Стиль барокко в живописи, его основные отличия. Барокко. Живопись. Характерные черты живописи барокко. • Известные представители барокко в живописи

Для украшения жилых помещений истинные почитатели и ценители прекрасного во все времена использовали произведения живописи. Хорошо подобранные, они в полной мере могут продемонстрировать изысканный вкус владельца дома, его неординарное восприятие и утонченное понимание прекрасного. Мастерски написанные картины - наиболее эффектный метод украшения жилища.

Закономерно возникает вопрос о том, какой стиль в живописи в наибольшей степени подходит для украшения интерьера? Знатоки утверждают, что наиболее подходящим вариантом окажется стиль барокко. В живописи он известен как наиболее популярный из стилей, царивших в Европе на протяжении почти двух веков (с конца 16 столетия и до средины 18-го). Родина барокко - солнечная Италия.

Интересно само название стиля - барокко, которое имеет португальское происхождение. Именно так португальцы называли бесценные дары моря - жемчужины, имевшие неправильную форму, а именно - причудливую. в живописи изначально был обозначен несколько насмешливо, и его название ассоциировалось именно со словом "причудливый". Но это не стало преградой для быстрого роста его популярности во всей Европе.

Чем отличается барокко в живописи?

К главным особенностям стиля следует отнести его торжественность, величественность, способность выразить наслаждение жизнью и ее полноту. Отличается барокко в живописи и своей выразительностью, контрастностью, необычайной фантазийностью. Для барокко характерна выраженная игра света и тени, цвета и оттенка.

Чем же еще отличается эта прекрасная, яркая живопись? Художники, пишущие в стиле барокко, стремились к созданию произведений монументальных. Их творения полны динамизма, а богатство тщательно выписанных декораций поражает воображение даже посвященных ценителей живописи.

Барокко в живописи имеет чаще всего тематику мифологическую или религиозную. Но часто можно встретить портреты представителей аристократии, удивительно красивые и пышные.

Почитаемый за одного из основателей стиля барокко в живописи, знаменитый Караваджо предпочитал создавать картины, имеющие цельный характер, наполненные мрачным спокойствием и глубиной. Но его последователи отдали предпочтение созданию произведений более ярких, наполненных цветом и светом. Со временем также стало прослеживаться некоторое отдаление от религиозной тематики.

Не менее - нидерландец Рембрандт и проживающий во Фландрии Рубенс - привнесли в стиль барокко в живописи нотку национального колорита своих стран. Они смогли создать произведения, обогащенные культурой и традициями своих народов.

Изучая работы художников, пишущих в стиле барокко, можно также заметить, что на развитие стиля оказывало влияние религиозное окружение. Более помпезный характер и выраженный торжественный стиль присущи художникам из католических стран (Италии и Испании). Работы сторонников протестантской церкви отличаются большей сдержанностью чувств, скромностью и строгостью.

Искусство (Baroque art.), стиль европейского искусства и архитектуры 17-18 веков. В разное время в термин "барокко" вкладывалось разное содержание — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам». Поначалу он носил оскорбительный оттенок, подразумевая нелепицу, абсурд (возможно, он восходит к португальскому слову, означающему уродливую жемчужину). В настоящее время он употребителен в искусствоведческих трудах для определения стиля, господствовавшего в европейском искусстве между маньеризмом и рококо , то есть приблизительно с 1600 г. до начала 18 века. От маньеризма Барокко искусство унаследовало динамичность и глубокую эмоциональность, а от Ренессанса - основательность и пышность: черты обоих стилей гармонично слились в одно единое целое.

Барокко. (Библиотека Клементинума, Прага, Чехия).

Самые характерные черты - броская цветистость и динамичность - соответствовали самоуверенности и апломбу вновь обретшей силу римской католической церкви. За пределами Италии стиль Барокко пустил самые глубокие корни в католических странах, а, например, в Британии его влияние было незначительным. У истоков традиции Барокко искусства в живописи стоят два великих итальянских художника - Караваджо и Аннибале Карраччи , создавшие самые значительные работы в последнее десятилетие 16 века - первое десятилетие 17 века.

