Ipb творчество и развитие культуры. Взаимосвязь культуры и творчества. Виды творческой деятельности. Культура гуманитарная и культура техническая. Социокультурная организация творческой деятельности

Александр Шилов - российский художник-живописец, портретист. Ему присуща невероятно высокая работоспособность. Созданные его кистью сотни картин без сомнения останутся в категории «высокое искусство». Художник Шилов относится к старшему поколению, к мастерам советского времени. Пропагандистский период вынуждал многих художников писать полотна, восхваляющие коммунистические идеи, ценности, лидеров партии. Однако картины Шилова всегда имели в себе некий смысл, несли художественную ценность. На выставках картин того периода именно у его работ люди задерживались дольше всего.

Биография художника. Студенчество

Художник Шилов Александр родился в семье интеллигентов 6 октября 1943 года. Когда Саше было 14 лет, он поступил на обучение в изобразительную студию Дома пионеров, находилась которая в Тимирязевском округе столицы. Послевоенные годы были тяжелыми, и юноше приходилось помогать семье, он подрабатывал грузчиком. Учился в вечерней школе. Жизнь его прочно связалась с изобразительным искусством. Способности мальчика сразу же заметил художник Лактионов, он помог развить молодой талант. Позже Лактионов оказал значимую роль в творчестве Шилова.

С 1968 года Александр Шилов проходил обучение в государственном художественном институте Сурикова. Учился там пять лет по классу живописи. В студенческие годы им было написано много картин. Работы его были популярны на многих художественных выставках молодых дарований. Уже тогда работы Шилова выделялись среди остальных своей экспрессивностью.

Зрелые годы

В 1976 году Александра Шилова принимают в Союз Художников СССР. После этого ему выделяют персональную мастерскую, он получает серию заказов от партии страны. К работе художник Шилов приступает уже как признанный мэтр. По распоряжению Правительства в 1997 году в самом центре Москвы, недалеко от Кремля открывают персональную галерею Александра Шилова. В тот же год народный художник СССР Шилов становится членом-корреспондентом Академии Художеств России.

В 1999 году Александр Максович занимает пост в Совете РФ по искусству и культуре. Все больше времени стала занимать политическая деятельность, и все реже мастер стал бывать в художественной студии. 2012 год окончательно затянул художника в политику. Шилов становится доверенным лицом президента Путина, входит в Общественный Совет при Федеральной службе безопасности. В марте 2014 года Александр Шилов ставит подпись под обращением президента, оно касалось политической позиции относительно событий в Украине.

Личная жизнь

Художник Шилов женат был несколько раз. Первый брак зарегистрирован с художницей Светланой Фоломеевой. В 1974 году у супругов родился сын Александр. Он продолжает семейные традиции, и в настоящее время числится членкором РАИ. Александр Александрович Шилов, безусловно, потомственный художник, но техника его письма весьма индивидуальная, ярко выраженная.

После того, как с первой женой произошел разрыв в отношениях, Александр Шилов какое-то время проживал холостяком. Вторая жена Анна Шилова была музой художника, от нее он получал в своем творчестве большое вдохновение. В браке пара прожила двадцать лет (1977-1997 годы). За это время у художника родилось две дочери: Мария в 1979 году и Анастасия в 1996 году. Но спустя эти годы, последовал очередной развод в жизни мастера.

Союз с музыкой

Александр Шилов, художник с мировым именем, не мог обходиться без вдохновения со стороны слабого пола. В третий раз он выбрал себе в спутницы скрипачку. Творческий союз живописи и музыки породил множество новых работ мастера. Юлия Волченкова изображена на многих работах Шилова. В 1997 году на свет появилась дочь Екатерина. Брак с Волченковой не был заявлен официально, однако Катя была оформлена как законная дочь Шилова.

Уже через три года скрипачка и художник охладели друг к другу, взаимные чувства были утрачены. Юлию Волченкову признавали законной официальной женой, поэтому при разделе имущества пару ждали судебные тяжбы. Рассматривалось дело в двух судах: по квартирному вопросу и общим положением дел. На протяжении всей своей жизни дочь художника Шилова Катя не испытывала ни в чем нужды. У нее нормальные, цивилизованные отношения с отцом.

Галерея художника Шилова

В 1996 году Александр Максович Шилов обратился в Государственную Думу с просьбой о том, чтобы все его работы были переданы в дар государству. Такая идея не раз приходила к художнику после его выставок, когда посетители просили создать постоянно действующую галерею работ Шилова.

13 марта этого же года при единогласном решении всех фракций было вынесено постановление Госдумы РФ о принятии коллекции Шилова государством. В Правительство России была направлена просьба о выделении помещения для выставки художника. Сначала планировали выделить три зала непосредственно на территории Кремля, но из-за режимности объекта решение изменили. Галерея художника Шилова была размещена по адресу Знаменка, 5. Учредителем галереи выступало Правительство Москвы, было принято и размещено 355 работ художника Шилова.

Открытие галереи

Торжественное открытие галереи состоялось 31 мая в 1997 году. На нем присутствовали первые лица города, знаменитые, уважаемые люди: мэр Лужков, певцы Кобзон, Эсамбаев, артисты Шакуров, Никулин и многие другие. Шилов - художник, галерея которого могла теперь ежедневно принимать сотни посетителей, пообещал, что ежегодно будет пополнять коллекцию новыми работами. 2003 году архитектор Посохин представил проект нового здания галереи, которое по замыслу представляло единый архитектурный комплекс со старинным особняком (общая площадь старого здания занимала 600 квадратных метров). В том же году 30 июня состоялось открытие нового корпуса для галереи.

Площадь выставочных помещений галереи составляет 1555 квадратных метров, фондовые хранилища - 23 квадратных метра. Храниться в галерее 19420 единиц, основной фонд занимает 991 предмет. В год галерею в среднем посещает 110 тысяч человек. В рейтинге государственных музеев галерея Шилова занимает 11 место. Александр Максович лично руководит творческой деятельностью выставки, административно-финансовые вопросы решает директор галереи.

Современное состояние галереи

Основой экспозиции галереи являются картины художника Шилова, представляющие живописные портреты людей разных категорий. Здесь можно увидеть лица участников войны, врачей, ученых, музыкантов, священнослужителей, остросоциальные образы.

Женские образы имеют особое место в творчестве художника, он умел увидеть красоту в каждом лице представительницы слабого пола, подчеркнуть особенности взгляда, мимики, жеста. Также в галерее представлены работы пейзажных жанров, натюрморты, стиля ню. Два зала отведены под графику. Негромкая музыка постоянно звучит в стенах галереи. Постоянно здесь проходят экскурсии, читаются лекции, проводятся конкурсные программы для детей-сирот и инвалидов на благотворительной основе. В залах галереи проводятся «Звездные вечера», выступали здесь Кобзон, Гафт, Башмет, Зельдин, Соткилава, Пахмутова, Казаков, Добронравов, Образцова. Мероприятия «Встречи у портрета» дают возможность встретиться с тем, кто изображен на холсте. Часть картин галереи время от времени экспонируется в городах России. Выставка «Они сражались за Родину» объехала десятки городов и имела огромный успех.

Шилов - художник. Картины. Творчество

Творчество Шилова - это целый мир. Натюрморты, пейзажи, графика, жанровые картины - все это можно увидеть на выставке, но, безусловно, главными его шедеврами являются портреты. Целый раздел отводит людям старшего поколения Шилов-художник. Картины стариков очень трогательны, возле них многие задерживаются на долгое время. К ним относятся следующие полотна:

• 1971 г. - «Старый портной».
• 1977 г. - «Моя бабушка».
• 1980 г. - «Зацвел багульник».
• 1985 г. - «Солдатские матери».
• 1985 г. - Забытый».

В творчестве мастера большую часть занимают портреты видных деятелей, дипломатов, знаменитых артистов, писателей.

• Балет «Спартак» 1976 г. - «Народный артист СССР Морис Лиепа».
• Балет «Жизель» 1980 г. - «Балерина Людмила Семеняка».
• 1984 г. - «Портрет писателя Сергея Михалкова».
• 1996 г. - «Мэр Москвы Лужков».
• 2005 г. - «Народный артист СССР Этуш».

Создано художником множество портретов священнослужителей.

• 1988 г. - «В келье» Пюхтицкий монастырь.
• 1989 г. - «Архимандрит Тихон».
• 1997 г. - «Монах Иоаким».

Натюрморты Шилова изображают многие предметы нашего обихода. Удивительно, как из изображения простых вещей (книги, посуда, полевые цветы) мастер создал шедевры.

• 1980 г. - «дары Востока».
• 1974 г. - «Фиалки».
• 1982 г. - «Анютины глазки».

• 1983 г. - «Тишина».
• 1986 г. - «Оттепель».
• 1987 г. - «Последний снег в Переделкино».
• 1987 г. - «Николина гора».
• 1999 г. - «Золотая осень.
• 2000 г. - Осень в Уборах».

Другие работы Александра Шилова, которые необходимо отметить, это:

• 1981 г. - «В день рождения Ариши».
• 1981 г. - «Портрет Оленьки».
• 1988 г. - «Портрет матери».
• 1993 г. - «Бомж».
• 1995 г. - «Юная москвичка».
• 1996 г. - «Автопортрет».
• 1998 г. - «Судьба скрипача».

Александр Шилов - художник, которого некоторые называют выразитель «лужского стиля». Острые критики ассоциируют его с безвкусицей в изобразительном искусстве, пошлостью. Приверженцы-хранители исторической архитектуры критикуют Шилова за тот факт, что в 2002 году на Волхонке было снесено два памятника, относящихся к XIX веку. На месте этом возводилась прижизненная галерея художника. Строительство нового корпуса вызывало неоднозначную реакцию и у официальных лиц. Связана она была не со зданием галереи, а со строительством бизнес-центра на территории, прилегающей к галереи. Против такой застройки лично выступал Швыдкой - Министр культуры РФ.

Алесандр Марсович Ш И Л О В

Родился 6 октября 1943 года в Москве.
Великая Россия испокон веков рождала таланты, которыми по праву гордится все человечество. Они вошли в историю мировой культуры. Их имена - бессмертны. Среди наших современников, творящих сегодня русскую культуру, безусловно выделяется Александр Шилов. Он - один из выдающихся художников ушедшего ХХ столетия и начала нового, живая легенда, гордость и слава России.
В 1957-1962 годах А.М. Шилов учился в изостудии Дома пионеров Тимирязевского района Москвы, затем в Московском художественном институте имени В.И. Сурикова (1968-1973). Принимал участие в выставках молодых художников. В 1976 году стал членом Союза художников СССР. Он провел многочисленные персональные выставки в лучших залах не только России, но и за ее пределами. Его картины с большим успехом экспонировались во Франции (Галерея на бульваре Распай, Париж, 1981), Западной Германии (Виллибодсен, Висбаден, 1983), Португалии (Лиссабон, Порту, 1984), Канаде (Ванкувер, Торонто, 1987), Японии (Токио, Киото, 1988), Кувейте (1990), Объединенных Арабских Эмиратах (1990), других странах.
Александр Шилов выбрал самое сложное в искусстве направление - реализм и на всю жизнь остался верен избранному пути. Впитывая все высочайшие достижения мирового художественного искусства, продолжая традиции русской реалистической живописи XVIII-XIX веков, он целеустремленно, вдохновенно шел своей дорогой, обогащая, совершенствуя собственный художественный язык. Он избежал влияния разрушительных тенденций в художественной культуре ХХ столетия, не утратил чудесных свойств своего таланта и самого дорогого инструмента художника - сердца.

