veces, clásicos del jazz. El estándar más popular en la historia del jazz, Body and Soul, fue grabado por primera vez por Louis Armstrong.

Del bebop al post-bop

en los años 40 La era de las grandes orquestas terminó de forma bastante abrupta, principalmente por motivos comerciales. Los músicos comenzaron a experimentar con pequeñas composiciones, gracias a las cuales nació un nuevo estilo de jazz: el bebop, o simplemente bop, que significó toda una revolución en el jazz. Se trataba de música destinada no a bailar, sino a escuchar, no a un público amplio, sino a un círculo más reducido de amantes del jazz. En una palabra, el jazz dejó de ser música para el entretenimiento del público, para convertirse en una forma de autoexpresión para los músicos.

Los pioneros del nuevo estilo fueron el pianista Thelonious Monk, el trompetista Dizzy Gillespie, el saxofonista Charlie Parker, el pianista Bud Powell, el trompetista Miles Davis y otros.

Groovin High - Charlie Parker, Dizzy Gillespie

El Bop sentó las bases del jazz moderno, que todavía es predominantemente música de bandas pequeñas. Finalmente, el bop agudizó el deseo constante del jazz de buscar algo nuevo. Un músico destacado, orientado a la innovación constante, fue Miles Davis y muchos de sus socios y los talentos que descubrió, que luego se convirtieron en famosos intérpretes y estrellas del jazz: John Coltrane, Bill Evans, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Chick Corea, John McLaughlin, Wynton. Marsalis.

El jazz de los años 50 y 60 sigue evolucionando, por un lado, manteniéndose fiel a sus raíces, pero repensando los principios de la improvisación. Así de duro es el bop, genial...

Miles Davis - ¿Y qué?

...jazz modal, free jazz, post-bop.

Herbie Hancock - Isla Melón

Por otro lado, el jazz comienza a absorber otros tipos de música, por ejemplo, la afrocubana y la latina. Así surgió el jazz (bossanova) afrocubano y afrobrasileño.

Manteca - Dizzy Gillespie

Jazz y rock = fusión

El impulso más poderoso para el desarrollo del jazz fue la apelación de los músicos de jazz a la música rock, el uso de sus ritmos e instrumentos eléctricos (guitarra eléctrica, bajo, teclados, sintetizadores). El pionero aquí fue nuevamente Miles Davis, cuya iniciativa fue retomada por Joe Zawinul (Weather Report), John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra), Herbie Hancock (The Headhunters), Chick Corea (Return to Forever). Así surgió el jazz-rock o fusión...

Orquesta Mahavishnu - Encuentro de los espíritus

y jazz psicodélico.

Vía Láctea - Informe meteorológico

Historia del jazz y los estándares del jazz.

La historia del jazz no se trata sólo de estilos, movimientos e intérpretes de jazz famosos, sino también de muchas hermosas melodías que viven en muchas versiones. Se reconocen fácilmente, incluso si no recuerdan o no saben los nombres. El jazz debe su popularidad y atractivo a compositores tan maravillosos como George Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Hoggy Carmichael, Richard Rodgers, Jerome Kernb y otros. Aunque escribieron música principalmente para musicales y espectáculos, sus temas, retomados por representantes del jazz, se convirtieron en las mejores composiciones de jazz del siglo XX, que se denominaron estándares de jazz.

Summertime, Stardust, What Is This Thing Called Love, My Funny Valentine, All the Things You Are: estos y muchos otros temas son conocidos por todos los músicos de jazz, así como por las composiciones creadas por los propios jazzistas: Duke Ellington, Billy Strayhorn, Dizzy. Gillespie, Thelonious Monk, Paul Desmond y muchos otros (Caravan, Night in Tunisia, 'Round Midnight, Take Five). Se trata de un clásico del jazz y un lenguaje que une tanto a los propios intérpretes como al público del jazz.

jazz moderno

El jazz moderno es un pluralismo de estilos y géneros y una búsqueda constante de nuevas combinaciones en las intersecciones de direcciones y estilos. Y los intérpretes de jazz moderno suelen tocar diferentes estilos. El jazz es susceptible a la influencia de muchos tipos de música, desde la música folklórica y de vanguardia hasta el hip-hop y el pop. Resultó ser el tipo de música más flexible.

El reconocimiento del papel mundial del jazz fue la proclamación por parte de la UNESCO en 2011 del Día Internacional del Jazz, que se celebra anualmente el 30 de abril.