Термин происходит от итальянского слова, используемого во времена Средневековья, чтобы описать отказ от схематической логики. Впоследствии слово стало обозначать любую искаженную идею или особый процесс мышления. Другим возможным источником является португальское слово «Barroco» (испанское «Barrueco»), используемое для описания несовершенной формы жемчуга. История работ в стиле насчитывает около 200 лет – развитие эпохи длилось с 1600-х по 1700-е годы.

В искусствоведении слово барокко используется для описания всего причудливого, ассиметричного, необычного, яркого, символизирующее отказ от установленных правил и пропорций. Это представление появилось, благодаря критикам XVII века . До конца XIX века этот термин всегда носил подтекст гротеска, преувеличения, избытка декораций, пышности. Только в 1888 году термин стал использоваться в качестве обозначения стилистического направления, а не в качестве понятия, критикующего избыточность, чрезмерность в живописи.

Барочный стиль написания эмоционально насыщенной картины оказал глубокое воздействие на все формы искусства, в том числе архитектуры и скульптуры. Именно в живописи это направление искусства наиболее выражено.

История развития стиля

Часть усилий по реформированию церкви должна была воспитывать своих прихожан, помогая им понять больше о вере. Это не было легкойзадачей, поскольку большинство людей были неграмотными в это время.

Было принято решение сделать искусство понятнее простым людям – необходимо использовать творение живописи для объяснения глубоких догматов веры всем, а не только образованным. Для достижения их цели, картины на религиозную тематику должны было быть однозначными, эмоционально убедительными, мощными, чтобы вдохновлять зрителя к большей набожности.

Новые конфессии, например кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми. Однако официальная церковь и священники постановили, что искусство и его красота могут донести больше, чем их слово.

Основал стиль Караваджо – самый влиятельный художник раннего периода барокко. Ему принадлежит открытие главной особенностью – яркое освещение сцены из темноты работ в стиле барокко. В дальнейшем этот признак станет общей чертой живописи барокко.

Караваджо вызывал критику своего творчества. Его картины на религиозную тематику вызвали споры относительно его желание отображать людей без идеализации. Живописец стремился передавать их несовершенство. Благодаря Караваджо произошел отрыв от ренессансной традиции идеализма, особенно – религиозных сюжетов.

Этапы развития

Среднее

Главный представитель – Караваджо. Период развития: 1600 – 1625 годы.

Высокое

Развивалось в 1625 – 1675 годы. В рамках этого этапа выделяют несколько направлений:

Позднее

1675-1725 годы. Стиль создали приемники представителей раннего и высокого этапов.

Основные черты

Искусство барокко в живописи характеризуется динамичностью (ощущение движения), которая дополняется экстравагантными эффектами (изогнутые линии, богатая отделка, яркое освещение).

Полномасштабное барокко или полное барокко была развито в южной части Западной Европы, в то время как северная Западная Европа создала классическое или сдержанное направление.
Для барокко характерно непрерывное перекрытие, пересечение фигур и элементов.

Особенности стиля:

Главные тематики полотен: преобразования, мученичество и смерть, битвы, интенсивные психологические моменты, любые формы проявления действия, их последствий. Барочная живопись можно назвать вершиной реализма в европейском искусстве. В эпоху Возрождения, европейские художники осознали важность формы и анатомии в представлении человеческих фигур реалистично. Творцы в стиле барокко преуспели в реалистичной передаче изображений людей – их портреты стали более вычурными, яркими, эмоциональными. Барочные художники были одержимы светом, картины точно изображают пейзаж или интерьер сцены.

Живопись эпохи барокко можно разделить на динамическое и реалистическое барокко. Первое можно рассматривать как продолжение итальянского Возрождения, последнее – в качестве искусства стран с другим уровнем развития живописи, в котором основное внимание фиксируется на физической составляющей.

Пейзажные картины представлены работами Якоба Исаакса ван Рейсдал из Ниделандов, натюрморты писал Жан Батист Симеон Шарден из Франции, портретный жанр — Франс Халс. Их работы известны особой подачей и восприятием реальности.

Известные работы

«Распятие Святого Петра» Караваджо

В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, художники эпохи Возрождения, предпочитали рисовать сцены и людей с их природными недостатками.

Питер Пауль Рубенс «Четыре континента»

Художник принес энергию, чувственность и драматизм в барокко, не только в религиозные работы. В их изображении можно увидеть барочные черты яркого цвета, телесности и перекрывающихся фигур.