Среди большого количества его работ - пейзажи, натюрморты, жанровые картины, графика. Но основной жанр творчества А.М. Шилова - портрет. Именно человек, его индивидуальность, уникальность являются средоточением творчества живописца. Герои его произведений - люди самого разного социального положения, возраста, внешности, интеллекта, характера. Это политики и служители церкви, выдающиеся деятели науки и культуры, врачи и герои войны, рабочие и сельские труженики, старики и молодые, бизнесмены и бомжи. Среди них - портреты летчиков-космонавтов П.И. Климука (1976), В.И. Севастьянова (1976), В.А. Шаталова (1978), "Сын Родины" (Ю.А. Гагарин, 1980), "Академик Н.Н. Семенов" (1982), "В день Победы. Пулеметчик П.П. Шорин" (1987), "Митрополит Филарет" (1987), "Митрополит Мефодий" (1990), "Архиепископ Пимен" (1990), "Игумен Зиновий" (1991), "Кинорежиссер С. Бондарчук" (1994), "Драматург В. Розов" (1997), "Народный артист СССР Евгений Матвеев" (1997), "Портрет А. Якулова" (1997), "Портрет Тамары Козыревой" (1997), "Портрет епископа Василия (Родзянко)" (1998), "Писатель Аркадий Вайнер" (1999), "Портрет матери", "Г.Х. Попов" (1999), "После бала" (Наталья Богданова)" (2000).
Как художник-портретист Александр Шилов - своеобразный посредник между человеком и временем. Он чутко улавливает психологическую жизнь образа и создает не просто живописное полотно, а, проникая в тайники души, раскрывает судьбу человека, запечатлевает мгновение, в котором живет наш реальный современник. Человек интересует А. Шилова во всех проявлениях индивидуального бытия: его герои пребывают в радости и грусти, в спокойном раздумье и в тревоге ожидания. На его полотнах много детских и женских образов: чистых, обаятельных, проникновенных, прекрасных. Уважением и симпатией проникнуты портреты пожилых людей, проживших долгую трудную жизнь, но сохранивших доброту и любовь к окружающим: "Моя бабушка" (1977), "Хозяин земли" (1979), "Зацвел багульник" (1980), "В день рождения Ариши" (1981), "Вдвоем" (1981), "Холодает" (1983), "Дед Гаврила" (1984), "Солдатские матери" (1985), "Портрет матери" (1988), "Матушка Макария" (1989), "Бомж" (1993), "Брошенный" (1998). Особая мягкость, задушевность образов делает работы А. Шилова глубоко национальными.
Все в картинах А. Шилова несет в себе глубокий смысл. В них нет ничего случайного, ради внешнего эффекта. Выражение лица человека, его поза, жест, одежда, предметы интерьера в картине, ее колорит служат созданию образа, характеристике героя, передаче его внутреннего состояния.
Никакие высокие слова не способны передать того великого мастерства, которого достиг Александр Шилов. Художник просто творит чудеса. Своей волшебной кистью он заставляет глаза говорить, превращает краски в шелк, бархат, мех, дерево, золото, жемчуг... Его портреты живут.
Помимо работ маслом в коллекции художника представлена живопись, выполненная им в технике пастели. Это старинная техника, в которой художник пишет специальными цветными мелками, растирая их пальцами. В совершенстве овладев этой сложнейшей техникой, Александр Шилов стал непревзойденным мастером пастели. Никто со времен Ж.Э. Лиотара не достигал такого виртуозного мастерства.
Покоряет, чарует, никого не может оставить равнодушным портрет Машеньки Шиловой (1983), выполненный в этой технике. Какая же Машенька красивая! Какие у Машеньки длинные волосы! Какое у Машеньки нарядное, роскошное платье! Малышка уже сознает свою привлекательность. Гордость, радость и счастье озаряют ее умное, милое, нежное личико. Осанка Машеньки, положение головки, рук - все полно естественной грации и благородства. По-детски пухленькие ручки ласково, заботливо обнимают любимого мишку. Девочка одушевляет его, не расстается с ним ни на секунду - жалостливая, добрая, чистая душа у этого ребенка.


Детское счастье Машеньки совпало со счастьем самого художника. Нельзя не почувствовать, что картина создавалась в едином порыве любви и счастливого вдохновения. Все в ней изображено так любовно, выписано с таким великим и поразительным искусством: милое личико (блеск глаз, нежная бархатная кожа, шелковистость волос), шикарное платье (переливы атласа, роскошь кружев и лент), мохнатый мишка. По тщательности и правдоподобию только талант и любовь А. Шилова могли это сделать.
Изображение на полотнах А. Шилова "дышит" такой подлинностью, что зрители перед картинами плачут и смеются, грустят и радуются, восхищаются и ужасаются. Такие портреты - плод не одного мастерства, но сердца, ума, души художника. Так может писать лишь человек с ранимой, впечатлительной, нервной душой, собственным сердцем чувствующий боль, страдание, радость каждого героя; человек мудрый, глубоко познавший жизнь, знающий цену всему: и любви, и счастью, и горю. Так может писать лишь патриот, всей душой любящий свой народ, свой город, свою страну.
Россия для Александра Шилова прекрасна и любима. Пейзажная живопись мастера - трепетное признание Родине в любви. Его вдохновляет образ скромной, печальной, задушевной среднерусской природы: "Оттепель" (1986), "Февраль. Переделкино" (1987), "Октябрь. Николина гора" (1996). В самом обыденном он умеет увидеть красоту. Художнику интересны различные состояния природы, рождающие в душе разнообразные эмоции. Средствами пейзажа он выражает тончайшую гамму чувств: радость, тревогу, грусть, одиночество, безысходность, смятение, просветленность, надежду.
В натюрмортах художник изображает предметы, неотделимые от нашей жизни, украшающие ее: книги, комнатные и полевые цветы, изящную посуду. Среди наиболее известных такие работы, как "Дары Востока" (1980), "Фиалки" (1974), "Анютины глазки" (1982) и другие. И все же именно портрет занимает центральное место в творчестве художника.
В 1996 году Александр Максович Шилов передал в дар Отечеству коллекцию из 355 живописных и графических произведений. Этот благородный поступок был по достоинству оценен общественностью, руководством страны и ее столицы. Постановлениями Государственной думы РФ от 13 марта 1996 года и Правительства Москвы от 14 января 1997 года была учреждена Московская государственная картинная галерея Народного художника СССР А. Шилова.
Для размещения коллекции был выделен особняк в историческом центре Москвы рядом с Кремлем, построенный в начале XIX века по проекту известного русского архитектора Е.Д. Тюрина. Торжественное открытие галереи состоялось 31 мая 1997 года. Созданная в соответствии с высочайшими духовными потребностями зрителя, с уважением и любовью к нему, она с первых дней жизни стала необыкновенно популярной и чрезвычайно посещаемой. За 4 года существования ее посетило свыше полумиллиона человек.
Музейная коллекция А. Шилова постоянно пополняется новыми работами художника, что подтверждает данное им обещание: каждую новую написанную работу приносить в дар родному городу. 31 мая 2001 года Московская государственная картинная галерея Народного художника СССР А. Шилова отметила четвертую годовщину со дня открытия. К этому дню была приурочена презентация дара новых произведений А. Шилова Москве. Три новых портрета - "Профессор Е.Б. Мазо", "Милочка", "Оля", созданные в 2001 году, пополнили постоянную экспозицию Галереи, собрание которой насчитывает сегодня 695 картин.
Передавая в дар свои лучшие новые работы, А. Шилов тем самым продолжает лучшие духовные традиции русской интеллигенции, традиции меценатства и служения Отечеству.
Творчество Александра Шилова получило заслуженное признание: в 1977 году он стал лауреатом премии Ленинского комсомола, в 1981 году - Народным художником РСФСР, в 1985 году - Народным художником СССР. В 1992 году Международный планетарный центр в Нью-Йорке присвоил одной из планет имя "Шилов". В 1997 году художник избирается членом-корреспондентом Российской академии художеств, академиком Академии социальных наук, а в 2001 году его избирают действительным членом Российской академии художеств.

С 1999 года он является членом Совета при Президенте РФ по культуре и искусству.
6 сентября 1997 года за заслуги перед государством и за большой личный вклад в развитие изобразительного искусства А.М. Шилов награжден орденом "За заслуги перед Отечеством" IV степени. Но его самая дорогая, бесценная награда - любовь зрителя.
Творчеству А.М. Шилова посвящены кинофильмы "Достучаться до сердец людей" (1984), "Искусство А. Шилова" (1990), "Александр Шилов - народный художник" (1999), а также альбомы его живописи и графики.
А.М. Шилов любит классическую музыку. Его любимые русские художники - О.А. Кипренский, Д.Г. Левицкий, К.П. Брюллов, А.А. Иванов, В.Г. Перов, И.И. Левитан, Ф.А. Васильев.
Живет и работает в Москве

.

Если вы хотите полюбоваться портретами известных и обычных людей, обратите внимание на картины Александра Шилова. Создавая очередную работу, он передает в ней индивидуальность, характер, настроение человека.

О художнике

Александр Максович Шилов родился в Москве в 1943 г. Свои первые профессиональные художественные навыки он получил в Доме пионеров, который находился в Тимирязевском районе столицы. Здесь Александр учился в изостудии.

С 1968 по 1973 год он был студентом МГАХИ им. В. И. Сурикова. С 1976 года Шилов - член Союза художников СССР. В 1997 г. ему предоставили помещение около Кремля для открытия персональной галереи. Там можно увидеть картины Александра Шилова.

Он является действительным членом Российской Академии художеств, членом Совета по культуре и искусству при президенте РФ. Александр Максович награжден множеством орденов, знаков, медалей, дипломов за свои высокие заслуги. Он также является лауреатом нескольких премий.

Портрет Машеньки

Так называется одна из работ, которую создал художник Александр Шилов. Его картины позволяют персонажам полотен оживать перед зрителями. Они вдохновляют и других творческих людей. Так, поэт Иван Есаулкин, воодушевившись работай талантливого художника, написал пять четверостиший, посвященных картине, которая была создана в 1983 году.

Полотно написано в технике пастели. Поэт называет его сказочным. Он говорит, что Шилов добился цели ― пролил свет на наши души. Такое чувство возникает, когда смотришь на картины Александра Шилова.

Описание данного портрета можно начать с того, что Машеньке 3 года. Это дочка художника от второго брака. К сожалению, она рано ушла из жизни ― в возрасте шестнадцати лет.

Любовь к своей дочке художник смог передать посредством красок и кисти. Девочка держит любимую игрушку, смотрит на зрителя чистыми Уголки ее рта чуть приподняты в полуулыбке. Видно, что ребенок счастлив. Передают настроение героя полотна и другие картины Александра Шилова.

В этой работе художник сумел показать даже мельчайшие детали одеяния, видны складки, оборки красивого платья. Изгибы на рукаве смогли передать движение руки.

Девочка сидит на стуле. Обстановка и одежда помогают понять, что перед нами ― настоящая принцесса. Все это удалось передать художнику, который очень любил свою дочь.

«Одна»

Картины Александра Шилова показывают не только счастливых, но и печальных людей, которые вызывают чувство сострадания.

Полотно «Одна» было написано в 1980 году. На нем изображена пожилая женщина. Она пьет чай из железной кружки, рядом лежат две конфеты. Но трапеза не приносит старушке радости. Она печально смотрит перед собой, ведь ей грустно и одиноко. Вот такие детали и настроение героев умеет передать Шилов Александр Максович, картины которого можно разглядывать часами.

Когда-то женщина была замужем, это видно по кольцу на ее руке. Раньше приобрести золотые украшения деревенские жители не имели возможности, поэтому кольцо могло быть железным, а в лучшем случае ― серебряным.

Если у женщины есть дети, то они, скорее всего, перебрались жить в город. В те времена молодежь стремилась уехать из сельской местности. Бабуля сидит и грустит около деревянного стола. Быть может, ей вспомнилась ее нелегкая жизнь? Или она думает о том, когда же, наконец, приедут дети, внуки? Зрителю хочется, чтобы это произошло поскорее. Тогда дом пожилой женщины наполнится шумными разговорами, веселым детским смехом, и она будет счастлива.

Вот такие мысли и желания навевают картины Александра Шилова.

«Лето в деревне»

Полотно «Лето в деревне» было создано художником в 1980 году. На нем изображена настоящая русская красавица на фоне живописной природы. Покрой делает наряд похожим на одеяние барышень прошлых веков. Так же как и эта девушка, они любили проводить летние месяцы в деревне. В те времена голову и руки прикрывали, но на этом полотне изобразил современную девушку художник Александр Шилов. Его картины, подобные этой, несут в себе жизнерадостное настроение.

Пестроцветье луга оттеняет девушки в белом. У нее пышные волосы, длинная коса.

В больших глазах героини отражается небо. Оно у художника голубое, с фиолетовыми переливами. Четко показана линия горизонта. Там синее небо переходит в поле с изумрудной травой. На переднем плане виднеются высокие вперемешку с розовыми, желтыми, белыми.

Девушка смиренно сложила руки, в ее глазах застыла неподдельная скромность. Все это помогает прочувствовать характер героини, которую нарисовал Шилов Александр Максович. Картины, подобные этой, показывают очарование и неотразимость природы.

Живописные полотна

В картинах «Стог», «Бабье лето», «За околицей», «Святой ключ у деревни Иваньково» художник изобразил природу в один из теплых летних дней.

Полотно «Стог» многоплановое. Мы видим копну сена. Крестьяне косили траву, сушили ее не один день. Теперь они сложили готовое сено в стожок. Чтобы травинки не унесло ветром, они приложили с двух сторон по слеге.

Стог находится на высоком пологом берегу. Если спуститься, можно оказаться около реки. В ее глубоких водах отражается небо. Очень удачно вписались пышные кусты и деревья. Темная зелень прекрасно оттеняет светлую, которой покрыты берега реки.

Картины с названиями

Вот перечень лишь некоторых полотен, которые сотворил художник:

• «Русская красавица».
• «Сын Родины».
• «Певица Е.В.Образцова».
• «Где царствуют звуки».
• «Портрет Николая Сличенко».
• «Митрополит Филарет».
• «Дипломат».
• «Пастух.

У художника есть множество других работ. Ознакомьтесь с ними, и перед вами откроется новый прекрасный мир!

Великая Россия испокон веков рождала таланты, которыми по праву гордится все человечество. Они вошли в историю мировой культуры. Их имена – бессмертны. Среди наших современников, творящих сегодня русскую культуру, безусловно выделяется Александр Шилов. Он – один из выдающихся художников XX столетия, живая легенда, гордость и слава России.

