Ποια ήταν η αφορμή για τον χορό; Ιστορία των χορών: Αρχαίος κόσμος, Ελλάδα, Ρώμη. Ανάπτυξη του χορού σε διαφορετικούς πολιτισμούς

Ιστορία του Χορού

Λαϊκοί χοροί

Η ιστορία του χορού πηγαίνει πίσω αιώνες - η κύρια πηγή του λαϊκού χορού ήταν κινήσεις και χειρονομίες που σχετίζονταν με αισθητηριακές εντυπώσεις από τον περιβάλλοντα κόσμο και τα τελετουργικά μυστήρια με τη μοναδική χορογραφική τους γλώσσα και εκφραστικότητα ήταν αναπόσπαστο μέρος της πνευματικής ζωής του αρχαίου ανθρώπου.

Η τέχνη του χορού είναι η αρχαιότερη εκδήλωση της δημιουργικότητας των λαών, που γεννήθηκε ταυτόχρονα με την έλευση του ανθρώπου ως φυσική φυσιολογική ανάγκη για ρυθμική κίνηση.

Ο χορός προέκυψε από μια ποικιλία κινήσεων και χειρονομιών που σχετίζονται με τις διαδικασίες του τοκετού και τις συναισθηματικές εντυπώσεις ενός ατόμου για τον κόσμο γύρω του. Με το πέρασμα των αιώνων, έχοντας υποστεί καλλιτεχνική γενίκευση, ο χορός απέκτησε το δικό του νόημα και κάθε έθνος ανέπτυξε τις δικές του χορευτικές παραδόσεις. Ίσως η ιστορία του χορού να είναι τόσο παλιά όσο και η ιστορία της ανθρωπότητας. Μπορούμε μόνο να μαντέψουμε πώς ήταν οι χοροί στις πρώτες εποχές. Το Natya Shastra είναι ένα πρώιμο χειρόγραφο που περιγράφει τον χορό. Σε αυτό βασίζεται η σύγχρονη ερμηνεία του κλασικού ινδικού χορού Bharathanatyam. Στον ευρωπαϊκό πολιτισμό, μια από τις πρώτες αναφορές του χορού ανήκει στον Όμηρο στην «Ιλιάδα» του - περιγράφει τη χορεία (ελληνικός στρογγυλός χορός, χορός). Οι πρώτοι Έλληνες μετέτρεψαν την τέχνη του χορού σε ένα σύστημα που εκφράζει ποικίλα πάθη. Για παράδειγμα, ο χορός των Furies τρομοκρατούσε όλους όσους τον είδαν. Ο Έλληνας φιλόσοφος Αριστοτέλης ταύτισε τον χορό με την ποίηση και υποστήριξε ότι οι χορευτές, μέσω των κινήσεων του σώματος σε συγκεκριμένο ρυθμό, μπορούν να μεταφέρουν τρόπους, πάθη και πράξεις. Εξέχοντες Έλληνες γλύπτες μελέτησαν τις πόζες των χορευτών που μιμούνται ορισμένες καταστάσεις.

Ιστορικά, ο χορός χρησίμευε ως μέρος θρησκευτικών τελετουργιών και δημόσιων εορτασμών. Στοιχεία αυτού βρίσκονται σε πολλά έγγραφα από την προϊστορική εποχή. Οι χοροί της αυλής υπήρχαν πιθανώς όσο και οι βασιλικές αυλές. Η ποικιλία των ειδών χορών περιελάμβανε λαϊκούς, κοινωνικούς, χορούς, θρησκευτικούς και πειραματικούς και άλλες μορφές. Ένας σημαντικός κλάδος αυτής της τέχνης ήταν ο Θεατρικός Χορός, ο οποίος ξεκίνησε από τον Δυτικό Κόσμο. Οι απαρχές του σύγχρονου μπαλέτου, του χορού που όλοι γνωρίζουμε, πηγαίνουν πίσω στη Γαλλία του δέκατου έκτου αιώνα - την Αναγέννηση.

Μπαλέτο.

Οι προϋποθέσεις για την εμφάνιση του μπαλέτου ήταν ένας νέος τρόπος σκέψης και η φιλοσοφία του Διαφωτισμού: τώρα ο άνθρωπος γίνεται το κέντρο του σύμπαντος και μπορεί να ελέγξει την ύπαρξή του με τη βοήθεια των τεχνών και των επιστημών. Ένα παράδειγμα αυτού είναι το ακόλουθο απόσπασμα: «Χρησιμοποιώντας μουσική που μιμούνταν ακριβώς την αναλογική αρμονία των πλανητών, ο άνθρωπος του δέκατου έκτου αιώνα πίστευε ότι μπορούσε να προσελκύσει πλανητικές επιρροές στον εαυτό του. Ο ίδιος ο χορός ήταν μίμηση της κίνησης του ουρανού».

Στα τέλη του 16ου αιώνα, το μπαλέτο του δικαστηρίου έφτασε στο απόγειό του: χρηματοδοτήθηκε πλήρως από τη γαλλική μοναρχία, η οποία το χρησιμοποίησε για να εξυμνήσει το δικό της μεγαλείο. Τα μπαλέτα έγιναν μέρος πολυτελών, τεράστιων εορταστικών παραστάσεων που διήρκεσαν για αρκετές ημέρες στη σειρά και περιλάμβαναν όλα τα είδη διασκέδασης. Στην πραγματικότητα, όλες αυτές οι γιορτές ήταν ένας τρόπος αυτοεξευτελισμού της Γαλλικής Αυλής.

Ήδη από τις αρχές του 18ου αιώνα, το μπαλέτο μετανάστευσε από τη Γαλλική Αυλή στην Όπερα του Παρισιού στον πολυδύναμο θεατρικό πρόσωπο Jean-Baptiste Lully, ο οποίος «διατήρησε τη βασική έννοια του μπαλέτου - την πολυπλοκότητα της μορφής, στην οποία ο χορός αποτελεί αναπόσπαστο στοιχείο. και σημαντικό στοιχείο». Κατά τη διάρκεια αυτού του αιώνα, το μπαλέτο εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη και εξελίχθηκε από έναν εξελιγμένο τρόπο κίνησης εικόνων κατά τη διάρκεια μιας μεγάλης παράστασης σε μια τέχνη παράστασης από μόνη της, που ονομάζεται ballet d'action («μπαλέτο δράσης», μπαλέτο με πλοκή). Αυτή η νέα μορφή εξάλειψε σχεδόν εντελώς την τεχνητή φύση του χορού του δικαστηρίου και καθιέρωσε έναν νέο νόμο: «η τέχνη πρέπει να προσπαθεί να εκφράσει τη φύση, τη φύση». Ως αποτέλεσμα, τα κοστούμια και οι χορογραφίες έγιναν πιο ελεύθερες και πιο ευνοϊκές για μεγαλύτερη έκφραση των εκφραστικών ταλέντων του σώματος. Η πόρτα άνοιξε στον κόσμο των νατουραλιστικών κοστουμιών και των παπουτσιών χωρίς τακούνια - παπούτσια πουέντ, που παρείχαν στον χορευτή μεγαλύτερες ευκαιρίες να ανέβει μέχρι τα μισά δάχτυλα των ποδιών.

Η ρομαντική εποχή των αρχών του 19ου αιώνα, με τα μπαλέτα που τράβηξαν την προσοχή του θεατή στα συναισθήματα, τη φαντασία και τους πλούσιους πνευματικούς κόσμους, σηματοδότησε την αρχή της αληθινής δουλειάς πουέντ. Και τώρα η ιδανική μπαλαρίνα (της οποίας τα προσόντα εκφράστηκαν τότε στη θρυλική Marie Taglioni) με τα παπούτσια της έμοιαζε να άγγιζε μόλις και μετά βίας την επιφάνεια της σκηνής και το ασώματο πνεύμα της έμοιαζε να μην ήξερε τι ήταν η γη. Τα ανερχόμενα πλέον αστέρια του γυναικείου χορού έχουν επισκιάσει εντελώς την παρουσία των φτωχών ανδρών χορευτών, που σε πολλές περιπτώσεις έχουν μετονομαστεί σε κινούμενα αγάλματα, που υπάρχουν μόνο για να ακουμπούν οι μπαλαρίνες. Αυτή η κατάσταση άλλαξε ελαφρώς στις αρχές του εικοστού αιώνα με την άνοδο του αστέρα του Nijinsky από το Ρωσικό Μπαλέτο. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, τα γνωστά κοστούμια μπαλέτου, οι χορογραφίες, τα σκηνικά, τα στηρίγματα είχαν ήδη αναπτυχθεί, με μια λέξη, όλα είχαν γίνει σχεδόν ίδια όπως είναι τώρα.

Μοντέρνος χορός.

Το ρωσικό μπαλέτο, έχοντας ξεκινήσει μια επανάσταση στην τέχνη του μπαλέτου, προσπάθησε να σπάσει τις ξεπερασμένες μορφές του κλασικού μπαλέτου. Επί του παρόντος, οι καλλιτεχνικές δυνατότητες της τεχνικής μπαλέτου και της συνοδευτικής μουσικής, σκηνικών και πολυμέσων είναι μεγαλύτερες από ό,τι σε όλη την περίοδο της ύπαρξής του. Τα όρια που ορίζει το κλασικό μπαλέτο συνεχώς πιέζονται και θολώνονται, και ό,τι εμφανίζεται στη θέση τους πλέον μόλις και μετά βίας θυμίζει παραδοσιακούς όρους μπαλέτου, όπως «σπιν».

Ένας νέος τρόπος σκέψης έχει εμφανιστεί. Οι καλλιτέχνες του χορού λαμβάνουν πλέον υπόψη τα χαρακτηριστικά της προσωπικότητας, τις τελετουργικές και θρησκευτικές πτυχές, τον πρωτογονισμό, την εκφραστικότητα και τη συναισθηματικότητα. Μέσα σε αυτή την ατμόσφαιρα έγινε ένας ακόμη γύρος ανάπτυξης του σύγχρονου χορού. Ξαφνικά υπήρξε μια νέα ελευθερία σε αυτό που θεωρούνταν πλέον αποδεκτό, που ονομάζεται αποδεκτή τέχνη, στην οποία πολλοί άνθρωποι ήθελαν πλέον να δημιουργήσουν. Όλα τα χαρακτηριστικά της νέας τέχνης έγιναν τόσο σημαντικά όσο τα κοστούμια μπαλέτου - ή ακόμα πιο πολύτιμα από αυτά.

Οι περισσότεροι χορογράφοι και χορευτές των αρχών του 20ου αιώνα είχαν πολύ αρνητική στάση απέναντι στο μπαλέτο. Η Ισιδώρα Ντάνκαν τον θεωρούσε άσχημη, χωρίς νόημα γυμναστική. Η Μάρθα Γκράχαμ (Γκράχαμ) ξεχώρισε μέσα του τον ευρωπαϊσμό και τον ιμπεριαλισμό, που δεν έχουν τίποτα κοινό με τους Αμερικανούς. Ο Merce Cunningham, παρόλο που χρησιμοποίησε κάποια βασική τεχνική μπαλέτου για να διδάξει, προσέγγισε τη χορογραφία και την παράσταση από μια θέση άμεσα αντίθετη με το παραδοσιακό μπαλέτο.

Ο εικοστός αιώνας έγινε αναμφίβολα μια εποχή χωρισμού από όλα όσα βασιζόταν το μπαλέτο - μια εποχή άνευ προηγουμένου δημιουργικής ανάπτυξης χορευτών και χορογράφων, μια εποχή σοκ, έκπληξης και κοινού που άλλαξαν την αντίληψή τους για τον χορό, μια εποχή επανάστασης.

Η δεκαετία του εξήντα έφερε την ανάπτυξη του μεταμοντερνισμού, που άλλαξε πορεία προς την απλότητα, την ομορφιά των μικρών πραγμάτων, τα αγύμναστα σώματα και τις άτεχνες, απλές κινήσεις. Το διάσημο μανιφέστο του «Όχι» απορρίπτει όλα τα κοστούμια, τις πλοκές και το «σόου» για χάρη της ωμής, μη επεξεργασμένης κίνησης - αυτό είναι ίσως το πιο εντυπωσιακό άκρο αυτού του κύματος νέας σκέψης. Δυστυχώς, η έλλειψη κοστουμιών, πλοκών και αντικειμένων δεν συμβάλλει στην επιτυχία του χορευτικού σόου - και μετά από σύντομο χρονικό διάστημα, το "σκηνικό", το "art design" και το "shock level" εμφανίστηκαν ξανά στο λεξιλόγιο των χορογράφων σύγχρονου χορού.

Μέχρι τη δεκαετία του ογδόντα, ο κλασικός χορός επέστρεψε στην αρχική του θέση και ο σύγχρονος χορός (σύγχρονος χορός) έγινε ένα άκρως τεχνικό όπλο επαγγελματιών, κοντά στην πολιτική. Δύο μορφές χορού, ο σύγχρονος χορός και το κλασικό μπαλέτο, συνυπάρχουν ειρηνικά, βιώνοντας μόνο το παραμικρό μερίδιο πρώην εχθρότητας μεταξύ τους και σχεδόν χωρίς να μπαίνουν σε αντιπαλότητα. Σήμερα, η τέχνη του χορού διαποτίζεται από δημιουργικό ανταγωνισμό και οι χορογράφοι συχνά προσπαθούν να διασφαλίσουν ότι η δουλειά τους ονομάζεται η πιο συγκλονιστική. Ωστόσο, υπάρχει ακόμα ομορφιά στην τέχνη και ο σύγχρονος χορός εκπλήσσει με τέτοιο επαγγελματισμό, δύναμη και ευελιξία που δεν έχουν ξαναδεί.

Από επιστημονική άποψη Ο χορός είναι μια μορφή τέχνης, με βάση τις εκφραστικές κινήσεις και την πλαστικότητα του ανθρώπινου σώματος. Ο χορός οργανώνεται στο χώρο και στο χρόνο σε μια ενιαία σύνθεση. Η εκπαίδευση στο χορό είναι στενά συνδεδεμένη με τη μουσική και την ενδυμασία, που καθορίζει τη φύση της κίνησης και τον τρόπο παράστασης. Όντας μια από τις παλαιότερες εκδηλώσεις της λαϊκής τέχνης, που αρχικά συνδέθηκε με λόγια και τραγούδια, ο χορός σταδιακά απέκτησε τη σημασία μιας ανεξάρτητης τέχνης.

Ιστορία των χορών των πρωτόγονων λαών

Η εμφάνιση του χορούχρονολογούνται από την αρχαιότητα, όταν η κίνηση ήταν μια άμεση έκφραση ισχυρών συναισθημάτων. Στο χορό, οι πρωτόγονοι χορευτές εξέφραζαν ξεκάθαρα τη φύση του χρόνου και όλες τις διαδικασίες της ζωής. Από αριθμητική άποψη, οι πρώτες αναφορές σε πρωτόγονους χορούς, η ύπαρξη των οποίων μπορούσε να μαθευτεί από βραχογραφίες, χρονολογούνται στην Παλαιολιθική εποχή (άνθρωποι των σπηλαίων) 15 - 11 χιλιάδες π.Χ.

Για τον πρωτόγονο άνθρωπο, ο Χορός είναι τρόπος σκέψης. Μέσα από τον χορό, ένα άτομο μιας πρωτόγονης κοινωνίας εξέφραζε όχι μόνο τα συναισθήματα που βίωσε, αλλά και την καθημερινότητά του. Ο χορός ήταν συγκρίσιμος με μια συγκεκριμένη μορφή μαγείας, που έδινε μια αίσθηση ελευθερίας και ενότητας του πρωτόγονου ανθρώπου με τη φύση. Οι πρωτόγονοι χορευτές, νιώθοντας τους εαυτούς τους σε ενότητα με τη ροή της κοσμικής ενέργειας, πίστευαν ότι οι χορευτικές κινήσεις, οι φιγούρες και οι χειρονομίες βοηθούσαν στον έλεγχο των φυσικών στοιχείων, των αόρατων δυνάμεων του σύμπαντος. Αυτή η πεποίθηση αποτέλεσε τη βάση του περίπλοκου συμβολισμού των αρχαίων χορών που σχεδιάστηκαν για να φέρνουν στο νου τη βροχή και τον ήλιο, τη γονιμότητα, τη στρατιωτική επιτυχία, τη γονιμότητα των ανθρώπων, την απαλλαγή από τις κακοτυχίες, την κλήση των ελεήμων πνευμάτων και την ειρήνευση των κακών. Πρωτόγονοι χοροίσυνήθως εκτελούνται από ομάδες. Τέτοιοι ομαδικοί χοροί (στρογγυλοί χοροί) είχαν συγκεκριμένο σκοπό, σκοπός των οποίων ήταν να διώξουν τα κακά πνεύματα, να θεραπεύσουν τους άρρωστους και να διώξουν τα προβλήματα από τη φυλή. Η συμμετοχή πλήθους κόσμου στο χορό συνοδεύτηκε από την πεποίθηση ότι αυτό ενισχύει τη βοήθεια των θεών. Η πιο συνηθισμένη κίνηση εδώ είναι το ποδοπάτημα. Ίσως γιατί κάνει τη γη να τρέμει και να υποτάσσεται στον άνθρωπο.

Συχνά επίσης στις πρωτόγονες κοινωνίες ήταν οκλαδόν χορός. Οι χορευτές γυρίζουν, συσπώνται και πηδούν. Το άλμα και το σπινάρισμα φέρνουν τους χορευτές σε εκστατική κατάσταση, η οποία μερικές φορές καταλήγει σε απώλεια των αισθήσεων. Η συνοδεία είναι πατημασιά, παλαμάκια, παίζοντας όλων των ειδών τα τύμπανα και σωλήνες από φυσικά υλικά. Οι κυκλικοί χοροί και οι στρογγυλοί χοροί απεικόνιζαν συμβολικά τις κυκλικές κινήσεις του ήλιου και της σελήνης ή τις μεταβαλλόμενες εποχές. στρογγυλοί χοροί με πλεκτά συμβόλιζαν τις κινήσεις των αστερισμών. Ο χορός γύρω από ένα αντικείμενο συγκέντρωνε την ενέργεια αυτού του αντικειμένου ή συμβόλιζε την προστασία του. Οι σαμάνοι έκαναν κύκλους σαν πλανήτες, τεντώνοντας τα χέρια τους ψηλά, καλώντας την ενέργεια του Κόσμου στον εαυτό τους ή κατεβάζοντάς τους κάτω για να την κατευθύνουν στη γη. Ο χορός με δέρματα ή με κοστούμια που απεικόνιζαν ζώα, με μάσκες πουλιών, ήταν μια προσπάθεια να προσελκύσουν πουλιά και ζώα και να εξασκηθούν σε τεχνικές κυνηγιού. Χορός - φίδισυμβόλιζε τη σοφία και τη γονιμότητα, ιδιότητες που ήταν προικισμένες με το φίδι.

Χοροί ζευγαρώματος, στο οποίο οι χορευτές ήταν δεμένοι μεταξύ τους με ένα σχοινί, συμβόλιζε την ενότητα των ανθρώπων. Οι νεκρικοί χοροί εξέφραζαν θλίψη και θλίψη. Για παράδειγμα, στην Αφρική, όπως και σε ορισμένα άλλα μέρη, οι σαμάνοι και οι θεραπευτές προσπάθησαν να ενισχύσουν τα αποτελέσματα των φαρμακευτικών φαρμάκων με τη βοήθεια του χορού. Ο χορός χρησίμευσε ως απελευθέρωση από την αγχωτική κοινωνική ζωή και, ειδικά στον χορό έκστασης, από την πίεση της ατομικής αυτογνωσίας. Η επαφή με την κοσμική ενέργεια αντικατοπτριζόταν όλο και περισσότερο σε εικόνες θεών που χορεύουν. Για παράδειγμα, ο Σίβα, ο ινδουιστικός θεός του χορού, που απεικονίζεται περιτριγυρισμένος από φλόγες, εξέφρασε τις εγγενείς δημιουργικές και καταστροφικές του ιδιότητες.