«Снятие с креста» Рембрандт

Живописец стремился к естественной передаче движения. В своем работе переданы черты работ в стиле барокко: эмоциональность сцены, повышенная драматичность, активное использование света и тени.

Значение

Яркий и узнаваемый стиль эпохи раннего нового времени оказал огромное влияние на искусства Европы. Принес в живопись реализм, насыщенность, эмоциональность, динамику – именно, благодаря этим качествам можно узнать полотна барочных художников без труда. Наибольшее влияние оказано на рококо.

Наиболее известным и значительным художником итальянского барокко был Джовани Лоренцо Бернини (1598-1680). Он прославлял и абсолютизм и католицизм. Это был человек огромной творческой энергии, которой поражал разнообразием дарований: архитектор, скульптор, декоратор, живописец, рисовальщик. Он из тех редких художников, кто прожил долгую и безбедную жизнь. Фактически на протяжении всей жизни Бернини был диктатором художественной римской жизни.

С одной стороны, его творчество есть отражение требований церкви (не случайно церковь всегда покровительствовала его таланту); с другой - оно расширило возможности пространственных (пластических) видов искусства. С одной стороны, он составил славу католического искусства, с другой - он же «развратил» церковную пластику, создал скандальный, вертлявый, неприлично кокетливый тип религиозных статуй, который стал каноном на целый век.

Одна из знаменитых скульптур Бернини - Давид. Он представлен совсем по - иному, чем у Микеланджело. Там - покой, здесь - экспрессия, чувство, порывистое движение. То же можно видеть и на лице. Оно искажено гримасой гнева и ярости. Поистине неисчерпаемы библейские образы и их трактовка. В отличие от монументальности возрожденцев, Бернини стремится к конкретности изображения события.

Действие, динамика - стержень решения композиций Бернини («Похищение Прозерпины», «Аполлон и Дафна»). Этот великолепный художник сумел одним из первых (после античных скульпторов) подойти к проблеме передачи движения пространственным видом искусства.

Особенно выразительно это представляло в его скульптуре «Аполлон и Дафна» (история Аполлона и Дафны рассказана Овидием. Аполлнон преследует Дафну, дочь земли Геи и бога рек Пенея (или Ладона), давшую слово сохранить целомудрие и остаться безбрачной, подобно Артемиде. Она обратилась за помощью к богам, и боги превратили ее в лавровое дерево. Тщетно Аполлон обнимал его, назад в Дафну оно не превратилось. А лавр стал с этих пор излюбленным священным растением Аполлона). Бернини удивительно точно передал момент метаморфозы тела нимфы в корни, листья, ветви дерева. Камень передает и нежность кожи Дафны, и легкость волос, и поверхность появляющегося дерева. Наверное, впервые скульптура была столь откровенна и достоверна.

Бернини сумел подойти к жанру скульптурного портрета.

Портрет кардинала Шипионе Боргезе передает и дряблость кожи, и атлас мантии, и характерное движение, чувствуется человек самоуверенный, умный, чувственный, властный.

Бернини создал ряд замечательных так называемых парадных портретов (иногда говорят парадно - романтических).

Например, портрет Франческо д,Эсте изображает истинного властелина, суверена. Одним из самых характерных произведений Бернини в этом жанре является портрет Людовика XIV. Даже не зная, чей портрет перед нами, можно догадаться, что это король. Бернини показывает наряду с величием и аристократическую спесь, пустое высокомерие, эгоизм.

Э. Фукс в «Иллюстрированной истории нравов» пишет об эпохе барокко как раз как о «художественном отражении княжеского абсолютизма, художественной формуле величия, позы, представительственности… Выше монарха ни в идее, ни на практике нет никого… В лице, абсолютного государя на земле шествует, само божество. Отсюда великолепие, отсюда золотом сверкающая пышность, в которую облекается абсолютный монарх… чопорный, до мельчайших подробностей продуманный церемониал, которым обставлена каждая услуга, оказываемая ему с момента пробуждения и до минуты его погружения в сон»

Людовик XIV не умел ни читать, ни писать. Но тем не менее, отмечает э. Фукс, когда знаменитый Ж. Б. Кольбер (министр финансов с 1665 г.) узнал, что его сын причислен к придворным Людовика XIV, то усмотрел в этом высшее счастье. Он обращался к Людовику так: «Сир, наша обязанность благоговейно молчать и ежедневно благодарить Бога за то, что Он позволил нам родиться под скипетром государя, не признающего иных границ, кроме собственной воли». Искусство Бернини, явленное в портрете Людовика XIV, замечательно отражает психологию и язык эпохи абсолютизма.