В 1957–1962 годах А.М. Шилов учился в изостудии Дома пионеров Тимирязевского района Москвы, затем в Московском художественном институте имени В.И. Сурикова (1968–1973). Принимал участие в выставках молодых художников. В 1976 году стал членом Союза художников СССР. Он провел многочисленные персональные выставки в лучших залах не только России, но и за ее пределами. Его картины с большим успехом экспонировались во Франции (Галерея на бульваре Распай, Париж, 1981), Западной Германии (Виллибодсен, Висбаден, 1983), Португалии (Лиссабон, Порту, 1984), Канаде (Ванкувер, Торонто, 1987), Японии (Токио, Киото, 1988), Кувейте (1990), Объединенных Арабских Эмиратах (1990), других странах.

Творческий человек может снять фотостудию и создавать прекрасные портреты современников, может проявить свой дар в других видах творчества. Александр Шилов не просто творец – он художник от Бога.

Александр Шилов выбрал самое сложное в искусстве направление – реализм и на всю жизнь остался верен избранному пути. Впитывая все высочайшие достижения мирового художественного искусства, продолжая традиции русской реалистической живописи XVIII–XIX веков, он целеустремленно, вдохновенно шел своей дорогой, обогащая, совершенствуя собственный художественный язык. Он избежал влияния разрушительных тенденций в художественной культуре ХХ столетия, не утратил чудесных свойств своего таланта и самого дорогого инструмента художника – сердца.

Среди большого количества его работ – пейзажи, натюрморты, жанровые картины, графика. Но основной жанр творчества А.М. Шилова – портрет. Именно человек, его индивидуальность, уникальность являются средоточением творчества живописца. Герои его произведений – люди самого разного социального положения, возраста, внешности, интеллекта, характера. Это политики и служители церкви, выдающиеся деятели науки и культуры, врачи и герои войны, рабочие и сельские труженики, старики и молодые, бизнесмены и бомжи. Среди них – портреты летчиков-космонавтов П.И. Климука (1976), В.И. Севастьянова (1976), В.А. Шаталова (1978), «Сын Родины» (Ю.А. Гагарин, 1980), «Академик Н.Н. Семенов» (1982), «В день Победы. Пулеметчик П.П. Шорин» (1987), «Митрополит Филарет» (1987), «Митрополит Мефодий» (1990), «Архиепископ Пимен» (1990), «Игумен Зиновий» (1991), «Кинорежиссер С. Бондарчук» (1994), «Драматург В. Розов» (1997), «Народный артист СССР Евгений Матвеев» (1997), «Портрет А. Якулова» (1997), «Портрет Тамары Козыревой» (1997), «Портрет епископа Василия (Родзянко)» (1998), «Писатель Аркадий Вайнер» (1999), «Портрет матери», «Г.Х. Попов» (1999), «После бала (Наталья Богданова)» (2000).

Как художник-портретист Александр Шилов – своеобразный посредник между человеком и временем. Он чутко улавливает психологическую жизнь образа и создает не просто живописное полотно, а, проникая в тайники души, раскрывает судьбу человека, запечатлевает мгновение, в котором живет наш реальный современник. Человек интересует А. Шилова во всех проявлениях индивидуального бытия: его герои пребывают в радости и грусти, в спокойном раздумье и в тревоге ожидания. На его полотнах много детских и женских образов: чистых, обаятельных, проникновенных, прекрасных. Уважением и симпатией проникнуты портреты пожилых людей, проживших долгую трудную жизнь, но сохранивших доброту и любовь к окружающим: «Моя бабушка» (1977), «Хозяин земли» (1979), «Зацвел багульник» (1980), «В день рождения Ариши» (1981), «Вдвоем» (1981), «Холодает» (1983), «Дед Гаврила» (1984), «Солдатские матери» (1985), «Портрет матери» (1988), «Матушка Макария» (1989), «Бомж» (1993), «Брошенный» (1998). Особая мягкость, задушевность образов делает работы А. Шилова глубоко национальными.

Все в картинах А. Шилова несет в себе глубокий смысл. В них нет ничего случайного, ради внешнего эффекта. Выражение лица человека, его поза, жест, одежда, предметы интерьера в картине, ее колорит служат созданию образа, характеристике героя, передаче его внутреннего состояния.

Никакие высокие слова не способны передать того великого мастерства, которого достиг Александр Шилов. Художник просто творит чудеса. Своей волшебной кистью он заставляет глаза говорить, превращает краски в шелк, бархат, мех, дерево, золото, жемчуг... Его портреты живут.

Помимо работ маслом в коллекции художника представлена живопись, выполненная им в технике пастели. Это старинная техника, в которой художник пишет специальными цветными мелками, растирая их пальцами. В совершенстве овладев этой сложнейшей техникой, Александр Шилов стал непревзойденным мастером пастели. Никто со времен Ж.Э. Лиотара не достигал такого виртуозного мастерства.

Покоряет, чарует, никого не может оставить равнодушным портрет

Машеньки Шиловой (1983), выполненный в этой технике. Какая же Машенька красивая! Какие у Машеньки длинные волосы! Какое у Машеньки нарядное, роскошное платье! Малышка уже сознает свою привлекательность. Гордость, радость и счастье озаряют ее умное, милое, нежное личико. Осанка Машеньки, положение головки, рук – все полно естественной грации и благородства. По-детски пухленькие ручки ласково, заботливо обнимают любимого мишку. Девочка одушевляет его, не расстается с ним ни на секунду – жалостливая, добрая, чистая душа у этого ребенка.

Детское счастье Машеньки совпало со счастьем самого художника. Нельзя не почувствовать, что картина создавалась в едином порыве любви и счастливого вдохновения. Все в ней изображено так любовно, выписано с таким великим и поразительным искусством: милое личико (блеск глаз, нежная бархатная кожа, шелковистость волос), шикарное платье (переливы атласа, роскошь кружев и лент), мохнатый мишка. По тщательности и правдоподобию только талант и любовь А. Шилова могли это сделать.

Изображение на полотнах А. Шилова «дышит» такой подлинностью, что зрители перед картинами плачут и смеются, грустят и радуются, восхищаются и ужасаются. Такие портреты – плод не одного мастерства, но сердца, ума, души художника. Так может писать лишь человек с ранимой, впечатлительной, нервной душой, собственным сердцем чувствующий боль, страдание, радость каждого героя; человек мудрый, глубоко познавший жизнь, знающий цену всему: и любви, и счастью, и горю. Так может писать лишь патриот, всей душой любящий свой народ, свой город, свою страну. Россия для Александра Шилова прекрасна и любима. Пейзажная живопись мастера – трепетное признание Родине в любви. Его вдохновляет образ скромной, печальной, задушевной среднерусской природы: «Оттепель» (1986), «Февраль. Переделкино» (1987), «Октябрь. Николина гора» (1996). В самом обыденном он умеет увидеть красоту. Художнику интересны различные состояния природы, рождающие в душе разнообразные эмоции. Средствами пейзажа он выражает тончайшую гамму чувств: радость, тревогу, грусть, одиночество, безысходность, смятение, просветленность, надежду.

В натюрмортах художник изображает предметы, неотделимые от нашей жизни, украшающие ее: книги, комнатные и полевые цветы, изящную посуду. Среди наиболее известных такие работы, как «Дары Востока» (1980), «Фиалки» (1974), «Анютины глазки» (1982) и др. И все же именно портрет занимает центральное место в творчестве художника.

В 1996 году Александр Максович Шилов передал в дар Отечеству коллекцию из 355 живописных и графических произведений. Этот благородный поступок был по достоинству оценен общественностью, руководством страны и ее столицы. Постановлениями Государственной думы РФ от 13 марта 1996 года и Правительства Москвы от 14 января 1997 года была учреждена Московская государственная картинная галерея народного художника СССР А. Шилова.

Для размещения коллекции был выделен особняк в историческом центре Москвы рядом с Кремлем, построенный в начале XIX века по проекту известного русского архитектора Е.Д. Тюрина. Торжественное открытие галереи состоялось 31 мая 1997 года. Созданная в соответствии с высочайшими духовными потребностями зрителя, с уважением и любовью к нему, она с первых дней жизни стала необыкновенно популярной и чрезвычайно посещаемой. За 4 года существования ее посетило свыше полумиллиона человек.

Музейная коллекция А. Шилова постоянно пополняется новыми работами художника, что подтверждает данное им обещание: каждую новую написанную работу приносить в дар родному городу. 31 мая 2001 года Московская государственная картинная галерея народного художника СССР А. Шилова отметила четвертую годовщину со дня открытия. К этому дню была приурочена презентация дара новых произведений А. Шилова Москве. Три новых портрета – «Профессор Е.Б. Мазо», «Милочка», «Оля», созданные в 2001 году, пополнили постоянную экспозицию галереи, собрание которой насчитывает сегодня 695 картин.

Передавая в дар свои новые работы, А. Шилов тем самым продолжает лучшие духовные традиции русской интеллигенции, традиции меценатства и служения Отечеству.

6 сентября 1997 года за заслуги перед государством и за большой личный вклад в развитие изобразительного искусства А.М. Шилов награжден орденом «За заслуги перед Отечеством» IV степени. Но его самая дорогая, бесценная награда – любовь зрителя.

Творчеству А.М. Шилова посвящены кинофильмы «Достучаться до сердец людей» (1984), «Искусство А. Шилова» (1990), «Александр Шилов – народный художник» (1999), а также альбомы его живописи и графики.

А.М. Шилов любит классическую музыку. Его любимые русские художники – О.А. Кипренский, Д.Г. Левицкий, К.П. Брюллов, А.А. Иванов, В.Г. Перов, И.И. Левитан, Ф.А. Васильев.

Живет и работает в Москве.

Александр Максович Шилов - художник-реалист, автор портретов в традиционном романтическом стиле. Народный художник СССР.
Родился в 1943 году в Москве. Окончил МГАХИ имени В.И. Сурикова. Участвовал в выставках молодых художников, а в 1976 году стал членом Союза художников СССР.
В 1997 году в Москве была открыта Государственная картинная галерея народного художника СССР Александра Шилова.
С 1997 года - член-корреспондент (с 2001 года - действительный член) Российской академии художеств.
С 1999 года - член Совета при Президенте РФ по культуре и искусству.

«С огромным удовольствием и восхищением ознакомился с работами в этой прекрасной галерее. Непревзойденные портреты, безусловно, являются частью истории России и ее народа», «Рада и счастлива тому, что у нас появился такой прекрасный музей талантливого, признанного, любимого всеми мастера. Доставляет истинное удовольствие осмотр выставки, оставляет неизгладимое впечатление мастерство художника - высокое, одухотворенное, философское!» - такие восторженные слова оставляют в книге отзывов посетители галереи Александра Шилова.

Мы давно уже привыкли к тому, что в центре Москвы - напротив Кремля - располагается Государственная картинная галерея народного художника СССР, портретиста Александра Шилова. В этом году ей исполнилось 15 лет. Много это или мало? Судить посетителям, почитателям таланта живописца, и тем, кто впервые переступит ступени в высокие выставочные залы. Многие уже забыли, как создавался этот музей, с постоянно обновляющейся экспозицией. К сожалению, людей с короткой памятью и не уважающих свое прошлое, становится все больше. Таковы реалии нашей жизни. Но одновременно сохраняется интерес к реалистическому искусству, к жанру портрета. Мы встретились с основателем галереи и ярчайшим представителем этого жанра Александром Максовичем Шиловым и задали ему несколько вопросов.

Корреспондент. Александр Максович, расскажите, с чего все начиналось?

Александр Шилов. В 1996 году я обратился в Государственную думу с предложением безвозмездно подарить свои работы стране, народу, государству. На то у меня было моральное право. После каждой выставки в 80-90-х годах - а они проходили и в Манеже, и на Кузнецком мосту, и на Тверской - люди в своих отзывах и в обращениях к руководителям разных ведомств просили сделать мою выставку постоянно действующей. Выслушав мое предложение, председатель Госдумы, а тогда им был Геннадий Селезнев, поставил этот вопрос на пленарном заседании. Чем я горжусь, все фракции, хотя ни к одной из них никогда не принадлежал, проголосовали единогласно за создание государственной галереи, решив дать ей мое имя. После этого обратились в Кремль с просьбой выделить помещение в центре города. Не мне лично, как пишут недобросовестные СМИ, что является подлейшей ложью, а для галереи. Сначала предложили три зала в Кремлевском дворце, который тогда только что отреставрировали, но это помещение режимное (не каждый день открыто), да и работы мои там не поместились бы. Поэтому этот вариант отпал. Тогда правительство Москвы выделило особняк по проекту архитектора Тюрина 1830 года постройки по адресу: улица Знаменка, дом 5. Здесь был проведен небольшой косметический ремонт, и галерея открылась 31 мая 1997 года. В тот торжественный день я сказал, что буду дарить работы, которые сделаны мною не на заказ, - а это практически 95 процентов того, что пишу. Так и происходит уже 15 лет. Лучшее в моем творчестве - 15-20 живописных полотен и графику - я дарю Москве каждый год в День города.