Στην πρωτόγονη κοινωνία δεν υπάρχουν καλλιτέχνες. Αν και χορός πρωτόγονου ανθρώπουέγινε η αρχαιότερη πρωτόγονη μορφή θεάτρου. Μετέτρεψε τα θρησκευτικά πρότυπα σε εκφραστικά κινήματα. Οι στρατιωτικές ενέργειες και οι μελλοντικές νίκες συνήθως γινόταν πρώτα πρόβα σε έναν χορό μάχης. Αυτός ο συμβολισμός υπάρχει στους χορούς της αφγανικής φυλής Παθαν και στους λαϊκούς χορούς της Σκωτίας.

Οι πρωτόγονες φυλές δεν έχουν ρυθμισμένη τεχνική χορού, αλλά η εξαιρετική φυσική προπόνηση επέτρεπε στον χορευτή να αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στον χορό, ακόμη και σε σημείο φρενίτιδας. Χοροί αυτού του είδους μπορούν ακόμα να δουν στα νησιά του Νότιου Ειρηνικού, την Αφρική, την Κεντρική και Νότια Αμερική.

Υπουργείο Πολιτισμού της Ρωσικής Ομοσπονδίας

Υπουργείο Πολιτισμού της Περιφέρειας Sverdlovsk

Κρατικό Εκπαιδευτικό Ίδρυμα Δευτεροβάθμιας Επαγγελματικής Εκπαίδευσης της Περιφέρειας Sverdlovsk

Asbestov College of Art

Χορογραφική παράσταση "Bound"

Τελική προκριματική εργασία

Εκτελεστής διαθήκης:

Khazova Daria Alekseevna,

φοιτητής IV έτους

χορογραφικό τμήμα

________ ____________

ημερομηνία υπογραφή

Εργασία προσόντων Επιστημονικός υπεύθυνος:

Lyashchenko N.A., δάσκαλος, παραδέχτηκε την υπεράσπιση

Κεφάλι τμήμα του χορογραφικού τμήματος των χορογραφικών

δημιουργικότητα δημιουργικότητα

________ ________________ ______ ________________

ημερομηνία N.A. Υπογραφή ημερομηνίας Lyashchenko

Αμίαντος 2015

Κεφάλαιο 1. Αιτιολόγηση για την επιλογή της χορογραφικής παραγωγής………..………….3

1.1. Ιστορία της δημιουργίας του χορού, στυλ…………………………………..3

1.2. Πηγές και κίνητρα για την επιλογή του θέματος της παραγωγής………….13

Κεφάλαιο 2. Μουσικό και χορογραφικό σενάριο…………………………………..16

2.1. Ιδεολογική και θεματική ανάλυση………………………………………..16

2.2. Η δημιουργική ιδέα της παραγωγής …………………………………………………………………………………………………………………………………

Κεφάλαιο 3. Πρακτική σημασία……………………………………………………………………….

Πηγές πληροφοριών………………………………………………………………26

Αιτήσεις………………………………………………………………………………………………………

Κεφάλαιο 1. Αιτιολόγηση για την επιλογή της χορογραφικής παραγωγής

"Σχετίζεται με"

Ιστορία της δημιουργίας του σύγχρονου χορού

Ο σύγχρονος χορός είναι μια ανεξάρτητη μορφή τέχνης, όπου οι κινήσεις, η μουσική, το φως και τα χρώματα συνδυάζονται με έναν νέο τρόπο, όπου το σώμα έχει πραγματικά αποκτήσει την ολόσωμη γλώσσα του. Ο σύγχρονος χορός πείθει τους ανθρώπους ότι η τέχνη είναι συνέχεια της ζωής και της αυτοκατανόησης.

Ο σύγχρονος χορός είναι μια σχετική, στιγμιαία έννοια. Κάθε περίοδος έχει τη δική της μουσική κουλτούρα, η οποία γεννά νέα είδη χορού. Κάθε χορός μπορεί να ονομαστεί σύγχρονος, αλλά για την εποχή του. Έτσι, ο σύγχρονος χορός είναι ένας χορός μοντέρνος, μοντέρνος και επίκαιρος για την εποχή του. Σκοπός του σύγχρονου χορού είναι να εκφράσει τα ανθρώπινα συναισθήματα και διαθέσεις. Αυτό είναι ένα μάλλον ελεύθερο, καθολικό στυλ χορού που δεν έχει σαφή πρότυπα. Οι χορογράφοι, προσπαθώντας να μεταφέρουν τις σκέψεις και τα συναισθήματα των ανθρώπων, βρίσκονται σε συνεχή αναζήτηση και επινοούν νέες κινήσεις, συχνά αναμιγνύοντας διαφορετικές τεχνικές, στυλ και κατευθύνσεις.

Ο σύγχρονος χορός έχει τις ρίζες του στο κλασικό μπαλέτο. Από τη μια πλευρά, ο σύγχρονος χορός δημιουργήθηκε ως αντίδραση ενάντια στους επίσημους, άκαμπτους περιορισμούς του κλασικού μπαλέτου (για παράδειγμα, η έμφαση σε αυτό το στυλ πέφτει στις ελεύθερες, εκφραστικές κινήσεις, κάτι που δεν συμβαίνει στο κλασικό μπαλέτο στο οποίο τα πάντα υπόκεινται σε ορισμένες κανόνες), από την άλλη, ο σύγχρονος χορός έχει ενσωματώσει πολλές κινήσεις και βήματα από το κλασικό μπαλέτο που περιλαμβάνονται στο ρεπερτόριο του σύγχρονου χορού.

Αφορμή για την εμφάνιση της σύγχρονης κατεύθυνσης της χορογραφίας ήταν η κρίση της σχολής του κλασικού μπαλέτου στις αρχές του 20ου αιώνα. Οι χορευτές εκείνης της εποχής χρειάζονταν νέες τεχνικές που τους επέτρεπαν να εκφράσουν νέες ιδέες για την ανθρώπινη ελευθερία, μακριά από τις παραδόσεις του κλασικού χορού.

Η έννοια του σύγχρονου χορού είναι η ελευθερία και η εκφραστικότητα των κινήσεων, που παρέχουν μια καταπληκτική ευκαιρία να εκφράσετε τα συναισθήματά σας με τα πιο ζωντανά χρώματα.

Κατά τη διάρκεια του 20ου αιώνα, εμφανίστηκαν πολλές διαφορετικές κατευθύνσεις· ο σύγχρονος χορός περιλαμβάνει κατευθύνσεις όπως: σύγχρονος χορός, αυτοσχεδιασμός επαφής, μοντέρνα τζαζ, σύγχρονος χορός, δωρεάν πλαστική, κλείδωμα, ποπ lock, breakdancing, hip-hop, jazz, funk και πολλά άλλα.

Οι ιδέες του σύγχρονου χορού αναμενόταν το 1830 από τον διάσημο Γάλλο δάσκαλο και θεωρητικό της σκηνικής κίνησης Francois Delsarte, ο οποίος μελέτησε τη σύνδεση μεταξύ φωνής, χειρονομίας και συναισθήματος. Υποστήριξε ότι μόνο μια χειρονομία, απαλλαγμένη από συμβάσεις και σχηματοποιήσεις, είναι ικανή να μεταφέρει ειλικρινά όλες τις αποχρώσεις των ανθρώπινων εμπειριών.

Το υπόβαθρο του σύγχρονου χορού ξεκινά στις αρχές του 20ου αιώνα, οι τρεις μούσες του πρώιμου σύγχρονου χορού στην Αμερική ήταν η Isadora Duncan, η Ruth St. Denis και η Loy Fuller. Δημιούργησαν τις δικές τους σχολές μοντέρνου μπαλέτου - μια τέχνη απαλλαγμένη από συμβάσεις. Ο αυτοσχεδιασμός και η ελεύθερη χορογραφία είναι οι βασικές αρχές της τέχνης του σύγχρονου χορού. Ενσωμάτωσαν ποικιλοτρόπως τη φιλοσοφία, το δράμα, το βοντβίλ και την αρχαία ιστορία στους χορούς τους, που χρησίμευσαν ως το σημείο εκκίνησης για τη δημιουργία των θεμελίων του σύγχρονου χορού. Ο 20ός αιώνας έφερε πολλά νέα είδη και στυλ χορού, τα πιο γνωστά από τα οποία είναι το boogie-woogie, ο χορός τζαζ, τα μπλουζ, το Τσάρλεστον, το ροκ εν ρολ, η Macarena, το step, η λαμπάδα και οι λατινοαμερικανικοί χοροί. Στα τέλη του 20ου αιώνα, οι χοροί σε στυλ ντίσκο, χιπ-χοπ, breakdancing, hustle, krump, τεκτονική, ρυθμ και μπλουζ και άλλα έγιναν ευρέως διαδεδομένοι.

Η Isadora Duncan και αρκετοί από τους ομοϊδεάτες της αποφάσισαν να αμφισβητήσουν την παραδοσιακή χορογραφία. Άνοιξαν τα δικά τους σχολεία όπου δίδασκαν τα βασικά του σύγχρονου μπαλέτου. Η κύρια ιδέα αυτού του στυλ χορού ήταν η ελεύθερη χορογραφία βασισμένη στον αυτοσχεδιασμό και την έκφραση των δικών του συναισθημάτων. Η Isadora Duncan θεωρείται η γενικά αναγνωρισμένη θεμελιωτής του σύγχρονου χορού. Ξεκίνησε τις δραστηριότητές της στα τέλη του 19ου αιώνα. Η Isadora Duncan είναι μια καινοτόμος και αναμορφώτρια της χορογραφίας, που έδωσε μια πλαστική ενσάρκωση του μουσικού περιεχομένου στους χορούς της, απαλλαγμένη από φορμαλιστικές κλασικές φόρμες μπαλέτου. Αντιπαραβάλλει την κλασική σχολή μπαλέτου με τον ελεύθερο πλαστικό χορό. Χρησιμοποίησε αρχαιοελληνική πλαστικότητα, χόρευε με χιτώνα και χωρίς παπούτσια. Ήταν μια από τις πρώτες που χρησιμοποίησε συμφωνική μουσική για χορό, συμπεριλαμβανομένων των Chopin, Gluck, Schubert, Beethoven και Wagner. Η Isadora ονειρευόταν να δημιουργήσει ένα νέο άτομο για το οποίο ο χορός θα ήταν κάτι παραπάνω από φυσικός. Με τον χορό της επανέφερε την αρμονία ψυχής και σώματος. Άνοιξε το χορό στους ανθρώπους στην αγνή του μορφή, «πολύτιμο μόνο από μόνο του», χτισμένο σύμφωνα με τους νόμους της καθαρής τέχνης. Στην αρμονική τέχνη του χορού της Isadora Duncan, η επιθυμία για αρμονία και ομορφιά εκφράζεται σε ιδανική μορφή. Ξεκινώντας από τη μουσική, κινήθηκε προς τον αρμονικό κανόνα και γι' αυτό έγινε η κύρια και μοναδική θεμελιωτής όλου του σύγχρονου χορού. Ο Ντάνκαν ταίριαξε τέλεια με τη συναισθηματική έκφραση των μουσικών και χορευτικών εικόνων. Το κίνημα γεννήθηκε από τη μουσική, δεν προηγήθηκε. Η χορευτική γλώσσα του Ντάνκαν ήταν η γλώσσα των φυσικών, εκφραστικών, ελεύθερων κινήσεων. Εξαιρετικά εκφραστική και μουσική, η Isadora χρησιμοποιούσε ελεύθερες, χαλαρές κινήσεις του σώματος στους αυτοσχεδιαστικούς χορούς της. Ο κύριος θεός του Ντάνκαν ήταν η φυσικότητα. Στο όνομά της, αρνήθηκε την τεχνική, την εξαντλητική προπόνηση. Η καλλιτεχνική πρακτική του Ντάνκαν εξέπληξε τους συγχρόνους του με την εκπληκτική συγχώνευση του κόσμου των συναισθηματικών εμπειριών, των πλαστικών τεχνών και της μουσικής.

Η δεύτερη γενιά στο χώρο του μοντέρνου χορού είναι χορογράφοι όπως οι: Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Helen Tamiris, Hania Holm. Η αξία τους έγκειται, πρώτα απ 'όλα, στο γεγονός ότι ο καθένας τους δεν ήταν μόνο ένας λαμπρός χορογράφος και ερμηνευτής, αλλά και ένας δάσκαλος που δημιούργησε το δικό του σύστημα για την εκπαίδευση χορευτών. Ο πρώτος δάσκαλος, χορογράφος και ερμηνευτής που δημιούργησε με συνέπεια ένα σύστημα χορού ήταν ο M. Graham. Οι πρώτες παραγωγές στη Νέα Υόρκη το 1926, «The Heretic» και «Primitive Mysteries», έφεραν επιτυχία στην ομάδα της. Ο Γκράχαμ δημιούργησε παραστάσεις βασισμένες σε θρυλικά επικά θέματα και πλοκές από την αρχαία και βιβλική μυθολογία. Πρώτα απ 'όλα, επιδίωξε να δημιουργήσει μια δραματικά πλούσια χορευτική γλώσσα ικανή να μεταφέρει ολόκληρο το σύμπλεγμα των ανθρώπινων εμπειριών. Η δεύτερη πιο σημαντική χορογράφος και δασκάλα ήταν η Ντόρις Χάμφρεϊ. Δίνοντας μεγάλη σημασία στην πλαστική ακρίβεια και την τεχνικότητα του χορού, η Ντόρις Χάμφρεϊ αντιτάχθηκε ταυτόχρονα στην ομορφιά και τον εκλεπτυσμένο χορό του Σεν Ντενί. Το έργο της επηρεάστηκε από τη λαογραφία των Ινδιάνων και των μαύρων της Αμερικής, καθώς και από την τέχνη της Ανατολής. Ήταν η πρώτη στις Ηνωμένες Πολιτείες που δίδαξε σύνθεση χορού και συνόψισε την εμπειρία της στο βιβλίο «The Art of Dance».

Στη δεκαετία του '50 άρχισε να δημιουργεί η τρίτη γενιά. Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, οι νέοι ερμηνευτές και χορογράφοι αντιμετώπισαν ένα μάλλον πιεστικό ερώτημα: να συνεχίσουν τις παραδόσεις της παλαιότερης γενιάς ή να αναζητήσουν τους δικούς τους τρόπους για να αναπτύξουν την τέχνη του χορού. Ορισμένοι χορογράφοι εγκατέλειψαν εντελώς την εμπειρία των προηγούμενων γενεών και βυθίστηκαν με τα πόδια στο πείραμα. Πολλοί από αυτούς απέρριψαν τον συνηθισμένο σκηνικό χώρο και μετέφεραν τις παραστάσεις τους στους δρόμους, τα πάρκα κ.λπ., απέρριψαν τη μορφή της παράστασης, εμπλέκοντας τον θεατή στη θεατρική παράσταση. Η στάση απέναντι στα κοστούμια, τη μουσική και άλλα συστατικά της θεατρικής δράσης έχει αλλάξει. Πολλοί χορογράφοι εγκατέλειψαν εντελώς τη μουσική συνοδεία και χρησιμοποιούσαν μόνο κρουστά ή θόρυβο. Οι συνθέτες έγιναν συχνά συνδημιουργοί του χορογράφου, δημιουργώντας μουσική ταυτόχρονα με την κίνηση. Ένας από αυτούς που συνέχισαν τις παραδόσεις της προηγούμενης γενιάς ήταν ο Jose Limon. Η χορογραφία του είναι μια σύνθετη σύνθεση του αμερικανικού σύγχρονου χορού και των ισπανο-μεξικανικών παραδόσεων με έντονες αντιθέσεις λυρικών και δραματικών αρχών. Οι ήρωες απεικονίζονται σε στιγμές υψηλότερης έντασης, ακραίας πνευματικής αγαλλίασης, όταν το υποσυνείδητο καθοδηγεί τις πράξεις τους. Οι παραστάσεις του "Pavane of the Moor", "Dancing for Isadora", "Mass of War Times" κέρδισαν τη μεγαλύτερη δημοτικότητα. Ο πνευματικός «πατέρας» της χορογραφικής πρωτοπορίας ήταν αναμφίβολα ο Μερς Κάνινγκχαμ. Ήταν ένας από αυτούς που ακολούθησε το δικό του δρόμο και ίδρυσε τη δική του σχολή χορού. Οι παραστάσεις του εξέπληξαν με την απροσδόκητη προσέγγισή τους στην κίνηση. Ο Κάνινγκχαμ θεώρησε την παράσταση ως μια ένωση ανεξάρτητων, ανεξάρτητων στοιχείων. Ο M. Cunningham πίστευε ότι κάθε κίνηση μπορεί να είναι χορός, και η σύνθεση του χορού χτίζεται σύμφωνα με τους νόμους της τύχης. Το κύριο καθήκον του χορογράφου είναι να δημιουργήσει στιγμιαία χορογραφία, όπου κάθε ερμηνευτής έχει τον δικό του ρυθμό και τη δική του κίνηση. Ακριβώς όπως ο M. Graham και ο D. Humphrey, ο M. Cunningham δημιούργησε τη δική του τεχνική και σχολή χορού. Έτσι, στις αρχές της δεκαετίας του '70 του εικοστού αιώνα, είχαν εμφανιστεί αρκετές κύριες σχολές χορού - σύγχρονες: η τεχνική των M. Graham, D. Humphrey και H. Limon, η τεχνική του M. Cunningham. Παράλληλα, αναπτύχθηκε και βελτιώθηκε το σύστημα του χορού της τζαζ.

Ο χορός της τζαζ αναπτύχθηκε από τους χορούς των αφρικανικών φυλών. Ο χορός της τζαζ μεταφέρθηκε στην Αμερική από σκλάβους από την Αφρική τον 17ο και 18ο αιώνα. Μόλις στην Αμερική, αποκατέστησαν γρήγορα τις διακοπές και τα έθιμά τους και προσαρμόστηκαν: αντί για τύμπανα, χρησιμοποίησαν παλαμάκια και χτυπούσαν τον ρυθμό με τα πόδια τους. Για αρκετούς αιώνες, δύο πολιτισμοί, ο αφρικανικός και ο αμερικανικός, συγχωνεύτηκαν και ως αποτέλεσμα, αναδύθηκε ένας μοναδικός φλογερός χορός. Στη δεκαετία του 20 Τον 20ο αιώνα, η μουσική τζαζ και ο χορός κέρδισαν τεράστια δημοτικότητα. Επαγγελματίες χορευτές άρχισαν να παίζουν στη σκηνή, φέρνοντας νέες τεχνικές στο στυλ της τζαζ και αρχίζοντας να διδάσκουν τζαζ σε άλλους. Παράλληλα, η τζαζ εμπλουτίστηκε με στοιχεία ευρωπαϊκών χορών.