В скульптурных работах Бернини захватывают патетика чувств, зрелищное великолепие, живописные эффекты, сочетание разных по фактуре и цвету материалов, использование света. Папские надгробия - фактически театральные мизансцены, все в них создано так, чтобы вызвать шквал эмоций (в частности, этим отличаются надгробия папы Александра VII папы Урбана VIII).

Не оставил Бернини без внимания и излюбленные культовые сюжеты XVII в. - мученичества, экстазы, видения и апофеозы. Так, сюжетом его знаменитой скульптурной композиции «Экстаз святой Терезы» послужило одно из писем испанской монахини XVI в., в котором она рассказала, как увидела ангела, посланного ей Богом. Бернини удалось передать внутреннее состояние этой монахини, что не приходилось еще делать никому из художников.

Персонажи композиции появляются перед зрителем неожиданно. Алтарная стена как бы раскрывается, колонны расступаются. Выполненные в белом мраморе фигуры Терезы и ангела напоминают видение. Но для Терезы ангел - реальность. Прекрасно запечатлен момент высшего душевного волнения. Голова запрокинута, рука бессильно повисла. Изломанные складки одежды только усиливают страстность переживания. Перед нами действительно мучительный и сладостный экстаз. (Налицо совершенно определенная ориентация западного католического искусства на переживание, а не на мистическое чувство. В скульптуре, воссоздающей совершенно точное религиозное чувство, безусловно, присутствует сильный налет эротизма, чего никогда не было, например, в русской иконе.) в композиции особую роль играет свет, отражающийся от латунных лучей, что также усиливает переживание. Скульптурная композиция находится в капелле Корнаро.

Творчество Бернини отличается еще и тем, что он ищет для усиления выразительности новые приемы, обращается к синтезу искусств (скульптура и архитектура). Например, балдахин и кафедра в соборе св. Петра. Бернини извлекает из традиционных материалов невиданные пластические эффекты.

К прекраснейшим созданиям Бернини принадлежат фонтаны, исполненные огромной динамической силы. Здесь интересен союз скульптуры и воды. Например, знаменитый фонтан Тритон, фонтан «Четырех рек». Фонтаны Бернини стали неотъемлемой частью архитектуры Рима.

Бернини остался в истории и как знаменитый архитектор. В зодчестве барокко исчезает гармония форм, присущих архитектуре Возрождения. Вместо равновесия частей - их борьба, контрасты, динамическое взаимодействие.

Усложняется рельеф стены, формы повышено пластичны, как бы подвижны, они «порождают» и продолжают друг друга. Архитектура барокко как бы втягивает человека в свое пространство.

К творениям Бернини относится церковь Сант Андреа аль Квиринале (фасад словно изгибается, ограда вогнутой формы, полукруглые ступени, в основе плана церкви очертания эллипса, интерьер обходят капеллы - ниши; ниши, колонны, пилястры, скульптура видны в сложных ракурсах, что создает впечатление их бесконечного разнообразия; интересно и решение купола: кессоны расположены уменьшающимися в размерах к центру, что создает иллюзию особенной легкости купола и особой устремленности его ввысь.

Очень интересно и решение «Королевской лестницы» в Ватикане. Различными перспективными приемами Бернини создает иллюзию ее огромного масштаба и протяженности.

Во дворце Барберини помещения расположены анфиладой, по одной оси, и это постепенное раскрытие, своеобразное «движение» пространства задавало приподнято - величавый ритм праздничным церемониям.

Площадь перед собором святого Петра - одно из великих творений Бернини.

Две галереи, переходящие в колоннаду, охватывают пространство площади, «подобно распростертым объятиям», по выражению Бернини. Центр площади (ее общая глубина 280 м) отмечен обелиском, фонтаны по сторонам от него определяют ее поперечную ось. Площадь перед собором особенно отчетливо выявляет архитектурный гений Бернини, его способность моделировать пространство. Направляясь к собору, человек должен идти под колоннадой или вдоль нее, поэтому он воспринимает здание с различных точек зрения и в единстве с колоннадой и фонтанами.