Корр. А сколько сегодня работ хранится в собрании?

А.Ш. Коллекция составляет 935 работ живописи и графики.

Корр. У вас есть интересные портреты в технике пастели.

А.Ш. Да, это сложнейшая техника. Пальцы стираю в кровь, так как работаю по наждачной бумаге-нулевке, чтобы пастель не осыпалась…

Корр. Ваша галерея завоевала себе славу одной из самых известных концертных площадок Москвы.

А.Ш. Опять же по решению Правительства Москвы мы проводим концерты звезд классического искусства «В гостях у галереи Шилова». За эти годы у нас выступили мастера мирового масштаба - Образцова, Маторин, Соткилава, Пахмутова и другие. У нас всегда аншлаг. К тому же часто мы приглашаем на наши концерты людей, которые не могут себе позволить купить билеты.

Еще мы устраиваем бесплатные вечера для детей с ограниченными возможностями. Хочется отдать больше внимания тем, кто обделен этим с рождения. Устраиваем конкурсы рисунков, я отбираю детские работы для выставок. Надеюсь, что дети находят здесь добрый приют и чувствуют себя полноценными.

Помимо этого, проходят встречи с героями моих картин. Я сделал ряд портретов военных, разведчиков, пограничников. На такие встречи зовем ребят, которые готовятся стать защитниками Отечества. Должен сказать, что проходят эти вечера тепло и сердечно.

Корр. Ваше творческое кредо…

А.Ш. Самое главное - расти как художнику. От работы к работе стараться повышать уровень мастерства, добиваться глубины содержания. Я пишу то, что чувствую сердцем. Художник должен быть самоедом, в таком состоянии и должен работать. Самодовольны только глупцы. Если человек собой доволен, он погибает в творчестве. А для того, чтобы чувствовать недостатки, говорил Репин, нужно смотреть только на великое.

Корр. Как вы выбираете героев для портретов?

А.Ш. Я пишу портреты самых разных людей. И врачей, и артистов, монахов и монашенок, бомжей и брошенных стариков. «История в лицах», «абсолютный срез общества» - так пишут о коллекции галереи. Художник - это прежде всего состояние души. В первую очередь, я должен быть настроен к работе. К последней моей героине я трясся по нашим дорогам 9 часов на машине, но не мог без этого. Мне рассказали о ней, показали ее фотографию, и мне захотелось с ней встретиться.

Корр. Что-нибудь потрясло в последнее время?

А.Ш. Да. Вот как раз она и потрясла. Недавно вернулся из Саратовской области. В деревню ездил писать портрет удивительной женщины - Любови Ивановны Клюевой, участницы Великой Отечественной войны. Ее портрет войдет в экспозицию «Они сражались за Родину». Ей 90 лет, с 19 лет она была на фронте. Если бы вы видели ее руки! Это не женские, и не мужские руки. Они все в узлах. У этой женщины не было выходных. Всю свою жизнь работала, воспитывала шестерых детей. Мужа уже похоронила. Когда я с ней разговаривал, у меня спазм горло схватывал, слезы наворачивались. Это было какое-то душевное очищение. Любовь Ивановна интеллигентна, скромна и приятна в общении. Боже, какие у нее тонкие манеры! Когда мы с ней прощались, она мне розу подарила. Это так трогательно... Печально, что такие красивые люди уходят. Я полгода мечтал вырваться к ней. Работа, правда, шла очень тяжело. Писать в тесной избе с маленькими окошечками, где и мольберт толком не разместить, очень трудно. Но такой путь к портрету мне дорог.

Корр. Как часто ваша галерея выезжает с экспозициями в другие города?

А.Ш. Примерно раз в год. Организация выставок - дело непростое. Галерея все делает сама, за свои деньги. Недавно выставка «Они сражались за Родину» прошла в Волгограде. В экспозицию вошло более 40 моих работ. Это портреты участников Великой Отечественной войны. Здесь и простые солдаты, и священнослужители, и известные деятели культуры - Бондарчук, Этуш, Виктор Розов… Интерес был большой - два раза выставку продлевали. Приходили фронтовики, не те, кто в обозах отсиживался, а, понимаете, настоящие воины. Я, если бы у меня была такая возможность и время, обязательно написал бы их портреты. Ведь это последние свидетели страшных событий ХХ века, в их глазах - война. Молодежи было много. Вообще, наша выставка имеет огромное воспитательное значение. Скоро по приглашению Амана Тулеева мы отправимся в Кемерово. Конечно, я мечтал бы проехать с этой выставкой по всем городам-героям! Но в одиночку галерее это не поднять…

Корр. Давно ли выставлялись за границей?

А.Ш. Давно. Правда, сейчас и нет такой особой необходимости. Во-первых, есть галерея. Теперь к нам приезжают из разных уголков России и зарубежья. И простые люди оставляют отзывы, и высокие гости. Президент Казахстана Нурсултан Назарбаев, президент Белоруссии Александр Лукашенко, а недавно Владимир Путин был. Все дали высокую оценку моему творчеству, чем я очень горжусь. Вот, к примеру, в Париже у меня была выставка. Много народу пришло. Запомнил отзыв Луи Арагона: «Удивительно, что при таком давлении идеологии и всяких там “измов” Вы сохранили традиции классицизма». Во-вторых, повторюсь, организовать выездную экспозицию, к тому же за рубежом, это большой риск. Вот если бы за меня кто-то сделал такую выставку, я был бы счастлив!

Корр. Как пробиваться молодым художникам, ведь реалистическое искусство сегодня не в чести? К примеру, организаторы премии им. Кандинского даже не рассматривают работы художников-реалистов?

А.Ш. Еще Чехов говорил: «Таланту помогать нужно, а бездарность сама пробьется». Хочу вас заверить, что в моей стране и за рубежом пробиваться всегда трудно, но это и есть проверка на призвание. Если человек рисует и не может без этого жить как без воздуха и если у него есть дар, то такого человека не остановить. Талант задушить невозможно. Мне тоже было нелегко, но я много работал, я и сегодня пишу каждый день по 4-5 часов. Потом, конечно, чувствую себя как выжитый лимон. Но пока не закончу портрет, не могу успокоиться, чувствую себя неполноценным, не могу быть вполне счастливым. Не ради красивого слова скажу: «Без работы я погибну».

Конечно, некоторые сегодня рисуют только для того, чтобы разбогатеть. Для этого и существует пиар. Но, к сожалению, при этом топчется критерий мастерства. Уровень мастерства, я считаю, специально опускается до положения риз. И это происходит во всех областях. В литературе, живописи, музыке… Все намеренно смешивается. Теперь каждый гений, каждый умеет петь, рисовать и т.д.

Корр. Можно ли изменить такую ситуацию?

А.Ш. Да, конечно. Должна быть государственная программа. Искусству надо обучать с детского сада, для того, чтобы развивать души людей. Высокое искусство насыщает мыслями, чувствами.

Помню, как мама привела меня первый раз в Третьяковку. Я был потрясен. Портреты кисти Левицкого, Боровиковского, Брюллова - это что-то божественное. Меня все время преследовал вопрос: «Неужели человек может написать портрет так, что я вижу лицо реального человека, с которым можно поговорить?». Я наслаждался тем, как это сделано. Мастерство, доведенное до совершенства! Меня удивляло, что я не вижу кухни художника, и в своем творчестве я тоже стремлюсь, чтобы ее не было видно.

Но возвращаясь к теме воспитания, повторюсь: должна быть государственная программа. Если ребенок научится рисовать и будет видеть перед собой шедевры, он никогда в дальнейшем не заинтересуется дешевыми и пошлыми подделками. Посмотрите, как рисовали до революции в дворянских семьях, в семьях военных. Музыкой много и серьезно занимались. Грибоедов какой вальс сочинил - чудо! А если люди не будут соприкасаться с искусством, очищаться, расти, они быстро превратятся в стадо. Ну а пастух всегда найдется.

Корр. А если вам предложат создать некую программу воспитания? Согласитесь?

А.Ш. Да, с удовольствием этим буду заниматься.

Корр. Вы часто бываете в провинциальных картинных галереях?

А.Ш. Да. Вот недавно был в том же Саратове. Галерея в ужасном состоянии. Хотя есть полотна Шишкина, Поленова… Кто это должен поддерживать? Наверное, министерство культуры. Вспомним историю. За тем, как расписывал Сикстинскую капеллу Микеланджело, следил престарелый папа римский. Российские императоры постоянно посещали Академию художеств, интересовались, что происходит в русском искусстве. Ведь по состоянию художественных ценностей, по достижениям в искусстве определяется уровень развития страны.

Корр. Какие музеи предпочитаете посещать за рубежом?

А.Ш. Люблю Италию, люблю восхитительный музей Лувр. Конечно, все шло из Италии. Неслучайно наших пансионеров - выпускников-медалистов русской Академии художеств - посылали в Италию за государственный счет. И Кипренский, и Брюллов, и Иванов, и многие другие выдающиеся художники повышали свое мастерство там.

Корр. У вас есть ученики?

А.Ш. Нет. Во-первых, нужно иметь время, а у меня его нет. Во-вторых, нужно иметь терпение, я им тоже не обладаю. Видимо, это не мое призвание. Я - художник. Я много сил отдаю своей работе. Вот всех приглашаю на выставку «Они сражались за Родину». Считаю, что людям, которые воевали, положили свою жизнь на алтарь Отечества, должно воздаваться намного больше, чем это делается сейчас. Хочу, чтобы через эти портреты меня услышали. Выставка очень благотворно действует на зрителя, заставляет о многом задуматься, вспомнить понятия честности, чести и порядочности... Хочу, чтобы укоренилось чувство гордости за наших людей, за наше искусство.

Корр. Какие качества цените в женщинах, в мужчинах?

А.Ш. Какие бы отношения ни были, в женщине я ценю преданность, пусть даже слепую. Любые отношения должны на том держаться. Женщина должна быть любящей, заботливой, женственной. Раньше в деревнях считали, если женщина мужчину любит, она его бережет. Мужчина же обязан заботиться о женщине, сохраняя достоинство. Но вообще, по большому счету, я люблю людей с тонким душевным устройством. Ведь я все-таки художник.

Беседу вела Оксана Липина.

Культура содержит в себе как устойчивые, консервативные, так и динамичные, новаторские стороны. Устойчивая сторона культуры – это культурная традиция , благодаря чему происходит накопление и передача от поколения к поколению элементов культурного наследия: идей, ценностей, моральных норм, обычаев, ритуалов, навыков. Система традиций отражает целостность, устойчивость общественного организма. История культуры представилась бы нелепостью, если бы каждое поколение начисто отметало культурные достижения предыдущего.

Никакая культура не может существовать без традиций. Более того, культурная традиция – непременное условие не только существования, но и развития культуры даже в условиях созидания качественно новой культуры. Для раскрытия механизма развития культуры особенно важное значение имеет диалектический закон отрицания отрицания, который, не ограничившись только лишь утверждением неодолимости нового, вскрывает циклический характер развития, характеризует присущий любому виду развития, в том числе и развития культуры, единство поступательности и преемственности

Преемственность, как общая закономерность в развитии культуры, проявляется в различных конкретных формах, таких как: 1)генетическая связь старой культуры с новой; 2)возникновение отдельных элементов новой культуры в еще существующей старой; 3)сохранение в новой культуре отдельных элементов старой; 4)возврат к исходной ступени развития. В последнем случае преемственность предполагает собой не просто сохранение некоторых черт непосредственно отрицаемой старой культуры в рамках новой, а восстановление определенных элементов старой, некогда существовавших, затем подвергнутых отрицанию и прекративших свое существование, но вновь возрожденных развитием. Таково, например, возрождение античной культуры в эпоху Возрождения.

Отрицание преемственности в развитии культуры оборачивается нигилистическим отношением к созданным в прошлом величайшим ценностям культуры. В рамках таких представлений развитие культуры возможно только при полном и безапелляционном уничтожении старой культуры, характерным образчиком чего могут послужить вульгаризаторские теории пролеткультовцев. Пролеткульт (объединение пролетарских культурно-просветительских организаций) возник в 1917 году и выступил с пропагандой нигилистического, анархистского отношения к прошлому, к его культуре, к величайшим духовным ценностям, накопленным в предшествующей истории. Взяв на вооружение лозунг: «Пролетариат – не наследник прошлого, а творец будущего», пролеткультовцы всерьез полагали, что новая пролетарская культура может и должна быть построена вне всяких традиций. Такой подход перекликался с призывами, исходившими от возникшего еще раньше футуризма, представители которого считали необходимым разрушить все предшествующую культуру:

Мы во власти мятежного страстного хмеля;

Пусть кричат нам: «Вы – палачи красоты».

Во имя нашего завтра – сожжем Рафаэля.

Разрушим музеи, растопчем искусства цветы .