Στις δεκαετίες του '40 και του '50. Η λαϊκή μουσική έχει υποστεί σημαντικές αλλαγές και μαζί της έχει αλλάξει και ο χορός. Τα μοντέρνα στυλ τζαζ εμφανίστηκαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Σήμερα υπάρχουν πολλά στυλ τζαζ που χορεύονται με διαφορετικά είδη μουσικής. Αλλά όλα αυτά τα στυλ ενώνονται με ενεργητικές και ρυθμικές κινήσεις. Ο ρυθμός και ο συντονισμός είναι οι πιο σημαντικές πτυχές του χορού τζαζ. Χαρακτηριστικό γνώρισμα της τζαζ είναι η συγκοπή - τονίζονται όχι μόνο οι δυνατοί ρυθμοί του μπαρ, αλλά και οι αδύναμοι ρυθμοί του μπαρ. Στο χορό τζαζ χρησιμοποιούνται συχνά κινήσεις των γοφών και της λεκάνης· δίνουν στο χορό ιδιαίτερη εκφραστικότητα. Οι μεμονωμένες κινήσεις είναι το κύριο χαρακτηριστικό του χορού τζαζ. Όπως ήταν φυσικό, δάσκαλοι και χορογράφοι συνέθεταν όλο και περισσότερο διάφορες τεχνικές και στυλ χορού στα μαθήματα και τις παραστάσεις τους. Ο πρώτος δάσκαλος και χορογράφος που συνδύασε μοντέρνες και τζαζ τεχνικές χορού στη δουλειά του ήταν ο Luigi (Eugene Louis), ο οποίος συνέθεσε τις τεχνικές του κλασικού χορού και της τζαζ. Ο Gus Giordano δημοσίευσε το πρώτο εγχειρίδιο για τις σύγχρονες τεχνικές τζαζ το 1966. Το ενδιαφέρον για τον σύγχρονο χορό της τζαζ αυξάνεται σταδιακά και Αμερικανοί δάσκαλοι πραγματοποιούν τα πρώτα σεμινάρια. Έτσι, στις αρχές της δεκαετίας του '70, προέκυψε μια νέα κατεύθυνση - η σύγχρονη τζαζ. Ο χορός τζαζ, έχοντας περάσει από τον καθημερινό, λαογραφικό χορό στη σκηνή, θεατρικός, γίνεται σταδιακά ένα ιδιαίτερο είδος χορευτικής τέχνης και αιχμαλωτίζει ολόκληρη την Ευρώπη. Αυτή η σχολή έχει κατακτήσει πολλές χώρες του κόσμου, σας επιτρέπει να εκπαιδεύσετε πιο ολοκληρωμένα τον χορευτή σώμα. Ο χορός της τζαζ αλλάζει συνεχώς, εν μέρει λόγω αυτού. Ότι οι χορευτές μπορούν να φέρουν τις δικές τους κινήσεις στο χορό, και επίσης επειδή η τζαζ χορεύεται με μεγάλη ποικιλία μουσικής. Επί του παρόντος, μπορεί κανείς να διακρίνει είδη τζαζ: κλασική τζαζ ή παραδοσιακή. Πρόκειται για πρώιμες μορφές χορού τζαζ που εκτελούνται από Αφρικανούς.

Το Afrojazz είναι μια προσπάθεια σύνδεσης της σύγχρονης τζαζ με τον Αφρικανό πρόγονό της. Πήρε το όνομά του από έναν δρόμο της Νέας Υόρκης όπου βρίσκονται πολλά θέατρα.

Μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του '60, ο χορός της τζαζ πήρε σταθερά τη θέση του σε διάφορους τομείς της σύγχρονης χορογραφίας και ταυτόχρονα ξεκίνησε η διαδικασία συγχώνευσης των κύριων σχολών της σύγχρονης χορογραφίας. Ο πρώτος δάσκαλος και χορογράφος που συνδύασε μοντέρνες και τζαζ τεχνικές χορού στη δουλειά του ήταν ο Jack Cole Luigi (Eugene Louis) που συνέθεσε τις τεχνικές του κλασικού χορού και της τζαζ. Ο Gus Giordano δημοσίευσε το πρώτο εγχειρίδιο για τις σύγχρονες τεχνικές χορού τζαζ το 1966. Το ενδιαφέρον για τον σύγχρονο χορό τζαζ αυξάνεται σταδιακά στη Δυτική Ευρώπη και Αμερικανοί δάσκαλοι πραγματοποιούν τα πρώτα σεμινάρια.

Στη δεκαετία του '70 του 19ου αιώνα, τα στυλ χορού του δρόμου όπως το locking, το breakdancing, το hip-hop έγιναν δημοφιλή στην Αμερική· στη δεκαετία του '90, στυλ όπως το funk, το krump. Στην αρχή, αυτοί οι χοροί είχαν έναν αυθόρμητο χαρακτήρα: οι νέοι, μαζεύοντας, οργάνωναν τους δικούς τους διαγωνισμούς χορού, αποκαλώντας τους μάχες. Στη συνέχεια άρχισαν να προετοιμάζονται για τις μάχες εκ των προτέρων, προσκαλώντας θεατές και ομάδες υποστήριξης. Στις μέρες μας τέτοιοι διαγωνισμοί διεξάγονται ήδη σε διεθνές επίπεδο σε διάφορα μέρη του πλανήτη μας.

Κλείδωμα - τεχνικά, το κλείδωμα είναι πολύ κοντά στον πρόγονό του χιπ-χοπ, έτσι πολλά στοιχεία δανείστηκαν από εκεί: αιχμηρές και έντονες κινήσεις, διάφορα ρίψη και αιώρηση των χεριών, άλματα διαφορετικών τύπων και επιπέδων. Το κλείδωμα είναι μια σύνθεση κίνησης και ακινησίας.

Το χιπ χοπ είναι ένα πολιτιστικό κίνημα που ξεκίνησε στην εργατική τάξη της Νέας Υόρκης στα τέλη της δεκαετίας του 1970. Πρόκειται για ένα στυλ χορού με βάση το οποίο χτίζεται ολόκληρο το σύγχρονο λεξιλόγιο των χορών του συλλόγου. Ένας χαρούμενος και ενεργητικός, μη επιθετικός χορός, η τεχνική του οποίου βασίζεται στην «αιώρηση» του σώματος, στο άλμα και σε συνδυασμό μικρών κινήσεων με τα χέρια και τα πόδια. Η μουσική διακρίνεται από έναν σπασμένο, δυναμικό ρυθμό μέτριας ταχύτητας με μικρά ένθετα οργάνων.

Breakdancing - το πρώτο μέρος παρουσιάζει το λεγόμενο κορυφαίο διάλειμμα, το οποίο έχει πρακτικά ατελείωτες δυνατότητες, περιορισμένες μόνο από τη φαντασία του ερμηνευτή ή της ομάδας ερμηνευτών. Σε αυτό μπορείτε να αποκαλύψετε πλήρως και ευρέως τον εαυτό σας, αυτοσχεδιάζοντας τόσο εν κινήσει όσο και πριν από μια παράσταση, δημιουργώντας και επινοώντας νέα στοιχεία και κινήσεις. Οι κινήσεις προς αυτή την κατεύθυνση απαιτούν κάποια εκπαίδευση από τον χορευτή και διακρίνονται από την ιδιαιτερότητα της εκτέλεσης και μιμούνται ασυνήθιστους τύπους κινήσεων για τον άνθρωπο στην καθημερινή ζωή: μηχανικές με στερέωση σε ορισμένα σημεία, ή αρθρωμένες, παρόμοιες με τις κινήσεις των παιχνιδιών κουρδίσματος, επίσης μίμηση ρομποτικών κινήσεων ή κινήσεων ελαστικών άκρων. Το δεύτερο μεγάλο μέρος, που ονομάζεται σπάσιμοΤο , που μερικές φορές ονομάζεται low breakdancing, μας φαίνεται, όπως αναφέρθηκε παραπάνω, ενεργό, ενεργητικό και απαιτεί αξιοπρεπή φυσική προετοιμασία από τον ερμηνευτή. Το κάτω διάλειμμα φαίνεται πολύ εντυπωσιακό και είναι γεμάτο με ακροβατικά στοιχεία.

Το Crump είναι μια εξέλιξη του στυλ "Clowning", ή του στυλ "Clown Dance". Το χαρακτηριστικό του χαρακτηριστικό είναι η δύναμη και η δύναμη του ερμηνευτή, με στόχο να απελευθερώσει τον χορευτή από την αρνητική ενέργεια, εκτοξεύοντας τα συναισθήματά του από τη σκηνή. Το The Clown Dance δημιουργήθηκε στις αρχές της δεκαετίας του '90 από τον Thomas Johnson ή τον Tommy the Clown. Το 1992, ο Johnson άρχισε να συνδυάζει διάφορα τοπικά στοιχεία χορού και να δημιουργεί ένα μοναδικό, ευέλικτο στυλ που τον βοήθησε επίσης να ακολουθήσει τη δική του καριέρα ως παιδικός κλόουν. Οι χορευτές Crump αλληλεπιδρούν περισσότερο μεταξύ τους και δουλεύουν με το βάρος του συντρόφου τους. Καλλιτέχνες όπως οι Missy Elliott, Chemical Brothers, Black Eyed Peas, χρησιμοποιώντας κρούμπα στα βίντεό τους, έκαναν τον χορό διάσημο σε όλο τον κόσμο.

Το 1972 εμφανίστηκε ο αυτοσχεδιασμός επαφής. Ο αυτοσχεδιασμός επαφής είναι ένας χορός στον οποίο ο αυτοσχεδιασμός χτίζεται γύρω από το σημείο επαφής με έναν σύντροφο. Ο αυτοσχεδιασμός επαφής είναι μια μορφή ελεύθερου χορού. Ο Αμερικανός Steve Paxton θεωρείται δικαίως ο δημιουργός της σχολής του Contact Improvisation. Χορογράφος και χορευτής, σπούδασε μοντέρνο και κλασικό χορό, σπούδασε γυμναστική και αϊκίντο και αφιέρωσε πολύ χρόνο ερευνώντας τον χορευτικό αυτοσχεδιασμό. Στον αυτοσχεδιασμό επαφής, η κίνηση ακολουθεί τη μετατόπιση του σημείου επαφής μεταξύ των σωμάτων των συντρόφων. Η κίνηση κυριαρχεί όταν δύο σώματα έρχονται σε επαφή, αναζητώντας αμοιβαίες χωρικές τροχιές όταν αλληλεπιδρούν με το βάρος του σώματος. Ο χορός καθοδηγείται από τα συναισθήματα των συντρόφων, την πρόθεσή τους να διατηρήσουν ή να μην διατηρήσουν σωματική επαφή και να συνεχίσουν την αναζήτηση αμοιβαίας υποστήριξης.

Το Hustle είναι ένας χορός σε ζευγάρια που βασίζεται στον αυτοσχεδιασμό και την «οδήγηση».

Το μεταφρασμένο από τα αγγλικά hustle είναι "hustle and bustle". Είναι ένα συλλογικό όνομα για το χορό με μουσική ντίσκο δημοφιλής στη δεκαετία του 1980, όπως disco-fox, disco swing και hustle.
Είναι ένας «κοινωνικός» χορός - δηλαδή, στον πυρήνα του είναι εξαιρετικά απλός, χορεύεται σε τέσσερις μετρήσεις (disco-fox in three) σχεδόν σε οποιαδήποτε μουσική, δεν απαιτεί πολύωρη εκπαίδευση και επιτρέπει σε οποιονδήποτε να χορέψει μετά από λίγη εξάσκηση.

Όσο πιο πλούσια και ποικιλόμορφη γινόταν η μουσική με την εμφάνιση των νέων ηλεκτρομουσικών οργάνων, τόσο περισσότερες διαφορετικές μουσικές τάσεις εμφανίζονταν και μαζί τους διαφορετικά στυλ χορού. Στα τέλη της δεκαετίας του '80 και στις αρχές της δεκαετίας του '90, με την έλευση του βίντεο, ορισμένα στυλ κέρδισαν δημοτικότητα. Το έργο του Μάικλ Τζάκσον, ο οποίος τότε ονομαζόταν Βασιλιάς της Ποπ και Βασιλιάς του Χορού, έδωσε αφορμή για έναν νέο τύπο παράστασης - "a la Jackson". Τα πιο διάσημα βίντεο του από τα άλμπουμ «Thriller», «Bad», χρησιμοποιούσαν κινήσεις ντίσκο, break, hip-hop.

Τον 20ο αιώνα, εμφανίστηκε ο όρος "ποπ χορός" - αυτό είναι ένα προϊόν της κοσμικής ιστορίας της τέχνης, που αντικατοπτρίζει, πρώτα απ 'όλα, το μέρος όπου εισέρχεται ο καλλιτέχνης. Δηλαδή όχι η σκηνή ενός θεάτρου, αλλά η σκηνή ενός βαριετέ ή μιας αίθουσας συναυλιών. Η έννοια του «ποπ χορού» περιλαμβάνει επίσης σχηματοποιήσεις λαϊκών χορών, αθλητικούς χορούς, ημικλασικούς χορούς, χορούς σε στυλ καθημερινής χορογραφίας, βήμα· αυτή τη στιγμή στη σκηνή βλέπουμε πολλές παραγωγές που εκτελούνται με τα μέσα του χορού τζαζ ή σύγχρονος χορός. Έτσι, η έννοια του «ποπ χορού» ενώνει πολλούς τομείς της χορογραφικής τέχνης. Ωστόσο, επί του παρόντος, πολλά πανεπιστήμια και ινστιτούτα πολιτισμού και τέχνης διαθέτουν τμήματα «ποπ» χορού. Δυστυχώς, δεν μπορεί να γίνει τίποτα για αυτήν την ορολογική σύγχυση.

Μπορούμε να πούμε με απόλυτη σιγουριά ότι ο 20ός αιώνας ήταν μια πραγματική δημιουργική ανακάλυψη για τη χορογραφία και ένα είδος επανάστασης στην κουλτούρα του χορού.

Συνοψίζοντας, μπορούμε να πούμε ότι ο σύγχρονος χορός είναι μια σχετική, στιγμιαία έννοια και κάθε χρονική περίοδος έχει τη δική της μουσική κουλτούρα, η οποία γεννά νέα είδη χορού. Ωστόσο, τα σύγχρονα στυλ χορού έχουν αρκετά ποικίλα στοιχεία, γεγονός που τα καθιστά πιο δημοκρατικά και προσιτά σε άτομα με ορισμένους περιορισμούς στην πλαστικότητα και την ευελιξία.

Η χορογραφική παραγωγή «Rope» βασίζεται στην κατεύθυνση του σύγχρονου χορού - ελεύθερη πλαστικότητα.

Δωρεάν πλαστικό- ένα κίνημα που εμφανίστηκε στις αρχές του εικοστού αιώνα για την απελευθέρωση από το πλαίσιο του κλασικού χορού και τη συγχώνευση του χορού με τη ζωή. Σε αυτό το στυλ διατυπώθηκαν οι αρχές στις οποίες βασίστηκαν ο μοντέρνος και τζαζ-μοντέρνος χορός, ο σύγχρονος χορός, ακόμη και ο αυτοσχεδιασμός επαφής. Ιδρυτής της δωρεάν πλαστικής χειρουργικής ήταν η Ισιδώρα Ντάνκαν.

Μία από τις ιδεολογικές πηγές του ελεύθερου χορού ήταν η κίνηση για σωματική βελτίωση, απελευθέρωση του σώματος, άρνηση πλαισίων και ορίων, ανάμειξη χορευτικών τάσεων και στυλ. Οι ιδρυτές του ελεύθερου χορού πίστευαν ότι όλοι μπορούν και πρέπει να χορεύουν και ότι ο χορός θα βοηθήσει όλους να εξελιχθούν και να αλλάξουν τη ζωή τους. Η δωρεάν πλαστική είναι πάντα χειραφέτηση, αυτοέκφραση, «φυγή», είναι μια ιδιαίτερη στάση απέναντι στον εαυτό σου, το σώμα σου, ένας ιδιαίτερος τρόπος σκέψης. Η ελεύθερη πλαστικότητα σάς επιτρέπει να είστε τόσο αυθόρμητοι όσο και συνειδητοί. Σου δίνει την ευκαιρία να εκφραστείς δημιουργικά, να νιώσεις τη χαρά της κίνησης, την αρμονία του σώματος με τη μουσική και τον ρυθμό. Η ελεύθερη πλαστικότητα είναι μια τάση στη σύγχρονη χορογραφία. Ένα είδος σκηνικού χορού που συνδυάζει εκπληκτικά στοιχεία τζαζ χορογραφίας, μοντέρνο στυλ και κλασικές τεχνικές χορού.

1.2. Πηγές και κίνητρα για την επιλογή του θέματος της χορογραφικής παραγωγής «Bound»

Το θέμα της πλοκής της χορογραφικής παραγωγής "Bound" βασίζεται στην ταινία μικρού μήκους "Rope". Η σύντομη πλοκή της ταινίας (ή μάλλον, ακόμη και σκετς) είναι η εξής: ένας νεαρός άνδρας και μια κοπέλα «έρχονται στα συγκαλά τους» στη μέση του δρόμου, είναι δεμένοι πλάτη με πλάτη με ένα σχοινί και δεν μπορούν να απελευθερωθούν. Το κορίτσι αντιστέκεται, και ο τύπος ακολουθεί τον προβλεπόμενο δρόμο. Οι περαστικοί που συναντούν δείχνουν διαφορετικές αντιδράσεις στην κατάστασή τους: άλλοι τους αγνοούν, άλλοι τους κοροϊδεύουν. Το τελευταίο άτομο που συναντά τους λύνει, χαϊδεύει το πρόσωπο της κοπέλας και τη λύνει. Τότε το κορίτσι συνειδητοποιεί τι συνέβη και καταλαβαίνει ότι δεν μπορεί να είναι χωρίς τον νεαρό άνδρα. Ο νεαρός, όταν λύθηκε, ήθελε να χτυπήσει τον απελευθερωτή, αλλά απλώς τον έδιωξε, επέστρεψε στο κορίτσι και μαζί άρχισαν να δένονται ξανά με ένα σκοινί.

Στην πραγματικότητα, αυτή η ταινία είναι μια μεταφορά. Το σχοινί, ως σύμβολο σχέσεων, ένα είδος ασυνείδητης ή συνειδητής εξάρτησης στις σχέσεις με το άλλο μισό - αυτό ακριβώς είναι το κύριο θέμα αυτής της ταινίας.

Παρόμοιος συμβολισμός συναντάται συχνά στον κινηματογράφο και τη λογοτεχνία, στη σύνθεση τραγουδιών των σύγχρονων μουσικών· μια παραλλαγή του σχοινιού μπορεί να είναι χειροπέδες, αλυσίδες, δεσμά. Παρόμοιες ιστορίες συναντάμε στη μυθολογία του Πλάτωνα: ιδανικά πλάσματα με τέσσερα χέρια, τέσσερα πόδια και δύο κεφάλια, που τα χώρισε ο δημιουργός και περνούν όλη τους τη ζωή στη γη αναζητώντας την αδελφή ψυχή τους.

Ένα άλλο δευτερεύον θέμα της ταινίας είναι η στάση των ανθρώπων γύρω τους στην κατάσταση που παρατηρούν, η αντίδρασή τους. Οι άνθρωποι γύρω τους νιώθουν ικανοποίηση βλέποντας δύο συνδεδεμένους ανθρώπους να υποφέρουν. Είναι δύο περαστικοί που τους κοροϊδεύουν, προσπαθούν να τους μιμηθούν, ενώ η αυτοεκτίμησή τους ανεβαίνει από αυτό που βλέπουν. Στη συνέχεια στο δρόμο τους συναντούν δύο χούλιγκαν που προσπαθούν να τους κοροϊδέψουν και να τους ταπεινώσουν. Μόνο ένα άτομο έδειξε συμπάθεια και βοήθεια.

Στο τέλος της ταινίας, που είναι πιο ενδιαφέρον για την κατανόηση του νοήματος που σκόπευε ο συγγραφέας: οι χαρακτήρες περπατούν μαζί, κρατώντας ο ένας το χέρι του άλλου, βάζει το κεφάλι της στον ώμο του. Κάθε θεατής που παρακολουθεί την ταινία θα βγάλει τα δικά του συμπεράσματα: κάποιος θα πει ότι η αγάπη σε μια σχέση πρέπει να συμβαδίζει με την ελευθερία και των δύο συντρόφων και κάποιος θα κατανοήσει την αγάπη ως όχι πλέον ελευθερία, αλλά εξάρτηση.