Un pequeño río, cuyo nacimiento estaba en Nueva Orleans, en poco más de 100 años se convirtió en un océano que baña el mundo entero. escritor americano Francis Scott Fitzgerald en su época llamó los años 20. la era del jazz. Ahora bien, estas palabras pueden aplicarse al siglo XX en su conjunto, ya que el jazz es la música del siglo XX. La historia del surgimiento y desarrollo del jazz casi encaja en marco cronológico el siglo pasado. Pero, por supuesto, la cosa no acaba ahí.

1. Luis Armstrong

2. Duque Ellington

3. Benny Goodman

4. Conde Basie

5. Billie vacaciones

6. Ella Fitzgerald

7. Arte Tatum

8. Gillespie mareado

9.Charlie Parker

10. Monje Thelonious

11. Arte Blakey

12. Bud Powell

14. John Coltrane

15. Bill Evans

16. Charlie Mingus

17. Ornette Coleman

18. Herbie Hancock

19. Keith Jarrett

20. Joe Zawinul

Texto: Alejandro Yudin

El jazz es música llena de pasión e inventiva, música que no conoce fronteras ni límites. Hacer una lista como esta es increíblemente difícil. Esta lista ha sido escrita, reescrita y luego reescrita un poco más. Diez es un número demasiado limitante para un género musical como el jazz. Sin embargo, independientemente de la cantidad, esta música puede dar vida y energía, despertarte de la hibernación. ¡Qué podría ser mejor que un jazz atrevido, incansable y cálido!

1. Luis Armstrong

1901 - 1971

El trompetista Louis Armstrong es venerado por su estilo alegre, inventiva, virtuosismo, expresividad musical y talento para el espectáculo dinámico. Conocido por su voz ronca y una carrera que abarca más de cinco décadas. La influencia de Armstrong en la música es invaluable. Louis Armstrong es generalmente considerado el mejor músico de jazz de todos los tiempos.

Louis Armstrong con Velma Middleton y sus All Stars - Saint Louis Blues

2. Duque Ellington

1899 - 1974

Duke Ellington es un pianista y compositor que ha dirigido una orquesta de jazz durante casi 50 años. Ellington utilizó su banda como laboratorio musical para sus experimentos, en los que mostró el talento de los miembros de la banda, muchos de los cuales permanecieron con él durante mucho tiempo. Ellington es un músico increíblemente talentoso y prolífico. Durante su carrera de cinco décadas, escribió miles de composiciones, incluidas partituras para películas y musicales, así como muchos estándares famosos como "Cotton Tail" y "It Don't Mean a Thing".

Duke Ellington y John Coltrane - De humor sentimental

3. Miles Davis

1926 - 1991

Miles Davis es uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Junto con sus bandas, Davis ha sido una figura central de la música jazz desde mediados de la década de 1940, incluyendo el bebop, el cool jazz, el hard bop, el jazz modal y el jazz fusión. Davis ha superado incansablemente los límites de la expresión artística, lo que ha hecho que a menudo se le identifique como uno de los artistas más innovadores y respetados de la historia de la música.

Quinteto de Miles Davis - Nunca entró en mi mente

4.Charlie Parker

1920 - 1955

El virtuoso saxofonista Charlie Parker fue un influyente solista de jazz y una figura destacada en el desarrollo del bebop, una forma de jazz caracterizada por tempos rápidos, técnica virtuosa e improvisación. En sus complejas líneas melódicas, Parker combina el jazz con otros géneros musicales, incluyendo blues, música latina y clásica. Parker fue una figura icónica de la subcultura beatnik, pero trascendió a su generación y se convirtió en el epítome del músico inteligente e intransigente.

Charlie Parker - Blues para Alice

5. Nat King Cole

1919 - 1965

Conocido por su sedoso barítono, Nat King Cole llevó la emoción del jazz a la música popular estadounidense. Cole fue uno de los primeros afroamericanos en presentar un programa de televisión que fue visitado por artistas de jazz como Ella Fitzgerald y Eartha Kitt. Cole, un pianista fenomenal y un improvisador consumado, fue uno de los primeros intérpretes de jazz en convertirse en un ícono del pop.