Предлагалось провести полный разгром «буржуазной науки», создать новые программы по математике, физике, химии, биологии, в которых было бы все наоборот. С нигилистическими призывами пролеткультовцев и футуристов перекликаются лозунги культурной революции в Китае, в ходе которой китайская печать отнесла к разряду «ядовитых трав» «Божественную комедию» Данте, «Гаргантюа и Пантагрюэля» Рабле, «Жана Кристофа» Ролана и другие сокровища мировой литературы и искусства. В ходе культурной революции были уничтожены бесценные произведения китайского классического искусства, китайская культура понесла невосполнимые потери.

Безусловно, и в сохранении, и в трансляции культуры от поколения к поколению должна быть определенная устойчивость, должна быть традиция. Развитие культуры – это не только смена одних ее качественных состояний другими, но и наследование определенного содержания, включение этого содержания в более высокий синтез. Именно своеобразное наследование последующими поколениями всего жизнеспособного из культуры предшествующих поколений, определяет поступательность и прогрессивность развития. В противном случае прогресс культуры был бы невозможен.

Сказанное, однако, не следует понимать в том смысле, будто развитие культуры – это простой возврат к старой, полная ее реставрация, буквальное сохранение или повторение в новой культуре особенностей старой. Если бы дело действительно обстояло таким образом, то развитие культуры превратилось бы в топтание на месте, в бессмысленное повторение одного и того же, в однообразную серию монотонных вариаций на одну и ту же тему.

Традиция – это память, причем память избирательная. Культура всегда помнит и актуализирует лишь то, что нужно современности. Следовательно, культурная традиция – это путь мобилизации опыта прошлого, но не в неизменном, а в преобразованном, приспособленном к настоящему виду.

Повторение в новой культуре определенных черт старой не является ни буквальным, ни абсолютным: во-первых, не все черты старой повторяются в новой, во-вторых, те, что повторяются в новой культуре, переплавляются и приобретают иной вид. Что касается по-настоящему изживших себя форм культуры, то они исчезают раз навсегда, целиком и безвозвратно.

Культура – это не пассивное хранение материальных и духовных ценностей, созданных предшествующими поколениями, а активное творческое использование их для социального прогресса. И не просто использование, но и обновление. Общество воспроизводит и совершенствует себя, только наследуя и творчески перерабатывая накопленные богатства культуры. А слепое преклонение перед традицией, ее гипертрофирование порождает консерватизм и застой в культуре.

В творчестве культуры всеобщее органически слито с уникальным. Каждая культурная ценность неповторима, идет ли речь о художественном произведении, научном открытии, техническом изобретении или поведенческом акте человека.

Таким образом, традиция и творчество – это две неразрывно связанные между собой стороны культуры, две стороны одной медали. Единство традиции и новации, их взаимная соотнесенность – универсальная характеристика любой культуры.

Вместе с тем описание реального многообразия истории человеческого общества и его культуры показывает, что соотношение традиции и творчества не является раз навсегда данной константой, оно изменяется в пространстве и во времени. Различное его соотношение служит основанием деления обществ на традиционные и техногенные.

Западную цивилизацию, базу которой заложили древние греки, а также европейцы Нового времени, называют «техногенной» (В.С.Степин). Ее характерные черты: интеллектуализм, познание в формах теоретических концепций, систематическое применение в производстве научных знаний, быстрое изменение техники и технологии, концепции равенства людей, равных возможностей, развитая этика и демократия. По мере развития техногенной цивилизации происходит ускоряющееся обновление искусственно созданной человеком предметной среды («второй природы»). Основными ценностями западной культуры немецкий философ М.Вебер считает: 1) динамизм, ориентация на новизну; 2) утверждение достоинства и уважение к человеческой личности; 3) индивидуализм, установка на автономность личности; 4) рациональность; 5) идеалы свободы; 6) толерантность, терпимость к чужому мнению, чужой вере; 7) уважение к частной собственности .

В отличие от западной культуры восточная культура ориентирована на эмоциональное, интуитивное восприятие мира. Научной рациональности западной культуры здесь противопоставляется нравственно-волевая установка на созерцательность, безмятежность, интуитивно-мистическое слияние с бытием. Время в таких цивилизациях воспринимается как нечто конечное, как замкнутый цикл, в который включается и природа, и история общества. В мировоззренческом аспекте в восточных культурах отсутствует разделение мира на естественный и сверхъестественный, на мир природы и мир социума. Поэтому здесь высшим благом считается не покорение природы, а слияние с нею.

Такой тип культуры создает нетехнические цивилизации с их описательными науками и импрессионистским искусством. Он ориентирован, прежде всего, на воспроизводство сложившихся социальных структур, стабилизацию устоявшегося образа жизни, воспроизведение его устойчивых стереотипов. Его высшей ценностью является традиционный образ жизни, аккумулирующий опыт предков.

Понятно, что данные характеристики западной и восточной культур – всего лишь умозрительные модели, которых нельзя целиком приравнять к реальному состоянию мировой культуры. Еще меньше оснований буквально переносить их на современный мир, на мир, где некогда разрозненные нации и народности, населяющие все континенты, объединяются в целостное социальное образование – человечество.

Самосознание "Я" всегда индивидуально конкретно. Оно уникально и индивидуально в том смысле, что далее не делимо (от лат. individuum, что буквально значит – "неделимый"). Но откуда же берется эта неповторимая индивидуальность, чем она определяется? Она природна? Она телесна? Она духовна? Она идеальна? Кто ее хозяин? Человек? А может быть, род, дающий ему телесность? Культура, дающая язык, нормы, образцы поведения и мышления? Что есть "Я"? Что есть субъект?

Личность, по сути дела, – "матрешка", в которой содержится еще множество других, друг в друга упрятанных матрешек. Или жемчужина. В самом центре жемчужины – самосознание, на которое наслаивается перламутр – последующие слои личности: сознание, идентичность, телесность, система ролей, облик, собственность, семья, работа, досуг и т.д. Человек, говорил испанский философ X. Ортега-и- Гассет, – это человек и его обстоятельства. Но в центре – гвоздь, на котором висит вся целостность этих характеристик – самосознание "Я".

Извне, в восприятии других людей целостность нашего индивидуально неповторимого "Я" закрепляется нашим именем собственным или задается с помощью указательных местоимений "тот", "та", "эти". Именно под своим именем мы и выступаем социальными существами, персонажами ситуаций и событий. Изнутри же нашего внутреннего мира свое собственное "Я" воспринимается как некоторое единство переживаний в этих ситуациях и событиях, ожиданий, надежд, радостей. В переживаниях, в духовном опыте жизнь предстает творчеством и самоопределением личности.

Личность в известной степени подобна художнику, который лепит и чеканит в форме переживаний свою личную жизнь из материала окружающей действительности. Дело не в количестве переживаний, а в их глубине, способности личности к осмыслению переживаний, нахождению в них смысла. Переживания – не "картошки в мешке", а осознание не случайности и связи, осмысленности пережитого, осознание своей роли в пережитом, своей вины и ответственности.

Сомнение и непослушание

Возможность совершать самостоятельные поступки предполагает, таким образом, самостоятельное мышление, а значит и на какой-то стадии – сомнение. Сомнение, непослушание и отклонение от норм и образцов – в определенном смысле необходимое условие становления и развития личности, ее самоопределения и самоорганизации.

Поэтому особое значение имеют решения, принятые не автоматически, а в результате сознательного выбора. Именно сознательный выбор представляет моральную ценность, предполагается как необходимый этап становления личности, вочеловечения человека. Недаром "послушание через непослушание" привлекает такое внимание в искусстве и религии: когда человек совершает поступок не по приказу, не по привычке, а сделав сознательный выбор.

Нетрадиционность мысли и действия, "инакомыслие" и отклонение от сложившихся стереотипов – необходимое условие любой творческой деятельности. В истоках любого творчества лежит недовольство человека существующим порядком вещей. Поэтому талантливые люди нередко обладают так называемым трудным характером. Сама человеческая сущность предполагает возможность непокорности, отклонения от норм, поэтому послушание свободного человека отличается от абсолютного и безусловного повиновения.

Культура и творчество

Творчество – удел не только выдающихся ученых, политиков или художников, но и каждой личности, осуществляющей свою уникальную миссию самим своим участием в социальной жизни. Жизнь как в профессиональной, так и в бытовой среде очень часто ставит человека в ситуации, когда он за неимением социального образца поведения вынужден в себе самом находить пути решения, самостоятельно достраивать собственный опыт.

В обыденном сознании культура и творчество часто отождествляются. Достаточно вспомнить газетные штампы типа "сфера культуры и творчества", "культура и искусство" и др. Однако соотношение культуры и творчества не так просто. В самом деле, творчество сознательная или бессознательная деятельность? Оно планируемо и управляемо или стихийно, спонтанно и непроизвольно? В первом случае оно явно связано с реализацией норм культуры, во втором – преимущественно с нарушением их, иногда даже помимо воли творца. И вообще, является ли творчество обязательным моментом культуры или чем-то необязательным?

Ведь что такое культура? Существует великое множество определений этого понятия. В обыденном сознании это что-то "правильное и хорошее": кого-то считают "культурным", а кого-то "нет". В этом случае речь фактически идет о "ценностном " понимании культуры как системы ценностей (материальных и духовных) народа или человечества в целом. Действительно, ни одно общество нс может существовать и развиваться без накопления эффективного опыта предшествующих поколений, без традиций, образцов "как правильно жить".

Согласно другому – "технологическому" – подходу культура есть способ жизнедеятельности. Все люди спят, едят, трудятся, любят, но в каждом обществе это делают по-своему. Именно "быт и нравы", или принятые в данном сообществе способы осуществления жизненных актов, понимаются здесь как выражение культуры. В "технологическом" понимании к культуре относятся и такие, сомнительные с точки зрения ценностного подхода, явления как, скажем, "культура преступного мира", "технология действия средств массового уничтожения".

Существует и трактовка культуры, когда культурными признаются не все без исключения способы осуществления жизнедеятельности, а только такие, которые способствуют развитию, совершенствованию и возвышению человека.

Обобщая эти подходы, можно определить культуру как систему порождения, накопления, хранения, передачи (от парода к народу и от поколения к поколению) социального опыта.

Культура держится творчеством, им питается: как в поддержании старых норм и ценностей, так и в создании новых. Культура как языческий идол требует "человеческих жертв", свежей крови и молодых жизней. Чем более "культурна" культура, тем с более жесткой средой традиций приходится сталкиваться творческой личности. Творчество подобно магме, с огромным трудом и тратами энергии прорывающейся сквозь уже застывшие пласты, но лишь для того, чтобы, излившись, застыть новым слоем. И следующим творцам будет еще труднее.

Отличить творчество от его зеркального двойника – негативной социальной девиации, о которой говорилось ранее, – довольно трудно. Не случайно современники нередко и не проводят грани между поведением преступника и творца, расценивая деятельность последнего как преступление против нравственности, религии или нарушение закона. Сократа, задававшего согражданам "лишние" вопросы, приговорили к смерти. Суровое наказание ждало Д. Бруно и Г. Галилея, усомнившихся в том, что Солнце вращается вокруг Земли. На первых выставках импрессионистов возмущенные зрители требовали ареста "хулиганов". Примерно то же было на первых выставках русских художников-передвижников. Как интеллектуальное хулиганство были восприняты современниками теория относительности, квантовая механика. История полна примерами расправы благородных, но неблагодарных современников и соплеменников над творцами, по прошествии времени торжественно вводимыми в пантеон святых.

Творчество желательно далеко не во всякой культуре. Да и большую часть человеческой истории занимают так называемые традиционные культуры, жизнь которых целиком определялась верностью традиции, тиражируемой каждым новым поколением. Всякое отклонение от традиционных норм и правил в таких обществах безжалостно пресекалось, а "творцы" либо изгонялись, либо подвергались жестоким репрессиям. Резким ускорением развития цивилизация обязана культуре, сложившейся в русле иудео-христианской традиции с ее особым вниманием к личности, ее свободе, а значит и творчеству. Именно, а может быть, и только в этой культуре, которая до сих пор определяет лицо современной цивилизации, ориентированной на преобразование окружающего мира, творчество рассматривается как ценность. Более того, в современной цивилизации складываются институты, само существование которых нацелено именно на творчество: творческие союзы, научные институты или политические партии.

Трагедия взаимоотношения творчества и культуры в том, что их отношения несимметричны. Современной культуре творчество необходимо, но творчество не может рассчитывать на культуру, а должно преодолевать ее, становясь новой культурой. Нормативность и типичность необходимы для творчества в том смысле, что их нельзя обойти. В искусстве это типичные образы, выражающие конкретные этнические, национальные, возрастные особенности. В науке – это математический аппарат, позволяющий сводить явление к абстрактным законосообразным объяснениям. Но свои силы творчество может черпать только в человеческой свободе и человеческом сердце – на культуру ему рассчитывать не приходится. То, что делается в расчете на культуру, не творчество, а репродукция, и парадоксальным образом не нужно культуре, губительно для нее. Как вампиру, ей нужна свежая кровь и энергетика, напряженное биение живого сердца, а не мертвые отработанные общие формы.