Η εξάρτηση δεν εμφανίζεται μόνο σε σχέσεις που βασίζονται στην αγάπη, αλλά και σε σχέσεις μεταξύ γονέων και παιδιών, σε φιλίες μεταξύ φίλων, μεταξύ ανθρώπων που αναγκάζονται για κάποιο λόγο να είναι μαζί. Η παραγωγή μου δείχνει την ψυχολογική εξάρτηση μεταξύ δύο φίλων. Επίγνωση της εξάρτησης μεταξύ τους, όταν οι φίλοι ξεπέρασαν ένα ορισμένο όριο στη σχέση τους μεταξύ τους και ανέπτυξαν τέτοιο βαθμό ψυχολογικής οικειότητας όπου και οι δύο ή ο ένας από τους δύο έχασαν τον εαυτό τους και αυτή η περίσταση άρχισε να επιβαρύνει τον καθένα τους. Για παράδειγμα, ένα τέτοιο συναίσθημα μπορεί να προκύψει λόγω ενσυναίσθησης ο ένας για τον άλλον σε ορισμένες δύσκολες καταστάσεις. Ας πούμε ότι ο σύζυγος ή ο αρραβωνιαστικός αφήνει έναν από τους φίλους - τότε ο δεύτερος φίλος γίνεται «τα πάντα» για τον πρώτο - παρηγορητής, σύμβουλος και μητέρα. Ταυτόχρονα, η παρηγοριά απολαμβάνει την ανάγκη και τη σημασία της, αισθάνεται δυνατή, ώριμη και σοφή - άλλωστε τη συμβουλή της χρειάζεται τόσο η φίλη της, που τις χρησιμοποιεί πρόθυμα.

Η παρηγορήτρια, ξεχνώντας τον εαυτό της και τα αγαπημένα της πρόσωπα (σύζυγο, παιδιά), περνά τις μέρες της βιώνοντας γεγονότα από τη ζωή της φίλης της ως δικά της, χωρίς να ξεχωρίζει πλέον τη ζωή της από τη ζωή της φίλης της. Έτσι χάνεις τον εαυτό σου στις σχέσεις μεταξύ φίλων και προκύπτει ο εθισμός. Έρχεται μια στιγμή που όλα στη ζωή αρχίζουν να βελτιώνονται για τον "δυστυχισμένο" φίλο (για παράδειγμα, εμφανίζεται ένας άντρας), σταδιακά απομακρύνεται από το παρηγορητικό της - τελικά, δεν χρειάζεται πλέον.

Και εδώ ο παρηγορητής βιώνει πραγματικό μαρτύριο - αισθάνεται κενό, μοναξιά (παρά την παρουσία ενός συζύγου και αγαπημένων προσώπων), πόνο και ζηλεύει τη φίλη της για τον νέο της επιλεγμένο, γεγονός που προκαλεί εκνευρισμό και απροθυμία στη φίλη της να επικοινωνήσει. Από έξω μπορεί να φαίνεται κωμικό, αλλά στην πραγματικότητα αυτή είναι μια πολύ οδυνηρή κατάσταση που μπορεί να οδηγήσει σε νευρώσεις, κατάθλιψη και απώλεια ενδιαφέροντος για τη ζωή για τον εγκαταλελειμμένο παρηγορητή. Συχνά, επιπλέον, οι πρώην φίλες χωρίζουν, σταματώντας να βλέπουν και να επικοινωνούν μεταξύ τους. Και η φιλία τους, στην οποία υπήρχαν πολλά καλά και ειλικρινή, φτάνει στο τέλος της.

Από την αυγή του ανθρώπινου πολιτισμού, ο χορός ήταν πάντα παρών στον ανθρώπινο πολιτισμό ως μέσο κοινωνικής αλληλεπίδρασης, αυτοέκφρασης και μη λεκτικής επικοινωνίας, και ήταν επίσης αναπόσπαστο μέρος διαφόρων θρησκευτικών και τελετουργικών τελετουργιών. Από την πρώτη εμφάνισή τους στα ιστορικά αρχεία (περίπου 9.000 χρόνια πριν), οι χοροί έχουν εξελιχθεί σημαντικά σε αμέτρητα στυλ που εξακολουθούν να εξασκούνται σήμερα.

Οι αρχαίοι Αιγύπτιοι χρησιμοποιούσαν τον χορό ως μέσο για να ευχαριστήσουν τους θεούς, να διασκεδάσουν την ανώτερη τάξη της κοινωνίας και για μαζικούς εορτασμούς κατά τη διάρκεια των εορτών συγκομιδής. Οι Έλληνες και οι Ρωμαίοι συνέχισαν αυτή την παράδοση, αλλά θεωρούσαν τον χορό ως δώρο των θεών. Οι Έλληνες έκαναν επίσης ετήσιους εορτασμούς προς τιμή των θεών, κατά τους οποίους ήταν υποχρεωτική η κατανάλωση μεγάλων ποσοτήτων αλκοόλ και ο χορός.

Μια παρόμοια σύνδεση μεταξύ χορού και θρησκείας μπορεί κατ' αρχήν να βρεθεί σε οποιαδήποτε σύγχρονη θρησκεία, αλλά φαίνεται καλύτερα στον Ινδουισμό, ο οποίος βασίζεται στην πεποίθηση ότι ολόκληρο το σύμπαν δημιουργήθηκε στο χορό του Ανώτατου Χορευτή Nataraja. Καθένας από τους 23 μεγάλους Ινδούς θεούς έχει το δικό του ξεχωριστό στυλ χορού, και αυτή η αγάπη για τον χορό έχει μεταφερθεί σε κάθε πτυχή της ζωής στην Ινδία (που φαίνεται πιο ξεκάθαρα σε ινδικές ταινίες, οι οποίες περιλαμβάνουν χορό και τραγούδι).

Ο σύγχρονος χορός στην αίθουσα χορού ξεκίνησε τον 15ο αιώνα στην Ιταλία. Η ταχεία ανάπτυξη της τεχνολογίας, του εμπορίου και του πλούτου που συνέβη κατά την Αναγέννηση εξαπλώθηκε γρήγορα σε όλη την Ευρώπη. Ο μεγαλύτερος αριθμός καινοτομιών σε στυλ μουσικής και χορού σημειώθηκε κατά τη διάρκεια της βασιλείας της βασίλισσας Ελισάβετ της Αγγλίας (1533 - 1603). Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, πολλοί Ευρωπαίοι δάσκαλοι του χορού ήρθαν στην Αγγλία για να δημιουργήσουν νέους χορούς για τη Βασιλική Αυλή και την υπόλοιπη αριστοκρατία. Ενώ ο χορός και η μουσική άκμασαν στο Λονδίνο, άνοιξαν οι πρώτες σχολές χορού, διδάσκοντας σε όλους πώς να εκτελούν τα περίπλοκα βήματα που ήταν δημοφιλή εκείνη την εποχή. Μερικοί από τους πιο δημοφιλείς χορούς εκείνη την εποχή ήταν το γαλιάρδο, το αλεμάν, το βόλτε, το γκαβότ και το μπαλέτο.

Με κάθε αιώνα, νέα στυλ μουσικής και χορού εμφανίζονταν και εξαφανίζονταν. Ένας από τους πιο διάσημους σύγχρονους χορούς, το βαλς εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην ευρωπαϊκή χορευτική σκηνή τον 17ο αιώνα και διαδόθηκε σε μεγάλο βαθμό από τη δημιουργία των υπέροχων έργων του Johann Strauss. Ένα άλλο πρώιμο παράδειγμα ενός χορού που καταιγίδα στον κόσμο είναι η πόλκα, η οποία ήρθε στη μόδα το 1850 και στη συνέχεια γέννησε ένα ευρύ φάσμα παρόμοιων ενεργητικών και γρήγορων στυλ χορού.

Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Φοιτητές, μεταπτυχιακοί φοιτητές, νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές και την εργασία τους θα σας είναι πολύ ευγνώμονες.

Δημοσιεύτηκε στις http://www.allbest.ru/

Ομοσπονδιακό κρατικό προϋπολογισμό Εκπαιδευτικό Ίδρυμα Ανώτατης Επαγγελματικής Εκπαίδευσης

ΚΡΑΤΙΚΟ ΠΑΝΕΠΙΣΤΗΜΙΟ ΠΟΛΙΤΙΣΜΟΥ ΚΑΙ ΤΕΧΝΩΝ ΜΟΣΧΑΣ

Σχολή Κοινωνικών και Πολιτιστικών Δραστηριοτήτων

Τμήμα Πολιτιστικών και Ψυχαγωγικών Δραστηριοτήτων

ΕΡΓΑΣΙΑ ΜΑΘΗΜΑΤΟΣ

με θέμα: ιστορία του χορού

στον ακαδημαϊκό κλάδο: «Ιστορία και θεωρία της κοινωνικο-πολιτιστικής δραστηριότητας»

Μόσχα 2013

Εισαγωγή

Ενότητα 1 Η εμφάνιση του χορού: από την αρχαιότητα έως τη γέννηση του μπαλέτου

1.1 Λόγοι εμφάνισης του χορού και η προέλευσή του

1.2 Αρχαία Αίγυπτος, Κίνα, Ινδία, Ελλάδα, Ρώμη

1.3 Λαϊκοί χοροί στην Ευρώπη από τον Μεσαίωνα έως την Αναγέννηση

Ενότητα 2 Η εποχή του μπαλέτου στο εξωτερικό και στη Ρωσία

2.1 Μπαλέτο στη Δύση

2.2 Ρωσικό μπαλέτο

Ενότητα 3 Κατευθύνσεις σύγχρονου χορού

3.1 Χορός τζαζ

3.2 Μοντέρνος και τζαζ σύγχρονος χορός

3.3 Μοντέρνα κλασικά στο εξωτερικό

3.4 Χορός στην αίθουσα χορού

συμπέρασμα

Πηγές και βιβλιογραφία

Εισαγωγή

Ας μιλήσουμε για χορό. Στην εποχή μας, την εποχή των ηλεκτρονικών, του γρήγορου ρυθμού, οι περισσότεροι θα αποκαλούσαν χορό αυτό που συμβαίνει στα νυχτερινά μαγαζιά όταν η κίνηση περιορίζεται σε πρωτόγονο. Ωστόσο, ο χορός δεν αποτελείται μόνο από «δύο στόμπες, τρεις κροτίδες». Έχει τη δική του ιστορία, είναι από τις πιο παλιές μορφές τέχνης μαζί με τη μουσική, ίσως και πιο παλιά, το ερώτημα είναι συζητήσιμο. Ο χορός έχει περάσει από μια μακρά διαδρομή αλλαγής, χωρίζοντας σε πολλές διχάλες του στυλ. Επομένως, το ερώτημα στην αρχή του ταξιδιού μας είναι ακόμα πιο επίκαιρο: τι είναι ο χορός;

Χορός-- ρυθμικές, εκφραστικές κινήσεις του σώματος, που συνήθως διασκευάζονται σε συγκεκριμένη σύνθεση και εκτελούνται με μουσική συνοδεία. Ο χορός, όπως προαναφέρθηκε, είναι ίσως η αρχαιότερη από τις τέχνες: αντανακλά την ανάγκη του ανθρώπου, που χρονολογείται από τους αρχαιότερους χρόνους, να μεταδίδει στους άλλους τη χαρά ή τη λύπη του μέσα από το σώμα του. Επιπλέον, ο χορός είναι δημοκρατικός. Προσκαλεί το σώμα να μιλήσει, του δίνει την ευκαιρία να μιλήσει. Ο χορός σας βοηθά να επεκτείνετε τις δημιουργικές και προσωπικές δυνατότητες, να απαλλαγείτε από διάφορα συμπλέγματα, να εξαφανίσετε τον φόβο της δημόσιας ομιλίας και να σας μάθει να χαλαρώνετε.

Ο χορός προέκυψε από μια ποικιλία κινήσεων και χειρονομιών που σχετίζονται με τις διαδικασίες του τοκετού και τις συναισθηματικές εντυπώσεις ενός ατόμου για τον κόσμο γύρω του. Οι κινήσεις υποβλήθηκαν σταδιακά σε καλλιτεχνική γενίκευση, με αποτέλεσμα να διαμορφωθεί ο χορός, μια από τις παλαιότερες εκδηλώσεις της λαϊκής τέχνης. Αρχικά συνδεδεμένος με τη λέξη και το τραγούδι, ο χορός σταδιακά απέκτησε αυτοτελές νόημα. Σχεδόν όλα τα σημαντικά γεγονότα στη ζωή του πρωτόγονου ανθρώπου γιορτάζονταν με χορούς: γέννηση, θάνατος, πόλεμος, εκλογή νέου αρχηγού, θεραπεία αρρώστων. Ο χορός εξέφραζε προσευχές για βροχή, για φως του ήλιου, για γονιμότητα, για προστασία και συγχώρεση· ήταν αναπόσπαστο μέρος διαφόρων μυστηρίων και μυστηρίων, που κυμαίνονταν από πρωτόγονες κοινωνίες μέχρι την Αίγυπτο, την Κίνα, την Ελλάδα. Τι αποτέλεσμα είχε ο χορός; Πώς το συστηματοποίησες; Το «Πα» σχηματίστηκε.

Τα βήματα του χορού (γαλλικά pas - "βήμα") προέρχονται από τις βασικές μορφές των ανθρώπινων κινήσεων - περπάτημα, τρέξιμο, άλμα, αναπήδηση, πηδήματα, ολίσθηση, στροφή και αιώρηση. Συνδυασμοί παρόμοιων κινήσεων μετατράπηκαν σταδιακά σε παραδοσιακά χορευτικά βήματα.

Τα κύρια χαρακτηριστικά του χορού είναι:

Ρυθμός -- σχετικά γρήγορη ή σχετικά αργή επανάληψη και παραλλαγή βασικών κινήσεων.

Το σχέδιο είναι ένας συνδυασμός κινήσεων σε μια σύνθεση. δυναμική - διαφοροποίηση του εύρους και της έντασης των κινήσεων.

Τεχνική είναι ο βαθμός ελέγχου του σώματος και η ικανότητα στην εκτέλεση βασικών βημάτων και θέσεων. Σε πολλούς χορούς μεγάλη σημασία έχουν και οι χειρονομίες, ιδιαίτερα οι κινήσεις των χεριών.

Επί του παρόντος, η χορογραφική τέχνη καλύπτει τόσο την παραδοσιακή λαϊκή όσο και την επαγγελματική σκηνική τέχνη. Η τέχνη του χορού είναι παρούσα στον ένα ή τον άλλο βαθμό στην κουλτούρα κάθε εθνικής ομάδας. Και αυτό το φαινόμενο δεν μπορεί να είναι τυχαίο, έχει αντικειμενικό χαρακτήρα, γιατί η παραδοσιακή λαϊκή χορογραφία κατέχει πρωταρχική θέση στην κοινωνική ζωή της κοινωνίας τόσο στα πρώτα στάδια της ανθρώπινης ανάπτυξης όσο και τώρα, όταν εκτελεί μια από τις λειτουργίες του πολιτισμού, είναι ένας από τους μοναδικούς θεσμούς κοινωνικοποίησης των ανθρώπων και, πρώτα απ 'όλα, των παιδιών, των εφήβων και των νέων και εκτελεί επίσης μια σειρά από άλλες λειτουργίες εγγενείς στον πολιτισμό στο σύνολό του.

λαϊκό μπαλέτο ιστορίας χορού

1. Η εμφάνιση του χορού: από την αρχαιότητα μέχρι τη γέννηση του μπαλέτου

1.1 Οι λόγοι εμφάνισης του χορού και η προέλευσή του

Από πού λοιπόν προήλθε ο χορός, πώς ανέπτυξε ένα άτομο μια λαχτάρα για κίνηση σε έναν συγκεκριμένο ρυθμό; Ένα πολύ ενδιαφέρον άρθρο του Konstantin Petrovich Chernikov για την ύπαρξη του χορού και, στην πραγματικότητα, την εμφάνισή του, θα σας πει μια υπέροχη ιστορία για αυτό.

Στην πραγματικότητα, ο χορός, ως καθαρά κοινωνικό φαινόμενο, αντιπροσωπεύει ένα ολόκληρο στρώμα που με τις μεθόδους και τις τεχνικές του αντικατοπτρίζει την ιστορική, κοινωνική και πολιτιστική εξέλιξη της ανθρώπινης κοινωνίας. Αυτό το στρώμα είναι πολύ ενδιαφέρον και, κατά τη γνώμη μου, δεν έχει «οργωθεί» αρκετά βαθιά από τη σύγχρονη επιστήμη. Οι ιστορικοί έχουν επικεντρωθεί περισσότερο σε πτυχές της οικονομικής και κοινωνικοπολιτικής ανάπτυξης της κοινωνίας, οι ιστορικοί τέχνης δίνουν πολύ μεγαλύτερη προσοχή στην αρχιτεκτονική ή τη ζωγραφική, και στις σύγχρονες θεατρικές και ιδιαίτερα ποπ σκηνές, ο χορός δεν παίζει πολύ μακριά από τον πρώτο ρόλο σε σύγκριση με τα φωνητικά ή ίδιο είδος συνομιλίας. Γιατί τέτοια δυσμένεια; Άλλωστε, η χορογραφική τέχνη είναι ίσως η αρχαιότερη στον κόσμο· έχει επιβιώσει χιλιάδες χρόνια, έχοντας προέλθει από το ανθρώπινο περιβάλλον σε μια εποχή που μια πολιτισμένη κοινωνία με την οικονομία και την πολιτική της ουσιαστικά δεν υπήρχε ακόμη. Γιατί ο χορός, που στην αυγή της ανθρώπινης ιστορίας, μαζί με τη λατρεία και τη μαγεία, ήταν ο σημαντικότερος όλων των ειδών ψυχικής και κοινωνικο-πολιτιστικής δραστηριότητας των ανθρώπων, έσβησε τώρα στο παρασκήνιο; Πότε και γιατί συνέβη αυτό; Θα προσπαθήσουμε να κατανοήσουμε όλη αυτή την ποικιλία θεμάτων.

Είναι σαφές ότι ο χορός δεν είναι κάτι που δεν μπορεί να ζήσει ένα άτομο, όπως, για παράδειγμα, χωρίς νερό ή φαγητό. Ο άνθρωπος, ως είδος, έχει διανύσει έναν μακρύ και πολύ δύσκολο δρόμο εξέλιξης, στον οποίο κύριο καθήκον του ήταν η επιβίωση.

Αυτό σημαίνει ότι αν ένας αρχαίος άνθρωπος ξόδευε μέρος του πολύτιμου χρόνου του όχι για να πάρει φαγητό ή να τακτοποιήσει τη ζωή του, αλλά για να εξασκήσει αυτές τις ίδιες ρυθμικές κινήσεις του σώματος, τότε αυτό ήταν πραγματικά πολύ σημαντικό για αυτόν. Τι θα μπορούσε να ήταν τόσο σημαντικό για τους μακρινούς μας προγόνους; Πολλοί τείνουν να πιστεύουν ότι πρόκειται για τελετουργικές τελετές. Ναι, αυτό είναι λογικό. Οι θεοί και οι δαίμονες δεν πρέπει να παραμελούνται. Πρέπει να λατρεύονται διαρκώς, να κατευνάζονται και να γίνονται θυσίες, αλλά, βλέπετε, για να λατρεύουμε και να κάνουμε θυσίες δεν είναι καθόλου απαραίτητο να καλπάζουμε, να πηδάμε, να περιστρέφουμε και να στριφογυρίζουμε με συγκεκριμένο ρυθμό και ρυθμό. Μπορείτε να κάνετε τα πάντα πολύ πιο ορθολογικά και με λιγότερη προσπάθεια, κάτι που θα χρειαστεί ακόμα σε ένα κυνήγι ή σε έναν πόλεμο με γείτονες. Πιθανότατα, ο λόγος για την εμφάνιση του χορού βρίσκεται κάπως βαθύτερα από ό,τι πιστεύεται συνήθως.