Бернини добился впечатления композиционного единства собора - здания, строившегося различными мастерами на протяжении двух столетий. Фасад собора вырастает перед идущим в момент непосредственного приближения к нему, но грандиозная площадь уже психологически настраивает человека на это восприятие (один из принципов барокко - неожиданность, стремление поразить воображение, все это присутствует у Бернини). Площадь перед собором считается лучшим архитектурным ансамблем Италии XVII в. (И. Прусс).

Все это, вместе взятое, усиливало настроение религиозной патетики.

Архитектурное творчество Бернини подтверждает эмоциональное начало.

Церковь Сант - Карла знаменитого Франческо Борромини представляет собой со стороны фасада поистине живой организм, в ней присутствует беспокойный ритм архитектурных форм. Она предстает как эффективное декоративное зрелище.

Живописец Караваджо (1573-1610) - олицетворение безудержного темперамента в живописи. Характерной чертой его творчества является типаж. В его творчестве представлены народные образы («Мученичество апостола Петра»).

Особое место в направлении барокко занимает Питер Пауль Рубенс. Этот фламандский художник многими искусствоведами относим к барочному направлению в искусстве.

Рубенс - ярчайший представитель эпохи барокко. Стремление к торжественному «большому стилю» (следствие утверждения европейских монархий) сочеталось в барокко с отношением к миру как сложному и изменчивому целому. Отсюда - все то, что считается «фирменным» знаком барокко: контрастность, напряженность, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии.

Питер Пауль Рубенс родился 28 июня 1577 года в Зигене, в Вестфалии (ныне это часть Германии). Он был седьмым ребенком в семье юриста Яна Рубенса. Долгое время семья Рубенсов жила в Антверпене, но в 1568 году переехала в Кельн. Дело в том, что около этого времени Ян стал склоняться к протестантизму, что вызвало сильное недовольство со стороны местной католической общины. В Кельне он получил должность секретаря при Анне Саксонской, жене Вильгельма I Оранского.В 1591 году Рубенс начал учиться живописи. Некоторое время он работал подмастерьем у Тобиаса Верхахта; около четырех лет -- у Адама ван Норта; еще два года -- у Отто ван Вена. В 1598 году его, наконец, приняли в Гильдию художников св. Луки. Первые учителя Рубенса были весьма посредственными живописцами, однако учеба у ван Вена пошла Рубенсу на пользу. В мае 1600 года Питер Пауль отправился в обетованную страну художников. Он прожил в Италии восемь лет, которые и определили его будущее. Вряд ли кто-нибудь из североевропейских живописцев, приезжавших в те годы в Италию, погрузился в итальянскую культуру так же глубоко, как Рубенс. В октябре 1608 года Рубенс получил извещение о том, что его мать тяжело больна. Он поспешил в Антверпен, но увидеть свою мать живой ему уже не довелось. 23 сентября 1609 года Рубенс получил место придворного художника при дворе эрцгерцога Альберта и его жены Изабеллы, правивших тогда Фландрией от имени испанской короны, а спустя десять дней женился на 17-летней Изабелле Брант. В следующем году Рубенс окончательно обосновался во Фландрии, купив большой дом в Антверпене.На протяжении следующего десятилетия Рубенс активно участвовал в этой работе, создавая один за другим удивительные алтарные образы. Среди них выделяются триптихи «Водружение креста» и «Снятие с креста», написанные для Кафедрального собора Антверпена. Первый жестокий удар судьба нанесла ему в 1623 году, когда умерла дочь Рубенса (у него было еще два сына), а второй -- в 1626 году, когда скончалась его жена («друг и незаменимый помощник», как писал сам Рубенс в одном из своих писем).Счастье сопутствовало художнику и в личной жизни. В 1630 году Рубенс женился на 16-летней Елене Фоурмен, племяннице своей первой жены. Этот брак, как и первый, оказался очень удачным. У Рубенса и Елены родилось пятеро детей (последняя их дочь появилась на свет через восемь месяцев после смерти художника). В 1635 году Рубенс приобрел замок Стен, расположенный приблизительно в 20 милях к югу от Антверпена. Живя в замке, он очень полюбил писать местные пейзажи.30 мая 1640 года, находясь в Антверпене, Рубенс неожиданно скончался от сердечного приступа. Художника, которому исполнилось 62 года, оплакивал весь город.