Nat King Cole - Hojas de otoño

6. John Coltrane

1926 - 1967

A pesar de una carrera relativamente corta (acompañó por primera vez a los 29 años en 1955, comenzó oficialmente carrera en solitario a los 33 años en 1960 y murió a los 40 en 1967), el saxofonista John Coltrane es la figura más importante y controvertida del jazz. A pesar de su corta carrera, la fama de Coltrane le permitió grabar en abundancia y muchas de sus grabaciones fueron publicadas póstumamente. Coltrane cambió radicalmente su estilo a lo largo de su carrera, pero todavía tiene muchos seguidores tanto por su sonido tradicional inicial como por los más experimentales. Y nadie, con devoción casi religiosa, duda de su importancia en la historia de la música.

John Coltrane - Mis cosas favoritas

7. Monje Thelonious

1917 - 1982

Thelonious Monk es un músico con un estilo de improvisación único, el segundo más reconocible intérprete de jazz, en honor a Duke Ellington. Su estilo se caracterizó por líneas enérgicas y percusivas mezcladas con silencios agudos y dramáticos. Durante sus actuaciones, mientras el resto de músicos tocaban, Thelonious se levantaba de su teclado y bailaba durante varios minutos. Después de haber creado los clásicos del jazz “Round Midnight” y “Straight, No Chaser”, Monk terminó sus días en relativa oscuridad, pero su influencia en el jazz moderno todavía es notable hoy.

Thelonious Monk - "alrededor de la medianoche

8. Óscar Peterson

1925 - 2007

Oscar Peterson es un músico innovador que ha interpretado desde una oda clásica a Bach hasta uno de los primeros ballets de jazz. Peterson abrió una de las primeras escuelas de jazz en Canadá. Su "Himno a la Libertad" se convirtió en el himno del movimiento por los derechos civiles. Oscar Peterson fue uno de los pianistas de jazz más talentosos e importantes de su generación.

Oscar Peterson - C Jam Blues

9. Billie vacaciones

1915 - 1959

Billie Holiday es una de las figuras más importantes del jazz, aunque nunca escribió su propia música. Holiday convirtió "Embraceable You", "I'll Be Seeing You" y "I Cover the Waterfront" en famosos estándares de jazz, y su interpretación de "Strange Fruit" es considerada una de las mejores de la música estadounidense. historia musical. Aunque su vida estuvo llena de tragedias, el genio de la improvisación de Holiday, combinado con su voz frágil y algo ronca, demostró una profundidad de emoción sin precedentes, incomparable con otros cantantes de jazz.

Billie Holiday - Fruta extraña

10. Gillespie mareado

1917 - 1993

El trompetista Dizzy Gillespie es un innovador del bebop y maestro de la improvisación, además de un pionero del jazz afrocubano y latino. Gillespie ha colaborado con varios músicos de Sudamérica y el Caribe. Tenía una profunda pasión por la música tradicional africana. Todo esto le permitió aportar innovaciones sin precedentes a las interpretaciones del jazz moderno. A lo largo de su dilatada carrera, Gillespie realizó giras incansables y cautivó al público con su boina, sus gafas de concha, sus mejillas hinchadas, su actitud desenfadada y su increíble música.

Dizzy Gillespie hazaña. Charlie Parker - Una noche en Túnez

11. Dave Brubeck

1920 – 2012

Dave Brubeck es compositor y pianista, promotor de jazz, activista de derechos civiles y estudioso de la música. Un intérprete iconoclasta reconocible por un solo acorde, un compositor inquieto que traspasa los límites del género y construye un puente entre el pasado y el futuro de la música. Brubeck colaboró ​​con Louis Armstrong y muchos otros músicos de jazz famosos, y también influyó en el pianista de vanguardia Cecil Taylor y en el saxofonista Anthony Braxton.

Dave Brubeck - Toma cinco

12. Benny Goodman

1909 – 1986

Benny Goodman es un músico de jazz más conocido como el "Rey del Swing". Se convirtió en un popularizador del jazz entre los jóvenes blancos. Su aparición marcó el inicio de una era. Goodman fue una figura controvertida. Se esforzó incansablemente por alcanzar la excelencia y esto se reflejó en su enfoque de la música. Goodman fue más que un simple intérprete virtuoso: fue un clarinetista creativo e innovador de la era del jazz que precedió a la era del bebop.

Benny Goodman - Canta, canta, canta

13. Carlos Mingus

1922 – 1979

Charles Mingus es un influyente contrabajista, compositor y director de orquesta de jazz. La música de Mingus es una mezcla de hard bop, gospel, música clásica y free jazz. La música ambiciosa y el temperamento amenazador de Mingus le valieron el apodo de "El hombre enojado del jazz". Si fuera sólo un músico de cuerdas, hoy en día pocas personas sabrían su nombre. Probablemente fue el mejor contrabajista de todos los tiempos, uno que siempre tuvo los dedos en el pulso del feroz poder expresivo del jazz.