Εάν πιστεύετε τα πολυάριθμα επεξηγηματικά λεξικά και εγκυκλοπαίδειες αυτές τις μέρες, τότε μπορείτε γενικά να ορίσετε τον χορό ως μια μορφή τέχνης που αντανακλά τις εξωτερικές εκδηλώσεις της ζωής σε παραστατική και καλλιτεχνική μορφή, μέσω κινήσεων του ανθρώπινου σώματος, εκφράσεων προσώπου και παντομίμα. Χορός. Δεν είναι αυτό που βλέπουμε; Ναι, αυτό είναι αλήθεια, αλλά όχι πραγματικά. Δεν μπορούν όλα να εξηγηθούν απλώς από την αντίδραση ενός ατόμου στον κόσμο γύρω του. Ποια είναι η εμφάνιση της ζωντανής φύσης, αν όχι μια διαρκώς μεταβαλλόμενη εκδήλωση του εσωτερικού; Ο χορός βασίζεται στη δράση. Αλλά δεν μπορεί να υπάρξει εξωτερική δράση χωρίς εσωτερική δράση. Όλες οι εξωτερικές ενέργειες, που εκφράζονται σε κινήσεις, χειρονομίες, πόζες, χορευτικά βήματα, πηγάζουν και διαμορφώνονται εσωτερικά - σε σκέψεις, αισθήσεις, συναισθήματα, εμπειρίες. Φτάσαμε λοιπόν, μου φαίνεται, στην πηγή. Η βασική αιτία της εμφάνισης του χορού, καθώς και μιας θρησκευτικής λατρείας, ήταν ο ψυχισμός, ο εσωτερικός, πνευματικός κόσμος του ανθρώπου.

Ο ψυχισμός έγινε ο εμπνευστής της ανάδειξης του χορού ως κοινωνικού φαινομένου. Φυσικά, στην αρχή ήταν στενά συνυφασμένο με τη λατρεία και τη μαγεία· δεν μπορούσαν να χωριστούν μεταξύ τους. Η διαίρεση και η στενότερη εξειδίκευση αυτών των φαινομένων συνέβη πολύ αργότερα. Και η λατρεία πήρε σταδιακά την κυριαρχία.

Η πρωτοκαθεδρία της λατρείας εξηγείται από το γεγονός ότι οι μάγοι και οι ιερείς ήταν έξυπνοι άνθρωποι και δημιουργικοί με τον δικό τους τρόπο, οπότε δεν χρειάστηκε μεγάλη προσπάθεια για να καταλάβουν πώς να «ξεγελούν» και να ασκούν πίεση στους συγγενείς τους, και το κύριο κίνητρο σε αυτό το θέμα ήταν ο φόβος μιας άγνωστης δύναμης.

Σε αυτές τις συνθήκες, ο χορός έσβησε στο παρασκήνιο και άρχισε να «υπηρετεί» μόνο τις τελετουργίες, να τις διακοσμεί και να ενισχύει τον παράγοντα της ψυχολογικής και ενεργειακής-συναισθηματικής επίδρασης στους συμμετέχοντες σε θρησκευτικές τελετές και τελετές. Θα μιλήσουμε για την επίδραση του χορού στο ανθρώπινο σώμα, αλλά τώρα ας επιστρέψουμε στο ερώτημα των λόγων της προέλευσής του.

Πότε ξεκίνησε ο χορός; Λογικά, ο πιο πιθανός, με χρονολογική έννοια, χρόνος για την εμφάνιση των χορευτικών παραδόσεων φαίνεται να είναι η περίοδος της Madeleine (15 - 10 χιλιάδες χρόνια πριν).

Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου που η πρωτόγονη τέχνη και, κυρίως, η ζωγραφική των σπηλαίων έφτασε στο υψηλότερο επίπεδο ανάπτυξής της. Είναι λογικό να υποθέσουμε ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, όταν η αυξανόμενη πολυπλοκότητα της ανθρώπινης ψυχής και της επικοινωνίας ξεκίνησε την εμφάνιση της ανάγκης για καλές τέχνες, θα μπορούσε να προκύψει ανάγκη για άλλες μορφές τέχνης - συμπεριλαμβανομένου του χορού, επιβεβαίωση αυτού είναι παρέχονται από σπηλαιογραφίες σε σπηλιές στη Γαλλία και την Ισπανία, όπου από τα 1794 σχέδια - 512 απεικονίζουν ανθρώπους σε διαφορετικές πόζες και στιγμές κίνησης, οι οποίες επαναλαμβάνονται περιοδικά, επιπλέον, περίπου 100 σχέδια είναι αφιερωμένα σε κάποιο είδος ανθρωποειδών πλασμάτων. Αν λάβουμε υπόψη ότι η ζωγραφική των σπηλαίων είναι πολύ ρεαλιστική, ακόμη και φωτογραφική, ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε ακόμη να σκεφτεί αφηρημένα, δεν επινόησε τίποτα και ζωγράφισε αυτό που είδε με τα μάτια του, τότε μπορεί κανείς να ρωτήσει - τι είδε; Αν απορρίψουμε την εκδοχή των εξωγήινων ή των μεταλλαγμένων, τότε πιθανότατα πρόκειται για άτομα ντυμένα ζώα ή κάποιο είδος πνευμάτων που μιμούνται.

Ο αρχαίος άνθρωπος ζωγράφισε μίμηση ζώων και πνευμάτων. Αλλά αν ο κόσμος το έκανε τότε, τι είναι αν όχι χορός; Παράλληλα, έγινε η γέννηση της μουσικής και των μουσικών οργάνων. Όλα τα είδη τέχνης ήταν πολύ στενά συνδεδεμένα, επομένως, η μουσική συνδέθηκε και με τον χορό. Η απάντηση στο πρώτο ερώτημα δόθηκε. Ο χορός δεν αφήνει ένα τόσο ακριβές «μνημείο» όπως η ζωγραφική ή η αρχιτεκτονική, αλλά η γέννηση του χορού δύσκολα θα μπορούσε να είχε συμβεί νωρίτερα. Η κοινωνία δεν ήταν έτοιμη. Το επόμενο ερώτημα είναι: πώς προέκυψε η κουλτούρα του χορού;

Είπαμε ήδη ότι η τέχνη του χορού ξεκίνησε από τα βάθη της όλο και πιο περίπλοκης ανθρώπινης ψυχής και έγινε μια εξωτερική εκδήλωση της ανάγκης ενός ατόμου για ένα συγκεκριμένο είδος κινήσεων του σώματος. Σας συναντάμε με τέτοιες ανάγκες όλη την ώρα. Εκτός από το ένστικτο και τα φυσικά αντανακλαστικά, ένα άτομο έχει και βιομηχανική μνήμη. Ένα άτομο δεν μπορεί να ζήσει χωρίς μυϊκή κίνηση! Εάν κάποιο όργανο, για τον ένα ή τον άλλο λόγο, είναι ανενεργό για ορισμένο χρονικό διάστημα, τότε αναπόφευκτα θα ατροφήσει. Χρειαζόμαστε κίνηση για να ζήσουμε! Τα πάντα σε αυτόν τον κόσμο είναι σε συνεχή κίνηση, όλα δονούνται και αλλάζουν. Ο άνθρωπος είναι παιδί αυτού του κόσμου και δεν μπορεί να υπάρχει χωριστά από τους αντικειμενικούς νόμους του. «Τίποτα δεν διαρκεί για πάντα», «Όλα ρέουν, όλα αλλάζουν», λέει η λαϊκή σοφία. Επομένως, ο άνθρωπος αναγκάστηκε, εκτός από τις απαραίτητες κινήσεις παραγωγής, ακούγοντας τη φωνή της φύσης, να κάνει επιπλέον κινήσεις για να διατηρήσει τη ζωτικότητά του. Φαίνεται, γιατί το χρειαζόταν αυτό, επειδή η πρωτόγονη ζωή ήταν σωματικά δύσκολη και γεμάτη κινδύνους, ο άνθρωπος είχε ήδη πολλή σωματική δραστηριότητα και σαφώς δεν υπέφερε από σωματική αδράνεια. Αλλά όχι!

Είμαστε όντα με πολύπλοκο και άκρως οργανωμένο ψυχισμό, τα συναισθήματα και οι σκέψεις μας επηρεάζουν τα ενεργειακά μας πεδία και επομένως η ψυχική, πνευματική φόρτιση είναι ακόμη πιο σημαντική για εμάς από τη σωματική, αφού ο ψυχισμός μας είναι που, μέσω βιοηλεκτρικών παρορμήσεων, ελέγχει όλες τις φυσικές διεργασίες στο σώμα μας. Είμαι πεπεισμένος ότι αυτή ακριβώς η ανάγκη για περιοδική ψυχική επαναφόρτιση ήταν που ξεκίνησε τις πρώτες ανθρώπινες ανάγκες για ρυθμικές κινήσεις του σώματος. Παρακαλώ σημειώστε - όχι σε απλές, αλλά σε ρυθμικές κινήσεις του σώματος. Γιατί αυτό? Ναι, γιατί όλα τα εσωτερικά μας όργανα, ολόκληρο το σώμα και το νευρικό σύστημα βρίσκονται σε συνεχείς κραδασμούς και παλμούς, που έχουν τον δικό τους ρυθμό: η καρδιά χτυπά σε συγκεκριμένο ρυθμό, ο αναπνευστικός κύκλος εκτελείται επίσης αυστηρά ρυθμικά κ.λπ. Επομένως, η ψυχοενεργειακή φόρτιση θα πρέπει να γίνεται και ρυθμικά, ώστε να μην πέσουν σε ασυμφωνία με τους φυσικούς βιολογικούς ρυθμούς του σώματος. Σε αυτήν την περίπτωση, δεν μιλάμε για τους οικείους σε εμάς χορούς, αλλά για την κουλτούρα των πρώτων μορφών ρυθμικών κινήσεων του σώματος που συνοδεύονται από πρωτόγονη, πιθανότατα συνοδεία φωνής και θορύβου, η οποία μπορεί να χαρακτηριστεί ως η αρχή του χορού. Πολιτισμός.

Μεταξύ άλλων, το άκουσμα ευχάριστης μουσικής και η κίνηση για ευχαρίστηση παράγει μια ορμόνη ευτυχίας, που είναι ένας από τους έμμεσους λόγους για την εμφάνιση του χορού.

Ο εμπνευστής της τέχνης του χορού ήταν η ίδια η ψυχή του αρχαίου ανθρώπου. Η ανάγκη για γνώση του εαυτού, του κόσμου, της αυτοέκφρασης και της ευχαρίστησης. Και οι εκπρόσωποι της λατρείας δεν έχασαν την ευκαιρία, χρησιμοποιώντας το χορό σε τελετουργίες. Πιθανότατα ήταν ογκώδεις, γεγονός που ενίσχυσε το αποτέλεσμα μέσω του «φαινόμενου αγέλης». Στην πρωτόγονη κοινωνία, ήταν σχεδόν αδύνατο να μην υπακούσουμε σε αυτό το αποτέλεσμα, έτσι οι κανόνες υπαγορεύονταν από ιερείς και ηγέτες.

Οι πρώτοι χοροί της αρχαιότητας απείχαν πολύ από αυτό που λέγεται με αυτή τη λέξη σήμερα. Είχαν τελείως διαφορετικό νόημα. Με ποικίλες κινήσεις και χειρονομίες, ένα άτομο μετέφερε τις εντυπώσεις του από τον κόσμο γύρω του, βάζοντας σε αυτές τη διάθεσή του, την ψυχική του κατάσταση. Οι κραυγές, το τραγούδι, το παιχνίδι της παντομίμας ήταν αλληλένδετα με τον χορό. Ο ίδιος ο χορός ήταν πάντα, ανά πάσα στιγμή, στενά συνδεδεμένος με τη ζωή και τον τρόπο ζωής των ανθρώπων. Επομένως, κάθε χορός αντιστοιχεί στον χαρακτήρα και το πνεύμα των ανθρώπων από τους οποίους προήλθε. Με την αλλαγή του κοινωνικού συστήματος και των συνθηκών διαβίωσης άλλαξε η φύση και το θέμα της τέχνης, άλλαξε και ο χορός. Οι ρίζες του ήταν βαθιά ριζωμένες στη λαϊκή τέχνη.

Ο χορός ήταν πολύ συνηθισμένος στους λαούς του αρχαίου κόσμου. Οι χορευτές προσπάθησαν να εξασφαλίσουν ότι κάθε κίνηση, χειρονομία και έκφραση του προσώπου εξέφραζε κάποια σκέψη, δράση ή πράξη. Οι εκφραστικοί χοροί είχαν μεγάλη σημασία τόσο στην καθημερινή ζωή όσο και στη δημόσια ζωή.

Για ένα άτομο σε μια πρωτόγονη κοινωνία, ο χορός είναι τρόπος σκέψης και ζωής. Οι τεχνικές κυνηγιού εφαρμόζονται σε χορούς που απεικονίζουν ζώα. Ο χορός εκφράζει προσευχές για γονιμότητα, βροχή και άλλες επείγουσες ανάγκες της φυλής. Η αγάπη, η δουλειά και το τελετουργικό ενσωματώνονται σε χορευτικές κινήσεις. Ο χορός σε αυτή την περίπτωση είναι τόσο συνδεδεμένος με τη ζωή που στη γλώσσα των Ινδιάνων Ταραχουμάρα του Μεξικού οι έννοιες «δουλειά» και «χορός» εκφράζονται με την ίδια λέξη. Αντιλαμβανόμενοι βαθιά τους ρυθμούς της φύσης, οι άνθρωποι της πρωτόγονης κοινωνίας δεν μπορούσαν παρά να τους μιμηθούν στους χορούς τους.

Οι πρωτόγονοι χοροί συνήθως παίζονται σε ομάδες. Οι στρογγυλοί χοροί έχουν συγκεκριμένο νόημα και συγκεκριμένους στόχους: να διώξουν τα κακά πνεύματα, να θεραπεύσουν τους άρρωστους, να διώξουν τα προβλήματα από τη φυλή. Η πιο συνηθισμένη κίνηση εδώ είναι το ποδοπάτημα, ίσως γιατί κάνει τη γη να τρέμει και να υποτάσσεται στον άνθρωπο. Οι χοροί κατάληψης είναι συνηθισμένοι στις πρωτόγονες κοινωνίες. Οι χορευτές λατρεύουν να γυρίζουν, να συσπώνται και να πηδούν. Το άλμα και το σπινάρισμα φέρνουν τους χορευτές σε εκστατική κατάσταση, που μερικές φορές καταλήγει σε απώλεια των αισθήσεων. Οι χορευτές συνήθως δεν φορούν ρούχα, αλλά φορούν μάσκες, περίτεχνα κόμμωση και συχνά βάφουν το σώμα τους. Η συνοδεία είναι πατώντας, παλαμάκια και παίζοντας όλων των ειδών τα τύμπανα και τους σωλήνες από φυσικά υλικά.

Οι πρωτόγονες φυλές δεν έχουν ρυθμισμένη τεχνική χορού, αλλά η άριστη φυσική προετοιμασία επιτρέπει στους χορευτές να αφοσιωθούν πλήρως στον χορό και να χορέψουν με απόλυτη αφοσίωση, ακόμη και σε σημείο φρενίτιδας. Χοροί αυτού του είδους μπορούν ακόμα να δουν στα νησιά του Νότιου Ειρηνικού, την Αφρική και την Κεντρική και Νότια Αμερική.

1.2 Αρχαία Αίγυπτος, Κίνα, Ινδία, Ελλάδα, Ρώμη

Έτσι, ο χορός άρχισε να αναπτύσσεται. Σε διαφορετικές χώρες, πολιτισμούς, αλλά παντού έλαβε χώρα, και του ανατέθηκε σημαντικός ρόλος.

Ο πολιτισμός της Αρχαίας Αιγύπτου, στην οποία το επίπεδο της κοινωνίας ήταν αρκετά υψηλό, ήταν πλούσιος σε μουσική και χορό. Οι Αιγύπτιοι αγαπούσαν πολύ τη διασκέδαση και ούτε μια γιορτή ή εκδήλωση δεν γινόταν χωρίς να χορέψουν με μουσική συνοδεία. Στην Αρχαία Αίγυπτο, η τέχνη του χορού εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Και, με βάση το γεγονός ότι αυτό το κράτος ήταν απομονωμένο για μεγάλο χρονικό διάστημα λόγω μιας συγκεκριμένης γεωγραφικής θέσης, η κουλτούρα του χορού τους αναπτύχθηκε ανεξάρτητα και χωρίς την παρέμβαση άλλων λαών και πολιτισμών. Επομένως, οι χοροί στην Αρχαία Αίγυπτο ήταν ιδιαίτεροι και δεν έμοιαζαν με τίποτα άλλο. Κατά τη διάρκεια των μακρών ετών πολιτιστικής ανάπτυξης κατά την εποχή των Φαραώ, προέκυψε ένας μεγάλος αριθμός τύπων χορογραφίας: χοροί για διασκέδαση, χαρέμι, τελετουργικοί, θρησκευτικοί και ακόμη και στρατιωτικοί χοροί.

Σημαντικές οπτικές πληροφορίες για την ανάπτυξη του χορού στην Αρχαία Αίγυπτο μπορούν να συλλεχθούν από ιερογλυφικά αρχεία, ξύλινα ανάγλυφα, εικόνες σκαλισμένες σε πέτρα, γλυπτά και διάφορα αντικείμενα από αρχαίους τάφους. Στην Άβυδο - το μέρος όπου, σύμφωνα με τους Αιγύπτιους, θάφτηκε ο θεός των νεκρών Όσιρις - κατά το θερινό ηλιοστάσιο γίνονταν τελετουργίες με χορό και μουσική. Στους ναούς ζούσαν ομάδες τραγουδιστών και χορευτών και συμμετείχαν στη λατρεία των θεών. Μία από τις κύριες γιορτές ήταν ένα τελετουργικό αφιερωμένο στον ταύρο Άπις, με κρυφούς χορούς που εκτελούσαν οι «υπηρέτες» του ταύρου.

Η αίσθηση της θεατρικότητας ήταν πολύ έντονη στους ανθρώπους της Αρχαίας Αιγύπτου. Ακόμη και οι χορευτές του ναού τους έκαναν ακροβατικά κατορθώματα και στα ανάγλυφα μπορείτε να δείτε μια γυναίκα να κάνει τα split, ή μια γυναίκα να πετάγεται στον αέρα και στη συνέχεια να τη σηκώνουν δύο σύντροφοι, και έναν άνδρα να στέκεται στο ένα πόδι που ετοιμάζεται να κάνει πιρουέτα.

Οι νεκρικοί και τελετουργικοί χοροί διακρίνονταν από αυστηρότητα και απλότητα, αλλά με την πάροδο του χρόνου άρχισαν να εμφανίζονται άλλα, πιο διακοσμητικά είδη χορού. Οι άντρες και οι σκλάβες διδάσκονταν να χορεύουν για οικιακή ψυχαγωγία. Χορευτές από άλλες χώρες μεταφέρθηκαν στην Αίγυπτο. Υπήρχαν περιοδεύοντες θίασοι επαγγελματιών ηθοποιών που έπαιζαν παντομίμα και ακροβατικά με τη συνοδεία ντέφι και καστανιέτα. Για κάποιο διάστημα, οι χοροί των μαύρων πυγμαίων ήταν δημοφιλείς.

Στα έργα αρχαίων ποιητών, συγγραφέων και καλλιτεχνών, εντοπίζονται ονόματα χορών και οι συμμετέχοντες σε αυτούς και περιγράφονται οι κανόνες απόδοσης.

Όταν οι άνθρωποι μιλούν για λαϊκούς χορούς στην κινεζική κουλτούρα, οι περισσότεροι φαντάζονται αμέσως πολύχρωμες παραστάσεις χορού από εκπροσώπους διαφόρων εθνοτικών ομάδων εκτός των Κινέζων Χαν. Εν τω μεταξύ, από τους αρχαιότερους χρόνους, αυτές οι φυλές, οι οποίες αργότερα άρχισαν να ενώνονται με ένα κοινό όνομα - την εθνικότητα Χαν, είχαν διάφορες μορφές τελετουργικών χορών. Οι πρώιμοι λαϊκοί χοροί στην Κίνα, όπως και άλλες μορφές πρωτόγονης τέχνης, ήταν κυρίως μια τελετουργική μορφή διαφόρων δεισιδαιμονιών και δοξασιών. Αυτοί οι χοροί γίνονταν για να ζητήσουν από τους θεούς καλή σοδειά ή καλό κυνήγι.