Культура программирует личность, стремится сделать типичными не только поведение личности, но и ее сознание, мышление, чувства. В творчестве, однако, существенно не столько заранее предзаданное, сколько не имеющее аналогов, анормальное. Поэтому творчество опирается на структуры, фиксирующие новые формы общечеловеческого опыта в новых сложившихся исторических обстоятельствах. Творчество всегда предполагает некий новый образ, пророчество о будущем. Творчество не ретроспективно, не репродуктивно, а перспективно и продуктивно. Творчество – не только комбинация неизменных смысловых единиц культуры, но и создание новых па основе индивидуальной трагедии существования. Творчество разрушительно для традиционного привычного мира. Творческие схемы, формулы и образы, ориентированные вперед, к конечным смыслам истории человеческой жизни, имеются в любой культуре, но их роль и значение нарастают с ходом развития цивилизации.

Продумывание идеи культуры, выявление содержащихся в ней смыслов с неизбежностью приводит к идее творчества. Идея творчества в общем-то гораз­до древнее идеи культуры. Тысячелетиями творчество осмыслялось человеком таким образом, что оно ничего общего не имело с тем, что впоследствии станет мыслью о культуре. Дело здесь в том, что идея культуры неотрывна от человека. Она возникает по-настоящему только тогда, когда человек начинает мыслить все существующее через призму собственных преобразовательных усилий по отно­шению к природе. Идея же творчества, начиная с первобытной эпохи и вплоть до Возрождения, соотносилась исключительно со сверхчеловеческими существами, с богами (Богом). Человек, выступавший с творческими претензиями, тем самым брал на себя функции божества. Маг мог выступать как существо, господствую­щее над природными стихиями, подчиняющее их в собственных целях. Но имен­но поэтому он нарушал меру человеческого, его деятельность не была законной, маг стремился войти в сферу сверхчеловеческой реальности, он был соперником богов, если можно так выразиться - богом-самозванцем. Когда в новоевропейс­кую (ренессансную и послеренессансную) эпоху идея творчества соединяется с человеком, когда он начинает воспринимать себя творцом, только тогда и возни­кает в своей основе идея культуры. В первоначальном смысле.идея культуры - это идея человекобожия, человеческого самообожествления. И совсем не слу­чайно, что в эпоху Возрождения ей неразрывно сопутствует представление о бо­жественном достоинстве человека. Прежде чем вытеснить, сделать неактуаль­ными всякие представления о Боге, человек помыслил себя если и не прямо Бо­гом, то в Его роли.

Утверждение о том, что идея творчества очень древняя, следует понимать в ограниченном смысле. Это так и не совсем так. Если все свести к самой общей и простой схеме, то тысячелетиями в сознании и подсознании человека господ­ствовали два типа представлений о творчестве. Оба они равно неадекватны, од­новременно и раскрывают нечто существенное в творческом акте и в не меньшей степени затемняют его.

Первое из них, так или иначе, отождествляет творчество с порождающим началом. Во-первых, сотворить - значит родить. Роды лежат в основе всего су­щего. Рожают не только матери своих детей, животные - детенышей. Весь мир есть огромное космическое тело и все в нем возникающее, так или иначе, рожде­но материнским началом. Во-вторых, творчество мыслилось как зачатие. Вроде бы различие здесь не существенно, нам представляется естественным: чтобы родить, нужно предварительно зачать. Но архаическое первобытное сознание не отождествляло напрямую зачатие и роды. Не только рождение, но и зарождение всецело относилось к материнскому началу, перенесение акцента на зачатие выд­вигало на первый план мужское начало, связанное с активностью, а не с чистой спонтанностью.

Особо нужно отметить, что во многих мифологиях тема творчества связана с образом смерти, распада, расчленения некоторой первоначальной целостности бытия. Скажем, для германцев, индийцев, египтян и т.д. мир-космос творится в процессе убийства и разделения на части предшествовавшего миру первосуще-ства.

Все перечисленные модификации идеи творчества объединяет главное: они носят натуралистический характер, творчество в них является естественно-при­родным процессом.

Второй тип представления о творчестве исходит из уподобления творче­ства производящей активности человека, хотя его субъектами и являются боже­ства. Очень распространена аналогия с ремесленным производством: акт твор­чества предполагает разум, замысел, искусность. Это уже сверхприродный про­цесс. Человек уподобляет творчество не тому, что ниже его, а тому, что вровень ему как человеку. Может показаться, что представление о творчестве как произ­водящей активности более адекватно, чем другие. Ведь в нем выражен момент разумности, последовательности действий, целеполагания. Существеннее, од­нако, то, что оба типа представлений о творчестве объединяет главное. И в од­ном и в другом случае новое (а творчество всегда несет в себе новизну и уникаль­ность) как бы заранее присутствует. Или нечто эмбриональное выявляет себя во всей полноте - первый тип представлений, или продукт творчества сводится к комбинаторике заранее существующего (замысел в голове творца, его умение, материал преобразовательной активности) - второй тип представлений.

Как видим, изначальные мифологические образы творчества самого суще­ственного в нем и не схватывают. Они не отвечают на главные вопросы: откуда берется сотворенное, в чем состоит создание ранее не бывшего, как происходит процесс перехода от небытия к существованию? Не найден ответ на эти вопросы и за пределами мифологических представлений - ни философией, ни научным знанием. Культурология не является здесь исключением.

И дело не в несовершенстве философского или научного знания. Нужно отдавать себе отчет в том, что тема и образ творчества, будучи исконно связан­ными с миром божественным, тем самым мыслились и представлялись как нечто сверхъ-естественное. В любой религии Бог или боги непостижимы в силу того, что между божественной и человеческой реальностью существует пропасть. Со­ответственно непостижимо и творчество как атрибут божества. Ведь творчество и творение - это обращенность Бога к миру, имеющая своим результатом возник­новение наряду со свёрхъестёствённо-бЬжественной реальностью и реальности естественно-природной. Результат возникновения человеку дан, концы процесса у него перед глазами и в руках, а вот начала, истоки теряются в недостижимой высоте божественного мира. Достигнуть их человек может только став Богом. Если же у человека нет претензий на самообожествление, для него всегда будет со­храняться представление о непостижимости творчества. Таково оно, в частности, в христианстве.

Христианский взгляд на творчество - это понимание его как творения. Бог творит мир из ничего, из чистого абсолютного ничто. Стоит христианству сделать уступку и хоть как-то допустить, что Бог творит из Самого Себя (скажем, из вечно присутствующих в нем идей) или из некоего подобия первоматериала, какой-то реальности, существующей помимо Бога, и самые основания христианского ве­роучения будут поколеблены. Наряду с тринитарным вопросом (триединством Бога) с проблемой богочеловеческой природы Христа идея творения из ничто - основа основ христианства. В Символе Веры рождение и творение разведены. Бог порождает только Бога. Он - Его Сын. Люди же по природе тварны, рожда­ются они в Боге по благодати.

Но если понять и сколько-нибудь отчетливо помыслить_идею творения из
ничто нё1*6зможи6",;,то можно приблизиться, ощутить какими-то мгновениями ее
присутствие. И jjin^o.^ceu^qHaji^BrvicKaej^^JuQSb - првдёдЗ§л^веческого.
Можно сказа"ть~так: щея_т<^нешъ^&^ше\^шшшне\л^гпуб\лне тождественна*
идее_т^05ения_из^ hj^o,;^^ jjja4i^4Tq_o^^ ее недо-

ступность вовсе не завораживала и не парализовала ум и волю христианина. Идея творения так невероятно богата и неисчерпаема своими следствиями, она открывает.такие горизонты перед человеком, так пронизывает мир жизнью и смыс­лом, что более чем достаточно исходить из нее, а не вперять в нее обезумевший от бессильного напряжения взор.

В основе человеческого творчества лежат те же акты опредмечивания (воп­лощения) и рд£прйдмечивания (развоплощения). В равной мере, хотяТГйа свой лад, оба они являются творческими, хотя на обыденном уровне мы привычно называем творчеством прежде всего или даже исключительно акт опредмечива­ния. Когда человеческая уникальность внутреннего мира становится внешним бытием, новой, доселе не бывшей предметной реальностью произведения искус­ства или философского текста, творчество в этом случае есть не что иное, как изменение способа индивидуально-личностного бытия. Из подвижно-текучего мира образов, представлений, идей оно переходит в застывшую форму, отделенную от I личности. Творче^в^_т^1^с^]^ы^о^начает не тол^ко_п^р^^од,_ох_шУ1Веннего со-стояния^о^нешнее, но и прояснение, упорядочение, гармонизацию того, что было \ внутренним миро^_тв£рцак_Для идеи культуры очеТн"|Гв1ажЖ^^ ^человеку"какТтв^щуу~в потенции. Идея культуры не знает непреложного разделе­ния людей по принципу "принадлежности или непринадлежности к культуре. Qj-1 сюда и всеобщность творческой природы человека. Одна из неразрешимых про­блем культурологии состоит в том, что творческая природа человека в огромном большинстве случаев не актуализируется. Потенциальные творцы не выявляют своего уникального внутреннего мира, он не становится произведением, остава­ясь душевным состоянием, аморфным и непроясненным. Вероятно, наиболее впечатляющим свидетельством творческой природы человека являются снови­дения. У очень многих людей они представляют собой царство гармонии, звуков, красок, линий. Их отличие от гениальных произведений в одном. Эти сны не ста-

овятся предметной реальностью, оставаясь принадлежностью внутренней, ду­шевной жизни человека.

Творчество как опредмеяетвание можно обозначить как продуктивное^ На­ряду с ним, хотя это и мМее очевидно, существует еще и творчество как самосо­зидание. В основе его лежит распредмечивание (развоЬпощенп^гВшт&^ас^- v предтяечивания (например, чтение книги) человек делает свеим внутренним дос­тоянием предварительно опредмеченныи в тексте внутренний мир другого чело­века. В результате он в буквальшм-смыслв-таодит. Только в отличие от продук-тивного^гО"тв"ор^"ество^нагГравлено_не_вовне, а внутрь_С£мрго человека, он творит.хамо1О.с^бя. Ведь та же прочитанная книТаГесли она действительно прочитана, нечто изменяет во внутреннем мире человека, происходит сдвиг в его мировоз­зрении, оказываются затронутыми ранее не прозвучавшие душевные струны и т.д.

Наряду с двумя упомянутыми видами творчества, продуктивными и само­созиданием, творческий момент несет еще и общение (коммуникацию). В процес­се общения люди ^о1д^юТтгперпесоздаютее1я"И-тех г -С кем общаются. Общение включает в себя моменты опредмечивания и распредмечивания стой только осо­бенностью, что они непрерывно переходят одно в другое. Так, в разговоре как разновидности общения сказанное слово (опредмечивание) непосредственно ста­новится состоянием того, к кому оно обращено, т.е. распредмечивается, стано­вясь внутренним миром собеседника.

Общение не только может быть и является творчеством, но и оказывает, о"tpfit/iftdes; ^ йёйцЙайышхе бще влияния ffa ■■"другаУцшдьг jnnjv4(*bxfta_Qfipa щение к историко-культурному материалу свидетельствует о том, что прбд-учсшвнае твор-, чество слишком часто образует лишь верхушку айсберга, подводная часть кото­рого - творчество каккоммуникацияГ Наглядным свидетельством сказанного слу­жит устойчивая особенность продуктивно-творческой деятельности. Творческие прорывы на протяжении столетий и даже тысячелетий осуществлялись через деятельность культурных общностей, немыслимых без непрерывного общения, ^ кружков, canojbLOB, союзов, братств и т.п. Платоновская и флорентийская Ака­демии, Йенский кружок романтиков, объединение "Мир искусства" - во всех этих небольших, более или менее замкнутых общностях происходило приблизитель­но одно и то же. Предварительно проговаривалось, прояснялось, высвечивалось то, что потом становилось продуктом деятельности творца-одиночки. Конечно, он не просто записывал, запоминал, но во всяком случае в нем в процессе общения нечто решающей степени важности стимулировалось и инициировалось. То, что вне общности так и осталось бы душевной темнотой, чем-то не оформившимся в акте выявления и выражения. Поэтому очень часто индивидуальный творец вов­се не является самодовлеющим и самозамкнутым субъектом творчества. Скорее он оформитель, довершитель, интерпретатор того, что возникало совместно в процессе коммуникации.

Для понимания существа творчества очень важно учитывать, что оно не только совпадает с культурой, образует ее ядро, но возможны и реально имеют место противоречия между творчеЪтБЬТГйПкультурой. Для их уяснения еще раз обратимся к идее культуры.

До сих пор говоря о культуре в ее отделенности от природы, о культуре как единстве опредмечивания и распредмечивания, мы оставляли в стороне тот момент, что существование культуры предполагает гармоническое устроение чело­века. Будучи субъектом культуры, в своих преобразовательных усилиях человек творит "вторую природу" (свою собственную и внешнюю, его окружающую) как некоторую высшую, по сравнению с чисто природной, гармонию. Ведь идея куль­туры тогда только и возникает, когда человек ощущает себя не просто творцом, но и существом, способным в процессе творчества создать мир более возвышенный и прекрасный по сравнению с тем, который застает.