Charles Mingus - Gemidos"

14. Herbie Hancock

1940 –

Herbie Hancock siempre será uno de los músicos más venerados y controvertidos del jazz, al igual que su empleador y mentor Miles Davis. A diferencia de Davis, que avanzó constantemente y nunca miró hacia atrás, Hancock zigzaguea entre el jazz casi electrónico y el acústico e incluso el r"n"b. A pesar de sus experimentos electrónicos, el amor de Hancock por el piano continúa incesante y su estilo de tocar el piano continúa evolucionando hacia formas cada vez más desafiantes y complejas.

Herbie Hancock - Isla Cantelope

15. Wynton Marsalis

1961 –

El músico de jazz más famoso desde 1980. A principios de los 80, Wynton Marsalis se convirtió en una revelación, ya que era joven y muy músico talentoso decidió ganarse la vida tocando jazz acústico, no funk o R"n"B. Había habido una gran escasez de nuevos trompetistas en el jazz desde la década de 1970, pero la inesperada fama de Marsalis inspiró un nuevo interés en la música jazz.

Wynton Marsalis - Rústicos (E. Bozza)

El jazz es un tipo especial de música que se ha vuelto especialmente popular en los Estados Unidos. Inicialmente, el jazz era la música de los ciudadanos negros de los Estados Unidos, pero luego esta dirección absorbió estilos musicales completamente diferentes que se desarrollaron en muchos países. Hablaremos de este desarrollo.

La característica más importante del jazz, tanto originalmente como ahora, es el ritmo. Las melodías de jazz combinan elementos de la música africana y europea. Pero el jazz adquirió su armonía gracias a influencia europea. El segundo elemento fundamental del jazz hasta el día de hoy es la improvisación. El jazz a menudo se tocaba sin una melodía preparada de antemano: sólo durante la interpretación el músico elegía una dirección u otra, sucumbiendo a su inspiración. Así, ante los ojos de los oyentes mientras el músico tocaba, nació la música.

A lo largo de los años, el jazz ha cambiado, pero aún así logró conservar sus características básicas. Una contribución invaluable en esta dirección la hicieron los conocidos "blues", melodías persistentes que también eran características de los negros. Actualmente, la mayoría de las melodías de blues son una parte integral del género del jazz. En realidad, el blues no sólo ha tenido una influencia especial en el jazz: el rock and roll, el country y el western también utilizan motivos del blues.

Hablando de jazz, es necesario mencionar la ciudad estadounidense de Nueva Orleans. Dixieland, como se llamaba el jazz de Nueva Orleans, fue el primero en combinar motivos de blues, canciones de iglesias negras y elementos de la música folclórica europea.
Posteriormente apareció el swing (también llamado jazz en el estilo “big band”), que también recibió un amplio desarrollo. En los años 40 y 50 se hizo muy popular el “jazz moderno”, que era una interacción de melodías y armonías más compleja que el jazz temprano. Ha surgido un nuevo enfoque del ritmo. Los músicos intentaron crear nuevas obras utilizando diferentes ritmos y, por lo tanto, la técnica de tocar la batería se volvió más complicada.

La “Nueva Ola” del jazz arrasó el mundo en los años 60: se considera el jazz de las ya mencionadas improvisaciones. Al salir a actuar, la orquesta no podía predecir en qué dirección y qué ritmo sería su interpretación; ninguno de los músicos de jazz sabía de antemano cuándo se produciría el cambio de tempo y velocidad de la interpretación. Y también hay que decir que tal comportamiento de los músicos no significa que la música fuera insoportable: por el contrario, ha surgido una nueva manera de interpretar melodías ya existentes. Siguiendo el desarrollo del jazz, podemos estar seguros de que es una música en constante cambio, pero que no pierde sus fundamentos con el paso de los años.

Resumamos:

• Al principio, el jazz era la música de los negros;
• Dos principios de todas las melodías del jazz: ritmo e improvisación;
• Blues: hizo una gran contribución al desarrollo del jazz;
• El jazz de Nueva Orleans (Dixieland) combinaba blues, canciones religiosas y música folclórica europea;
• El swing es una dirección del jazz;
• Con el desarrollo del jazz, los ritmos se volvieron más complejos y, en los años 60, las orquestas de jazz volvieron a permitirse la improvisación durante las actuaciones.