Πολύ αργότερα, κατά τη διάρκεια της δυναστείας των Χαν (206 π.Χ. - 220), αναπτύχθηκαν οι λαϊκοί χοροί των περισσότερων εθνοτήτων που κατοικούσαν στην Κίνα. Οι δημοτικοί χοροί που εμφανίστηκαν αυτή την εποχή αντανακλούσαν επίσης τις δεισιδαιμονίες και τις δοξασίες των ανθρώπων. Πίστευαν ότι κάνοντας τελετουργικές προσφορές στους θεούς, μπορούσαν να τους πείσουν να τους προσφέρουν ακόμη μεγαλύτερα οφέλη στο μέλλον.

Οι κύριοι κινεζικοί λαϊκοί χοροί είναι οι Εικόνες και ο Χορός των Λιονταριών. Αρχικά, ήταν μέρος της πολιτιστικής κληρονομιάς μόνο των Κινέζων Χαν, αλλά με την πάροδο του χρόνου, αυτοί οι χοροί άρχισαν να παίζονται από εκπροσώπους άλλων εθνοτήτων που ζούσαν στην Κίνα. Επιπλέον, μια από τις πιο λεπτές μορφές κινεζικού λαϊκού χορού είναι ο χορός της αυλής, ο οποίος μερικές φορές ονομάζεται και χορός του παλατιού. Αρχικά ξεκίνησε από την αυλή των αυτοκρατόρων Χαν κατά τη διάρκεια της δυναστείας Τσιν (221 π.Χ. - 206 π.Χ.). Άλλοι Κινέζοι αυτοκράτορες, συμπεριλαμβανομένων εκείνων με μογγολική και μαντσούικη καταγωγή, συνέχισαν να αναπτύσσουν αυτή τη μορφή χορευτικής τέχνης. Ο χορός του δράκου και ο χορός των λιονταριών εκτελούνται συνήθως κατά τη διάρκεια των εορτασμών της Σεληνιακής Πρωτοχρονιάς.

Με βάση τις ερμηνείες της ινδουιστικής μυθολογίας, η προέλευση του χορού έγινε στην Ινδία και δημιουργός ήταν ο θεός Σίβα, ο οποίος χορεύοντας μετέτρεψε το παγκόσμιο χάος σε Σύμπαν. Θεωρήθηκε ότι μόνο οι ουράνιοι και σε καμία περίπτωση οι απλοί θνητοί είχαν δικαίωμα να χορεύουν. Στις γιορτές στο παραδεισένιο παλάτι, όμορφες ημι-θεϊκές χορεύτριες στριφογύριζαν στο χορό, χαροποιώντας και ευχαριστώντας τους γύρω τους. Ο ίδιος ο θεός Σίβα θεωρούνταν ο πιο εξαιρετικός χορευτής· όλες οι άλλες θεότητες είχαν την τιμή να τον συνοδεύουν. Ο χορός έγινε προσβάσιμος στους απλούς ανθρώπους στη γη μόνο αφού ο μεγάλος σοφός Bharata, ο οποίος με τις καλές του πράξεις είχε κερδίσει το δικαίωμα να επισκεφτεί το θείο παλάτι και να απολαύσει το θέαμα του χορού, στράφηκε στους θεούς Brahma και Shiva με αίτημα να διδάξει τους απλούς ανθρώπους αυτή η τέχνη.

Στην αρχαία Ινδία, ο χορός θεωρούνταν έκφραση της ψυχής, της εσωτερικής κατάστασης κάποιου στην υψηλότερη μορφή. Χάρη στην ιδιαίτερη στάση του Ινδουισμού απέναντι σε όλη την τέχνη ως ενσάρκωση της θεϊκής εσωτερικής ομορφιάς στον άνθρωπο, η τέχνη ταυτίστηκε εξίσου με τη θρησκεία. Επομένως, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι οι άνθρωποι του Αρχαίου Ινδουστάν, πολύ πριν μάθουν να γράφουν, να διαβάζουν και να δημιουργούν γλυπτά από πέτρα, εξέφρασαν την πίστη τους στους θεούς και την υπακοή τους σε αυτούς μέσω των κινήσεων του σώματος. Ο χορός για τους Ινδουιστές στον αρχαίο κόσμο ήταν αναπόσπαστο μέρος των θρησκευτικών τελετουργιών και τελετουργιών. Αρχικά, αυτές οι χορογραφικές συνθέσεις ήταν αρκετά πρωτόγονες, αλλά σύντομα απέκτησαν σχεδόν τελειότητα. Γενικά, πιστεύεται ότι ο κλασικός ινδικός χορός είναι μια μοναδική μορφή γιόγκα, που συνδυάζει αρμονικά την πνευματική ενέργεια και τη σωματική αντοχή. Το γεγονός ότι ο χορός στην Αρχαία Ινδία ήταν αναπόσπαστο μέρος της ζωής των ανθρώπων επιβεβαιώνεται σε πολλές γραφές, ιστορίες σοφών και σε διάφορα ειδώλια που απεικονίζουν χορευτές παγωμένους σε περίπλοκες πόζες.

Αξίζει να σημειωθεί ότι οι ινδικοί χοροί δεν είναι απλώς ένα όμορφο σύνολο διαφορετικών κινήσεων, αλλά μια πλήρης αφήγηση μιας συγκεκριμένης ιστορίας. Αυτό το χαρακτηριστικό έχει επιβιώσει μέχρι σήμερα. Οι σύγχρονοι χορευτές χρησιμοποιούν αυστηρά καθορισμένα βήματα, εγκεφαλικά επεισόδια, κινήσεις των χεριών, πινέλα και ακόμη και βλέμματα που αντανακλούν ορισμένα συναισθήματα, ενέργειες ή ακόμα και ολόκληρα γεγονότα. Ακόμη και στην αρχαία Ινδία, νεαρά και όμορφα ειδικά επιλεγμένα κορίτσια, που δεν είχαν ακόμη φτάσει στην εφηβεία, έγιναν σύζυγοι των θεών στους οποίους ήταν αφιερωμένος ο ναός. Έκαναν χορούς γυμνοί, κάτι που ήταν μια επίδειξη των συναισθημάτων τους για τη θεότητα.

Ένα άλλο εντυπωσιακό χαρακτηριστικό της χορευτικής κουλτούρας των αρχαίων Ινδουιστών είναι η ερμηνεία κειμένων με τη συνοδεία χορογραφικών βημάτων. Κάθε χορευτής έκανε ιστορίες και χορούς λόγω της δεξιοτεχνίας και της ιδιαίτερης κοσμοθεωρίας του. Αυτή η δράση ήταν εξ ολοκλήρου εμποτισμένη με το ένα ή το άλλο σημασιολογικό φορτίο και διαφώτιση άλλων.

Μετά από κάποιο χρονικό διάστημα, οι χοροί στην Ινδία άρχισαν να χάνουν τη θρησκευτική τους ουσία και ήδη από τον Μεσαίωνα οι χοροί παίζονταν κυρίως ως αυλική ψυχαγωγία και πολύχρωμη δράση. Οι συμμετέχοντες στο χορό δεν τραγούδησαν στους θεούς, αλλά στους προστάτες τους. Ο σύγχρονος ινδουιστικός χορός έχει απίστευτη κομψότητα, χάρη και πλούτο συναισθημάτων. Η ινδική χορογραφία είναι ιδιαίτερη και δεν έχει ανάλογες σε ολόκληρο τον κόσμο.

Σύμφωνα με το μύθο, οι ιεροί χοροί μεταφέρθηκαν στην Ελλάδα από την Αίγυπτο από τον Ορφέα. Τους είδε στις γιορτές των ναών των Αιγυπτίων. Αλλά υπέταξε τις κινήσεις και τις χειρονομίες του στον δικό του ρυθμό και έγιναν πιο συνεπείς με τον χαρακτήρα και το πνεύμα των Ελλήνων. Οι χοροί αυτοί εκτελούνταν υπό τους ήχους της λύρας και διακρίνονταν για τη λιτή ομορφιά τους. Οι διακοπές, άρα και οι χοροί, αφιερώνονταν συχνά σε διαφορετικούς θεούς: τον Διόνυσο, τη θεά Αφροδίτη, την Αθηνά. Αντικατόπτριζαν ορισμένες ημέρες του εργάσιμου ημερολογιακού έτους.

Οι στρατιωτικοί χοροί στην Αρχαία Ελλάδα έπαιξαν μεγάλο ρόλο στην ενστάλαξη θάρρους, πατριωτισμού και αίσθησης καθήκοντος στους νέους. Συνήθως στρατιωτικοί, πυρρίχιοι χοροί έπαιρναν δύο άτομα. Υπήρχαν τέτοιοι μαζικοί πυρρίχιοι στους οποίους χόρευαν μόνο νεαροί άνδρες και μερικές φορές χόρευαν και κορίτσια μαζί με τους νέους. Οι στρατιωτικοί χοροί αναπαρήγαγαν μάχη, διάφορους σχηματισμούς μάχης, ήταν περίπλοκες χορογραφικές συνθέσεις. Στα χέρια των χορευτών υπήρχαν τόξα, βέλη, ασπίδες, αναμμένοι πυρσοί, σπαθιά, δόρατα και βελάκια. Οι πλοκές των ηρωικών χορών, κατά κανόνα, αντανακλούσαν μύθους και θρύλους για ήρωες.

Οι χοροί προς τιμή του Έλληνα θεού της γονιμότητας και της οινοποίησης, Διόνυσου, χαρακτηρίζονταν από ανεξέλεγκτη και άτακτη διασκέδαση. Τα Διονύσια γιορτάζονταν την άνοιξη, όταν τα αμπέλια άρχισαν να πρασινίζουν και η φύση ζωντάνεψε. Με μια πορφυρή και χρυσή ρόμπα, κουβαλούσαν μπροστά ένα άγαλμα του Διονύσου, ακολουθούμενο από μουμάδες: ημίγυμνες νύμφες και ναϊάδες με λουλούδια και αμπελόφυλλα στα λυτά μαλλιά τους και σάτυροι με κέρατα κατσίκας σε δέρματα ζώων. Μάλλον τα Διονύσια ήταν οι πρώτες μασκαράδες.

Οι σκηνικοί αρχαίοι ελληνικοί χοροί αποτελούσαν μέρος θεατρικών παραστάσεων, όπου κάθε είδος είχε τους δικούς του χορούς. Κατά τη διάρκεια των χορών, οι ερμηνευτές κρατούσαν χρόνο με τα πόδια τους, για τα οποία φορούσαν ειδικά σιδερένια ή ξύλινα σανδάλια, και χτυπούσαν τον χρόνο με τα χέρια τους χρησιμοποιώντας καστανιέτες - κοχύλια στρειδιών - τοποθετημένες στα μεσαία δάχτυλά τους.

Κατά την παρακμή της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας, ο χορός και η παντομίμα έγιναν ανήθικα θεάματα και αντιμετωπίζονταν με περιφρόνηση από τους αξιοσέβαστους πολίτες της Ρώμης. Ο Κικέρων και ο Οράτιος έγραψαν για τους χορούς των Ρωμαίων στις πραγματείες τους.

1.3 Λαϊκοί χοροί στην Ευρώπη από τον Μεσαίωνα έως την Αναγέννηση

Μεσαίωνας. Αυτή η εποχή χαρακτηριζόταν από μια οξεία αίσθηση του φόβου του θανάτου. η εικόνα του θανάτου, όπως ο διάβολος, βρίσκεται συνεχώς στον μεσαιωνικό συμβολισμό. Η εικόνα του χορευτικού θανάτου προέκυψε ήδη από την αρχαιότητα. η φιγούρα του θανάτου εμφανίζεται και στους χορούς πολλών πρωτόγονων κοινωνιών. Αλλά ήταν κατά τη διάρκεια του Μεσαίωνα που η εικόνα του θανάτου μεταμορφώθηκε σε σύμβολο τεράστιας δύναμης. Ο «Χορός του Θανάτου» (danse macabre) έγινε ιδιαίτερα διαδεδομένος στην Ευρώπη τον 14ο αιώνα, σε περιόδους επιδημίας πανώλης. Με κοινωνική έννοια, αυτός ο χορός, όπως και ο ίδιος ο θάνατος, εξισώνει εκπροσώπους διαφορετικών τάξεων. Στα χρόνια της πανούκλας, ο «χορός του θανάτου» συχνά εξελίχθηκε σε υστερική διασκέδαση. Συνήθως ξεκινούσε με έναν γρήγορο χορό. τότε ένας από τους χορευτές έπεσε ξαφνικά στο έδαφος, προσποιούμενος τον νεκρό, και οι άλλοι συνέχισαν να χορεύουν γύρω του, αναπαριστώντας σε μια παρωδία το πένθος των νεκρών. Αν ο νεκρός απεικονιζόταν από έναν άντρα, τον ξαναζωντάνεψε από τα φιλιά των κοριτσιών. αν ήταν κορίτσι, οι άντρες τη φιλούσαν. Μετά την «ανάσταση» ακολουθούσε γενικός στρογγυλός χορός.

Πολλές ιστορίες έχουν έρθει από τον Μεσαίωνα για τη μανιακή εμμονή με τον χορό. Κατά τη διάρκεια των χριστιανικών εορτών, οι άνθρωποι ξαφνικά άρχισαν να τραγουδούν και να χορεύουν κοντά σε εκκλησίες, παρεμποδίζοντας τις εκκλησιαστικές λειτουργίες που γίνονταν εκεί. Αυτοί οι τρελοί χοροί παρατηρήθηκαν σε όλες τις χώρες. Στη Γερμανία έλαβαν το όνομα «St. Vitta», και στην Ιταλία - «tarantella».

Ο χορός δεν ήταν μόνο απαραίτητο μέσο χαλάρωσης, αλλά και η κύρια ψυχαγωγία. Ο μεσαιωνικός χορός ήταν ακόμα σε μεγάλο βαθμό μια αυτοσχέδια παράσταση. Ο κόσμος αγαπούσε τους στρογγυλούς χορούς, αλλά δεν υπήρχαν σταθεροί κανόνες χορού. Ο χορός ήταν μια αποδεκτή μορφή ερωτοτροπίας. οι ερμηνευτές τους συνόδευσαν το χορό με τραγούδι. οι κινήσεις ήταν οι πιο απλές. Τον 12ο αιώνα. η λατρεία της ρομαντικής αγάπης και του ιπποτισμού μεταμόρφωσε σημαντικά τον χορό, σβήνοντας τα απροκάλυπτα ερωτικά του χαρακτηριστικά. Ο χορός ήταν μια από τις συνηθισμένες δραστηριότητες για έναν ιππότη και λειτουργούσε ως ένα είδος σπιτιού παράλληλα με τα υπαίθρια τουρνουά. Συνήθως ένα ζευγάρι οδήγησε τον χορό, και άλλοι συμμετείχαν, κινούμενοι αργά σε κύκλο. το είδος αυτού του χορού θύμιζε από πολλές απόψεις την πολωνέζα.

Στα τέλη του Μεσαίωνα, εμφανίστηκε η διαφορά μεταξύ του χορού των αυλικών ζευγαριών και του ομαδικού χορού του χωριού. Σε κοινωνικούς όρους, δεν υπήρχε ακόμη άκαμπτο χάσμα. Οι χωρικοί μπορούσαν να μιμηθούν τον χορό της αυλής και μερικές φορές άρεσε στους ιππότες να συμμετέχουν στο χορό του χωριού. Οι χωρικοί έδιναν στον χορό με ανεμπόδιστο αυθορμητισμό, οι ιππότες χόρευαν πιο αυστηρά, ακολουθώντας την αυλική εθιμοτυπία. Ο δημοτικός χορός εξακολουθούσε να είναι αυτοσχεδιαστικός, ενώ ο χορός της αυλής γινόταν όλο και πιο ήπιος. Η κύρια μορφή της τέχνης του παλατιού ήταν ο χορός με σχήματα, όπου μια ομάδα χορευτών σχημάτισε διαδοχικά χορευτικά σχήματα.

Μεγάλη σημασία στην ανάπτυξη του χορού της αυλής ήταν η εμφάνιση επαγγελματιών δασκάλων χορού, οι οποίοι όχι μόνο δίδασκαν τους ευγενείς, αλλά ενεργούσαν και ως κριτές στον τομέα της εθιμοτυπίας και των τρόπων και συνήθως είχαν μεγάλη επιρροή στην ατμόσφαιρα στο δικαστήριο.

Ο χορός ήταν τακτικό μέρος των θρησκευτικών πρακτικών στις περισσότερες μεγάλες θρησκείες και ήταν κοινός στον Χριστιανισμό μέχρι τον 13ο αιώνα. Θεωρήθηκε συμπλήρωμα της μουσικής λατρείας, φωνητικής ή ορχηστρικής. Οι κοινωνικές εκδηλώσεις και οι κοσμικοί εορτασμοί, που συχνά συνδέονταν με θρησκευτικούς εορτασμούς, περιλάμβαναν επίσης χορό, όπως και επίσημες τελετές όπως βασιλικές επισκέψεις και στέψες. Αλλά αυτή η φυσική εκδήλωση χαράς και επαίνου δεν περιοριζόταν σε ειδικές περιπτώσεις. Ο χορός ήταν επίσης μέρος της καθημερινότητας. Υπάρχουν πολλές αναφορές για τον απογευματινό χορό και τη χρήση του χορού για τη δημιουργία ενός υγιούς σώματος. Αυτό συνέδεε τον χορό με στρατιωτικές ασκήσεις, οι περισσότερες από τις οποίες γίνονταν στα πόδια και απαιτούσαν όχι μόνο σωματική αντοχή, αλλά και ευκινησία και γρήγορη κίνηση στα πόδια.

Κατά την Αναγέννηση, ο καθημερινός χορός απέκτησε μεγάλη σημασία. Όχι μόνο οι μπάλες και τα βράδια, αλλά και οι πλούσιοι εορτασμοί στους δρόμους, που μερικές φορές έφτασαν σε εξαιρετική φωτεινότητα και μεγαλοπρέπεια, δεν είναι ολοκληρωμένοι χωρίς αυτό. Στις αίθουσες του παλατιού των Ιταλών ευγενών πραγματοποιούνται θεατρικά ιντερμέδια με τραγούδια και χορούς. Ο χορός αποτελεί τη βάση αυτών των πολυτελών θεαμάτων.

Η ανάπτυξη του θεατρικού χορού κατά την Αναγέννηση συνδέεται κυρίως με τη Βόρεια Ιταλία, αν και λίγο αργότερα, όταν ο χορός εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη, οι γαλλικές αυλές έγιναν η πηγή του εξαίσιου στυλιζαρίσματος και της μπαρόκ ομορφιάς του. Οι ηγεμόνες των ιταλικών πόλεων-κρατών έδιναν όλο και μεγαλύτερη προσοχή στα υπέροχα θεάματα. Σταδιακά, προέκυψε ένα σύνολο τεχνικών χορού με μια σειρά υποχρεωτικών κανόνων. Ο ζωηρός αγροτικός χορός δεν ήταν κατάλληλος για κυρίες και κύριους της αυλής. Τα ρούχα τους, όπως οι αίθουσες ή οι κήποι στους οποίους χόρευαν, η ίδια η δομή των σκέψεών τους δεν επέτρεπε καμία ανοργάνωτη κίνηση. Για την αποκατάσταση της τάξης και την ενίσχυση της πειθαρχίας, υπήρχαν ειδικοί δάσκαλοι του χορού, για τους οποίους ο χορός ήταν η ενσάρκωση της εγκράτειας και της επιτήδευσης. Δεν είχε πια τίποτα «λαϊκό» μέσα του. ο χορός γινόταν όλο και πιο θεατρικός. Οι επαγγελματίες χορευτές έκαναν πρόβες μεμονωμένα βήματα και φιγούρες με τους ευγενείς εκ των προτέρων και κατεύθυναν τις κινήσεις ομάδων χορευτών, ενώ οι θεατές ήταν άλλοι αυλικοί.