Именно по пункту гармонии возможны самые острые противоречия между творчеством" и культурой.Так ил и~й"наче, в течение послед нйЗГдвух столетий иде-ал творчества и творца сводился к созданию абсолютно совершенного произве-

дения,Тиедё^р^71^ы1Ж словами, к воплощению в продукте творчества высшей истины, добра и красШьТГТДц^л_ку_льтуры - это саммчеловек как в его предмет­ном воплощении, jajLy в деятельностном измерении. С точки зрения культуры человек не можетбыть всецело подчиненным тому, что он творит, что опредмечи­вает в продукте. Какие бы великие произведения ни создавались, они создаются для человека и вне его не имеют никакого смысла. Более того, они должны спо­собствовать его гармоническому и всестороннему развитию - таково требование культуры по отношению к творчеству, таков культурный идеал. Другой вопрос, в какой мере он достижим для творчески продуктивной личности. Далеко не во всем, не всегда и не у всех. Обратимся к свидетельствам самих творцов. Оба они не только крупнейшие писатели XX в., но и люди, размышлявшие над проблемой творчества.

Первая характеристика творчества принадлежит В. Набокову. "Я не раз за­мечал, - пишет В. Набоков в своем автобиографическом романе "Другие бере­га", - что стоит мне подарить вымышленному герою живую мелочь из своего детства, и она начинает тускнеть и стираться в моей памяти. Благополучно пере­несенные в рассказ целые дома рассыпаются в душе совершенно беззвучно, как при взрыве в немом кинематографе" 1 . Попробуем перевести чеканную прозу На­бокова на язык культурологии. "Подарить вымышленному герою живую мелочь из своего детства" - ведь это и есть опредметить, объективировать свой внутрен­ний мир в его уникально-личностном, интимном аспекте. "Целые дома рассыпа­ются в душе". Не идет ли речь о том, что опредмеченное перестает быть моим внутренним миром? Он истощается и оскудевает. В душе возникают провалы не­бытия. Где уж тут гармоническое и всестороннее развитие творца в процессе и результате творчества? Его нет. Есть бытие культуры для другого, для читателя. У него несомненно произойдет акт распредмечивания, созданного большим рус­ским писателем.

Второе свидетельство о творчестве в его соотнесенности с культурой со­держится в письме Т. Манна к исследовательнице его творчества: "Не без жеста стыдливого отрицания замечаю я порой, например, что на основании моих книг меня считают прямо-таки универсальным умом, человеком энциклопедических знаний. Трагическая иллюзия. На самом деле я для писателя... всемирно извест­ного невероятно необразован. В школе я не обучался ничему, кроме как чтению и письму, маленькой таблице умножения и немного латыни. Все остальное я отвер-гал с тупым упорством и считался закоренелым лентяем - преждевременно; ибо позднее я проявлял отличное прилежание, когда требовалось подвести научную базу под какие-либо поэтические произведения, т.е. набраться положительных знаний, чтобы их литературно обыграть... Так я поочередно был образованным медиком и биологом, хорошо подкованным востоковедом, египтологом, мифоло­гом и историком религии, специалистом по средневековой культуре и поэзии и т.п. Плохо, однако, что как только произведение, ради которого я шел на такие науч­ные расходы, закончено и отставлено, я с невероятной быстротой забываю все выученное на этот случай и с пустой головою пребываю в жалком сознании пол­ного своего невежества, так что можно представить себе горький смех, каким от­вечает на эти дифирамбы моя совесть" 1 . Учтем, что в письме Т. Манна есть изве­стная доля самоиронии и преувеличения. К тому же, что он преувеличивает, нуж­но отнестись со всей серьезностью.

Прежде всего обращает на себя внимание наличие у немецкого писателя мотива, сходного с Набоковым: творчество-опредмечивание опустошает худож­ника, когда после создания произведения он "с невероятной быстротой забывает все выученное" и "остается в жалком сознании полного своего невежества". Есть у Манна и дополнительные акценты. Так, у него отчетливо звучит мотив несов­местимости творчества с универсализмом, т.е. всесторонним развитием личнос­ти. И другой мотив: человек прикован к своему творчеству, творчество владеет им, а не он творчеством. Человек подчинен некой вне его пребывающей силе. А это уже несовместимо с таким важным для идеи культуры идеалом самонаправ­ленности и высшей ценности личности. Творческим актом этот идеал колеблется и подрывается. Если задаться самым простым вопросом, что предпочтительнее - "все свое носить с собой", ощущать в себе присутствие тех знаний, идей, обра­зов, которые приобретены образованием, или каждый раз забывать их, отдавая воплощенному в произведении, -то с позиций культуры одинаково важно и то и другое: и внутреннее богатство личности, и ее реализация в творческом продук­те. У Т. Манна выражен другой опыт, опыт забвения, а значит, умирания души, потому что жизнь личности состоит равным образом в сиюминутных, здесь и те­перь длящихся впечатлениях и в способности помнить и вспоминать.

Как уже отмечалось, противоречие между продуктивным творчеством и куль­турой относительно недавнего происхождения. Особо остро оно дает о себе знать в XX в. Его можно отнести к одному из симптомов кризиса культуры. Но были эпохи, которые этого кризиса не знали. В частности и потому, что продуктивное творчество-опредмечивание было более уравновешено творчеством-самосози­данием и творчеством-общением. Сам творец не сводил свою жизнь к все подав­ляющей цели воплощения своего внутреннего мира, а стремился жить целостно и разносторонне. Более того, нередко творчество-самосозидание или, как говори­ли еще в прошлом веке, "самосовершенствование" ценилось не менее, если не более высоко, чем продуктивность.

творчество, человек, уровни сознания, уровни разума

Аннотация:

В статье рассматривается понимание творчества, его уровни, направленность, значимость и развитие его технологий в современной культуре

Текст статьи:

“Творчество — есть создание нового”. Именно в этой транскрипции понятие творчества существует в культуре. В силу этого, культура и творчество явления, вытекающие одно из другого. Как культура создается в процессе творчества, так и творчество питается и развивается за счет культуры. Поэтому целесообразно рассматривать творчество как вершину главной движущей силы — деятельности, в процессе которой создаются новые ценности, имеющие тот или иной культурный статус.

Творчество — сложная проблема, загадка которой всегда будет волновать умы людей. Несмотря на многочисленные изыскания в этой области, тайна творчества не разгадана, и, очевидно, не мо­жет быть выявлена до конца. Совершенно очевидно, что стилей, видов, способов творчества столько, сколько существует творцов. Каждый вырабатывает свой собственный метод, свою творческую лабораторию, однако наметились несколько крупных направле­ний, поставивших себе задачу определить сущность творчества.

Так же разнообразны и уровни творчества. Различают творчество сфере исполнения, авторства, подражательства, интерпритации, вариативности, импровизации и др. Причем все эти направления обладают выраженной спецификой, формируют необходимые именно в этой сфере навыки и др. Но с большей долей определенности, творчество подразделяется на созидательные процессы в области создания идей (продуктивное) и создания технологий (репродуктивное) .

Исследователи творческих процессов в течение долгого времени пытаются выяснить приоритетность этих позиций. Сторонники “создателей идей” (Любкохт Ф., Рансверт С., Шипурин Г. и др.) полагают, что главное в творчестве и, следовательно культуре — создание идей, то есть мыслеформ, которые затем могут быть облечены в одеяние конкретного предмета. Именно идеи, мысли — главное богатство культуры. Поэтому человек и человечество должно сформировать по отношению к данному аспекту правильное понимание. Сторонники “технологической компоненты” (Зараев В., Зверев А., Фуйдинг Р., Янкерс А. и др.) полагают, что идея — важная, но не столь значимая позиция в творчестве . Люди не могут питаться идеями, последние должны быть облечены в предметы. Для развития общества необходимы не только правильные идеи, но и оптимальные технологии. Они способствуют наполнению общества образцами культуры. Поэтому важно не просто придумать модель, но и быстро, с меньшими затратами, на высоком качественном уровне создать предмет. Для этого необходима технология, которая может помощь человеку овладеть той или иной профессией, навыками, научить созданию предметов, продуктов культуры и др. Технологическое творчество — огромная поле, в котором создаются методы творчества, методы обучения, методы выполнения тех или иных действий и др.

В последнее время оба уровня творчества считают равнозначным, отмечая, что приоритет тому или иному направлению отдают в зависимости от ментальности национальных культур. Так, российская культура — делает акцент и полагает более значимым творчество в сфере производства идей; культуры же, ориентированные на исполнение (Япония, Китай и др. восточные культуры) полагают более значимым творчество в области технологий. Очевидно, что целесообразно считать творчество в том или ином направлении одинаково значимым и рассматривать его приоритетность с точки зрения воздействия на личность.

Помимо создания нового, имеющего значение для существующей культуры, творчество может выступать в этом качестве и по отношению к личности. Поэтому репродуктивные (воспроизводящие) виды знаний и деятельности, не являющиеся для общества новыми, ставят личность в ситуацию творчества, вырабатывая в ней, тем самым новые способности, навыки, умения, знания. В силу этого, каждое новое поколение становится творцами в процессе освоения наличной культуры.

В литературе творчество трактуется как “процесс человеческой деятельности, создающие качественно новые ценности. Творчест­во представляет собой возникающую в труде способность человека из доставляемого действительностью материала созидать новую ре­альность, удовлетворяющую многообразным человеческим потребностям” . В истории развития человечества наметились несколько направлений-взглядов на творчество. Платон рассматривал его как “божественную одержи­мость”, трансформируясь в направлениях и культурах, но оставаясь прежней со сути, эта позиция существует и до настоя­щего времени.

Ученые всегда пытались систематизировать творчество. Аристотель отмечал типы мимесиса в искусстве, Руссо и Декарт придерживались принципов рационализма — выработки канонов, контролирующих деятельность в познавательной сфере и моменты перерастания в творчество. Русские философы и писатели создавали свои системы — теоретико-художественные; в который возможно отражение высших твор­ческих достижений.

Широко известны теории З.Фрейда и Э.Фромма, в которых фрейдистская школа связывает творчество и творческий процесс с сублимацией. Поэтому творчество в этой интерпретации — уравновешивание принципа удовольствия и ре­альности, которые Фрейд полагает как основные виды психики человека. Творчество поэтому — стремление удовлетворить накопившиеся желания, адаптироваться через эту трансформацию в реальности, которая рассматривается как игра. При этом жела­ния — заложенные с детства комплексы, каковые укрепились и увеличились под воздействием многочисленных общественных за­претов, связанных преимущественно с сексуальной сферой. В ито­ге все творчество художника дает выход его сексуальным влечениям. Такое трактование переносится фрейдистами не толь­ко на объяснение процесса создания, но и содержания произведе­ний, кои, в свою очередь, переносятся и на анализ восприятия. Более того, общество и общественные коллизии, отмечает Фрейд, порождены именно этими причинами, причина психических сры­вов, напряжений, конфликтов, лежит в этой биологической зоне.

Фромм рассматривал творчество как осмысление проблемы сущности и существования человека, придя к выводу, что главным в этом мире является любовь не во фрейдистско-сексуальной одеж­де, а всеобъемлющая любовь, основой которой является искусство. Поэтому главное в мире — искусство, поиски человеком самого себя, выражение своих поисков в художественных образах, кото­рые имели место в прошлом, настоящем и будущем.

Целый ряд исследователей связывает творчество с системати­ческой деятельностью, преимущественно предметного характера. Можно сказать, что именно эта позиция преобладает в разработке феномена творчества в европейской школе. Основой любого творчества становится напряженная систематическая целеустремленная деятельность. Широко известны фразы, типа высказывания Чайковского “вдохновение — редкая гостья, она не любит посещать ленивых”, Пушкина — “талант — это одна капля одаренности и девяносто девять капель пота”, Паскаля “случайные открытия делают лишь хорошо подготовленные умы” и др.

Но механизмы включения в творчество в западной шкале прак­тически не отработаны. Под исследованием творческих методов рассматривают прежде всего внешнюю атрибутику — систематику труда, образ жизни, питание, использование термических приемов и др. Этот пробел достаточно наглядно проявляет себя в жизни творцов. Среди ог­ромного количества талантов, рожденных западно-европейской, русской, американской школой, можно насчитать немало таких, которые включались в творчество на короткие периоды, испыты­вая после этого длительные полосы бездействия и уныния, часть художников могла создавать произведения под влиянием алкогольных, наркотических веществ, что разрушало физическое и психи­ческое тело и приводило к известным последствиям.

Многие художники искали свои методы входа в нужное состояние. Изве­стно, что Пушкин и Толстой любили ходить босиком по снегу и каменному полу, мотивируя это тем, что кровь более мощно орошает мозг, который начинает лучше работать. Кто-то должен был перенести сильный стресс, своеобразный шок, который позволял приобрести необходимые для творчества свойства. Но, несмотря на разность способов, везде усматривается общая тенденция войти в состояние “иного бытия”, пребывание в котором не безразлично для психики. Не случайно именно в западной школе, российской действительности так много талантов с хрупким душевным здоровьем. Очевидно, что творче­ство нуждается не только в объяснении его с точки зрения грубых материальных позиций, но и рассмотрении в более тонких категориях, которые должны быть подкреплены четким механиз­мом входа и выхода из него .