Η ανάπτυξη της μουσικής τέχνης κατά την Αναγέννηση συνδέθηκε στενά με την ανάπτυξη του χορού, αφού σχεδόν όλοι οι μεγάλοι συνθέτες εστίασαν στο χορό στα έργα τους.

Μασκαράδες, μομέριες και αποκριάτικες πομπές, αγαπημένη διασκέδαση στο Μεσαίωνα, ιδιαίτερα διαδεδομένη κατά την Αναγέννηση. Κυρίως, κατά την Αναγέννηση, οι άνθρωποι αγαπούσαν τις μεταμφιέσεις, δηλαδή τον χορό με μάσκες, και οι μάσκες είχαν ιδιαίτερη σημασία σε αυτήν την εποχή. Οι άνθρωποι που ήθελαν να διατηρήσουν το ινκόγκνιτο τους ταξίδεψαν με μάσκες. εκπρόσωποι των αντιμαχόμενων ευγενών οικογενειών έκρυψαν τα πρόσωπά τους κάτω από μάσκες. Το πιο εντυπωσιακό παράδειγμα είναι ο Ρωμαίος, ο οποίος διείσδυσε στη μπάλα των Καπουλέτων (η τραγωδία του Σαίξπηρ Ρωμαίος και Ιουλιέτα).

Τα καρναβάλια είχαν επίσης μεγάλη συμβολή στον χορό ως δημόσια διασκέδαση. Οι πιο θαυμάσιες από αυτές ήταν οι λεγόμενοι θρίαμβοι - παραστάσεις σε μυθολογικά θέματα με επιδέξια εκτελεσμένες διακοσμήσεις. Κάπως πιο σεμνά ήταν τα κάρυ - μασκαράδες τεχνιτών και εμπόρων στις ιταλικές πόλεις: εδώ πλήθη μασκοφόρων παρέλασαν πίσω από τα διακοσμητικά σύμβολα των επαγγελμάτων τους.

Ποικιλίες μεσαιωνικών χορών.

Χορός μπάσο - από τα γαλλικά. basse danse - "χαμηλός χορός" - ένα γενικό όνομα για τους συρόμενους "jumpless χορούς" του 16ου αιώνα. πρωτοεμφανίστηκαν στη Βουργουνδική αυλή. Ο "Χαμηλός χορός" ήταν μια αντίθεση με τον "υψηλό χορό" (danse haute), για τον οποίο είναι χαρακτηριστικά τα άλματα σε ύψος και οι αναπηδήσεις. Ο χορός μπάσου ήταν τελετουργικός χορός, παρόμοιος με την πολωνέζα, δηλ. σχετίζεται περισσότερο με το περπάτημα παρά με τον χορό ως τέτοιο. Ο χορός του μπάσου θεωρείται ο προκάτοχος της χαρακτικής. Ο χορός θα μπορούσε να εκτελεστεί είτε σε διμερές (συνήθως) είτε σε τριμερές μέγεθος. Ο χορός του μπάσου αποτελούνταν από τρία μέρη: τον ίδιο τον χορό του μπάσου, την επανάληψη του και το tordion - έναν χορό με πηδήματα. Ο χορός μπάσου εξαφανίστηκε τον 16ο αιώνα και αντικαταστάθηκε από το pavane.

Το Estampie, ή estampida, είναι μια μεσαιωνική οργανική μορφή και χορός από την Προβηγκία. Οι μεσαιωνικοί συγγραφείς αναφέρουν το stantip, ίσως ένα λατινοποιημένο όνομα για το estampida. Κάθε stantip αποτελούνταν από έναν αριθμό «σημείων» (puncti): κάθε punctum (σημείο) αποτελούνταν από δύο μέρη με τις ίδιες αρχές (apertum) και διαφορετικά άκρα (clausum). Μια προσθήκη στο stantipe ήταν τα ductia, τα οποία αποτελούνταν επίσης από «κουκκίδες», στις οποίες χόρευαν. Το Estampy μπορεί να θεωρηθεί ένας από τους κύριους χορούς του Μεσαίωνα.

Το Saltarello είναι ένας δυναμικός ιταλικός χορός σε γρήγορο τέμπο, tri-beat, μερικές φορές bi-beat. Το όνομα προέρχεται από το saltare - "να πηδάω". Το Saltarello ήταν ιδιαίτερα κοινό τον 16ο-17ο αιώνα, αλλά στα αγγλικά και ιταλικά χειρόγραφα βρίσκεται ήδη τον 14ο αιώνα. Τον 16ο αιώνα Το saltarello παίχτηκε σε ζευγάρια με μπάσο και πασαμέτζο (μετά τους). Σήμερα το saltarello χορεύεται στην Ιταλία και την Ισπανία με τον ίδιο τρόπο όπως η ταραντέλα.

Το Moresca (Morisco) είναι ένας παντομιμικός χορός γνωστός από τον πρώιμο Μεσαίωνα. Οι χορευτές, σύμφωνα με τις πολύ ρομαντικές ιδέες για τους Μαυριτανούς, φορούσαν γκροτέσκες στολές με κουδούνια στους αστραγάλους. στη μουσική κυριαρχούσαν οι διάστικτοι ρυθμοί και τα εξωτικά ηχοχρώματα. Συχνά τα πρόσωπα ενός ή περισσότερων χορευτών ήταν βαμμένα μαύρα. Στην Ευρώπη, ο χορός εξαπλώθηκε σε εκείνες τις περιοχές όπου υπήρχε επαφή μεταξύ μουσουλμάνων και χριστιανών. Τα ευρωπαϊκά φύκια προέρχονται από την Ισπανία, όπου αναφέρθηκε ήδη τον 15ο αιώνα.

Το Courant είναι ένας χορός σε δύο μέρη, αρχικά παντομιμικός, γνωστός από τον 16ο αιώνα. Σταδιακά η κουδούνια απέκτησε ένα μέτρο τριών μερών τον 17ο αιώνα. άρχισε να εκτελείται σε ζευγάρια με το αλεμαντέ (μετά από αυτό). Χαρακτηριστικό γνώρισμα των κουδουνιών του 17ου αιώνα. Υπάρχουν συχνές αλλαγές στο μέτρο από 3/2 σε 6/4 και πίσω, που αντιστοιχούσαν στην εναλλαγή δύο κύριων χορευτικών μορφών - pas de courante και pas de coupe.

Το Gigue είναι ένας αγγλικός χορός δημοφιλής τον 16ο αιώνα. Το όνομα προέρχεται είτε από την παλαιά γαλλική λέξη giguer («χορεύω») είτε από την παλιά αγγλική λέξη giga (λαϊκό βιολί). Αρχικά, το jig ήταν σε χρόνο 4/4· αργότερα, τα jigs άρχισαν να συντίθενται σε χρόνο 6/8 με στίξη όγδοων νότων.

Το Pavane είναι ο χορός που άνοιξε τις μπάλες του 16ου-17ου αιώνα, σε διμερές (ενίοτε και τριμερές) μέγεθος, που αντιπροσωπεύει μια αργή, μεγαλειώδη πομπή. Η Pavana προέρχεται από την Ισπανία, το όνομά της σχετίζεται με τη λέξη pavo ("παγόνι"). ίσως το pavane να είναι μεταγενέστερη μορφή μπάσου. Τον 17ο αιώνα Το pavane ακολουθούσε συνήθως ένα γρήγορο, άλμα γαλιάρδου. Στην Ιταλία και τη Γερμανία, η παντοβάνα (από το όνομα της ιταλικής πόλης Πάντοβα) ήταν συχνά συνώνυμη με την παβάνα. Οι Γερμανοί συνθέτες την περίοδο μετά το 1600 έγραψαν επίσημες, πλούσιες συνθέσεις, που ονομάζονταν «παβάνες». Οι Pavanes συντέθηκαν επίσης από τους Άγγλους μαδριγαλιστές W. Bird, J. Bull, O. Gibbons και J. Dowland.

Το Galliard είναι ένας χαρούμενος, ζωηρός χορός του 16ου-17ου αιώνα, στην αρχή αρκετά γρήγορος, αργότερα σε πιο συγκρατημένο ρυθμό, σε χρόνο τριών χτύπων. Αρχικά διμερής, η γαλιάρδα στη συνέχεια άλλαξε τον μετρητή της και έγινε «ζεύγος» με το pavane ή το passamezzo (που εκτελείται μετά από αυτούς). Το Galliard ήταν ένας από τους αγαπημένους ευρωπαϊκούς χορούς του 17ου αιώνα.

Branle είναι μια γενική ονομασία για τους χορούς του 16ου-17ου αιώνα. Διαφορετικές επαρχίες της Γαλλίας είχαν τις δικές τους εκδοχές του branle - Βουργουνδία, Poitou, Champagne, Picardy, Lorraine, Aubrois, Brittany. Τον 15ο αιώνα Ο branle ολοκλήρωσε τον χορό του μπάσου, τον 16ο-17ο αιώνα. έγινε ένας ανεξάρτητος χορός, ποικιλίες του οποίου συνδυάστηκαν σε σουίτες. Η σειρά των εξαρτημάτων στη σουίτα branle είναι η εξής: διπλό μπράνλε, απλό μπράνλε, χαρούμενο μπράνλε, μοντιράντε και γκαβότ. Η σειρά μπορεί να διαφέρει, αλλά το gavotte έρχεται πάντα στο τέλος. Ο Μπρανλέ συμπεριλαμβανόταν συχνά σε μπαλέτα της εποχής του μπαρόκ, ακόμη και όταν ο ίδιος ο χορός είχε ήδη ξεφύγει από τη χρήση.

Bergamasca - χορός του 16ου-17ου αιώνα. σε χρόνο 2/4 ή 4/4, ήρθε από την ιταλική πόλη Μπέργκαμο. Ο Σαίξπηρ αναφέρει την Μπεργαμάσκα στην κωμωδία Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας, οπότε αυτός ο χορός ήταν γνωστός στην Αγγλία ήδη από τον 16ο αιώνα. Σε χειρόγραφα της εποχής, η περγαμάσκα έχει μια συγκεκριμένη μελωδία, η οποία είναι συχνά ένα basso ostinato (δηλαδή ένα συνεχώς επαναλαμβανόμενο μπάσο) με παραλλαγές.

Το Chaconne είναι ένας ισπανικός χορός του 16ου-18ου αιώνα, κοντά στην Passacaglia. Σύμφωνα με τις περιγραφές συγγραφέων του 16ου και 17ου αιώνα, ο χορός ήρθε στην Ισπανία από τις Δυτικές Ινδίες. Στην αρχική του μορφή, αισθησιακή και ιδιοσυγκρασιακή, το chaconne τον 17ο αιώνα. μετατράπηκε σε έναν αργό, μεγαλοπρεπή χορό, μουσικά - με διαφοροποιημένη ανάπτυξη βασισμένη στο basso ostinato.

Allemande - από τα γαλλικά. alemand - «γερμανικός» - χορός του 16ου-18ου αιώνα, όπως υποδηλώνει το όνομά του, γερμανικής καταγωγής. Όπως το pavane, το allemande είναι ένας χορός μέτριου ρυθμού και διμερούς μέτρου. Αυτόν τον ήρεμο χορό ακολουθούσε συνήθως μια ζωηρή τριπλή κουδούνισμα.

Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η κοσμική ψυχαγωγία, σταγόνα-σταγόνα, γινόταν όλο και πιο εκλεπτυσμένη και εκλεπτυσμένη. Στοιχεία θεάτρου και χορού διείσδυσαν τόσο στην παλιά όσο και στη νέα σφαίρα της ζωής των φεουδαρχών - μερικές φορές τα γλέντια στα κάστρα έμοιαζαν με θεατρική παράσταση: στα διαλείμματα μεταξύ του σερβιρίσματος μεμονωμένων πιάτων στους καλεσμένους, προσκεκλημένοι καλλιτέχνες και μουσικοί έπαιξαν μικρές σκηνές χορού και παντομίμας. τραγούδησε άριες και έπαιζε μουσικά όργανα. Μέχρι τον 15ο αιώνα, οι χοροί είχαν αλλάξει λίγο - έγιναν πιο περίπλοκοι, έγιναν πιο γρήγοροι και πιο ευκίνητοι, σήμερα πραγματοποιήθηκαν άλματα και ακόμη και ελαφριές ανυψώσεις - αργά ή γρήγορα η κυρία, με τη βοήθεια του κυρίου, σηκώθηκε στον αέρα. Εμφανίστηκαν πολλοί νέοι χοροί, ο καθένας με συγκεκριμένες κινήσεις (βήματα). Επιπλέον, ήταν πραγματικά απαραίτητο να τους γνωρίζουμε - και τους χορούς και τις κινήσεις - με τον ίδιο τρόπο όπως οι κανόνες της εθιμοτυπίας.

Έτσι ο χορός εξελίχθηκε σε αυτό που λέμε μπαλέτο ή κλασικό χορό. Ας εξετάσουμε την ιστορία του ξεχωριστά και με περισσότερες λεπτομέρειες.

2. Η εποχή του μπαλέτου στο εξωτερικό και στη Ρωσία

2.1 Μπαλέτο στη Δύση

Τον δέκατο πέμπτο αιώνα, στο τέλος του Μεσαίωνα, το ενδιαφέρον για την αρχαία Ελλάδα προέκυψε για τον πολιτισμό, το οποίο οδήγησε σε μια τέτοια έννοια όπως η Αναγέννηση. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, οι προτεραιότητες στην πολιτιστική ζωή άλλαξαν και οι χορευτές συνδέθηκαν με ιδανικούς ανθρώπους. Το μπαλέτο γεννήθηκε, όπως και η ίδια η Αναγέννηση στην Ιταλία. Το ίδιο το όνομα «μπαλέτο» είναι επίσης στενά συνδεδεμένο με την Ιταλία, επειδή ballo σημαίνει χορός. Στα ανάκτορα γίνονταν παραστάσεις για τους τοπικούς ευγενείς και οι χορευτές κοσμούσαν τη θεατρική παράσταση. Στα πρώτα στάδια του μπαλέτου, το κοινό συμμετείχε στο τέλος της παράστασης. Βέβαια, σε σύγκριση με το σύγχρονο μπαλέτο, κατά τον Μεσαίωνα η χορογραφία ήταν πολύ πιο αδύναμη. Οι βασικές κινήσεις αποτελούνταν από βήματα βασισμένα σε χορούς της αυλής. Αυτό εξηγείται και από το γεγονός ότι ήταν ελάχιστοι οι άνθρωποι που θα μπορούσαν να θεωρηθούν χορογράφοι.

Χάρη στην Catherine de' Medici, μια Ιταλίδα που παντρεύτηκε τον Γάλλο βασιλιά Ερρίκο Β', η τέχνη του μπαλέτου άρχισε να εξαπλώνεται πέρα ​​από την Ιταλία. Υποστήριξε και χρηματοδότησε πλήρως την παραγωγή χορευτικών παραστάσεων. Οι παραστάσεις ανέβηκαν κυρίως για διάσημα κρατικά γεγονότα, όπως η άφιξη Πολωνών πρεσβευτών. Αργότερα, το μπαλέτο υποστηρίχθηκε πλήρως από τους Γάλλους και Ιταλούς μονάρχες και άρχισαν να δημιουργούνται ειδικά θέατρα για να παίζουν για χρήματα μπροστά σε απλούς θεατές.

Στην αρχή ήταν σαν μια σκηνή χορού που ενωνόταν από μια ενιαία δράση ή διάθεση, ένα επεισόδιο σε μια μουσική παράσταση ή όπερα. Δανεισμένο από την Ιταλία, το δικαστικό μπαλέτο ανθίζει στη Γαλλία ως ένα υπέροχο τελετουργικό θέαμα. Η αρχή της εποχής του μπαλέτου στη Γαλλία και σε όλο τον κόσμο θα πρέπει να θεωρηθεί στις 15 Οκτωβρίου 1581, όταν στο γαλλικό δικαστήριο έλαβε χώρα μια παράσταση, η οποία θεωρείται το πρώτο μπαλέτο - "The Queen's Comedy Ballet" (ή "Cerce" ), σκηνοθετημένη από τον Ιταλό βιολονίστα, «the chief intendant music» του Baltazarini de Belgioso. Η μουσική βάση των πρώτων μπαλέτων ήταν οι αυλικοί χοροί που αποτελούσαν μέρος της αρχαίας σουίτας. Στο δεύτερο μισό του 17ου αιώνα εμφανίζονται νέα θεατρικά είδη, όπως η κωμωδία-μπαλέτο, η όπερα-μπαλέτο, στα οποία δόθηκε σημαντική θέση στη μουσική του μπαλέτου και έγιναν προσπάθειες δραματοποίησής της. Αλλά το μπαλέτο έγινε μια ανεξάρτητη μορφή σκηνικής τέχνης μόνο στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα χάρη στις μεταρρυθμίσεις που πραγματοποίησε ο Γάλλος χορογράφος Jean Georges Noverre (το έργο του «Γράμματα για τον χορό» ήταν ιδιαίτερα σημαντικό). Βασισμένος στην αισθητική του Γαλλικού Διαφωτισμού, δημιούργησε παραστάσεις στις οποίες το περιεχόμενο αποκαλύπτεται σε δραματικά εκφραστικές εικόνες και καθιέρωσε τον ενεργό ρόλο της μουσικής ως «ένα πρόγραμμα που καθορίζει τις κινήσεις και τις ενέργειες του χορευτή».

Ο ιδρυτής και ο γενάρχης του μπαλέτου ήταν επίσης ο Λουδοβίκος ΙΔ', ο Βασιλιάς Ήλιος, που αγαπούσε τον χορό. Σε ηλικία δώδεκα ετών (1651) έκανε το ντεμπούτο του στα λεγόμενα «ballets de cour» - μπαλέτα δικαστηρίου, τα οποία ανέβαιναν κάθε χρόνο κατά τη διάρκεια του καρναβαλιού.

Το μπαρόκ καρναβάλι δεν είναι απλώς διακοπές και διασκέδαση, αλλά μια ευκαιρία να παίξετε σε έναν «ανάποδο κόσμο». Για παράδειγμα, ο βασιλιάς γινόταν για αρκετές ώρες γελωτοποιός, καλλιτέχνης ή λάτρης, ενώ την ίδια στιγμή ο γελωτοποιός είχε την πολυτέλεια να εμφανιστεί με το πρόσχημα του βασιλιά. Σε μια από τις παραγωγές μπαλέτου, που ονομαζόταν «Μπαλέτο της Νύχτας», ο νεαρός Λούις είχε την ευκαιρία να εμφανιστεί ενώπιον των θεατών του για πρώτη φορά με τη μορφή του Ανατέλλοντος Ήλιου (1653), και στη συνέχεια ο Απόλλων, ο Θεός Ήλιος ( 1654).

Όταν ο Λουδοβίκος XIV άρχισε να κυβερνά ανεξάρτητα (1661), το είδος του δικαστικού μπαλέτου τέθηκε στην υπηρεσία των κρατικών συμφερόντων, βοηθώντας τον βασιλιά όχι μόνο να δημιουργήσει την αντιπροσωπευτική του εικόνα, αλλά και να διαχειριστεί την αυλική κοινωνία (καθώς και άλλες τέχνες). Τους ρόλους σε αυτές τις παραγωγές μοιράζονταν μόνο ο βασιλιάς και ο φίλος του, ο Κόμης ντε Σαιν-Αινιάν.

Το 1661, ο Λουδοβίκος ο 14ος έγινε ο ιδρυτής της πρώτης σχολής μπαλέτου στον κόσμο - της Βασιλικής Ακαδημίας Χορού. Επικεφαλής του σχολείου ήταν ο Lully, ο οποίος καθόρισε την ανάπτυξη του μπαλέτου για τον επόμενο αιώνα. Δεδομένου ότι ο Lully ήταν συνθέτης, καθόρισε την εξάρτηση των χορευτικών κινήσεων από την κατασκευή μουσικών φράσεων και τη φύση των χορευτικών κινήσεων από τη φύση της μουσικής. Σε συνεργασία με τον Moliere και τον Pierre Beauchamp, τον χοροδιδάσκαλο του Λουδοβίκου του 14ου, δημιουργήθηκαν τα θεωρητικά και πρακτικά θεμέλια της τέχνης του μπαλέτου. Ο Pierre Beauchamp άρχισε να δημιουργεί την ορολογία του κλασικού χορού. Μέχρι σήμερα, όροι για τον προσδιορισμό και την περιγραφή βασικών θέσεων και συνδυασμών μπαλέτου χρησιμοποιούνται στα γαλλικά.

Η περαιτέρω ανάπτυξη και άνθηση του μπαλέτου συνέβη στην εποχή του ρομαντισμού. Πίσω στη δεκαετία του '30 του 18ου αιώνα. Η Γαλλίδα μπαλαρίνα Camargo μίκρυνε τη φούστα της και εγκατέλειψε τα τακούνια, κάτι που της επέτρεψε να εισάγει τις ολισθήσεις στο χορό της. Μέχρι τα τέλη του 18ου αιώνα. η στολή μπαλέτου γίνεται πολύ πιο ελαφριά και ελεύθερη, γεγονός που συμβάλλει σε μεγάλο βαθμό στην ταχεία ανάπτυξη της τεχνικής του χορού. Η δραματοποίηση του μπαλέτου απαιτούσε την ανάπτυξη της μουσικής μπαλέτου. Ο Μπετόβεν, στο μπαλέτο του «Τα Έργα του Προμηθέα» (1801), έκανε την πρώτη προσπάθεια να συντονίσει ένα μπαλέτο. Η ρομαντική σκηνοθεσία καθιερώθηκε στα μπαλέτα του Adan "Giselle" (1841) και "Corsair" (1856). Τα μπαλέτα του Delibes Coppélia (1870) και Sylvia (1876) θεωρούνται τα πρώτα συμφωνημένα μπαλέτα. Ταυτόχρονα, προέκυψε μια απλοποιημένη προσέγγιση της μουσικής μπαλέτου (στα μπαλέτα των C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo κ.λπ.), ως μελωδική μουσική, καθαρή στο ρυθμό, που χρησιμεύει μόνο ως συνοδεία χορού.

Στα τέλη του 18ου αιώνα, γεννήθηκε μια νέα κατεύθυνση στην τέχνη - ο ρομαντισμός, ο οποίος είχε ισχυρή επιρροή στο μπαλέτο. Προσπαθώντας να κάνουν τον χορό τους πιο αέρινο, οι ερμηνευτές προσπάθησαν να σταθούν στα δάχτυλά τους, κάτι που οδήγησε στην εφεύρεση των παπουτσιών πουέντ. Στο μέλλον, η τεχνική των δακτύλων του γυναικείου χορού αναπτύσσεται ενεργά. Η πρώτη που χρησιμοποίησε τον χορό πουέντ ως μέσο έκφρασης ήταν η Maria Taglioni. Η χορεύτρια εγκατέλειψε τα βαριά ρούχα, τις περούκες και το μακιγιάζ που ενυπάρχουν στο μπαλέτο, χορεύοντας μόνο με ένα μέτριο ελαφρύ φόρεμα. Το μπαλέτο La Sylphide έκανε πρεμιέρα στη Μεγάλη Όπερα του Παρισιού τον Μάρτιο του 1832, σηματοδοτώντας την αρχή της εποχής του ρομαντισμού του μπαλέτου. Τότε ήταν που ο Taglioni παρουσίασε τα παπούτσια μπαλέτου tutu και pointe. Πριν από τη Μαρία, όμορφες μπαλαρίνες μαγνήτισαν το κοινό με την δεξιοτεχνική χορευτική τεχνική και τη γυναικεία γοητεία τους. Η Taglioni, σε καμία περίπτωση μια καλλονή, δημιούργησε έναν νέο τύπο μπαλαρίνας - πνευματική και μυστηριώδη. Στο La Sylphide ενσάρκωσε την εικόνα ενός απόκοσμου πλάσματος που προσωποποιεί ένα ιδανικό, ένα ανέφικτο όνειρο ομορφιάς. Με ένα ρέον λευκό φόρεμα, που πετάει στα ύψη με ελαφρά άλματα και παγώνει στα δάχτυλά της, η Taglioni έγινε η πρώτη μπαλαρίνα που χρησιμοποίησε παπούτσια πουέντ και τα έκανε αναπόσπαστο μέρος του κλασικού μπαλέτου. Εκείνη την εποχή, εμφανίστηκαν πολλά υπέροχα μπαλέτα, αλλά, δυστυχώς, το ρομαντικό μπαλέτο έγινε η τελευταία περίοδος ακμής της τέχνης του χορού στη Δύση. Από το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, το μπαλέτο, έχοντας χάσει την παλιά του σημασία, μετατράπηκε σε παράρτημα της όπερας. Μόνο στη δεκαετία του '30 του 20ου αιώνα, υπό την επίδραση του ρωσικού μπαλέτου, ξεκίνησε η αναβίωση αυτής της μορφής τέχνης στην Ευρώπη.

2.2 Ρωσικό μπαλέτο

Αναμφίβολα, το ρωσικό μπαλέτο θα μείνει στην ιστορία για αιώνες. Είναι γεμάτος ιδιοφυΐες χορού, κλασικούς μπαλέτους, χορογράφους και νεοκλασικά, μοντέρνα, αλλά δεν είναι αυτό το θέμα της δουλειάς μας, επομένως θα επισημάνουμε τα πιο σημαντικά γεγονότα που ανέπτυξαν τα ρωσικά «κλασικά» και τα προώθησαν στον κόσμο.

Η πρώτη παράσταση μπαλέτου στη Ρωσία, σύμφωνα με τον I. E. Zabelin, πραγματοποιήθηκε στη Maslenitsa στις 17 Φεβρουαρίου 1672 στην αυλή του Τσάρου Alexei Mikhailovich στο Preobrazhenskoye. Ο Ράιτενφελς χρονολογεί αυτή την παράσταση στις 8 Φεβρουαρίου 1675. Την παραγωγή του μπαλέτου για τον Ορφέα του συνθέτη G. Schutz σκηνοθέτησε ο Nikolai Lima. Πριν από την έναρξη της παράστασης, ο ηθοποιός που υποδύεται τον Ορφέα ανέβηκε στη σκηνή και τραγούδησε γερμανικά δίστιχα, μεταφρασμένα στον Τσάρο από μεταφραστή, στα οποία εξυμνήθηκαν οι υπέροχες ιδιότητες της ψυχής του Αλεξέι Μιχαήλοβιτς. Εκείνη την εποχή, στις δύο πλευρές του Ορφέα στέκονταν δύο πυραμίδες στολισμένες με πανό και φωτισμένες με πολύχρωμα φώτα, οι οποίες μετά το τραγούδι του Ορφέα άρχισαν να χορεύουν.

Αργότερα, με ειδικό διάταγμα του αυτοκράτορα Πέτρου του Μεγάλου, ο χορός έγινε αναπόσπαστο μέρος της εθιμοτυπίας της αυλής. Στη δεκαετία του 1730. Στην Αγία Πετρούπολη, στην αυλή της Άννας Ιβάνοβνα, γίνονταν τακτικές παραστάσεις παραστάσεων όπερας και μπαλέτου. Οι σκηνές χορού στις όπερες χορογραφήθηκαν από τους χορογράφους J. B. Lande και A. Rinaldi (με το παρατσούκλι Fossano). Οι ευγενείς νέοι ήταν υποχρεωμένοι να μάθουν χορό, έτσι στην Αγία Πετρούπολη ο χορός στην αίθουσα χορού έγινε υποχρεωτική πειθαρχία στο Gentry Cadet Corps. Με το άνοιγμα του θερινού θεάτρου στο Summer Garden και του χειμερινού θεάτρου στην πτέρυγα του Winter Palace, οι δόκιμοι αρχίζουν να συμμετέχουν σε χορούς μπαλέτου. Ο δάσκαλος χορού στο σώμα ήταν ο Jean-Baptiste Lande. Καταλάβαινε πολύ καλά ότι οι ευγενείς δεν θα αφοσιωνόταν στην τέχνη του μπαλέτου στο μέλλον, αν και χόρευαν στα μπαλέτα μαζί με επαγγελματίες. Ο Lande, όπως κανείς άλλος, είδε την ανάγκη για το ρωσικό θέατρο μπαλέτου. Τον Σεπτέμβριο του 1737, υπέβαλε μια αναφορά στην οποία ήταν σε θέση να δικαιολογήσει την ανάγκη δημιουργίας ενός νέου ειδικού σχολείου όπου κορίτσια και αγόρια απλής καταγωγής θα μάθαιναν χορογραφική τέχνη. Σύντομα δόθηκε μια τέτοια άδεια. Έτσι το 1738 άνοιξε η πρώτη σχολή χορού μπαλέτου στη Ρωσία (τώρα η Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου A. Ya. Vaganova). Δώδεκα κορίτσια και δώδεκα αδύνατα αγόρια επιλέχθηκαν από τους υπηρέτες του παλατιού, τους οποίους ο Λάντε άρχισε να διδάσκει. Από το 1743, οι πρώην μαθητές του Lande άρχισαν να πληρώνονται μισθοί ως χορευτές μπαλέτου. Το σχολείο κατάφερε πολύ γρήγορα να προσφέρει στη ρωσική σκηνή εξαιρετικούς χορευτές μπαλέτου και υπέροχους σολίστ. Τα ονόματα των καλύτερων μαθητών της πρώτης κοόρτης παραμένουν στην ιστορία: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov.

Στις αρχές του 19ου αιώνα, η ρωσική τέχνη του μπαλέτου έφτασε στη δημιουργική ωριμότητα. Οι Ρώσοι χορευτές έφεραν εκφραστικότητα και πνευματικότητα στο χορό.

Το μπαλέτο αυτή την εποχή κατείχε μια προνομιακή θέση μεταξύ άλλων μορφών θεατρικής τέχνης. Στην ιστορία του θεάτρου μπαλέτου μας, βρίσκονται συχνά τα ονόματα ξένων δασκάλων που έπαιξαν σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του ρωσικού μπαλέτου. Πρώτα απ 'όλα, πρόκειται για τον Charles Didelot, τον Arthur Saint-Leon και τον Marius Petipa. Βοήθησαν στη δημιουργία της ρωσικής σχολής μπαλέτου. Αλλά και οι ταλαντούχοι Ρώσοι καλλιτέχνες έδωσαν την ευκαιρία να αποκαλύψουν τα ταλέντα των δασκάλων τους. Αυτό προσέλκυε πάντα τους μεγαλύτερους χορογράφους της Ευρώπης στη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη. Πουθενά στον κόσμο δεν θα μπορούσαν να συναντήσουν έναν τόσο μεγάλο, ταλαντούχο και καλά εκπαιδευμένο θίασο όσο στη Ρωσία. Στα μέσα του 19ου αιώνα, ο ρεαλισμός ήρθε στη ρωσική λογοτεχνία και τέχνη. Οι χορογράφοι πυρετωδώς, αλλά χωρίς αποτέλεσμα, προσπάθησαν να δημιουργήσουν ρεαλιστικές παραστάσεις. Δεν έλαβαν υπόψη ότι το μπαλέτο είναι μια συμβατική τέχνη και ο ρεαλισμός στο μπαλέτο διαφέρει σημαντικά από τον ρεαλισμό στη ζωγραφική και τη λογοτεχνία. Άρχισε η κρίση της τέχνης του μπαλέτου. Το περιεχόμενο των παραστάσεων ήταν πρωτόγονο, οι απλές πλοκές χρησίμευαν μόνο ως δικαιολογία για θεαματικούς χορούς στους οποίους οι καλλιτέχνες επέδειξαν τις δεξιότητές τους. Για τους χορευτές το κυριότερο ήταν η τελειοποίηση της μορφής και της τεχνικής του κλασικού χορού και σε αυτό πέτυχαν δεξιοτεχνία. Ένα νέο στάδιο στην ιστορία του ρωσικού μπαλέτου ξεκίνησε όταν ο μεγάλος Ρώσος συνθέτης P. Tchaikovsky συνέθεσε για πρώτη φορά μουσική για μπαλέτο. Ήταν η Λίμνη των Κύκνων. Πριν από αυτό, η μουσική μπαλέτου δεν λαμβανόταν στα σοβαρά. Θεωρήθηκε κατώτερο είδος μουσικής δημιουργικότητας, απλώς συνοδευτικό του χορού. Χάρη στον Τσαϊκόφσκι, η μουσική μπαλέτου έγινε σοβαρή τέχνη μαζί με την όπερα και τη συμφωνική μουσική. Παλαιότερα, η μουσική εξαρτιόταν πλήρως από τον χορό, τώρα ο χορός έπρεπε να υποταχθεί στη μουσική. Απαιτήθηκαν νέα εκφραστικά μέσα και μια νέα προσέγγιση στη δημιουργία μιας παράστασης. Η περαιτέρω ανάπτυξη του ρωσικού μπαλέτου συνδέεται με το όνομα του χορογράφου της Μόσχας A. Gorsky, ο οποίος, έχοντας εγκαταλείψει τις απαρχαιωμένες τεχνικές της παντομίμας, χρησιμοποίησε σύγχρονες σκηνοθετικές τεχνικές στην παράσταση μπαλέτου. Δίνοντας μεγάλη σημασία στο γραφικό σχέδιο της παράστασης, προσέλκυσε τους καλύτερους καλλιτέχνες στη δουλειά. Αλλά ο αληθινός μεταρρυθμιστής της τέχνης του μπαλέτου είναι ο Mikhail Fokin, ο οποίος επαναστάτησε ενάντια στην παραδοσιακή κατασκευή μιας παράστασης μπαλέτου. Υποστήριξε ότι το θέμα του έργου, η μουσική του και η εποχή που διαδραματίζεται η δράση απαιτούν διαφορετικές χορευτικές κινήσεις και διαφορετικό μοτίβο χορού κάθε φορά. Όταν ανέβαζε το μπαλέτο «Αιγυπτιακές Νύχτες», ο Φόκιν εμπνεύστηκε από την ποίηση του Β. Μπριούσοφ και τα αρχαία αιγυπτιακά σχέδια και οι εικόνες του μπαλέτου «Πετρούσκα» εμπνεύστηκαν από την ποίηση του Α. Μπλοκ. Στο μπαλέτο Δάφνις και Χλόη, εγκατέλειψε το χορό με παπούτσια πουέντ και αναβίωσε τις αρχαίες τοιχογραφίες με ελεύθερες, ευέλικτες κινήσεις. Η Chopiniana του αναβίωσε την ατμόσφαιρα του ρομαντικού μπαλέτου.

...

Παρόμοια έγγραφα

Η ιστορία της εμφάνισης και της εξέλιξης του χορού της αίθουσας χορού: polonaise, quadrille, gallop, pas de Patiner («μοντέρνα πόλκα»), pas de Grace, chacon, cotillion. Μελετώντας την ιστορία του αθλητικού χορού στην αίθουσα χορού στον 20ο αιώνα: Ευρωπαϊκοί και λατινοαμερικανικοί χοροί αιθουσών χορού.

εργασία μαθήματος, προστέθηκε 27/10/2010


Η ιστορία της εξέλιξης του χορού ως μια εντελώς ιδιαίτερη μορφή τέχνης. Ο χορός είναι μια από τις πιο αποτελεσματικές μορφές μαγικής (ιερής) τελετουργίας. Μαγικός χορός χθες και σήμερα, πόζες και θέσεις. Συμβολισμός χορού. Βασικές διατάξεις και έννοιες. Ιστορία του χορού της κοιλιάς.

περίληψη, προστέθηκε 28/04/2011


Η ιστορία της δημιουργίας του συνόλου λαϊκών χορών της Γεωργίας. Εξέλιξη και μεταρρύθμιση του γεωργιανού χορού, ο εθνικός χαρακτήρας του μπαλέτου. Γεωργιανό σύνολο λαϊκών χορών στην παρούσα φάση. Σύνολο λαϊκού τραγουδιού και χορού «Ερισσίνη», γεωργιανές πολυφωνικές μελωδίες.

περίληψη, προστέθηκε 07/12/2010


Ορισμός του χορού, οι κατευθύνσεις και τα είδη του. Μια σύντομη περιγραφή της δημιουργικής διαδρομής του χορευτή μπαλέτου Igor Moiseev. Λαϊκοί σκηνικοί χοροί. Χαρακτηριστικά της χορογραφικής απεικόνισης της πραγματικότητας. Ο ρόλος του μαγικού χορού στην ανάπτυξη του ακαδημαϊσμού στα παιδιά.

περίληψη, προστέθηκε 04/08/2009


Η προέλευση του ανατολίτικου χορού ως συγχώνευση του ανθρώπινου σώματος με τη μουσική. Συγκριτική αξιολόγηση διαφορετικών στυλ χορού της κοιλιάς: Αιγυπτιακό, Λιβανέζικο, Τουρκικό, Περσικό, Αραβικό, Ελληνικό, Αμερικάνικο. Εκτέλεση χορού με κασκόλ, κύμβαλα και σπαθιά.

δοκιμή, προστέθηκε στις 28/04/2012


Προϋποθέσεις και λόγοι για την εμφάνιση του χορού ballroom στη Ρωσία, την ανάπτυξή του σε ρωσικό έδαφος. Ο σύγχρονος χορός στην αίθουσα χορού ως σύνθεση αθλητισμού και τέχνης. Χαρακτηριστικά της εργασίας του δασκάλου με διαφορετικές κατηγορίες μαθητών. Η επίδραση του χορού στην ανάπτυξη της προσωπικότητας.

εργασία μαθήματος, προστέθηκε στις 25/06/2011


Η τζαζ ως καλλιτεχνικό φαινόμενο. Εξέλιξη των χορών της τζαζ τη δεκαετία του 30-50. ΧΧ αιώνα. Τα κύρια είδη χορού τζαζ. Η ανάπτυξη της τζαζ τη δεκαετία του '60. Η ανάδυση του τζαζ-μοντέρνου χορού. Η έννοια του αυτοσχεδιασμού στον χορό της τζαζ. Η ουσία και τα χαρακτηριστικά της τεχνικής του χορού τζαζ.

περίληψη, προστέθηκε 16/05/2012


Χοροί κλασικοί, λαϊκοί, χαρακτηριστικοί, ιστορικοί, καθημερινοί, χοροί και ποπ. Η προέλευση του σύγχρονου ρωσικού μπαλέτου. Επαγγελματισμός του ρωσικού λαϊκού χορού. Η εμφάνιση του θεατρικού χορού στη Ρωσία. Η αρχή της χορογραφικής εκπαίδευσης στη Ρωσία.

περίληψη, προστέθηκε 20/04/2015


Μπαλέτο και ποικιλίες σκηνικού χορού. Δημιουργία χορογραφικής εικόνας στη σκηνή. Τεχνικές και στυλ χορού του 20ου και των αρχών του 21ου αιώνα, που διαμορφώθηκαν με βάση τον αμερικανικό και ευρωπαϊκό μοντέρνο και μεταμοντέρνο χορό. Δωρεάν πλαστικός χορός.

παρουσίαση, προστέθηκε 16/10/2014


Ο χορός σαμάνων ως προϋπόθεση για την εμφάνιση του χορού Αλτάι, την ιστορία της ανάπτυξής του. Ο ρόλος των λαογραφικών ομάδων στη μετάδοση των εθνικών παραδόσεων. Το Χοροθέατρο "Altam" ως η πρώτη επαγγελματική ομάδα χορογραφικής τέχνης της Δημοκρατίας των Αλτάι.