Эти позиции прекрасно разработаны в восточных школах. Поэтому основной акцент при анализе взаимоотношений культуры и творчества мы сделаем именно на этих методиках и объяснениях позиций творчества.

Восточная эзотерическая культура — древнейшая и неотъемлемая часть культуры человечества. Она содержит систему общих представлений о генезисе, строении и мировом порядке. В силу того, что такие знания чрезвычайно усиливают власть над миром и окружающими, то посвященные должны были обладать особыми качествами — специфическими показателями мозга, способными вместить знания, духовной зрелостью, ответственностью и быть в состоянии его нести Трансформация сакральных знаний и учений в экзотерические (открытые, светские, доступные для всех) позволя­ет не только познакомиться с ними теоретически, но и включиться в технику овладения духовными методами. Остановимся на неко­торых из них. Известные сейчас широкому читателю Алиса А.Бейли, Сатпрем, Шри Ауробиндо Гхош, Ошо Раджнеш, русские исследователи Рерихи, Каптен, Антонов В.В., Лапин А.Э., Каширина Т.Я., Малахов Г.П. говорят о том, что творчество не что иное как подключение к единому информационному полю и все, что может сделать человек, это найти наиболее приемлемый для себя способ входа в него.

Информационное поле неоднородно по своему составу. Оно чрезвычайно многоаспектно и низший — мен­тальный слой состоит из пяти пластов разума — обыкновенного, высшего, озаренного, интуитивного, глобального. Наиболее полно эти позиции разработаны у Шри Ауробиндо, по которому мы и дадим эти характеристики. Он считал, что каждый пласт разума обладает особым цветом и вибрацией. Именно свойства или каче­ства света, характер и частота вибраций, являются барьерами пла­стов разума. Так, в его интерпретации, низший или обыкновенный разум — серая маиса с множеством темных точек, которые роятся вокруг голов людей, та огромная масса информации, которая по­стоянно атакует человека. (Мозг человеческий эзотерические уче­ния рассматривают не как создающий мысли орган, а как приемник, который постоянно ловит те или иные мысли, инфор­мацию). Обыкновенный разум — наиболее плотный пласт, огром­ный по своему объему, который держит обыкновенных людей в плену своей информации, ориентированной преимущественно на характер и качество межличностного общения. Люди, находящи­еся в нем, бесконечно зависимы друг от друга, обоюдных эмоций и часто не могут долго сохранять единое стойкое настроение. Они, по выражению А. Бейли, несчастны, так как находятся на дне оке­ана и не представляют красот верхних солнечных этажей. Творче­ство здесь возможно в чрезвычайно малой степени. Чаще всего оно сводится и практически подменяется компилированием уже со­зданных работ.

Высший разум чаще всего встречается у философов и мыслите­лей. Изменяется и его цвет. В нем появляются голубке оттенки, наблюдаются вспышки света, которые некоторое время не исчеза­ют. Здесь концентрируется информация, ориентированная на кон­кретный ум, который достаточно жесткий по своему характеру и ориентирован на постоянное анализирование, расчленение. Чело­век, выходящий в этот слой, не может понять полученную инфор­мацию сразу, он долго соотносит ее со своими установками, выбирает из нее эпизоды, по-новому компонует и создаст свой, отличный от общего информационного поля, предмет. Эмоции в этом слое длятся дольше, чем в обыкновенном разуме, но и они зависят от массы окружающих обстоятельств. Озаренный разум характеризуется иной природой. Его основа уже не “общая нейтральность, а ясная духовная легкость и ра­дость, на этой основе возникают особые тона эстетического созна­ния”. Этот слой разума залит золотым потоком света, насыщен­ного разными оттенками, в зависимости от сознания творца. Чело­век, вышедший в этот пласт, находится в состоянии легкости, радости, любви ко всем окружающим, постоянной готовности к позитивным действиям. Разум безгранично расширяется и с радо­стью приемлет весь мир и себя в этом мире. Информация, посту­пающая из общего поля, воспринимается сразу, не требует длительного приспособления к качествам творца. Творчество осу­ществляется в самых разных направлениях-науках на уровне открытий, искусстве во всей его многожанровости, поклонению новому, искренней любви. Восхождение к этому пласту характеризуется внезапным расцветом творческих способностей и чаще всего проявляет себя в поэзии. Большинство великих поэтов выходили в этот пласт, великие композиторы черпали из него свои идеи. Каждый человек может время от времени выходить в него и ярким подтверждением этого становятся дети, которые в период 4-7 лет часто говорят стихами, и, хотя здесь происходит чаще всего механическое рифмование, определенная связь с озаренным разу­мом присутствует налицо. Человек, овладевший духовной практи­кой и могущий выходить в этот пласт разума, находится в нем столько времени, сколько ему требуется, озаряет своим светом и теплом других. Это лучезарные люди, которые притягивают к себе остальных.

Интуитивный разум отличается ясной прозрачностью, по­движностью, воздушностью, не связанностью с метальными по­строениями. Выход в него происходит внезапно. После пребывания в других слоях разума и человек становится знающим не на уровне построения ментальных конструкций, а на уровне все-знания, все-понимания. Интуиция приносит состояние постоянной радости и счастья, когда человек выходит на стадию не познания, а узнавания, как говорит Шри Ауробидно — происходит вспоминание истины. “Ког­да происходит вспышка интуиции, то ясно видно, что знания — это не открытие чего-то неизвестного — открывают только себя, больше нечего открывать, — это постепенное распознавание во времени того мгновения Света, когда мы видели все. Язык интуиции предельно конкретен, в нем нет пышных фраз, но нет и теплоты озаренного разума.

Глобальный разум — вершина, к которой редко подходит чело­век. Это уровень космического сознания, где еще сохраняется лич­ностная индивидуальность. Именно из этого пласта приходят великие религии, все великие духовные учителя черпают из него свои силы. В нем хранятся величайшие произведения искусства. Сознание человека, вышедшего в этот слой — масса постоянного света, где ликвидируются противоречия низших слоев разума, так как все заполнено светом, создающим гармонию, радость и вселен­скую любовь. Глобального сознания редко может достичь человек, но когда это происходит, то осуществляется разными путями: ре­лигиозной самоотдачей, художественной, интеллектуальной дея­тельностью, героическими подвигами — всем, чем человек может преодолеть себя . Все эти пласты разума — ментальные, низшие слои, в которые можно выйти посредством длительной духовной практики, прекрасно разработанной человечеством.

По сути дела, созданные на Востоке духовные практики-методики — единственные, которые были даны человеку, которые могли и могут создать мощное духовное здоровье и сверхчеловеческие способности. Таким образом, плоды творчества, которые мы часто с тщеславием считаем своими, по сути дела есть подключение к единому информационному полю, разным слоям разума. Не случайно духовные учителя человечест­ва редко ставят свои фамилии под произведениями, написанными ими, объясняя это тем, что они были им просто продиктованы.

Методики выхода в разные пласты разума чрезвычайно разно­образны. Сейчас они становятся популярны во всем мире. Но везде остается общей позицией сохранение духовной и физической чи­стоты, воздержанность в пище, использование значительного ко­личества выверенных медитаций.

Связь с различными пластами разума в разное время ощущают почти все. Каждый помнит мгновения узнавания какой-то местно­сти, фразы, мысли, которые уже как будто встречались, хотя чет­ко знаешь, что сталкиваешься с этим впервые. Очень наглядно прослеживается связь с информационным полем, когда человек увлечен определенной идеей. Через некоторое время после ее об­думывания на него буквально начинает «сыпаться» нужная лите­ратура, происходят встречи с людьми, могущими ему помочь. То есть выход в общий информационный пласт всегда привлекает к себе родственную информацию. У каждого бывают интуитивные проблески, когда человек четко знает, что будет, но конкретный разум начинает его уговаривать, что все это нелогично и, следова­тельно, нелепо. Отсюда, значительное число неверных поступков.

Эта информация дает возможность приблизиться к исследова­нию феномена провинциального творчества. Известно, что в неко­торых точках земного шара, к которым относится и Россия, сужен пласт обычного или низшего разума, поэтому вся культура нашей страны насыщена информацией более высоких слоев. Отсюда и люди, рождающиеся на этой территории, изначально наделены большими данными для выхода в более высокие информационные поля. Но сужение этого пласта по-разному представлено в конк­ретных местностях и, в значительной степени, зависит от обилия живущих совместно людей. На территориях с их большим количе­ством более плотным становится низший слой разума (столицы), который столь концентрирован, что пробиться сквозь него чрезвы­чайно сложно. Обилие людей рождает очень мощное поле, которое координирует групповые поступки, включая всех в единые вибра­ционные колебания. Пока живешь и действуешь в резонансе со всеми, то чувствуешь себя комфортно, и только когда человек начинает искать свой путь, то есть выходить из общего потока вибраций, на него начинают сознательно давить окружающие. Каждый из нас испытывал противодействие, когда мы пытались принять самостоятельное решение. В этот момент вокруг возника­ет множество людей, которые приводят совершенно естественные “правильные” доводы и атакуют нас своими рассуждениями. Они успокаиваются только тогда, когда добиваются своего. Шри Ауробидно Гхош указывал: «Пока мы бредем общим стадом, жизнь оказывается относительно проста, со своими успехами и неудачами — успехов немного, но не слишком много и неудач; однако как только мы хотим покинуть общую колею, восстают тысячи сил, вдруг очень заинтересованных в том, чтобы мы вели себя “как все”, — мы воо­чию убеждаемся как хорошо организовано наше заключение” . В этой ситуации силы человека расходуются прежде всего на противостояние окружающим влияниям, человек плавает в волнах низшего разума, не имея сил выйти за его пределы.

Пребывание в провинции, на природе чрезвычайно необходимо творцам. Это, ни что иное, как попытка и возможность побыть в менее насыщенном пласте низшего разума, сконцентрировать свои силы и выйти в другие информационные поля. Об этой потреб­ности достаточно много писали представители всех отраслей зна­ния и искусства. В провинции слой низшего разума не только сужен, он еще и менее динамичен, как бы разрежен. Среди множе­ства серых точек и завихрений просматриваются другие цвета, чувствуются другие вибрации. Меньшее атакование чуждых сил позволяет легче преодолеть эти барьеры.

Следующий момент, ко­торый здесь очевиден, связан с видами деятельности. Практиче­ская направленность труда большинства жителей провинции с четкой выверенностью ценностных ориентации и самый склад жизни направляет человека не на беспредметную рассудочную гибкость интеллекта, а на стабильность, связанного с жизненными ценностями человека. Это относительное спокойствие не возму­щает и не рождает в такой степени как в других средах динамику низшего разума, в результате чего, его атаки несколько сглажены и существует возможность сохранить свое «я». Несмотря на то, что в настоящее время СМИ чрезмерно насытили слой низшего разу­ма, это уравнивается стабильностью жизненного уклада. Думает­ся, поэтому провинция остается полем созидания, в котором сам образ жизни ориентирует человека на творчество.

История чело­вечества достаточно наглядно демонстрирует зависимость творче­ства от места созидания, где творцы уединяются в тихих, отдаленных, высокогорных местах, где слой низшего разума раз­режен.

Поэтому сейчас перед нами стоит задача не только научить молодежь набору информации, собранной конкретным разумом, но и обратить их внимание на обучение проверенных временем методикам, открывающим выход в эти структуры, научить воспринимать высокие произведения искусства, об­щаться и понимать достойные научные открытия.

В этом случае неоценимыми станут изучение духовных практик востока, книг и школ этого направления сейчас достаточно много. Студентам будет полезно обратиться к литературе подобного рода и выработать у себя привычку к новой деятельности.

Думается, что она не просто оптимизирует творческие процессы, но позволить решить более глобальные задачи: покажет путь к формированию истинной духовности, нау­чит черпать из высоких информационных пластов, подготовит к кропотливой и напряженной работе. Ведь известно, что интеллек­туальная и духовная деятельность самая сложная и требует гро­мадной воли, усилий на собой, помогающих достичь нужного состояния, которое приходит лишь в результате длительной вдум­чивой практики.

Сейчас творчество, его осмысление, развитие творческих навыков переживает настоящий бум. Соединение восточно-западных методов творчества, широкое распространение медитативных и иных духовных техник становится обладать определенной суммой творческих навыков, собственной творческой лабораторией, которые позволяет в короткое время заполнить вакуум знаний и умений. Поэтому творчество становится не просто желательным, а необходимым компонентом жизни человека. И, если в давние времена, оно обеспечивало возможность выживания в природной среде, то сейчас — оно инструмент выживания в среде социальной.

Очевидно, масштабность творческих процессов будет возрастать, так как общество переходит на новый уровень развития, где главной сферой деятельности становится деятельность интеллектуальная, поэтому переоценить исследование проблемы взаимоотношений творчества и культуры просто невозможно.

→